La evolución histórica del desnudo en el arte corre paralela a la historia del arte en general, salvo pequeñas particularidades derivadas de la diferente aceptación de la desnudez por parte de las diversas sociedades y culturas que se han sucedido en el mundo a lo largo del tiempo. El desnudo es un género artístico que consiste en la representación en diversos medios artísticos (pintura, escultura o, más recientemente, cine y fotografía) del cuerpo humano desnudo . Se considera una de las clasificaciones académicas de las obras de arte . La desnudez en el arte generalmente ha reflejado los estándares sociales de estética y moralidad de la época en la que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la desnudez en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes parámetros para lo que es aceptable: por ejemplo, incluso en un museo donde se exhiben obras de desnudos, la desnudez del visitante generalmente no es aceptable. Como género, el desnudo es un tema complejo de abordar debido a sus muchas variantes, tanto formales como estéticas e iconográficas , y algunos historiadores del arte lo consideran el tema más importante en la historia del arte occidental . [Nota 1]
Aunque suele asociarse al erotismo , el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología a la religión, pasando por el estudio anatómico , o como representación de la belleza y del ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia . Su representación ha variado según los valores sociales y culturales de cada época y de cada pueblo, y así como para los griegos el cuerpo era motivo de orgullo, para los judíos —y por ende para el cristianismo— era motivo de vergüenza, era la condición de los esclavos y de los miserables. [1]
El estudio y la representación artística del cuerpo humano ha sido una constante a lo largo de la historia del arte, desde la prehistoria ( Venus de Willendorf ) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clásico hasta nuestros días, y condicionando en gran medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se limitaba a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que lo justificaban. En el Renacimiento , la nueva cultura humanista , de signo más antropocéntrico , propició el retorno del desnudo al arte, basado generalmente en temas mitológicos o históricos, mientras que los religiosos se mantuvieron. Fue en el siglo XIX, sobre todo con el Impresionismo , cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial. En épocas más recientes, los estudios sobre el desnudo como género artístico se han centrado en análisis semióticos , especialmente en la relación entre la obra y el espectador, así como en el estudio de las relaciones de género. El feminismo ha criticado el desnudo como un uso objetual del cuerpo femenino y un signo del dominio patriarcal de la sociedad occidental. Artistas como Lucian Freud y Jenny Saville han elaborado un tipo de desnudo no idealizado para eliminar el concepto tradicional de desnudez y buscar su esencia más allá de los conceptos de belleza y género. [2]
El arte prehistórico es el arte desarrollado desde la Edad de Piedra ( Paleolítico Superior , Mesolítico y Neolítico ) hasta la Edad de los Metales, periodos donde aparecieron las primeras manifestaciones que pueden considerarse como artísticas por parte del ser humano. En el Paleolítico (25.000–8000 a. C. ), el hombre cazaba y vivía en cuevas , produciendo las llamadas pinturas rupestres . Tras un periodo de transición (Mesolítico, 8000–6000 a. C. ), en el Neolítico (6000–3000 a. C.) el hombre se vuelve sedentario y se dedica a la agricultura, surgiendo sociedades cada vez más complejas donde cobra importancia la religión y se inicia la producción de artesanías . Finalmente, en la llamada Edad de los Metales (3000–1000 a. C.), surgen las primeras civilizaciones protohistóricas . [3]
En el arte paleolítico , el desnudo estaba fuertemente ligado al culto a la fertilidad , como se puede comprobar en la representación del cuerpo humano femenino —las «venus»—, generalmente de formas algo obesas, con generosos pechos y caderas abultadas. La mayor parte proceden del periodo auriñaciense , y están generalmente talladas en piedra caliza , marfil o esteatita . Destacan las venus de Willendorf , Lespugue , Menton, Laussel , etc. A nivel masculino, la representación del falo —generalmente erecto— en forma aislada o de cuerpo entero, también era signo de fertilidad, como en el Gigante de Cerne Abbas ( Dorset , Inglaterra). [4] En las pinturas rupestres —sobre todo las desarrolladas en las zonas franco-cantábricas y levantinas— son habituales las escenas de caza, o de ritos y danzas, donde la figura humana, reducida a contornos esquemáticos, se representa en ocasiones resaltando los órganos sexuales —los pechos en las mujeres y el falo en los hombres—, probablemente asociados a ritos de apareamiento. Algunos ejemplos se encuentran en las cuevas de El Cogul , Valltorta y Alpera . [5]
Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, especialmente de las grandes civilizaciones del Próximo Oriente : Egipto y Mesopotamia . También incluiría las primeras manifestaciones artísticas de la mayor parte de los pueblos y civilizaciones de todos los continentes . Uno de los grandes avances de esta época fue la invención de la escritura, generada fundamentalmente por la necesidad de llevar registros de carácter económico y comercial. [6]
En las primeras religiones, desde la sumeria hasta la egipcia , el antiguo culto a la Madre Tierra se relacionaba con las nuevas deidades antropomorfas , vinculando la forma femenina con la naturaleza, en cuanto ambas son generadoras de vida. Así, los dioses gemelos egipcios Geb y Nut representaban la tierra y el cielo, de cuya unión nacían todos los elementos. En otros casos, los dioses se relacionan con elementos cosmológicos , como la diosa Ishtar con el planeta Venus , generalmente representada desnuda y alada, con una luna creciente sobre su cabeza. Otras representaciones de la diosa Madre suelen ser figuras más o menos vestidas, pero con los pechos descubiertos, como la famosa Diosa Serpiente ( Museo Arqueológico de Heraclión ), una estatuilla minoica de alrededor de 1550 a. C. Estas representaciones fueron el punto de partida de la iconografía de diosas griegas y romanas como Artemisa , Diana , Deméter y Ceres . [7]
En Egipto, la desnudez se veía con naturalidad, y abunda en las representaciones de escenas cortesanas, sobre todo en danzas y escenas de festejos y celebraciones. Pero también está presente en los temas religiosos, y muchos de sus dioses representados en forma antropomorfa aparecen desnudos o semidesnudos en estatuas y pinturas murales. También aparece en la representación del propio ser humano, ya sea faraón o esclavo, militar o funcionario, como el famoso Escriba Sentado del Louvre . Sin duda debido al clima , los egipcios solían llevar poca ropa, taparrabos y faldas para los hombres, y vestidos de lino transparente para las mujeres. Esto se refleja en el arte, desde las escenas que muestran las festividades y ceremonias de la corte hasta las escenas más populares, que muestran el trabajo cotidiano de campesinos, artesanos, pastores, pescadores y otros oficios. Asimismo, en las escenas bélicas aparecen los lastimosos cuerpos desnudos de esclavos y cautivos, tratados con el mismo estilo hierático y falta de dinamismo propio del arte egipcio, donde impera la ley de la frontalidad, el cuerpo constreñido a posturas estáticas rígidas y falta de realismo. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos, con un criterio jerárquico. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil, pero los hombros y los ojos de frente. Entre las obras que nos han llegado del Antiguo Egipto, el desnudo, parcial o completo, es perceptible tanto en pintura como en escultura, ya sea monumental o en pequeñas estatuillas, como el Oferente del Louvre o la Niña tocando el arpa del Museo Británico ; tenemos estatuas como las de Rahotep y Nofret , el rey Micerino (Mycerinus) y la reina o la Dama Touy del Louvre que, aunque vestida de lino, la transparencia de la tela muestra su desnudez; En la pintura, destacan los murales de la tumba de Nath, contable de Tutmosis IV , o de la Tumba de los Médicos en Saqqarah . En la tumba de Tutankamón se encontró una estatua del faraón desnudo, que representa a Ihy , hijo de la diosa Hathor . [8]
Por otra parte, en Mesopotamia, geográfica y cronológicamente próxima al Antiguo Egipto, el desnudo es prácticamente desconocido, salvo algunos relieves asirios como La caza del león de Asurbanipal (British Museum), donde el rey aparece con el torso desnudo, o algunas escenas de torturas a prisioneros, mientras que en el lado femenino sólo encontramos los pechos desnudos de un bronce caldeo que representa a una joven canefora, presente en el Louvre. Tampoco encontramos desnudos en el arte fenicio o judío, donde la ley mosaica prohibía la representación humana. [9]
El arte clásico [Nota 2] es el arte desarrollado en la antigua Grecia y Roma , cuyos avances científicos, materiales y estéticos aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y el ser humano , donde prevaleció la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y volúmenes, y un sentido de imitación (" mímesis ") de la naturaleza, sentando las bases del arte occidental , de modo que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. [10]
Las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental se desarrollaron en Grecia. Tras los inicios de las culturas minoica y micénica , el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico . Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en las medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. [11] El punto álgido del arte griego se produjo en la llamada Era de Pericles , donde el arte gozó de un gran esplendor, generándose un estilo de interpretación de la realidad: los artistas se basaban en la naturaleza según proporciones y reglas (κανών, canon) que permitían la captación de esa realidad por parte del espectador, recurriendo si era necesario al escorzo . Se perseguía un concepto de belleza basado en la imitación de lo natural, pero idealizado con la incorporación de una visión subjetiva que reflejaba la armonía del cuerpo y el alma, equiparando la belleza con la bondad (καλοκαγαθία, kalokagathía ). [12]
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Grecia fue el primer lugar donde se representó el cuerpo humano de forma naturalista, lejos del hieratismo y la esquematización de culturas anteriores. La cultura griega era humanista , el ser humano era el principal objeto de estudio de su filosofía y arte, ya que su religión era más mitológica que objeto de culto. Para los griegos, el ideal de belleza era el cuerpo masculino desnudo, que simbolizaba la juventud y la virilidad, como los atletas de los Juegos Olímpicos , que competían desnudos. El desnudo griego era a la vez naturalista e idealizado: naturalista en cuanto a la representación fiel de las partes del cuerpo, pero idealizado en cuanto a la búsqueda de proporciones armoniosas y equilibradas, rechazando un tipo de representación más realista que mostrara las imperfecciones del cuerpo o las arrugas de la edad. De una composición más esquemática en el periodo arcaico, el estudio del cuerpo evolucionó hacia una descripción más detallada del esqueleto y los músculos, así como del movimiento y las diferentes posiciones y giros que puede realizar el cuerpo humano. También se perfeccionó la descripción del rostro y la representación de estados de ánimo. [13]
Los griegos concedían una gran importancia al cuerpo desnudo, del que se sentían orgullosos, pues no sólo era el reflejo de una buena salud física, sino también el recipiente de la virtud y la honestidad, así como un componente de ascenso social, frente a las inhibiciones de otros pueblos menos civilizados. Para los griegos, la desnudez era una expresión de integridad, nada relacionado con el ser humano en su totalidad podía eludirse o aislarse. Relacionaban cuerpo y espíritu, que para ellos estaban indisolublemente unidos, de tal manera que incluso su religiosidad se materializaba en dioses antropomorfos. Relacionaban elementos aparentemente antagónicos, y así como algo tan abstracto como las matemáticas podía proporcionarles placer sensorial, algo material como el cuerpo podía convertirse en símbolo de algo etéreo e inmortal. Así, el desnudo tenía un componente moral que evitaba el simple sensualismo, por lo que no les parecía obsceno ni decadente, como sí les ocurría a los romanos. Esta interrelación entre cuerpo y espíritu es inherente al arte griego, y cuando los artistas de épocas posteriores imitaron el desnudo griego —como en el caso del neoclasicismo y el academicismo— despojado de este componente, produjeron obras sin vida, centradas en la perfección física, pero sin virtud moral. [14]
En el desnudo masculino griego es fundamental plasmar la energía, la fuerza vital, que transcribían a través de dos tipos de desnudos viriles: el del atleta y el del héroe. En los Juegos Olímpicos era costumbre regalar al vencedor un vaso de cerámica —las «ánforas panateneas»— con representaciones de la disciplina atlética ejercida por el vencedor, excelente ejemplo de representaciones de desnudos en movimiento, en escenas de acción de gran dinamismo. [15]
El primer exponente del desnudo masculino es un tipo de figuras que representan a atletas, dioses o héroes mitológicos, llamadas kouros ( kouroi en plural), pertenecientes al periodo Arcaico (siglo VII-siglo V a. C.) —su variante femenina es la kore ( korai en plural), que, sin embargo, solían representar vestidas—. Aunque en origen estas figuras denotan cierta influencia egipcia, pronto los escultores griegos siguieron su propio camino, buscando la mejor forma de representar el cuerpo humano para transmitir su ideal de belleza. El kouros se caracteriza por la postura hierática, donde predomina la frontalidad, con los pies en el suelo y la pierna izquierda adelantada, los brazos pegados al cuerpo y las manos cerradas, y la cabeza de forma cúbica , con una larga melena y rasgos faciales básicos, destacando su característica sonrisa, llamada «sonrisa arcaica». Los primeros ejemplos datan del siglo VII a. C., procedentes de lugares como Delos , Naxos y Samos , apareciendo generalmente en tumbas y lugares de culto. Posteriormente se extendieron al Ática y al Peloponeso , donde adquirieron un carácter más naturalista, con rasgos descriptivos y un mayor interés por el modelado. Algunas obras que han llegado hasta nuestros días son: el Kuros de Sunión ( 600 a. C. ), los Gemelos de Cleobis y Bitón (600–590 a. C.), el Moscóforo (570 a. C.), el Jinete de Rampin ( 550 a. C.), el Kuros de Tenea (550 a. C.), el Kuros de Anafi (530 a. C.), el Kuros de Aristódice (500 a. C.), etc. [16]
Posteriormente, el desnudo experimentó una lenta pero constante evolución desde las formas rígidas y geométricas de los kouroi hasta las líneas suaves y naturalistas del periodo clásico (el estilo severo , desarrollado entre 490 a. C. y 450 a. C.). El principal factor de esta innovación fue un nuevo concepto en la concepción de la escultura, pasando de la idealización a la imitación. Este cambio empezó a notarse en los primeros años del siglo V a. C., con obras como el Apolo de Piombino ( c. 490 a. C. ), el Efebo de Critios ( c. 480 a. C. ) o el Grupo de los Tiranicidas , que representa a Harmodio y Aristogitón , obra de Critios y Nesiotes ( c. 477 a. C. ). En estas obras se denota el culto a la perfección física, que se expresaba principalmente en el atletismo, que combinaba el vigor físico con la virtud moral y la religiosidad. El nuevo estilo clásico aportó una mayor naturalidad no sólo formal, sino también vital, al dotar de movimiento a la figura humana, sobre todo con la introducción del contrapposto —generalmente atribuido a Critios— donde se contraponen armoniosamente las diversas partes del cuerpo, y que aporta ritmo y equilibrio a la figura. Con estas premisas surgieron las principales figuras de la escultura clásica griega : Mirón , Fidias , Policleto , Praxíteles , Escopas , Lisipo , etc. [17]
Mirón realizó con su Discóbolo (450 a. C.) un magnífico ejemplo de figura en movimiento, consiguiendo por primera vez un efecto dinámico coordinado para toda la figura, ya que hasta entonces las figuras en movimiento se realizaban por partes, sin una visión global que aportara coherencia a la acción dinámica —como en el caso del Poseidón del Cabo Artemision , figura de bronce de origen ático de hacia 470 a. C., en la que el torso es estático, no siguiendo el movimiento de los brazos. [18]
Fidias se dedicó especialmente a las esculturas de dioses —se le llamaba el «hacedor de dioses»—, sobre todo de Apolo , que trató con una mezcla de naturalismo y ciertos vestigios de la frontalidad hierática arcaica, lo que confería a sus figuras un aura de majestuosidad, con una equilibrada armonía entre fuerza y gracia, forma e ideal, como en el Apolo de Kassel ( c. 450 a. C. ). Sin embargo, también produjo obras de personajes corrientes, con un tratamiento más humano, menos idealizado, como su figura de Anacreonte ( c. 450 a. C. ). [19]
La obra de Policleto tuvo una especial relevancia en la estandarización de un canon de proporciones geométricas en el que se basaban sus figuras, junto con la búsqueda del equilibrio dentro del movimiento, como se puede comprobar en sus dos obras principales, el Doríforo (440 a. C.) y la Diadumene (430 a. C.) —por desgracia, sólo nos han llegado copias romanas de sus obras—. Otra importante aportación de Policleto fue el estudio anatómico (la diartrosis o articulación de las diversas partes del cuerpo), especialmente de la musculatura: la perfección de sus torsos ha llevado a que se les apodase en francés cuirasse esthétique ("armadura estética"), y han servido durante mucho tiempo para el diseño de armaduras . [20]
Praxíteles diseñó más figuras humanas ( Apolo Sauróctono , 360 a. C.; Sátiro en reposo , 365 a. C.; Hermes y el infante Dioniso , 340 a. C.), con movimientos gráciles, con una sensualidad latente, combinando la potencia física con un cierto aire de gracia, casi dulzura, con un diseño fluido y delicado. [21]
Más tarde, la escultura griega perdió en cierta manera esta unión entre lo físico y lo ideal, moviéndose hacia figuras más esbeltas y musculosas, donde predominaba la acción sobre la expresión moral. Esto se puede apreciar en obras como el Efebo de Anticitera (340 a. C.), el Atleta con estrígilo de Éfeso y el Efebo de Maratón . Entre los artistas que destacaron en este periodo se encuentra Scopas , autor del friso del Mausoleo de Halicarnaso , repleto de figuras en movimiento, como sus Griegas y amazonas ( c. 350 a. C. ), donde es característico el uso de la vestimenta —sobre todo los mantos de los griegos, que por lo demás llevan el resto del cuerpo desnudo— para dar la sensación de movimiento. También trabajó en el Mausoleo de Leocares , autor del célebre Apolo de Belvedere ( c. 330-300 a. C. ), considerada la mejor escultura antigua por los neoclásicos , que inspiró a muchos artistas modernos, como el Adán de Durero (1504), el Apolo y Dafne de Bernini (1622-1625), el Perseo triunfante de Canova (1801) y el Orfeo de Thomas Crawford (1838). En el Mausoleo se introdujo la llamada «diagonal heroica», una postura en la que la acción recorre todo el cuerpo desde los pies hasta las manos siguiendo una pronunciada diagonal, y que sería reproducida asiduamente en el futuro —como en el Gladiador Borghese de Agasio de Éfeso (siglo III a. C.) o los Dioscuros del Quirinal , hasta llegar al Hércules y Teseo de Canova. [22]
Lisipo , quizá el último gran nombre de la escultura griega, introdujo un nuevo canon de proporciones, con una cabeza más pequeña, un cuerpo más esbelto y piernas largas, como en su obra principal, el Apoximeno (325 a. C.), o en el Agias (337 a. C.), en Eros tensando el arco (335 a. C.) y en Heracles en reposo (320 a. C.). También introdujo una nueva concepción de la figura humana, menos idealista, más centrada en lo cotidiano y anecdótico, como su figura de un atleta rascándose, el Hermes descansando (330-320 a. C.) de Nápoles , o el Adorante de Berlín . Lisipo fue el retratista de Alejandro Magno , de quien realizó varias estatuas, varias de ellas desnudas, como en el Alejandro con la lanza del Louvre (330 a. C.). [23]
El desnudo femenino era menos frecuente, sobre todo en época arcaica, donde la desnudez de los kouroi contrastaba con las figuras vestidas de los korai . Así como el arte occidental ha considerado —preferentemente desde el Renacimiento— el desnudo femenino como un tema más normal y placentero que el masculino, en Grecia ciertos aspectos religiosos y morales prohibían la desnudez femenina —como se puede comprobar en el famoso proceso de Friné , modelo de Praxíteles—. Socialmente, en Grecia, la mujer estaba relegada a las labores domésticas, y en contraste con la desnudez del atletismo masculino, las mujeres debían ir vestidas de pies a cabeza. Solo en Esparta participaban las mujeres en competiciones atléticas, luciendo una túnica corta que dejaba ver los muslos, hecho que era escandaloso en el resto de Grecia. Los primeros vestigios de desnudez femenina los encontramos en el siglo VI a. C., en escenas cotidianas pintadas sobre vasijas de cerámica. En el siglo V a. C. aparecen los primeros vestigios escultóricos, como la Venus del Esquilino , que probablemente representaba a una sacerdotisa de Isis . Presenta una anatomía tosca y poco elaborada, robusta y de baja estatura, pero ya contiene proporciones matemáticas, basadas en el canon de la estatura de siete cabezas. [24]
La evolución posterior del desnudo femenino fue esporádica, sin apenas figuras de desnudo completo, sino parciales o con la técnica de las draperie mouillée ("paños mojados"), vestidos ligeros y pegados al cuerpo, como la Afrodita del Trono de Ludovisi , la Niké de Peonio (425 a. C.), o la Venus Genetrix del Museo delle Terme de Roma . Hacia el 400 a. C. se esculpe una figura de bronce de una niña (Museo de Múnich), de autor anónimo, que presenta el clásico contrapposto , confiriendo a la figura femenina una sinuosidad —sobre todo en el arco de la cadera, que en francés se llama déhanchement ("balanceo")— que realzaba su figura y quedaría como modelo casi arquetípico de representación de la figura femenina. [25]
El principal escultor clásico que se ocupó del desnudo femenino fue Praxíteles , autor de la célebre Afrodita de Cnido ( c. 350 a. C. ), representada en el momento de entrar en el baño, con el vestido todavía en una mano. Se trata de una imagen que combina la sensualidad con el misticismo, el placer físico con la evocación espiritual, y que era una realización material del ideal de belleza femenina griega. Fue también autor de otra célebre imagen, la de la diosa Afrodita con las piernas envueltas en vestiduras y los pechos desnudos, que ha llegado hasta nosotros a través de varias copias, siendo la más completa la llamada Venus de Arlés del Louvre, pero que es más famosa por la copia de un artista anónimo de alrededor del año 100 a. C., la Venus de Milo . La posterior evolución del desnudo femenino dio lugar a tipologías como la «Venus Púdica» , que cubre su desnudez con los brazos, como se ve en la Venus Capitolina —a veces atribuida al propio Praxíteles— o la Venus Calipigia («de las nalgas hermosas»), que levanta su peplo para dejar al descubierto caderas y nalgas, de la que nos ha llegado una copia romana de un original helenístico, hoy en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. [26]
Un género donde abundó un poco más el desnudo femenino fue en la representación de bacanales y ritos dionisíacos , donde junto a los sátiros y silenes aparecía todo un coro de ménades y nereidas en posturas sensuales y desenfrenadas, cuyas escenas fueron ampliamente representadas en los sarcófagos funerarios , y fue un tema frecuente en el taller escultórico de Scopas, autor de varias figuras relacionadas con el culto a Dioniso, como la Ménade de Dresde . En particular, las figuras de nereidas adquirieron gran popularidad e influyeron en el arte posterior producido en todo el Mediterráneo . Como símbolo del alma liberada, su representación se convirtió en un motivo ornamental frecuente en diversas técnicas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta la joyería , los camafeos , los jarrones y copas de cerámica, los cofres, los sarcófagos, etc. En el Bajo Imperio Romano tuvo una gran difusión, encontrándose desde Irlanda hasta Arabia , y llegó hasta la India, donde vemos sus formas en las figuras de gandharvas voladores . Incluso en la Edad Media , su tipología se identificaba con el personaje de Eva . [27]
Durante el periodo helenístico —a partir de la muerte de Alejandro Magno, cuando la cultura griega se expandió por el Mediterráneo oriental— las figuras adquirieron un mayor dinamismo y giro de movimiento, denotando sentimientos exacerbados y expresiones trágicas, rompiendo el equilibrio sereno del periodo clásico. En contraste con la energía vital y triunfante de héroes y atletas, surgió el patetismo , la expresión de la derrota, del drama, del sufrimiento, de los cuerpos maltrechos y deformados, enfermos o mutilados. Si los héroes y atletas eran vencedores, ahora el hombre es sometido por el destino, sufre la ira de los dioses, lo divino prevalece sobre lo material, el espíritu sobre el cuerpo. Esto se ve en mitos como la matanza de los hijos de Níobe , la agonía de Marsias , la muerte del héroe (como Héctor o Meleagro ) o el destino de Laocoonte , temas frecuentes en el arte de la época. [28]
Uno de los primeros centros de producción de escultura helenística fue Pérgamo , cuyo taller de escultores llegados de toda Grecia estableció un estilo que, partiendo de una clara influencia lisipiana, imprimió un dramatismo a sus figuras que, fundamentalmente a través de la torsión del cuerpo, expresaba de forma eficaz el dolor de los personajes, como se ve en el Galo moribundo del Museo Capitolino (230 a. C.), el Galo Ludovisi del Museo delle Terme (230 a. C.), Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo de la Loggia dei Lanzi (230–200 a. C.), también llamado Grupo Pasquino ) o en el Marsias del Conservatorio de Roma (230–200 a. C.). Su obra maestra es el Laocoonte y sus hijos , de Agesandro , Atenodoro y Polidoro de Rodas (siglo II a. C.), quizá la mejor expresión del patetismo de toda la historia, donde el movimiento abigarrado, la torsión de las figuras entrelazadas (padre, hijos y serpientes), la emoción exacerbada, la marcada musculatura del torso y de los muslos de la figura central, la expresión dramática de los rostros, confieren una sensación general de tragedia latente, que provoca sin duda en el espectador un sentimiento de terror y de desesperación, de piedad por estas figuras sufrientes. Según Plinio , el Laocoonte es «la mejor de todas las obras de pintura y escultura». [29]
También de época helenística es el Toro Farnesio , de Apolonio y Taurisco de Tralles , copia de una obra anterior titulada El sufrimiento de Dirce (130 a. C.). Se trata de un conjunto dinámico, de gran efecto expresivo, donde sobre una base paisajística se sitúan los animales, de gran realismo, el joven, en actitud algo rígida, y la figura de Dirce , con un complejo giro espiral de gran efecto dramático. [30] Otra obra famosa del periodo es la Venus agachada de Doidalsas de Bitinia (siglo III a. C.), muy valorada en la antigüedad y de la que se realizaron numerosas copias para decorar palacios, jardines y edificios públicos. En la actualidad existen varias copias en museos de todo el mundo, y se han realizado varias copias o versiones en el arte moderno —principalmente renacentista— , como las de Giambologna , Antoine Coysevox y Jean-Baptiste Carpeaux , o incluso en dibujo o grabado , como las de Marcantonio Raimondi y Maarten van Heemskerck . Rubens también se inspiró en esta figura para varias de sus obras. [31] Igualmente importante fue el Hermafrodita durmiente de Policles (siglo II a. C.), cuyo bronce original se perdió, existiendo varias copias realizadas en época romana, de las cuales una de las más famosas es el Hermafrodita Borghese , hallado en las Termas de Diocleciano a principios del siglo XVII y restaurado por Bernini . Existen varias copias, algunas realizadas en época moderna, como la encargada por Felipe IV de España , hoy en el Prado , que seguramente influyó en la Venus en el espejo de Velázquez . [32]
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Con un claro precedente en el arte etrusco , el arte romano estuvo muy influido por el arte griego . Gracias a la expansión del Imperio romano , el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, el norte de África y Oriente Próximo , sentando las bases evolutivas para el futuro arte desarrollado en estas zonas. Aunque los romanos estaban muy avanzados en arquitectura e ingeniería, no fueron muy innovadores en las artes plásticas . La mayoría de las estatuas romanas son copias de obras griegas, o están inspiradas en ellas. Muchos de los artistas del mundo helenístico se trasladaron a trabajar a Roma , manteniendo vivo el espíritu del arte griego. Los historiadores romanos despreciaban las obras de arte producidas después del periodo clásico griego, llegando a afirmar que después de esta edad de oro griega "el arte se detuvo". [33]
Las primeras producciones en escultura fueron obra de artistas griegos afincados en Roma, entre ellos: Apolonio de Atenas , autor del Torso de Belvedere (50 a. C.); Cleómenes, autor de la Venus de Médici (siglo I a. C.); y Pasiteles , autor del Niño con espinas . [34] Estéfano, discípulo de Pasiteles, fue el autor del Atleta de Albani (50 a. C.), figura que tuvo un enorme éxito, hecho que se corrobora porque nos han llegado 18 copias, y que originó una variante con otra figura, creándose un grupo identificado a veces con Mercurio y Vulcano , y otras con Orestes y Pílades , del que se conserva en el Prado una copia, llamada Grupo de San Ildefonso (10 a. C.) , donde las dos figuras recuerdan al Doríforo de Policleto y al Apolo Sauróctono de Praxíteles . [35] Otras obras anónimas relacionadas estilísticamente con el arte griego helenístico son el Boxeador en reposo del Museo delle Terme de Roma (100-50 a. C.) y el Príncipe helenístico del mismo museo (100-50 a. C.).
En cuanto a la producción romana propiamente dicha, manteniendo la influencia griega, son características las estatuas de emperadores romanos divinizados, desnudos como los dioses griegos, que aunque mantienen un cierto idealismo muestran un mayor estudio del natural en cuanto a los rasgos de sus retratos. [36] En unas pocas obras podemos percibir algún sello estilístico diferenciado de las griegas, como en la Venus de Cirene (Museo delle Terme, Roma), que muestra un mayor naturalismo anatómico que las figuras griegas, aunque manteniendo la elegancia y sensualidad del desnudo femenino griego. Una innovación temática original fue la de las Tres Gracias , de la que existen varios ejemplares (Siena, Louvre), casi todos datables en el siglo I. Se trata de un tema iconográfico que procede del grupo de las charites (divinidades de la belleza) que acompañaban a Afrodita , generalmente representadas con tres hermanas ( Eufrosina , Talía y Aglaea ), cogidas entre sí por los brazos y dispuestas dos de ellas frontalmente y la del centro vuelta hacia atrás. Este tema tuvo mucho éxito durante el Renacimiento y el Barroco. [37]
En época imperial el interés por el desnudo decayó, en paralelo al concepto idealizador de la escultura, cobrando mayor relevancia el realismo y la descripción detallada de los detalles, incluso los más feos y desagradables, estilo que tuvo su mayor cristalización en el retrato . Aun así, se produjeron magníficas piezas, como las estatuas de Marte y Mercurio que decoran la Villa de Adriano (125), o la Apoteosis de Antonino y Faustina que aparece en la base de la Columna de Antonino —actualmente en el Museo Vaticano— (161), o incluso los Dioscuros de Montecavallo , de las Termas de Constantino , en la Piazza del Quirinale de Roma (330). [38]
En cuanto a la pintura, de la que hemos recibido numerosas muestras gracias sobre todo a las excavaciones en Pompeya y Herculano , pese a su carácter eminentemente decorativo, ofrecen una gran variedad estilística y riqueza temática, con una iconografía que va desde la mitología hasta las escenas más cotidianas, pasando por fiestas, bailes y espectáculos circenses . La desnudez abunda en estas escenas, con una clara tendencia hacia el erotismo, que se muestra sin disimulo, como una faceta más de la vida. Entre las muchas escenas que decoran los muros de Pompeya y en las que está presente el desnudo, cabe recordar: Las Tres Gracias, Afrodita Anadiomene, Invocación a Príapo, Casandra raptada por Áyax, El fauno danzante, Bacante sorprendida por un sátiro, El rapto de la ninfa Iftima, Hércules reconociendo a su hijo Télefo en Arcadia, El centauro Quirón instruyendo al joven Aquiles, Perseo liberando a Andrómeda, Las bodas de los Aldobrandini , etc. [39]
La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio de la Edad Media en Europa, un período de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supusieron la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial . El arte clásico fue reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origen germánico , mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnó la mayor parte de la producción artística medieval. El arte medieval pasó por varias fases, desde el arte paleocristiano , pasando por el prerrománico , hasta el románico y el gótico , pasando por el arte bizantino y germánico . [40]
En la Edad Media, la teología moral distinguía cuatro tipos de desnudez: la nuditas naturalis , el estado natural del ser humano; la nuditas temporalis , un estado artificial impuesto por la fugacidad, generalmente vinculado a la pobreza; la nuditas virtualis , como símbolo de la virtud y la inocencia; y la nuditas criminalis , vinculada a la lujuria y la vanidad . Otro elemento frecuente de la desnudez en el arte medieval —sobre todo en el Apocalipsis de los Beatos— era la representación de los muertos, como símbolo del despojo de todo lo terrenal. [41]
La teología cristiana dividió al ser humano en cuerpo perecedero y alma inmortal, siendo esta última la única considerada como algo precioso que había que conservar. Con la desaparición de las religiones paganas se perdió la mayor parte del contenido iconográfico relacionado con el desnudo, que quedó limitado a los pocos pasajes de las Sagradas Escrituras que lo justificaban. En los pocos casos de representación del desnudo se trata de figuras angulosas y deformadas, alejadas del equilibrio armonioso del desnudo clásico, cuando no son formas deliberadamente feas y maltratadas, como muestra del desprecio que se sentía por el cuerpo, al que se consideraba un simple apéndice del alma. En las pocas representaciones de desnudos femeninos —generalmente figuras de Eva— se trata de figuras con vientres abultados, hombros estrechos y piernas rectas, aunque el rostro suele estar trabajado de forma personalizada, lo que no ocurría en la antigüedad. [42]
La figura humana fue sometida a un proceso de estilización, en el que se perdió la descripción naturalista para enfatizar el carácter trascendente y el lenguaje simbólico de la religión cristiana, en paralelo a la pérdida de la perspectiva y la geometrización del espacio, dando como resultado un tipo de representación donde el contenido simbólico, el mensaje inherente a la imagen, es más importante que la descripción de la realidad. La religión cristiana, influenciada por la idea platónica del cuerpo como prisión para el alma, perdió el interés por el estudio de las formas anatómicas naturalistas, centrando la representación del ser humano en la expresividad. [43]
Aunque el estudio de la proporción en el cuerpo humano se perdió durante la Edad Media, el cuerpo humano fue objeto de un simbolismo cosmogónico con aplicaciones matemáticas y estéticas: el homo quadratus . A partir del corpus platónico, la cultura medieval consideraba al mundo como un gran animal —y, por tanto, como un ser humano—, mientras que el hombre era concebido como un mundo, un microcosmos dentro del gran cosmos de la Creación. Esta teoría relacionaba el simbolismo del número cuatro con la naturaleza, que a su vez se aplicaba al arte: hay cuatro puntos cardinales , cuatro estaciones , cuatro fases de la luna , cuatro vientos principales ; y cuatro es el número del hombre, teoría que se remonta a Vitruvio y su concepción del hombre como un cuadrado ideal , correspondiendo la anchura de sus brazos extendidos a su altura. [44]
En sus inicios, el cristianismo —todavía bajo una fuerte influencia judía— había prohibido no sólo el desnudo, sino casi cualquier imagen de figura humana, pues era una transgresión del segundo mandamiento, y condenaba a los ídolos paganos por ser morada de los demonios. El hecho de que muchos dioses paganos fueran representados en la pintura y la escultura con forma humana, y en muchas ocasiones desnudos, hizo que los cristianos primitivos identificaran el desnudo con la idolatría pagana , cuando no veían directamente un vínculo diabólico. Sin embargo, el fin del paganismo y la asimilación de la filosofía neoplatónica por la moral cristiana condujo a la aceptación del cuerpo como receptáculo del espíritu, y de la desnudez como un estado degradado del ser humano, pero natural y aceptable. Aun así, el arte medieval perdió por completo el concepto de belleza corporal inherente al arte clásico, y cuando se representaba —en los pasajes bíblicos que así lo exigían, como Adán y Eva— eran cuerpos deformados, reducidos a líneas básicas, con atributos sexuales minimizados, cuerpos poco atractivos, carentes de cualidades estéticas. El período gótico fue un tímido intento de rehacer la figura humana, más elaborada y basada en premisas más naturalistas, pero bajo un cierto convencionalismo que sometía las formas a una rigidez y una estructura geometrizante que subordinaba el cuerpo al aspecto simbólico de la imagen, siempre bajo las premisas de la iconografía cristiana. [45]
Las escasas representaciones del desnudo en el arte medieval se limitaban a pasajes bíblicos que lo justificaban, como Adán y Eva en el Paraíso o el martirio y crucifixión de Jesucristo . La imagen de Jesús en la cruz tuvo dos transcripciones iconográficas principales: la de Cristo desnudo, llamada «de Antioquía», y la del Redentor con túnica, llamada «de Jerusalén». Sin embargo, a pesar del carácter puritano y antidesnudez del cristianismo primitivo, fue la versión desnuda la que triunfó y fue aceptada como versión canónica del tema, sobre todo a partir del periodo carolingio . El sufrimiento de Cristo en la cruz ha sido siempre un tema de gran dramatismo, de modo que en cierto modo ligado al patetismo helenístico, con imágenes donde el desnudo es vehículo de una intensa expresión del sufrimiento, de modo que la anatomía se muestra deformada, desestructurada, sometida a la expresión emocional del dolor. Una postura típica es la de Jesús con la cabeza caída hacia un lado y el cuerpo inclinado para compensar la posición del cuerpo, vista por primera vez en el libro de oraciones de Carlos el Calvo y en la Cruz de Gero de la Catedral de Colonia (siglo X), y que posteriormente incluiría alguna pequeña modificación, con el cuerpo más curvado y las rodillas dobladas, como en las cruces pintadas de Cimabue . En el norte de Europa, sin embargo, se impuso una imagen aún más dramática de la crucifixión, donde la angustia alcanza auténticas cotas de paroxismo, como en el Retablo de Isenheim de Matthias Grünewald . [46]
El arte paleocristiano transformó numerosos motivos clásicos en escenas cristianas: así, el antiguo Hermes Moscóforo se convirtió en la imagen de Jesús como el Buen Pastor, y Orfeo en Cristo el Benefactor. Del repertorio bíblico, además de Adán y Eva, el profeta Daniel fue representado a menudo desnudo entre leones, imagen conservada en una pintura mural en el Cementerio Giordano de Roma (siglo IV), y en un sarcófago de la Archibasílica de San Juan de Letrán . [47]
En el arte románico , las escasas representaciones de desnudos —limitadas generalmente a los pasajes del Génesis sobre Adán y Eva— eran de líneas básicas, donde la figura de la mujer apenas se distinguía de la del hombre por los pechos, reducidos a dos protuberancias informes. Se trataba de figuras toscas y esquemáticas, que mostraban preferentemente una actitud de vergüenza, cubriendo con decoro sus partes íntimas. Así lo muestran ejemplos como los relieves de la Creación , la Caída y la Expulsión de las puertas de bronce de la catedral de Hildesheim ( c. 1010 ), en el Adán y Eva de la fachada de la catedral de Módena , obra de Wiligelmus ( c. 1105 ), o en la Creación de Adán y Adán y Eva en el Paraíso del Maestro de Maderuelo ( Museo del Prado ). [48] En otros casos, pueden verse desnudos totales o parciales en escenas de martirio de santos, como el de san Gabino y san Cipriano en Saint-Savin-sur-Gartempe ( Poitou ). Los mismos temas iconográficos, quizá tratados con mayor libertad, pueden verse en la miniatura ilustrada , como el Adán y Eva del Códice Virgiliano ( Monasterio de El Escorial ), o El bautismo de Cristo del Evangeliario de Vyšehrad (1085, Universidad de Praga ). [49]
En el arte gótico el desnudo comenzó a forjarse principalmente en el ambiente germánico, a principios del siglo XIII. Las primeras figuras independientes y a tamaño natural que representan un desnudo son el Adán y Eva de la catedral de Bamberg ( c. 1235 ), que aún parecen dos columnas de formas rígidas y hieráticas, pero tratadas con cierto aire de nobleza. [50] En esta época se amplió un poco el repertorio iconográfico, sobre todo con la incorporación del Juicio Final , procedente de los capítulos 24 y 25 de San Mateo —hasta entonces la mayoría de las escenas del relato bíblico representadas en los relieves catedralicios finalizaban con el Apocalipsis— . La escena de la resurrección de la carne contemplaba que los cuerpos estuvieran desnudos, mientras que las almas al renacer debían ser representadas según parámetros de belleza perfecta, por lo que los artistas volvieron a fijarse en las obras del arte clásico grecorromano, surgiendo tratados como el Speculum de Vincent de Beauvais , que contenía instrucciones para los artistas basadas en los tratados clásicos antiguos. Se reanudaron los estudios del natural, y hay datos que indican que algunos artistas acudían a los baños públicos para estudiar el cuerpo con más detalle, como se evidencia en el Juicio Final de la Catedral de Bourges , con formas más naturalistas, que recuerdan a las figuras de los sarcófagos de la Antigüedad. En esta obra, la mujer del centro presenta formas más femeninas, y su postura en contrapposto tiene un cierto aire poliletiano, aunque sus formas son estilizadas y poco sensuales, con senos pequeños y separados, vientre plano y caderas reducidas. [51]
Poco a poco el desnudo gótico fue ganando en naturalidad y precisión anatómica, al tiempo que el repertorio temático se iba ampliando y se extendía el uso de la figura desnuda en todos los ámbitos del arte, no sólo en escultura y miniaturas, sino también en retablos , vidrieras , sillería de coros, orfebrería, etc. Algunos de los nuevos temas representados fueron San Jerónimo y otros ascetas, despojados de todo lo material en virtud de su renuncia a los bienes terrenales, o figuras femeninas como María Magdalena y María de Egipto . En ocasiones también se representan en forma humana desnuda a la serpiente que tentó a Eva en el Paraíso o al dragón vencido por San Jorge . [52] Se dio mayor sensualidad a ciertas figuras femeninas del Antiguo Testamento, como Betsabé , Susana , Judit , Dalila y Salomé . En ocasiones incluso se permitió a la Virgen María mostrar un pecho en virtud de amamantar al niño Jesús, como en La Virgen con el Niño (1450, también llamada Madonna de los Ángeles Rojos ) de Jean Fouquet . [53]
A principios del siglo XIV, la fachada de la Catedral de Orvieto , obra de Lorenzo Maitani , donde despliega una gran serie de desnudos que parece mostrar un interés personal del artista por el tema, ya que escogió todos los temas que lo justifican: la Creación , la Caída del Hombre , el Juicio Final . Su Eva levantándose del costado de Adán está sin duda inspirada en los antiguos sarcófagos de las nereidas, y muestra por primera vez un cierto idealismo, una concepción del cuerpo como receptáculo del alma y, como tal, digno de consideración. El Juicio Final , en cambio, parece ser de inspiración nórdica, en una escena abigarrada que recuerda a los sarcófagos de batalla o a las antiguas escenas de galos moribundos. [54]
En el siglo XV el desnudo tuvo una mayor difusión, enmarcado en la corriente de moda de la época, el llamado “ gótico internacional ”, surgido entre Francia, Borgoña y los Países Bajos en torno al año 1400. Uno de sus primeros exponentes fue Las riquísimas horas del duque de Berry de los hermanos Limbourg (1416), donde una escena de La caída y la expulsión del Paraíso muestra la evolución de Eva desde la naturalidad de la vida en el Edén hasta la vergüenza del pecado y la expulsión del Paraíso, donde toma la forma de una Venus púdica que se cubre con una hoja de parra . Su forma alargada, bulbosa, con pechos pequeños y vientre abultado, se convirtió en el prototipo del desnudo femenino gótico, que perduraría durante doscientos años. Esto se puede observar en figuras como la Eva del Retablo de Gante de Jan van Eyck , en el Adán y Eva de Hugo van der Goes y en el de Rogier van der Weyden , o en otras figuras femeninas como la Vanidad de Hans Memling o la Judith de Conrad Meit , donde la modesta actitud medieval que relacionaba el desnudo como algo vergonzoso va dejando paso a figuras más sensuales, más provocativas, más carnalmente humanas. [55] En España surgen los primeros intentos tímidos de desnudos, alejados de cualquier sensualidad, serios, contenidos, como el Descenso de Cristo al Limbo de Bartolomé Bermejo , el Martirio de Santa Catalina de Fernando Gallego , la figura de Santa Tecla del Retablo Mayor de la Catedral de Tarragona , de Pere Johan (1429), o La Matanza de San Cucufate (1504–1507), de Ayne Bru . [56]
El desnudo más o menos naturalista comenzó a aparecer tímidamente en la Italia prerrenacentista, generalmente en forma de alegorías , como la imagen de Daniel como Fortaleza en el púlpito del Baptisterio de Pisa , de Nicola Pisano 1260, basada en un Hércules romano , que evoca ligeramente a un atleta policlecio; o la figura de la Templanza en un púlpito de la Catedral de Pisa (1300-1310), de Giovanni Pisano , en forma de una Venus de forma modesta, cubriéndose las partes íntimas con los brazos. [57] También se percibe en la obra de Giotto , especialmente en su Juicio Final en la Capilla de los Scrovegni en Padua . [58]
El arte de la Edad Moderna —que no debe confundirse con el arte moderno , que suele emplearse como sinónimo de arte contemporáneo— [Nota 3] se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna trajo consigo cambios políticos, económicos, sociales y culturales radicales: la consolidación de los Estados centralizados supuso la instauración del absolutismo ; los nuevos descubrimientos geográficos —sobre todo del continente americano— abrieron una era de expansión territorial y comercial, marcando el inicio del colonialismo ; la invención de la imprenta supuso una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que ayudó el auge del protestantismo ; al mismo tiempo, surgió el humanismo como nueva corriente cultural, dando paso a una concepción más científica del hombre y del universo. [59]
Surgido en Italia en el siglo XV ( Quattrocento ), se extendió por el resto de Europa a partir de finales de ese siglo y principios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se denominó «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza , surgieron nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva . Sin renunciar a los temas religiosos, la representación del ser humano y su entorno adquirió mayor relevancia, con la aparición de nuevos temas como la mitología o la historia, o nuevos géneros como el paisaje o el bodegón , que influyeron en la revitalización del desnudo. La belleza dejó de ser simbólica, como en la época medieval, para tener un componente más racional y mesurado, basado en la armonía y la proporción . [61]
El arte renacentista, en paralelo al antropocentrismo de la filosofía humanista, que hacía del ser humano el centro de la nueva cosmovisión de la recién inaugurada edad moderna, se apoyó en el estudio de la anatomía para articular mejor la representación del cuerpo humano. En 1543 se publicó De humani corporis fabrica de Andreas Vesalius , un estudio anatómico del cuerpo basado en disecciones, donde junto al texto aparecían múltiples láminas ilustrativas del cuerpo humano, atribuidas a Jan van Calcar , que sirvieron de base a otros artistas para sus imágenes, basadas cada vez más en el realismo objetivo. Las láminas del libro estaban concebidas con criterios artísticos, apareciendo esqueletos y figuras desolladas en poses artísticas o en actitudes gesticulantes, casi teatrales. [62]
El desnudo renacentista se inspiró en los modelos clásicos grecorromanos, aunque con una función diferente a la que tenía en la Antigüedad: si en Grecia el desnudo masculino ejemplificaba la figura del héroe, en la Italia renacentista el desnudo tiene un carácter más estético, más vinculado a una nueva forma de entender el mundo alejada de los preceptos religiosos, el ser humano de nuevo como centro del universo. El desnudo femenino destacó principalmente debido al mecenazgo de nobles y ricos comerciantes que demostraban su posición privilegiada en la sociedad. Así, se forjó la secularización del desnudo, pasando de los temas religiosos medievales a los profanos, a veces con intentos un tanto forzados de justificar este tipo de representación fuera del ámbito religioso: las principales obras de Botticelli , La Primavera y El nacimiento de Venus , representan el concepto neoplatónico que Marsilio Ficino extrapoló del mito de Venus como ideal de la mujer virtuosa, donde a pesar de su desnudez tras su nacimiento en la edad adulta su primera reacción es cubrirse, siguiendo el antiguo concepto de la " Venus Púdica ". [63]
El arte renacentista recuperó el desnudo clásico como ejemplificación de la belleza ideal, tanto física como moral. El desnudo era el pretexto perfecto para cualquier composición, desde la más naturalista a la más simbólica, expresada esta última a través de múltiples alegorías y personificaciones. En ocasiones, la representación renacentista del cuerpo humano era la de la desnudez por la desnudez, una especie de arte por el arte que a menudo desnaturalizaba el tema mismo del cuadro, ya fuera religioso o mitológico. [64] En el Renacimiento el desnudo dejó de ser motivo de vergüenza y, en contraposición, adquirió un nuevo carácter heroico o incluso sagrado ( sacra nuditas ). [65] Según Louis Réau ( Iconografía del arte cristiano , 1955), «los artistas renacentistas consideraban la representación del cuerpo humano en su desnudez triunfante como el objeto primordial de las artes plásticas». [65]
De igual modo, el desnudo estuvo presente tanto en las artes mayores como en una miríada de artes menores y objetos, desde candelabros hasta cuchillos y pomos de puertas. Tanta abundancia de representaciones de desnudos fue excusada por Benvenuto Cellini con el argumento de que «el cuerpo humano es la más perfecta de las formas», por lo que no es de extrañar que se lo represente con frecuencia. [66] Por otra parte, a nivel iconográfico, aunque comenzaron a ejecutarse un número cada vez mayor de obras con temas mitológicos, la mayor parte de la producción artística siguió siendo religiosa, produciéndose una curiosa simbiosis entre las figuras míticas del desnudo clásico y los personajes cristianos más justificados en aparecer desnudos; así, vemos cómo la figura de Isaac en El sacrificio de Isaac de Ghiberti presenta la tipología clásica de Los hijos de Níobe , cómo la figura del Cristo yacente en El entierro de Donatello recuerda al Meleagro clásico , o la postura de Eva en La expulsión del paraíso de Masaccio es la de la Venus Púdica. [67]
Durante el siglo XV, ciertas formas heredadas del arte gótico aún sobrevivieron en Italia, aunque gradualmente ganaron en naturalismo y veracidad. Esto se puede ver en la obra de artistas como: Masaccio ( Expulsión de Adán y Eva del Edén , 1425-1428); Masolino da Panicale ( La tentación de Adán y Eva , 1426-1427); Antonello da Messina ( San Sebastián , 1476; Cristo muerto sostenido por un ángel , 1476-1479); y Andrea Mantegna ( Calvario , 1458; Bacanal con tina de vino , 1470; Lamentación sobre Cristo muerto , c. 1475-1490 ; Parnaso , 1497; Venus, Marte y Diana , sin fechar; San Sebastián , tres versiones en 1459, 1480 y 1490), etc. Lo mismo ocurrió en el terreno escultórico con Lorenzo Ghiberti , autor de las Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia (1425-1452), con sus escenas de La creación de Adán y Eva , El pecado original y La expulsión del paraíso . [68]
Una de las primeras obras que rompió con el pasado y representó un retorno a los cánones clásicos fue el David de Donatello ( c. 1440 ), obra de gran originalidad que se adelantó a su tiempo, ya que durante los siguientes cincuenta años no hubo obras con las que pudiera compararse. Sin embargo, el modelo de Donatello no era tan atlético como las obras griegas, presentando las formas gráciles y esbeltas de un muchacho en su adolescencia. De igual modo, en lugar de la serenidad de la belleza apolínea, se percibe la sensualidad de la belleza dionisíaca, y la cabeza de Goliat a los pies del rey judío recuerda a la de un sátiro que solía adornar la base de las estatuas del dios griego del vino. Donatello también se apartó de las proporciones clásicas, especialmente en el torso, donde, en contraste con la polilécia coraza esthétique , es la cintura la que vertebra el eje central del cuerpo. [69]
Después de Donatello, el desnudo se dinamizó, especialmente en Florencia con la obra de Antonio Pollaiuolo y Botticelli , y en Umbría con Luca Signorelli , preocupado por la representación del movimiento, la energía y el sentimiento extático. En sus pinturas de Los trabajos de Hércules en el Palacio Medici (1460), Pollaiuolo recuperó la «diagonal heroica» de la escultura griega, mostrando un gran virtuosismo en la representación del desnudo en acción —según Vasari , su tratamiento del desnudo «es más moderno que el de cualquiera de los maestros que lo precedieron»—. Pollaiuolo realizó profundos estudios de anatomía, confesando Vasari que diseccionaba cadáveres, estudiando especialmente los músculos. De esta manera, se alejó del clasicismo grecorromano, que si bien se basaba en el naturalismo de las formas, éstas estaban idealizadas, lejos del realismo anatómico introducido por Pollaiuolo, como se muestra en su Hércules y Anteo (1470), cuya tensión cuando el héroe aplasta el cuerpo del gigante denota el detalle del estudio anatómico realizado por el autor. Con su hermano Piero , pintó el Martirio de San Sebastián (1475), que muestra nuevamente sus estudios anatómicos, especialmente en el arquero cuyo rostro está rojo por el esfuerzo de tensar el arco. [70]
Luca Signorelli fue otro exponente del desnudo dinámico, anatómico, sobre todo por sus hombros angulosos, anchos y firmes, que denotan energía contenida, así como por la simplificación de ciertas partes del cuerpo con volúmenes contrastados —hombros y nalgas, pecho y vientre—, lo que confiere a sus figuras una densa plasticidad, una cierta calidad táctil. En sus frescos de la Catedral de Orvieto (1499-1505) presentó figuras musculosas, de contornos marcados, con una tensión dinámica latente, como en sus figuras de Los condenados arrojados a los infiernos . Los desnudos tensos y dinámicos de Pollaiuolo y Signorelli iniciaron una moda de «batallas de hombres desnudos» que se prolongaría de 1480 a 1505, sin especial justificación iconográfica, simplemente por su esteticismo —lo que en Florencia llamaban el bel corpo ignudo— y que se denota en obras como la Batalla de Bertoldo di Giovanni (1480), los Combatientes de Rafael o la Batalla de los Centauros (1492) y la Batalla de Cascina (1504) de Miguel Ángel . [71]
Botticelli creó desnudos muy intelectualizados, con una fuerte carga simbólica, relacionados con la escuela neoplatónica de Florencia, que fue la principal responsable de la recuperación del desnudo femenino tras el periodo moralista medieval. Marsilio Ficino , uno de los principales teóricos de la escuela, recuperó la figura de Venus como modelo de virtud y exaltación mística, oponiendo dos figuras del Banquete de Platón , la Venus celestial ( Venus Coelestis ) y la mundana ( Venus Naturalis ), que simbolizaban lo divino y terrenal en la mujer. Este simbolismo fue excelentemente tratado por Botticelli en sus dos obras principales: La Primavera (1481–1482) y El nacimiento de Venus (1484). Para ello se inspiró en los pocos restos de obras clásicas que tenía a su disposición, algunos sarcófagos, joyas, relieves, cerámicas y dibujos, y creó un arquetipo de belleza que se identificaría como el ideal clásico de belleza desde el Renacimiento. En Primavera recuperó el género de la draperie mouillée , con finas telas semitransparentes que dejan ver los contornos del cuerpo, con un sentido del clasicismo procedente de las pinturas de Pompeya y Herculano o los estucos de Prima Porta y la Villa Adriana. Sin embargo, Botticelli se alejó del carácter volumétrico del desnudo clásico, con figuras frágiles y esbeltas que respondían más al concepto moderno del cuerpo humano, mientras que sus rostros son más personales y humanizados que los prototipos clásicos ideales. En El nacimiento de Venus , pintado tras su estancia en Roma , donde pintó al fresco la Capilla Sixtina , mostró un clasicismo más puro, gracias a su contacto con las antigüedades romanas presentes en la ciudad de los papas. Así, su Venus ya está despojada de toda vestimenta y de cualquier tipo de constreñimiento moralista, abandonando definitivamente el arte medieval para entrar de lleno en la modernidad. El tema iconográfico fue tomado de algunos versos de la Giostra de Angelo Poliziano , [Nota 4] inspirado en un pasaje homérico que, según Plinio , ya había sido pintado por Apeles en su obra Afrodita Anadiomene . Utilizó como modelo a la bella aristócrata Simonetta Vespucci ., cuya figura, pese al clasicismo de la composición, responde más a criterios góticos, no tanto en cuanto a proporciones, sino en ritmo y estructura: su forma curva hace que la figura no esté uniformemente repartida, sino que el peso recaiga más hacia la derecha, y el movimiento ondulante de su contorno y cabello da la sensación de flotar en el aire. El tipo iconográfico es el de la Venus púdica, que cubre sus partes íntimas con sus brazos, esquema que repitió parcialmente en la figura de la Verdad en la Calumnia de Apeles , alejada de cualquier componente clásico. Otras obras de Botticelli en las que aparecen desnudos son: San Sebastián (1474), La historia de Nastagio degli Onesti (1482–1483), Venus y Marte (1483), La Piedad con San Jerónimo, San Pablo y San Pedro (1490–1492) y Lamentación sobre Cristo muerto (1492–1495). [72]
Piero di Cosimo , que también retrató a Simonetta Vespucci como Cleopatra (1480), fue un artista original y dotado de una gran fantasía, con obras inspiradas en la mitología, de aire algo excéntrico, pero dotadas de gran sentimiento y ternura, donde las figuras —junto a una gran variedad de animales— están inmersas en vastos paisajes: Vulcano y Eolo (1490), Venus, Marte y Cupido (1490), Las desdichas de Sileno (1500), La muerte de Procris (1500), El descubrimiento de la miel por Baco (1505–1510), La lucha entre los lápitas y los centauros (1515), El mito de Prometeo (1515), etc. [73]
En Italia central se percibe un clasicismo más sereno, como en la Muerte de Adán (1452-1466) de Piero della Francesca , cuyas figuras desnudas tienen la gravedad de la escultura de Fidias o Policleto , o el Apolo y Marsias (1495) de Perugino , de claro aire praxiteliano. Este clasicismo tuvo su culmen en el Parnaso de Rafael (1511), inspirado sin duda en el Apolo del Belvedere —que había sido descubierto en 1479— del que recuperó no solo su esbelta anatomía, sino también su ritmo, gracia y armonía, vislumbrados en los santos, poetas y filósofos de las Stanze . Sin embargo, no se limitó a recrear las figuras clásicas, sino que las interpretó según su sentido del diseño, hasta una concepción dulce y armoniosa del ideal estético del artista. [74] Por otra parte, Rafael, cuya obra presenta una visión sinóptica de la belleza ideal, supo extraer la perfección más idealista del más sensual de los sentidos. En las Tres Gracias (1505), elaboró formas sencillas, no tan etéreas como la grácil Venus botticelliana, pero de un clasicismo que más que copiado de la antigüedad parece innato al artista, un clasicismo algo ingenuo, pero de fresca vitalidad. En su Adán y Eva (1508) de las estancias papales , Rafael reprodujo la forma femenina de la primera mujer influida por la Leda de Leonardo , con una volumetría algo nudosa. Más tarde, de su obra en La Farnesina, la villa de recreo de Agostino Chigi , destaca su Triunfo de Galatea (1511), inspirado en las pinturas de la Domus Aurea de Nerón , y para cuya realización Rafael reconoció haber utilizado distintas piezas de distintos modelos, pues ninguna le parecía suficientemente perfecta —como cuenta la leyenda que también le ocurrió a Apeles— . [75]
En cambio, Leonardo da Vinci se apartó de los cánones clásicos, con figuras naturalistas diseñadas según sus amplios estudios de anatomía. Tempranamente se inspiró en las formas enérgicas de Pollaiuolo, y La batalla de Anghiari recibe la influencia de La batalla de Cascina de Miguel Ángel . Más tarde, su profundización en la anatomía confirió a sus figuras un rotundo realismo, donde se vislumbra el interés científico, pero al mismo tiempo denotan cierta actitud heroica, de dignidad moral y humana, que les otorgaba una serena intensidad vital. [76] Sin embargo, a pesar de este interés por la anatomía, que plasmó en cientos —quizás miles— de dibujos, que hoy se encuentran dispersos en muchos museos y colecciones privadas, en sus pinturas sólo realizó unas pocas representaciones de desnudos, [77] como Baco (o San Juan Bautista , 1510-1515), o su Leda y el cisne , del que realizó al menos tres versiones entre 1504 y 1506, y que es la reivindicación de la mujer desnuda como símbolo de la vida creadora, y ya no como un ideal inalcanzable. [Nota 5] Para Leonardo, el estudio de la anatomía le servía más para conocer las proporciones de la figura a representar —aunque estuviese vestida— que como un fin en sí mismo; así, por ejemplo, hay un dibujo semidesnudo de la famosa Gioconda , La Gioconda (1503), hoy en el Museo Condé de Chantilly . [78]
La culminación del desnudo renacentista se produjo en la obra de Miguel Ángel , para quien el cuerpo humano desnudo tenía un carácter divino que le otorgaba una dignidad inigualable por cualquier otro desnudo contemporáneo. Por sus convicciones neoplatónicas, idealizó de manera extrema la emoción que sentía ante la belleza masculina, de modo que la sensualidad de sus desnudos se convierte en algo trascendental, la expresión de algo superior e inmaterial, inasible, sublime, puro, infinito. Sus figuras son a la vez dominantes y conmovedoras, de gran potencia y gran pasión, de rotunda vitalidad e intensa energía espiritual. Incluso sus obras religiosas han perdido el patetismo del sufrimiento inherente a la figura de Cristo crucificado para mostrar al Salvador con una serenidad espiritual que genera compasión más por su belleza que por su dolor, como en la Piedad vaticana (1498–1499). [79] Sus primeros dibujos de desnudos muestran la vivacidad de sus articulaciones nerviosas, alejadas de los suaves contornos clásicos, con un rico modelado alejado de cualquier proporción o esquema geométrico. Su anatomía es nudosa y tensa, dinámica, donde destaca el grosor del torso, con músculos marcados y contornos sólidos, exagerando los efectos de torsión y las figuras escorzadas, como en el Baco ebrio (1496-1497), una de sus primeras grandes esculturas. El David (1501-1504) de Florencia aún conserva el aire apolíneo de un clasicismo equilibrado, pero interpretado de forma personal, donde el torso puede parecer el de una estatua griega, pero la desproporción de cabeza y extremidades denota tensión, y su expresión desafiante se aleja del ethos clásico . Lo mismo ocurre con la expresión dramática de sus Esclavos del Louvre ( Esclavo moribundo y Esclavo rebelde , 1513), que recuerdan a las figuras noobides del arte helenístico , y denotan la influencia del Laocoonte (Miguel Ángel fue uno de los primeros en ver el grupo escultórico, desenterrado en 1506 cerca de San Pietro in Vincoli ). De manera similar, sus figuras para las tumbas de los Médici (1524) recuerdan a las obras griegas: las masculinas ( El día y El crepúsculo ) al Torso del Belvedere , y las femeninas ( El alba y La noche ) a la Ariadna del Vaticano . [80]
Más tarde, su idea de una anatomía rotunda y vibrante, pero cargada de intensidad emocional, se plasmó en su Adán de la Capilla Sixtina (1508-1512), con reminiscencias del Dioniso del frontón del Partenón , pero con una carga vital muy alejada de la armoniosa escultura fidiana . De igual modo, las figuras de los atletas (habitualmente llamados simplemente ignudi , «desnudos») del techo de la Sixtina tienen el equilibrio de la energía atlética junto a la trascendencia de su misión sagrada —representan las almas de los profetas bíblicos— ejerciendo armoniosamente su papel mediador entre el mundo físico y el espiritual, de modo que su belleza física es un reflejo de la perfección divina. En otras escenas, como El diluvio universal (1509), también muestra figuras vigorosas cuyo poder físico revela su fuerza espiritual. La creación de Eva (1509-1510) presenta una figura femenina rotunda, vigorosa, de contornos muy marcados. Por otra parte, el Cristo del Juicio Final (1536-1541) posee la solemnidad de un Apolo entendido como sol justitiae , pero con una rotundidad —patente en su torso casi cuadrado— ya muy alejada de los cánones clásicos. Su representación de Jesús ya no es la típica figura barbuda de la tradición bizantina , sino la efigie de un dios olímpico o de un rey helenístico, más próxima a Alejandro Magno que a un carpintero judío, de complexión más atlética de la que cabría esperar del místico asceta cristiano. [81] En sus últimas obras, las tres piéades (la Palestrina , el Duomo y la Piedad de Rondanini ), abandonó por completo el ideal de belleza física, con figuras deformadas (Palestrina), angulosas (Duomo) o con un esquematismo próximo al gótico (Rondanini). [82]
El primero en comprender plenamente, desde la gran época de la escultura griega, la identidad del desnudo con el gran arte figurativo, fue Miguel Ángel. Antes de él se había estudiado con una visión científica, como un medio para captar la figura envuelta en la ropa. Miguel Ángel vio que era un fin en sí mismo e hizo del desnudo el fin supremo de su arte. Para él, arte y desnudo eran sinónimos.
— Bernard Berenson , Pintores del Renacimiento italiano (1954) [83]
En el siglo XVI el desnudo tuvo una amplia difusión gracias a los grabados publicados sobre obras clásicas grecorromanas, especialmente los realizados por Marcantonio Raimondi . Surgió la escuela veneciana , que realizó importantes aportaciones al desnudo, no solo en la continuidad de ciertos planteamientos clasicistas, sino también en la innovación y experimentación de nuevas vías técnicas y estilísticas. Los venecianos consiguieron armonizar el desnudo dentro de composiciones más elaboradas, ya fueran en interiores o en el marco de un paisaje natural, mientras que sus innovaciones cromáticas y lumínicas dieron mayor realismo y sensualidad al desnudo, con figuras de gran tamaño y exuberantes que empezaban a alejarse del canon clásico. Esto se puede ver en la Joven desnuda frente a un espejo (1515) de Giovanni Bellini , aunque el principal iniciador de este estilo fue Giorgione , quien fue el primero en estructurar el desnudo femenino dentro de un esquema decorativo general, como en sus frescos del Fondaco dei Tedeschi (1507-1508, hoy desaparecido), en su Concierto pastoral (1510) o en su Venus dormida (1507-1510), cuya postura reclinada ha sido copiada hasta la saciedad . Vale la pena destacar que la tipología física de los desnudos de Giorgione, de proporciones generosas y cintura ancha, dominaría durante mucho tiempo el desnudo femenino veneciano, y que pasó, a través de Durero , a Alemania y los Países Bajos, perdurando en el Barroco en la obra de artistas como Rubens . [84]
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Un imitador temprano de Giorgione fue Tiziano , cuya Venus de Urbino (1538) y Venus de Pardo (o Júpiter y Antíope , 1534-1540) reproducen la misma postura que la Venus dormida , adquiriendo, no obstante, mayor fama. En Amor sagrado y profano (1514-1515) plasmó el mito del Simposio de Platón de la Venus celestial y la mundana recuperado por Ficino y la escuela neoplatónica florentina. La Venus celestial es la que está desnuda, siguiendo el ideal del desnudo clásico, dada la pureza de su virtud moral, mientras que la mundana aparece vestida, por la vergüenza de su inmoralidad. En otras obras continuó con su prototipo de mujer de formas exuberantes y carnosas, como en Baco y Ariadna (1520-1523), Magdalena penitente (1531-1533), Venus y músico (1547), Venus con organista, Cupido y perro (1550), Dánae recibiendo la lluvia dorada (1553), Venus y Adonis (1553), El rapto de Europa (1559-1562), Diana y Acteón (1559), Diana y Calisto (1559), las dos Bacanales pintadas para Alfonso I de Este (1518-1526), o su Venus Anadyomene (1520) de la colección Ellesmere, cuya sensualidad desenfadada es el punto de partida del desnudo como tema en sí mismo, que sería recuperado en el impresionismo . [86]
Discípulos de Tiziano fueron Paris Bordone ( Venus dormida con Cupido , 1540; Betsabé bañándose , 1549; Venus y Marte con Cupido , 1560) y Tintoretto , cuya ambición —no del todo lograda— fue la de reunir el dibujo de Miguel Ángel con el colorido de Tiziano. Las obras de este último son de gran tamaño, con multitud de figuras, con luces deslumbrantes que reflejan la cualidad luminosa de su amada Venecia . En su decoración del Palacio Ducal veneciano (1560-1578) realizó una auténtica apoteosis del desnudo, con múltiples figuras de la mitología clásica ( Marte , Minerva , Mercurio , Baco , Ariadna , Vulcano , las Tres Gracias ), en posiciones donde suele abundar el escorzo, en una gran variedad de posturas y perspectivas. Entre sus otras obras de desnudos se incluyen: José y la esposa de Putifar (1544), Adán y Eva (1550-1552), Venus, Vulcano y Marte (1555), La liberación de Arsínoe (1555-1556), Susana y los ancianos (1560-1565), El origen de la Vía Láctea (1575-1582), Judith y Holofernes (1579), etc. Su hija, Marietta Robusti , siguió sus pasos, mientras servía de modelo a su padre en numerosas ocasiones. [87]
Paolo Veronese también dominaba a la perfección el colorido, sabiamente combinado en infinitos matices, así como la composición, dedicada a recrear escenas fastuosas, lúdicas, ornamentales, enfatizando la pompa de la Venecia ducal . Incluso sus escenas religiosas tienen un carácter festivo, alegre, mundano, a veces un tanto irreverente. Sin embargo, sus desnudos eran recatados, sobrios, modestos, sin mostrar nada explícito, solo alguna zona desnuda entre túnicas o pliegues de ropa, como en Alegoría del amor I; Infidelidad (1575-1580), La creación de Eva (1575-1580), Marte y Venus (1580), Susana y los ancianos (1580) y Venus y Adonis (1580). [88]
Por su parte, Correggio se alejó de todo clasicismo para elaborar composiciones originales sólo subordinadas a la desbordante imaginación del artista, no sólo en cuanto a formas y figuras, sino también en los juegos cromáticos y efectos lumínicos, influido por el sfumato de Leonardo . En obras como Venus y Cupido con un sátiro (o Júpiter y Antíope , 1524-1525), La educación de Cupido (1528), Dánae (1530), Leda y el cisne (1531-1532) y Júpiter e Ío (1531-1532), muestra figuras en posiciones caprichosas, dinámicas, que resaltan luminosamente del resto del cuadro, más oscuro, centrando así el principal punto de interés para el artista. [89]
En la segunda mitad del siglo XVI surge el manierismo , [Nota 6] con el que se inicia en cierto modo el arte moderno: no se representan las cosas como son, sino como las ve el artista. Se relativiza la belleza, desde la belleza única renacentista, basada en la ciencia, hasta las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Para los manieristas, la belleza clásica es vacía, sin alma, contraponiéndose a una belleza espiritual, onírica, subjetiva, desregulada —resumida en la fórmula de Petrarca non-so ché («no sé qué»)—. [90] El desnudo manierista será de formas alargadas, exageradas, esbeltas, de una elegancia casi amanerada. Parte, por un lado, de la distorsión formal de Miguel Ángel y, por otro, de la elegancia de Parmigianino . Un buen ejemplo es la Alegoría de Venus y Cupido (o Alegoría de la Pasión , 1540-1545) de Bronzino , cuya Venus, tan esbelta y con actitud casi lasciva, proviene, sin embargo, por su postura en zigzag del Cristo muerto de la Piedad de Miguel Ángel . Estas esbeltas figuras de refinada gracia abundaron también en la escultura, preferentemente en bronce, desarrollada por artistas como Baccio Bandinelli ( Hércules y Caco , 1534, situada junto al David de Miguel Ángel en la Piazza della Signoria de Florencia), Bartolomeo Ammannati ( Leda y el cisne , 1535; Venus , 1558; Fuente de Neptuno , 1563-1565), Benvenuto Cellini ( Crucifijo de El Escorial, 1539; Salero de Francisco I , 1540-1543; Ganimedes , 1547; Perseo con la cabeza de Medusa , 1554) o Giambologna ( Sansón matando a un filisteo , 1562; Mercurio , 1564; Fuente de Neptuno , 1565; Florencia triunfante sobre Pisa , 1570; Rapto de las sabinas , 1582; Hércules y el centauro Neso , 1599). [91] Por otra parte, el lado trágico del desnudo —el del patetismo helenístico— fue cultivado por Pontormo y Rosso Fiorentino , generalmente con temas religiosos, que podían expresar mejor el emocionalismo manierista, como Moisés defendiendo a las hijas de Jetro (1523) de Rosso, cuyos cuerpos planos y angulosos son la antítesis del clasicismo. [92]
Durante el siglo XVI, la aceptación del desnudo como tema artístico, que se trasladó desde Italia al resto de Europa, generó una gran demanda de estas obras, especialmente en Alemania y los Países Bajos, por parte de un público burgués que consumía con avidez este tipo de obras. La representación del desnudo fue tan popular que llegó a aparecer en la portada del Nuevo Testamento de Erasmo de Róterdam . Uno de los artistas más populares en este campo fue Lucas Cranach el Viejo , quien a lo largo de su obra elaboró una versión más personal del desnudo nórdico de origen gótico, que, aun conservando sus formas redondeadas, se muestra más estilizado y sujeto a los cánones clásicos, con piernas largas y esbeltas, cintura fina y silueta suavemente ondulada, como en Venus y Cupido (1509), La ninfa de la fuente (1518), Lucrecia (1525), El juicio de Paris (1527), Adán y Eva (1528), Apolo y Diana (1530), Las tres Gracias (1530), La edad de oro (1530), Venus (1532), Venus y Cupido robando miel (1534), Alegoría de la justicia (1537), La fuente de la juventud (1546), Diana y Acteón (1550–1553), etc. Sus figuras se presentan con múltiples accesorios (sombreros, cinturones, velos, collares), lo que realza la erotismo de sus modelos, estableciendo un imaginario que se repetiría a menudo en el futuro. [93]
Alberto Durero heredó las formas del arte gótico tan arraigadas en su país, pero evolucionó gracias al estudio del clasicismo renacentista italiano. Algunas de sus primeras obras muestran el prototipo femenino gótico de figuras alargadas con pechos pequeños y vientres abultados, como en Hausfrau (1493), Baño de mujeres (1496) y Las cuatro brujas (1497). Posteriormente, se dedicó al estudio de las proporciones en el cuerpo humano, intentando encontrar la clave de la perfección anatómica, aunque sin resultados favorables. Sin embargo, de esta manera se aproximó a un cierto estilo clasicista, como se puede apreciar en su Adán y Eva de 1504, en el que se demuestra que la armonía clásica era más un estado de ánimo que un canon de reglas geométricas. Aun así, no se conformó, y en sus últimas obras volvió a las formas bulbosas del arte gótico, como en El suicidio de Lucrecia (1518). Excelente grabador además de pintor, algunos de sus mejores desnudos son grabados, como Berenice, El sueño del médico y El monstruo marino , o alegorías y la serie de los Triunfos Imperiales , o sus estampas sobre la pasión y muerte de Jesús y las vidas de santos como San Jerónimo, Santa Genoveva y Santa María Magdalena. La obra de Durero influyó en muchos artistas del mundo germánico, en obras donde las formas góticas se entremezclan con los ideales clásicos, como se puede ver en la obra de Urs Graf ( El ejército furioso , 1520) y Niklaus Manuel Deutsch ( El juicio de París , 1516-1528). [94]
Hans Baldung fue también discípulo de Durero, autor de obras alegóricas de fuerte contenido moralizante, generalmente con personificaciones de la muerte o de las edades del hombre, recordando el carácter efímero de la vida: Tríptico de San Sebastián (1507), Los dos amantes y la muerte (1509-1511), Las tres edades de la mujer y la muerte (1510), Eva, la serpiente y la muerte (1512), Las tres brujas (1514), La muerte y una mujer (1518-1520), La vanidad (1529), Hércules y Anteo (1530), Adán y Eva (1535), Las siete edades de la mujer (1544), etc. Por su parte, Hans Holbein el Joven fue autor preferentemente de pinturas y retratos religiosos, ocupándose poco del desnudo, de los que, sin embargo, hay que destacar su magnífica El cuerpo de Cristo muerto en el sepulcro (1521). [95]
En los Países Bajos, El Bosco representó una cierta continuidad de las formas góticas, aunque tratadas con un mayor naturalismo y con una fantasía desbordante que haría de su obra un prodigio de creatividad e imaginación. En El jardín de las delicias (1480-1490), El juicio final (1482), Los siete pecados capitales y las cuatro últimas cosas (1485) y El tríptico del carro de heno (1500-1502), la forma desnuda, humana o infrahumana (demonios, sátiros, animales mitológicos, monstruos y criaturas fantásticas) prolifera en un paroxismo de lujuria que trasciende cualquier significado iconográfico y obedece únicamente a la febril imaginación del artista. Pieter Bruegel el Viejo también realizó obras de amplia panorámica y multitud de figuras, con predilección por los paisajes y los retratos de género, aunque sus desnudos son escasos. Son más evidentes en la obra de su hijo, Jan Brueghel de Velours , autor de paisajes con proliferación de pequeñas figuras desnudas, en escenas mitológicas o bíblicas. En Flandes , Jan Gossaert recibió la influencia rafaelesca, siendo el introductor en su país de la fábula mitológica, como en Neptuno y Anfítrite (1516), Las metamorfosis de Hermafrodita y Salmacis (1520) y Dánae (1527). [96]
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En Francia, el arte evolucionó rápidamente del gótico al manierismo, sin que apenas se sintiera la influencia clasicista del primer Renacimiento, debido principalmente a la estancia en las obras del Palacio de Fontainebleau de varios artistas manieristas italianos ( Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio , Benvenuto Cellini ), que dieron origen a la Escuela de Fontainebleau , caracterizada por un gusto cortesano y sensualista, de elegancia decorativa, voluptuosa, lánguida, con predominio de la pintura mural y el relieve en estuco . Las figuras elegantes y angulosas de Primaticcio, de miembros largos y cabezas pequeñas, se pusieron de moda y permanecieron en el arte francés hasta finales del siglo XVI. Algunas obras de esta escuela son de artistas desconocidos, como la Diana cazadora ( c. 1550 ) y el Retrato de Gabrielle d'Estrées y su hermana la duquesa de Villars (1594), de un fino erotismo de corte galante. Entre los artistas conocidos destacan: Eva Prima Pandora (1550), de Jean Cousin el Viejo ; El baño de Diana (1550), de François Clouet ; El despertar de una dama , de Toussaint Dubreuil ; y, en escultura, Diana cazadora (1550) de Jean Goujon , y Las tres Gracias (1560) de Germain Pilon . El desnudo también se vio reflejado en este mismo ambiente en todo tipo de artes menores, desde el tapiz hasta la cerámica y la orfebrería , como la famosa placa esmaltada con la Historia de Adán y Eva en seis pasajes, de Pierre Rémond. [97]
En España, la influencia renacentista llegó tardíamente, sobreviviendo las formas góticas hasta casi mediados del siglo XVI. Por lo demás, las innovaciones fueron más estilísticas que temáticas, predominando los temas religiosos como en la época medieval. El Greco fue uno de los principales innovadores de la pintura española de la época: formado en la escuela veneciana, de esta escuela procede el intenso colorido de sus obras, aunque sus figuras alargadas y desproporcionadas muestran un cierto expresionismo formal más que naturalismo clasicista italiano. Aunque la mayor parte de sus obras son de carácter religioso, en ellas no deja de mostrar figuras desnudas más o menos justificadas por la temática, pudiéndose contar en toda su producción más de un centenar de desnudos. Esto se puede apreciar en obras como El martirio de San Sebastián (1577-1578), San Juan Bautista (1577-1579), La Santísima Trinidad (1577-1580), El martirio de San Mauricio (1580-1582), Cristo en la cruz adorado por dos donantes (1590), El bautismo de Cristo (1596-1600), La crucifixión (1597-1600), San Martín y el mendigo (1597-1600), Cristo expulsando a los cambistas del templo (1609), La visión de San Juan (1609-1614), Laocoonte y sus hijos (1614), etc. También como escultor dejó obras como su Epimeteo y Pandora (1600-1610) del Museo del Prado , donde cabe destacar el realismo de la órganos sexuales de ambos personajes, tratados sin ocultamiento. [98]
En el resto de la producción artística renacentista española predominaron el decoro y la modestia, reglas de oro del arte español que fueron elevadas a teoría del arte en tratados como las Alegorías de la pintura de Vicente Carducho , el Arte de pintar de Francisco Pacheco o los Discursos practicables de Jusepe Martínez . En este contexto, la figura humana desnuda solo se encuentra en el ámbito religioso, especialmente en la imaginería escultórica, como el San Sebastián de Alonso Berruguete (1526-1532), El entierro de Cristo de Juan de Juni (1541-1545) o el San Jerónimo penitente de Juan Martínez Montañés (1598). Las excepciones a esta regla son muy pocas, como el fresco de la Historia de Dánae del Palacio Real de El Pardo (1563), de Gaspar Becerra , de influencia miguelangelesca. [99]
El Barroco [Nota 7] se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas , donde se fortaleció el Estado absolutista y los países protestantes (de signo más parlamentario ). El arte se volvió más refinado y recargado, con la supervivencia de un cierto racionalismo clasicista, pero con formas más dinámicas y dramáticas, con un gusto por lo sorprendente y lo anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. [100]
Durante el Barroco, el desnudo femenino siguió predominando como objeto de placer para los mecenas aristocráticos, quienes disfrutaban de este tipo de composiciones, donde las mujeres generalmente cumplían un papel subordinado al hombre. Junto a la temática mitológica, comenzó la costumbre de realizar retratos alegóricos donde las mujeres desnudas representaban conceptos como la Justicia, la Verdad, la Generosidad, etc. [101] El desnudo barroco acentuó los efectos de torsión y dinamismo presentes en el Manierismo y en la obra de Miguel Ángel, de quien tomaron la composición en espiral —que Miguel Ángel introdujo en su Alegoría de la Victoria en el Palazzo Vecchio de Florencia, y que permitía una base más sólida para soportar el peso del torso—. Así, la clásica «diagonal heroica» se convirtió en la «espiral heroica», la forma en que un movimiento violento y forzado podía expresar de manera verosímil el dramatismo y la eficacia del arte barroco. [102]
El Barroco tuvo como principal heraldo del desnudo a Peter Paul Rubens , cuyas robustas y carnalmente sensuales figuras femeninas marcaron una época en el concepto estético de belleza de su tiempo. Sin embargo, a pesar de esta exuberancia carnal, la obra de Rubens —autor también de numerosas obras de tema religioso— no carece de cierto idealismo, de cierto sentimiento de pureza natural que otorga a sus lienzos una especie de candor onírico, una visión optimista e integradora de la relación del hombre con la naturaleza. Rubens concedió gran importancia al diseño de sus figuras, y para ello estudió en profundidad la obra de artistas anteriores, de los que tomó sus mejores recursos, especialmente —en lo que concierne al desnudo— de Miguel Ángel, Tiziano y Marcantonio Raimondi. Fue un maestro en encontrar la tonalidad precisa para las carnaciones de la piel —solo igualada por Tiziano y Renoir— , así como sus diferentes texturas y las múltiples variantes de los efectos de brillo y los reflejos de la luz sobre la carne. Se preocupó también del movimiento del cuerpo, y de dar peso y solidez a sus figuras. Sin embargo, no descuidó el aspecto psicológico y la expresión facial, y en los rostros de sus figuras se puede apreciar una felicidad despreocupada, un cierto orgullo de saberse bellos, pero sin vanidad, y un cierto agradecimiento vital que el propio artista sentía ante los dones de la vida. [103] Entre sus obras relacionadas con el desnudo cabe destacar: La muerte de Séneca (1611-1615), Venus, Cupido, Baco y Ceres (1612-1613), Cupido y Psique (1612-1615), El tocado de Venus (1615), Daniel en el foso de los leones (1615), Perseo y Andrómeda (1622), La llegada de María de Médicis a Marsella (1622-1625), El triunfo de la verdad (1622-1625), Minerva protegiendo la paz de Marte (1629), Venus y Adonis (1635), Las tres Gracias (1636-1639, donde están retratadas las dos mujeres de su vida, Isabella Brandt y Hélène Fourment ), El rapto de las hijas de Leucipo (1636), El nacimiento de la Vía Láctea (1636-1638), Diana y Calisto (1637-1638), Diana y sus ninfas sorprendidas por los faunos (1639-1640), El juicio de Paris (1639), etc. Autor de más de dos mil cuadros, es quizá el artista que más desnudos ha representado en la historia. [104]
En cuanto a la temática religiosa, Rubens demostró la misma capacidad sintetizadora que en sus otros desnudos, dotando a sus figuras de una entidad física que potenciaba su aspecto espiritual, como en sus dos obras para la catedral de Amberes , La elevación de la cruz (1611) y El descendimiento de la cruz (1613), que vuelven a mostrar la influencia miguelangelesca, así como la asimilación del movimiento ondulante del Laocoonte . En estas imágenes, el color de la carne juega un papel esencial, contrastando la pálida y pálida figura de Cristo con el intenso colorido del resto de las figuras, lo que da mayor efecto al dramatismo de la escena. El mismo efecto aparece en la Crucifixión (1620) del Museo Boymans Van Beuningen , donde al efecto de la luz tormentosa se suma el diferente cromatismo de las figuras de Cristo y los ladrones, mientras que la diferenciación en las anatomías de las diferentes figuras enfatiza el físico ideal de Jesús en oposición a la cruda materialidad de los ladrones. [105]
Discípulos de Rubens fueron Anthony van Dyck y Jacob Jordaens : el primero, gran retratista, evolucionó hacia un estilo más personal, con fuerte influencia italiana, como en su Piedad del Prado (1618-1620) y el San Sebastián de la Alte Pinakothek de Múnich, o en Diana y Endimión sorprendidos por un sátiro (1622-1627) y El duque y la duquesa de Buckingham como Venus y Adonis (1620). Jordaens fue más fiel a su maestro —sin llegar a su altura— como lo demuestra la proliferación de desnudos casi comparables a los del genio de Amberes : El sátiro y el campesino (sin fecha), El rapto de Europa (1615-1616), La fertilidad (1623), Pan y Siringe (1625), Apolo y Marsias (1625), Prometeo encadenado (1640), Las hijas de Cécrope encuentran a Erictonio (1640), El triunfo de Baco (1645), El descanso de Diana (1645-1655), La abundancia de la tierra (1649), etc. [106]
En el lado opuesto del idealismo de Rubens se sitúa la obra de Rembrandt , heredero de las formas redondeadas del desnudo nórdico de origen gótico, con figuras tratadas de forma realista, igual de exuberantes que las de Rubens, pero más mundanas, sin ocultar los pliegues de la carne ni las arrugas de la piel, con un patetismo que acentúa la cruda materialidad del cuerpo, en su aspecto más humillante y lastimoso. Rembrandt apela a la naturaleza contra las reglas, movido por una honestidad verista desafiante, y tal vez por un sentimiento de compasión hacia las criaturas menos favorecidas de la sociedad: ancianos, prostitutas, borrachos, mendigos, discapacitados. Para él, imbuido de un sentido bíblico del cristianismo, la pobreza y la fealdad eran inherentes a la naturaleza, y tan dignas de atención como la riqueza y la belleza. Este sentido revelador de la imperfección se denota en obras como Diana en el baño (1631), Mujer desnuda sentada en un montículo (1631), Cleopatra (1637), Mujer bañándose los pies en un arroyo (1658), etc. Tampoco le importó mostrar la anatomía humana más cruda en La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632). Más agradables son Susana y los ancianos (1634), Adán y Eva en el paraíso (1638), Bacante contemplada por un fauno y Dánae recibiendo la lluvia dorada (1636-1647, donde retrató a su esposa, Saskia van Uylenburgh ). Un intento de mostrar la belleza tal vez sensual fue su Betsabé en el baño (1654), donde retrata a su amante, Hendrickje Stoffels , que a pesar de sus formas redondeadas y generosas, mostradas con honestidad, consigue transmitir un sentimiento de nobleza, no ideal, sino sublime, mientras que su expresión meditativa proporciona vida interior a la figura carnal, y le da un aura espiritual, reflejando el concepto cristiano del cuerpo como receptáculo del alma. [107]
En Italia destaca la obra de Gian Lorenzo Bernini , arquitecto y escultor que escenificó la pompa de la Roma papal de forma suntuosa y grandilocuente, y cuyas obras expresan el movimiento dinámico y sinuoso tan característico del Barroco, como se denota en sus principales grupos escultóricos: Eneas, Anquises y Ascanio huyendo de Troya (1618-1619), El rapto de Proserpina (1621-1622), David lanzando su honda (1623-1624), La verdad desvelada por el tiempo (1645-1652) y Apolo y Dafne (1622-1625), donde se manifiesta su maestría en el modelado, el dramatismo de la acción, sus audaces escorzos y su sentido decorativo, muchas veces plasmado en vestiduras flotantes de frágil equilibrio. Otro gran creador fue Caravaggio , quien inició un estilo conocido como naturalismo o caravagismo , basado en la estricta realidad natural y caracterizado por el uso del claroscuro ( tenebrismo ) para conseguir efectos dramáticos y sorprendentes gracias a la interacción entre la luz y la sombra. Artista excéntrico y provocador, entre sus obras destacan: San Juan Bautista (Joven con carnero) (1602), Cupido victorioso (1602–1603), El entierro de Cristo (1602–1604), La flagelación de Cristo (1607), Cristo en la columna (1607), San Jerónimo escribiendo (1608), La resurrección de Lázaro (1609), etc. Sus seguidores fueron Giovanni Battista Caracciolo ( El joven San Juan en el desierto , 1610–1620; Cupido durmiente , 1616; Martirio de San Sebastián , 1625) y Artemisia Gentileschi ( Susana y los ancianos , 1610; Dánae , 1612; Cleopatra , 1621; José y la mujer de Putifar , 1622; Venus durmiente , 1625–30). [108]
Entre Italia y Francia se originó otra corriente llamada clasicismo, igualmente realista, pero con un concepto más intelectual e idealizado de la realidad, y donde el tema mitológico era evocador de un mundo de perfección y armonía, comparable a la Arcadia romana . Se inició en la Escuela boloñesa , de la mano de Annibale Carracci , cuyo Triunfo de Baco y Ariadna (1597–1602) presenta una procesión repleta de desnudos, que también abundan en la decoración que el artista realizó en el Palacio Farnesio de Roma. En Cadáver de Cristo (1583–1585) se inspiró en la obra homónima de Mantegna. Otro miembro de la escuela fue Guido Reni , que produjo numerosas alegorías mitológicas y pinturas de dioses y héroes cuya desnudez resalta su dignidad y magnificencia, como en Atalanta e Hipómenes (1612), Sansón bebiendo de la quijada de un asno (1611-1612) y El rapto de Deyanira (1620-1621). Francesco Albani buscó en la mitología un tema grácil y amable al que se sentía naturalmente inclinado, como en su serie de las Estaciones (1616-1617, que incluye Invierno o El triunfo de Diana, Otoño o Venus y Adonis, Primavera o Venus en su tocador y Verano o Venus en la fragua de Vulcano ), Amores desarmados (1621-1633), Mercurio y Apolo (1623-1625), Diana y Acteón (1625-1630) y Alegoría del agua (1627). Guido Cagnacci fue uno de los últimos representantes de la escuela, exportando el clasicismo al ámbito germánico: Alegoría de la vida humana, La muerte de Cleopatra (1658), San Jerónimo (1659), María Magdalena inconsciente (1665). [109]
En el ámbito francés, Nicolas Poussin , artista de un clasicismo sereno, fue quizás el inaugurador del desnudo académico, por ser culto e idealizado, basado en la representación en imágenes de la cultura erudita que tenía como base temática la mitología y la historia antigua. De influencia rafaelesca, se interesó por la anatomía, elaborando concienzudamente todas sus obras, concebidas tanto en sentido plástico como intelectual. Se interesó por la arqueología , inaugurando con Claude Lorrain el llamado "paisaje histórico", donde se utiliza un marco de paisaje para situar diversas figuras históricas o mitológicas, junto a arquitectura o ruinas de la antigüedad. Entre sus obras se encuentran: Apolo y Dafne (1625), Apolo y Baco (1627), Eco y Narciso (1628), Parnaso (1630), Céfalo y Aurora (1630), Midas y Baco (1630), El imperio de Flora (1631), El triunfo de Galatea (1634), Bacanal (1634-1635), Adoración del becerro de oro (1636), Venus y Eneas (1639), etc. [110] Otros artistas de inspiración clasicista fueron: Simon Vouet ( Cupido y Psique , 1626; Venus durmiente , 1630-1640), Charles Le Brun ( Muerte de Meleagro , 1658; Los trabajos de Hércules , 1658-1661) y Jacques Blanchard ( Angélica y Medoro , 1630; Dánae , 1630–1633; Venus y las Tres Gracias sorprendidas por un mortal , 1631–1633). [111]
En el «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), estilo decorativo y recargado, con predilección por los efectos ópticos ( trampantojo ) y la escenografía lujosa y exuberante , numerosos artistas trabajaron en la decoración del Palacio de Versalles , estilo que se extendió al resto de Francia. El desnudo se desarrolló notablemente en la escultura, llenando plazas y jardines de toda Francia, con artistas como Pierre Puget ( Milón de Crotona , 1671-1682; Perseo y Andrómeda , 1685) y François Girardon ( Apolo tendido por las ninfas , 1666; El rapto de Proserpina , 1677). También destacó en el campo de las artes aplicadas, especialmente en bronce y porcelana , e incluso en la talla y estofado en ebanistería . [112]
España seguía siendo en esta época un país artísticamente casto y recatado, donde el desnudo era visto con ojos modestos. Así, un artista como Bartolomé Esteban Murillo sólo muestra figuras desnudas en las formas infantiles que pueblan sus escenas de la Virgen, con su niño Jesús y sus putti , sus angelitos que juegan y vuelan por todas partes en el espacio sagrado de sus obras. Sin embargo, en esta época se inicia un cierto aperturismo, y un hombre de Iglesia como fray Juan Rizi justifica la figura humana desnuda en su Tratado de la Pintura Sabia , del que hace un detallado estudio anatómico, acompañado de numerosas ilustraciones de su puño y letra. [113] Hay que señalar también que los monarcas hispánicos fueron grandes coleccionistas de desnudos, desde Carlos V a Felipe IV , y a este fin se destinó la Torre Dorada del Real Alcázar de Madrid , antaño auténtico museo del desnudo. [114]
El desnudo en España siguió siendo predominantemente de temática religiosa, como se puede ver en la obra de Francisco Ribalta , Jusepe de Ribera , Francisco de Zurbarán , Gregorio Fernández y Pedro de Mena . En Ribera se pueden ver algunas excepciones —quizás debidas a su estancia en Italia— como su Sileno ebrio (1626), su Apolo y Marsias (1637) o sus imágenes de Ixión (1632) y Prometeo (1630), o en el Descenso de Cristo al Limbo (1646-1652) de Alonso Cano . Zurbarán también pintó algunos cuadros de Hércules para la Torre de la Parada, encargados por Velázquez. [115]
Pero sin duda el gran genio del Barroco español fue Diego Velázquez , pintor de Felipe IV , cuya magnífica producción constituye uno de los hitos de la historia del arte. Velázquez gozó de una gran libertad en su obra, sin duda por su posición de pintor real, por lo que pudo pintar más desnudos que ningún otro artista español de su tiempo. Aun así, se vio constreñido por la censura clerical, por lo que tuvo que cambiar el sentido iconográfico de algunas de sus obras, que pasaron de desnudos mitológicos a escenas costumbristas o de género: así, lo que hubiera sido una bacanal de tema dionisíaco se convirtió en Los bebedores (1628-1629), y el adulterio de Marte y Venus pasó a ser La fragua de Vulcano (1630). [116] Menos problemas tuvo —lógicamente— en sus representaciones religiosas, como su Cristo crucificado (1639), o en Cristo después de la flagelación (1632) y La túnica de José (1630), donde el desnudo tiene un claro componente clasicista, casi academicista, hecho que se demuestra en la concepción anatómica de ciertas figuras, aunque luego aparezcan vestidas, como en el caso de Las hilanderas (1657), donde es evidente la influencia miguelangelesca de la Capilla Sixtina. [117]
Sin embargo, el pintor sevillano pudo explorarse a sí mismo con la Venus en el espejo (1647-1651), uno de los desnudos más magníficos y famosos de la historia. Se trata de un desnudo de gran originalidad, sobre todo por estar presentado de espaldas, hecho no muy común en la época, y en cuya concepción quizá se nota la influencia del Hermafrodita Borghese , que Velázquez seguramente conoció en Italia. Por otra parte, la actitud de Venus, que se mira en el espejo, probablemente represente una alegoría de la vanidad. El genial pintor realizó otros desnudos —hoy perdidos— como un Cupido y Psique y una Venus y Adonis que pertenecieron a Felipe IV, un desnudo femenino propiedad de Domingo Guerra Coronel y una Venus yacente que estuvo en posesión del propio pintor a su muerte. [32]
Desarrollada en el siglo XVIII —en coexistencia a principios de siglo con el Barroco , y a finales con el Neoclasicismo— [Nota 8] supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del Barroco, con un sentido más acentuado de la decoración y del gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo ascenso social de la burguesía y los avances científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración , propiciaron el abandono de los temas religiosos en favor de nuevos temas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social. [118]
El desnudo en esta época era heredero de Rubens —de quien tomaron especialmente el color y la textura de la piel— y tenía mayores connotaciones eróticas, de un erotismo refinado y cortesano, sutil y evocador, pero no exento de provocación y de cierto carácter irreverente, abandonando cualquier atisbo de idealización clasicista y asumiendo el carácter mundano del género. En Francia, donde se desarrolló con más plenitud, pervive en sus figuras un aire gótico que no había abandonado del todo el arte francés durante el Renacimiento, y que se refleja en figuras alargadas, de pechos pequeños y vientres prominentes. A mediados de siglo se popularizó el tipo de figura pequeña y esbelta (la petite ), como se puede apreciar en la obra pictórica de Boucher ( Diana descansando después de su baño ) o la obra escultórica de Clodion ( Ninfa y sátiro, Niña jugando con su perro ). También se empezó a representar el desnudo de espaldas, hasta entonces considerado más lascivo y poco representado, salvo en contadas ocasiones, como la famosa Venus en el espejo de Velázquez, teniendo ejemplos como El juicio de Paris de Watteau o La joven descansando de Boucher. [119]
Jean-Antoine Watteau fue uno de los iniciadores del estilo, con sus escenas de fiestas galantes y paisajes bucólicos repletos de personajes míticos o, cuando no, de personas anónimas disfrutando de la vida. Influido por Rubens y la escuela veneciana, su paleta era de vivos colores, con un estilo nervioso de pinceladas rápidas, expresivas y vibrantes. Sus desnudos son escasos, pero son verdaderas obras maestras, elaborados con mimo y gran elegancia: además de El juicio de Paris (1718-1721) conviene recordar Ninfa de la fuente (1708), El amor desarmado (1715), Júpiter y Antíope (1715-1716), Diana en el baño (1715-1716) y La primavera (1716). Los seguidores de Watteau fueron varios artistas que siguieron el estilo galante del maestro: François Lemoyne ( Hércules y Ónfale , 1724), Charles-Joseph Natoire ( Psique en su tocador , 1735) y Jean François de Troy ( El baño de Diana y sus ninfas , 1722-1724; Susana y los viejos , 1727). [120]
François Boucher dominaba a la perfección la perspectiva, aprendía de los maestros barrocos, además de recrear magistralmente el colorido de Rubens y Correggio, en obras que tocaban todos los géneros, desde la historia y el retrato hasta el paisaje y las pinturas de género. Sus imágenes tienen un aire bucólico y pastoril, a menudo inspirado en la mitología ovidiana , con un sentido galante y cortesano que lo convirtieron en pintor de moda, académico y primer pintor del rey. Entre sus obras, además de La muchacha descansando (retrato de Marie-Louise O'Murphy , amante de Luis XV , y la menor de cinco hermanas todas a las que Boucher pintó), destacan: El triunfo de Venus (1740), Leda y el cisne (1742), Diana descansando después de su baño (1742), La toilette de Venus (1751), etc. [121]
Su discípulo fue Jean-Honoré Fragonard , que continuó el estilo cortesano donde el amor galante despliega todos sus encantos, con un fino erotismo de corte gracioso y elegante. Fue protegido de Madame du Barry , para quien produjo el ciclo de Los progresos del amor en los corazones de las jóvenes (1771-1773), compuesto por cinco grandes panneaux : El encuentro, La persecución, Las cartas de amor, El amante satisfecho y El abandono . Otras obras suyas son: El nacimiento de Venus (1753-1755), El cambio retirado (1761-1765), Las bañistas (1765), La gimblette (1768), La fuente del amor (1785), y Las dos amigas , de temática lésbica, más marcadamente erótica. [122]
En el campo de la escultura también son notables los desnudos, en los que el tono pícaro y galante del rococó se combina con un cierto aire clasicista —heredado de la estatuaria francesa del siglo XVII— y el interés por el retrato. Algunos de los mejores exponentes son: Jean-Baptiste Lemoyne ( Ninfa saliendo del baño ), Edmé Bouchardon ( Cupido haciendo un arco con la maza de Hércules , 1750), Jean-Baptiste Pigalle ( Mercurio colocándose sus sandalias aladas , 1744; Venus , 1748; Voltaire , 1770–1776), Étienne Maurice Falconet ( Milón de Crotona , 1754; Madame de Pompadour como Venus , 1757; Pigmalión y Galatea , 1763), Jean-Antoine Houdon ( Morfeo , 1770; Diana cazadora , 1776; Alegoría del invierno , 1783), Augustin Pajou ( Psique abandonada , 1790) y Clodion ( El río Rin separando las aguas , 1765; El triunfo de Galatea , 1779). [123]
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Fuera de Francia, en muchos lugares de Europa el barroco sobrevivió hasta mediados del siglo XVIII, sustituido o entremezclado con la creciente exuberancia del rococó. Un claro ejemplo de la pervivencia del barroco es El monstruo desnudo (1680), de Juan Carreño de Miranda . Giambattista Tiepolo fue un seguidor de la escuela veneciana, con sus ricos colores, cielos límpidos, paisajes diáfanos, arquitecturas majestuosas y un cierto aire escenográfico que otorga a su obra una gran magnificencia y magnificencia. Sus obras abundan en alegorías y temas históricos y mitológicos, llenos de dioses y héroes desnudos, como Diana descubre el embarazo de Calisto (1720–1722). Corrado Giaquinto , pese a ser un pintor preferentemente religioso, también realizó alegorías y cuadros mitológicos con figuras desnudas, como La Paz, la Justicia y Hércules . En España decoró el techo del Salón de las Columnas del Palacio Real de Madrid , con múltiples figuras de dioses desnudos (Apolo, Baco, Venus, Diana). El alemán Anton Raphael Mengs ya se apuntaba al neoclasicismo, intentando sintetizar el dibujo de Miguel Ángel con el colorido de Rafael y el claroscuro de Correggio, siempre con el culto a la Antigüedad como telón de fondo. Establecido en España, como director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando , abogó por el estudio del natural para la representación del desnudo. En su decoración del Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid (1765-1769) desplegó un auténtico Olimpo de dioses y héroes clásicos, como las escenas de Hércules conducido ante Júpiter, Triunfo de Trajano, Júpiter, Venus y las Gracias, La Aurora, etc. En Alemania destacaron también los escultores Georg Raphael Donner ( Atalanta ) y Franz Ignaz Günther ( Cronos , 1765-1770). [124]
Un artista difícil de clasificar fue Francisco de Goya , un genio insuperable que evolucionó del rococó a un expresionismo de espíritu romántico , pero con una personalidad que da a su obra un carácter único, sin parangón en la historia del arte. Su obra cumbre en el género del desnudo es La maja desnuda (1797–1800), que pintó en paralelo a La maja vestida (1802–1805), y que es uno de los primeros desnudos donde se aprecia claramente el vello púbico. [125] Se trata de uno de los primeros casos de desnudez no justificada por ningún tema histórico, mitológico o religioso, simplemente una mujer desnuda, anónima, [Nota 9] a la que vemos en su intimidad, con cierto aire de voyeurismo . Es una desnudez orgullosa, casi desafiante, la maja nos mira directamente, con un aire pícaro, juguetón, ofreciendo la sinuosa belleza de su cuerpo para el deleite del espectador. Otros desnudos del genio aragonés en sus inicios son: La Piedad (1774), Cristo crucificado (1780), Psique y Cupido (1798-1805) y Bandido desnudando a una mujer (1798-1800). [126] Posteriormente, debido a su sordera, las desgracias personales, el cansancio de la vida cortesana, el horror de la guerra, el exilio, la soledad, la vejez, y otros factores, fueron influyendo en su personalidad y su obra, que se hizo más expresiva, más introspectiva, con una fuerte vena satírica y una estética más fea, resaltando los rasgos más duros y crueles tanto de las personas como del mundo que le rodeaba. En esta época, sus desnudos tienen un carácter más dramático, a veces patético, con cuerpos deformados, ásperos, como en La cocina de las brujas (1797-1798), La decapitación (1800-1805), El manicomio (1812-1819), La hoguera (1812-1813) o el atroz Saturno devorando a su hijo (1819-1823). Se dedicó entonces más al grabado, medio que le permitió plasmar de manera ideal su atormentado interior: en series como Los desastres de la guerra (1810-1815) hay varios desnudos —aunque generalmente de cadáveres— como en Se aprovechan, Esto es peor y ¡Grande hazaña! ¡Con muertos !; o en Los caprichos (1799), donde desnuda a brujas y otros seres similares, como en ¡Miren qué tumbas!, Se repulen, ¡Quién lo creyera!, Sopla, Aguarda que te unten, Si amanece, nos vamos, Linda maestra, Allá va eso, ¿Dónde va mamá? , etc. [127]
El ascenso de la burguesía tras la Revolución Francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del Barroco y el Rococó, identificados con la aristocracia . Este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano se vio influenciado por el descubrimiento arqueológico de Pompeya y Herculano , junto con la difusión de una ideología de perfección de las formas clásicas por parte de Johann Joachim Winckelmann , quien postuló que en la Antigua Grecia existía la belleza perfecta, generándose un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún hoy condiciona la percepción del arte. [Nota 10]
El desnudo neoclásico recuperó las formas de la antigüedad grecorromana, pero desprovista de su espíritu, de su carácter ideal, de su ethos ejemplar , para recrearse sólo en forma pura, desprendida de la vida, lo que en definitiva derivó en un arte frío y desapasionado, que se prolongaría en el academicismo con un sentido de recurrencia casi repetitiva, en el que el estudio de los clásicos impedía la expresión personal propia del artista, hecho que fue combatido por el espíritu vanguardista del arte desde el impresionismo , primer movimiento rupturista. En los artistas de este periodo —como Girodet y Prud’hon— se puede percibir una curiosa mezcla de clasicismo y cierto aire manierista —sobre todo por influencia de Correggio— que produjeron obras que, aunque querían revivir el viejo clasicismo, eran descontextualizadas y atemporales. [128]
Jacques-Louis David fue el principal impulsor del neoclasicismo, con un estilo aparentemente académico, pero apasionado y brillante, con una sobriedad intelectual que no impide una bella y colorista ejecución. Político además de pintor, su defensa del neoclasicismo le convirtió en la corriente estética de la Francia revolucionaria y napoleónica . Entre 1775 y 1780 vivió en Roma, donde se inspiró en la estatuaria antigua, Rafael y Poussin, que le condujeron al clasicismo, con un estilo severo y equilibrado de gran pureza técnica. Entre sus obras destacan: Los amores de Paris y Helena (1788), La muerte de Marat (1793), La intervención de las sabinas (1799), Leónidas en las Termópilas (1814), Cupido y Psique (1817), Marte siendo desarmado por Venus (1824), etc. [129]
Los discípulos y seguidores de David siguieron su ideal clásico, pero alejándose de su rigurosa severidad y derivando hacia un cierto manierismo sensualista, con una gracia erótica que Max Friedländer llamó volupté décente ("voluptuosidad decente"). [130] François Gérard buscó la perfección de la belleza ideal, a través de la suavidad del color y la textura cerúlea de la piel, con cuerpos jaspeados, pero suaves, con una dulzura almibarada. Su obra más famosa es Psique y amor (1798), que a pesar de su factura academicista, su riqueza cromática le da una emoción de refinada evocación lírica. Pierre-Narcisse Guérin cultivó también un erotismo refinado, influido por Correggio, como en Aurora y Céfalo (1810) e Iris y Morfeo (1811). Jean-Baptiste Regnault cultivó una línea clasicista próxima a la Escuela Boloñesa : El genio de Francia entre la libertad y la muerte (1795), donde el genio recuerda al Mercurio de las Estancias Vaticanas de Rafael . Otros discípulos de David fueron Jean Broc ( La muerte de Jacinto , 1801) y Jean-Louis-Cesar Lair ( El suplicio de Prometeo , 1819). Por su parte, Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson rompió con el clasicismo moral de David, sobre todo con su obra principal, El sueño de Endimión (1791), con cuerpos alargados y nacarados, con cierta ambigüedad sexual, en una atmósfera algo vaporosa que recuerda al manierismo italiano y preludia el arte pompier . Otras obras suyas fueron: Mademoiselle Lange como Venus (1798) y Mademoiselle Lange como Dánae (1799). [131] Pierre-Paul Prud'hon se sitúa a caballo entre el rococó y el neoclasicismo —David lo llamó despectivamente «el Boucher de su tiempo»— y todavía hay quien lo califica de romántico. Se formó en Roma, donde recibió la influencia de Leonardo y Correggio, que junto con el arte clásico fueron la base de su estilo y le dieron una personalidad propia, por lo que es un pintor difícil de clasificar. Entre sus obras cabe recordar La justicia y la venganza divina persiguiendo el crimen (1808), El rapto de Psique por Céfiro (1800) y Venus y Adonis (1810). [132]
Si David fue el gran pintor neoclásico por excelencia, en escultura su equivalente fue Antonio Canova . Aunque estudió la obra de los grandes maestros del Renacimiento (Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel), fue en la estatuaria clásica grecorromana donde encontró inspiración, que pudo estudiar en las grandes colecciones de su Italia natal. Así, su obra tiene la serenidad y la armonía del clasicismo más puro, aunque no deja de mostrar una sensibilidad humana y un aire decorativo propios de su ascendencia italiana. Entre sus obras se incluyen: Dédalo e Ícaro (1777-1779), Teseo y el Minotauro (1781-1783), Psique revivida por el beso de Cupido (1786-1793), Venus y Adonis (1789-1794), Hércules y Licas (1795-1815), Perseo triunfante (1800), Napoleón como Marte el pacificador (1803-1806), Paulina Bonaparte como Venus Victrix (1804-1808), Teseo luchando contra el centauro (1804-1819), Las tres Gracias (1815-1817), etc. [133]
Otro escultor destacado fue el danés Bertel Thorvaldsen , que pese a su clasicismo noble y sereno, su ejecución fría y calculada le ha restado mérito para algunos críticos, que tachan su obra de insípida y vacía. Aun así, durante su vida gozó de un enorme éxito, y se le construyó un museo en su ciudad natal, Copenhague . Thorvaldsen estudió directamente la escultura griega restaurando los frontones del Templo de Afea en Egina , antes de que fueran instalados en la Gliptoteca de Múnich . Su obra más famosa es Jasón con el vellocino de oro (1803-1828), inspirada en Doríforo de Policleto , mientras que sus otras obras incluyen: Cupido y Psique (1807), Marte y Cupido (1812), Venus con la manzana (1813-16), Aurora con el genio de la luz (1815), Hebe (1815), Ganimedes con el águila de Júpiter (1817), Las tres Gracias con Cupido (1817-1818), etc. [134]
Otro notable exponente fue el inglés John Flaxman , artista precoz que a los diez años ya realizaba esculturas, y que tuvo una fructífera carrera tanto como artista como académico y tratadista, escribiendo varias obras sobre la práctica escultórica, como Diez discursos sobre la escultura y estudios anatómicos . Entre sus obras destacan numerosos desnudos, como Céfalo y Aurora (1790), La furia de Atamas (1790–1794), Mercurio y Pandora (1805), Aquiles violado por el escorpión (1810), San Miguel venciendo a Satán (1818–1822), etc. Además, fue un excelente dibujante y grabador, dueño de un gran virtuosismo en el dibujo de líneas, de un fino profilismo, ilustrando con maestría numerosas obras clásicas de la literatura. [135] En el ámbito germánico también se desarrolló una notable escuela escultórica, destacando artistas como: Franz Anton von Zauner ( Genius Bornii , 1785), Rudolph Schadow ( París , 1812), Johann Heinrich Dannecker ( Ariadna sobre la pantera , 1812-1814) y Johann Nepomuk Schaller ( Belerofonte luchando contra la quimera , 1821).
En España, el neoclasicismo fue practicado por varios pintores académicos, como Eusebio Valdeperas ( Susana y los mayores ) y Dióscoro Teófilo Puebla ( Las hijas del Cid , 1871), mientras que entre los escultores neoclásicos se encuentran José Álvarez Cubero ( Ganimedes , 1804; Apolino , 1810– 1815; Néstor y Antíloco [o La defensa de Zaragoza ], 1818), Juan Adán ( Venus de la Alameda , 1795), Damià Campeny ( Diana en el baño , 1803; Lucrecia moribunda , 1804; Aquiles quitándose la flecha del talón , 1837), Antoni Solà ( Meleagro , 1818), Sabino Medina ( La ninfa Eurídice mordida por un áspid mientras huía de Euristeo , 1865), Jerónimo Suñol ( Himeneo , 1864), etc. [136]
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sientan las bases de la sociedad contemporánea , marcadas en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución Francesa— ; y, en el terreno económico, por la Revolución Industrial y el fortalecimiento del capitalismo , que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases . En el terreno del arte, una dinámica evolutiva de estilos comienza a sucederse cronológicamente con una velocidad cada vez mayor, culminando en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que coexisten y se oponen, se influyen y se enfrentan. El arte moderno surge como oposición al arte académico , colocando al artista en la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad. [137]
El desnudo decimonónico sigue las pautas de representación del desnudo dictadas por estilos anteriores, aunque reinterpretadas de distintas maneras según se busque un mayor realismo o un idealismo de raíz clásica. En el siglo XIX, el desnudo femenino abunda más que nunca —sobre todo en la segunda mitad del siglo—, más que en ningún otro periodo de la historia del arte. Sin embargo, el rol femenino cambia para convertirse en mero objeto de deseo sexual, en un proceso de deshumanización de la figura femenina, sometida a los dictados de una sociedad predominantemente machista . En estas obras hay una fuerte dosis de voyeurismo , la mujer es sorprendida mientras duerme o se acicala, en escenas íntimas, pero abiertas al espectador, que puede recrearse en la contemplación de imágenes prohibidas, de momentos robados. No se trata de una desnudez premeditada, no se trata de un modelo posando, sino de la recreación de escenas de la vida cotidiana, con una naturalidad aparente, pero forzada por el artista. En palabras de Carlos Reyero, “nos encontramos con mujeres no desnudas, sino desvestidas”. [Nota 11] [138]
A movement of profound renewal in all artistic genres, the Romantics paid special attention to the field of spirituality, imagination, fantasy, sentiment, dreamy evocation, love of nature, together with a darker element of irrationality, attraction to occultism, madness, dreams. Popular culture, the exotic, the return to underrated artistic forms of the past—especially medieval ones—were especially valued. The Romantics had the idea of an art that arose spontaneously from the individual, emphasizing the figure of the "genius"—art is the expression of the artist's emotions.[139] The romantic nude is more expressive, more importance is given to color than to the line of the figure—unlike in neoclassicism—with a more dramatic sense, in themes that vary from the exotic and the taste for orientalism to the most purely romantic themes: dramas, tragedies, heroic and passionate acts, exacerbated feelings, songs to freedom, to the pure expression of the interior of the human being.[138]
Romanticism had two notable precursors in Great Britain: Johann Heinrich Füssli and William Blake. The former, of Swiss origin, developed a mannerist style influenced by Dürer, Pontormo, Baccio Bandinelli and Michelangelo, with a work of a certain conceptual duality: on the one hand erotic and violent themes, on the other a virtue and simplicity influenced by Rousseau. Between 1770 and 1778 he elaborated a series of erotic images called "drawings of simplegma" (intertwining), where sex is related to passion and suffering, in plates that evoke the ancient bacchic and priapic rites, with a crude and realistic eroticism far from the rococo gallantry. Some of his works are: Hamlet, Horatio, Marcellus and the Ghost (1780–1785), Titania and Bottom (1790), Reclining Nude and Woman at the Piano (1800) and Courtesan with Feather Ornament (1800–1810).[140] William Blake was a visionary artist, whose dreamlike output is matched only by the fantastic unreality of surrealism. Artist and writer, he illustrated his own literary works, or classics such as The Divine Comedy (1825–1827) or the Book of Job (1823–1826), with a personal style that reveals his inner world, full of dreams and emotions, with evanescent figures that seem to float in a space not subject to physical laws, generally in nocturnal environments, with cold and liquid lights, with a profusion of arabesques. Influenced by Michelangelo and Mannerism, his figures have the dynamic torsion of the Michelangelesque Last Judgment, although sometimes they are based on classical canons, as in The Dance of Albion (Glad Day) (1794–1796), whose posture is taken from a version of the Vitruvian Man, that of Vincenzo Scamozzi in Idea dell'architettura universale. Other works of his are: Nebuchadnezzar (1795), Newton (1795), Europe Supported by Africa and America (1796), Satan in his original glory (1805), The Lover's Whirlwind. Francesca da Rimini and Paolo Malatesta (1824–1827), etc.[141]
Between neoclassicism and romanticism is the work of Jean Auguste Dominique Ingres, whose figures are halfway between sensuality and concern for pure form, which he treated meticulously, almost obstinately. His female figures have a certain Gothic air (small breasts, prominent stomachs), and were subject to a small number of postural designs in which the artist felt comfortable, and which he repeated throughout his career. One of these, for example, was that of a nude woman seated on her back, which he introduced in The Valpinçon Bather (1808) and which is discernible, within a group scene, in The Turkish Bath. Another is the standing figure of the Venus Anadyomene (1848), with a Botticellian air, of which he made several versions, and which he later transformed into a young woman with a pitcher of water, The Spring (1856). Other works are more personal, such as Grande Odalisque (1814), which recalls the mannerism of the School of Fontainebleau, and which initiated his fondness for orientalism, for exotic figures and environments. In The Golden Age (1840–1848) he painted a large mural composed entirely of nudes, a work which, however, remained unfinished. The Turkish Bath (1862) is perhaps his most famous work, and the culmination of his lifelong study of the nude. He returned to Orientalism, with a scene set in a harem, accentuating the curved and rounded forms of the models, who shamelessly show their prominent breasts and wide hips, with a sensuality unusual until then in Western art. Other works of his are: The Envoys of Agamemnon (1801), Oedipus and the Sphinx (1808–1825), Jupiter and Thetis (1811), The Dream of Ossian (1813), Roger Freeing Angelica (1819), Odalisque with Slave (1842), etc.[142]
His disciples were: Antoine-Jean Gros, chronicler of the Napoleonic deeds, made in Bonaparte visiting the plague victims of Jaffa (1804) some nudes of intense dramatism, showing with crudeness the effects of the disease; and Théodore Chassériau, who tried to synthesize the line of Ingres with the colorfulness of Delacroix, although his work tends to academicism (Venus Anadyomene, 1838; Susanna and the Elders, 1839; Diana surprised by Actaeon, 1840; Andromeda chained to the rock by the Nereids, 1840; The Toilette of Esther, 1841; Sleeping Nymph, 1850; The Tepidarium, 1853).[143] Théodore Géricault was influenced by Michelangelo, as can be seen in the central figure of The Raft of the Medusa (1819), which is one of the athletes of the Sistine Chapel, while other figures are reminiscent of those in Raphael's Transfiguration. For his studies of anatomy, Géricault frequently visited morgues and even prisons where prisoners were executed. In his Leda and the Swan (1822) he transcribed to a female figure the dynamic energy of classical athletes, and her posture recalls that of the Ilyssus of the Parthenon, exchanging athletic effort for sexual excitement.[144]
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Eugène Delacroix was one of the first artists to deviate from the official academic art, replacing the outlined contour drawing with a less precise and fluid line, dynamic and suggestive, and a chromatism of vibrant adjacent tones and an effectiveness based on a certain divisionism of color. During his training he made copies of the great masters exhibited at the Louvre, with a predilection for Rubens and Venetian artists. Already in his first works, Dante and Virgil in Hell (1822), The Massacre at Chios (1824) and The Death of Sardanapalus (1827), he demonstrated his originality and inventive richness, along with a passionate and colorful style that would characterize him. In 1832 he made a trip to Morocco and Algeria, where he incorporated into his style the orientalist influence, with a taste for the exotic and the richness of detail. In his numerous nude works the subject matter is very diverse, from the religious (The Expulsion of Adam and Eve from Paradise, Christ at the column, Christ on the Cross, Christ resurrected, St. Sebastian Tended to by St. Irene and her Maid), the mythological (Triumph of Apollo, Labors of Hercules, Achilles and the centaur, Anacreon and Love, Andromeda and Perseus, Ariadne and Theseus, Medea and her children), the historical and literary (The Divine Comedy, Marphise, Jerusalem Liberated), to the genre scenes or the nude by itself (Odalisque lying, Turkish Women Bathing, The Woman in Silk Stockings, Woman Combing Her Hair, Bathing Woman on Her Back, Sleeping Nymph, Woman Stroking a Parrot). For Delacroix, any pretext was good to show physical beauty, as in the allegory of Liberty Leading the People (1830), where the heroine who leads the popular revolution appears with bare breasts. A great draughtsman, he also bequeathed numerous sketches and preliminary studies of nude figures.[145]
Followers of Delacroix were: Narcisse-Virgile Díaz de la Peña, great landscape painter and author of nudes such as The Fairy Pool, Venus and Adonis, Nymphs in the Forest and Love Reproved and Disarmed; Gustave Doré, who excelled mainly as a draftsman and illustrator of literary works, where he shows great imagination and formal mastery, as in the Bible, The Divine Comedy, Orlando furioso, some Shakespearean Dramas, Goethe's Faust, etc. Félix Trutat, whose Nude Girl on a Panther's Skin (1844) is reminiscent of Goya's La maja desnuda and precedes Manet's Olympia.[146]
In sculpture, François Rude evolved from neoclassicism to romanticism, in works of great expressive force where the nude played a leading role, with colossal figures that translate in their anatomy the dynamism of the action, as can be seen in Mercury fastening his heel wings (1827), Young Neapolitan Fisherman playing with a turtle (1833), Victorious Love (1855), Hebe and the Eagle (1855), and his main work, La Marseillaise (1833), at the Arc de Triomphe in Paris. Jean-Baptiste Carpeaux denoted the same stylistic process, from classical serenity to romantic feeling, with figures of intense dynamism, such as his Flora of the Tuileries Palace (1865), Ugolino and His Sons (1863) or the group of The Dance (1869), at the Paris Opera House.[147]
In Italy, romanticism arrived with the Napoleonic conquest, with artists such as Pelagio Palagi (The betrothal of Cupid and Psyche, 1808) or Francesco Hayez (Penitent Magdalene, 1825). In sculpture, Lorenzo Bartolini evolved from classicism to a naturalism inspired by the plastic models of the Florentine Quattrocento, as in Trust in God (1835). Another exponent was Giovanni Dupré (The death of Abel, 1842).[148]
In Spain, Romanticism was impregnated with Goyaesque influence, as shown in the two majas desnudas painted by Eugenio Lucas, and in other works by artists such as José Gutiérrez de la Vega (La maja desnuda, 1840–1850), Antonio María Esquivel (Venus anadyomene, 1838; Susanna and the Elders, 1840; Joseph and Potiphar's wife, 1854), Víctor Manzano (Scene from the Inquisition, 1860), etc. In sculpture, a Spaniard established in Mexico, Manuel Vilar, was the author of Jason (1836) and Tlahuicole (1851), a sort of Mexican Hercules.[149]
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Academic art is the art promoted since the 16th century by the academies of fine arts, which regulated the pedagogical training of artists.[Note 12] Although in principle the academies were in tune with the art produced at the time, so we can not speak of a distinct style. In the nineteenth century, when the evolutionary dynamics of the styles began to move away from the classical canons, academic art was corseted in a classicist style based on strict rules, so that today it is understood more as a period of the nineteenth century, receiving parallel various denominations, such as art pompier in France.[Note 13] It was primarily aimed at a bourgeois public, so its status as "official" art, together with the frequent accusation of conservatism and lack of imagination—according to the romantic concept that art cannot be taught—caused academicism to acquire a pejorative sense at the end of the 19th century, as it was considered anchored in the past and a reproducer of stultified formulas.[Note 14]
However, nowadays there is a tendency to revalue academic art and to consider it for its intrinsic qualities, and it is usually accepted more as an artistic period than as a style. Academicism was stylistically based on Greco-Roman classicism, but also on earlier classicist authors, such as Raphael, Poussin or Guido Reni. Technically, they were based on careful drawing, formal balance, perfect line, plastic purity and careful detailing, together with realistic and harmonious coloring. Their works were based on erudite themes (history, mythology, academic literature), with an idealized concept of beauty.[150]
In academicism, the nude had a special relevance, considered the expression par excellence of the nobility of nature: in the words of Paul Valéry, "what love was for storytellers and poets, the nude was for the artists of the form".[151] The academic nude meant standardization on classical premises subject to strict thematic and formal rules, subordinated to the generally puritanical environment of nineteenth-century society. The nude was only accepted as an expression of ideal beauty, so it was a modest, aseptic nude, based strictly on anatomical study. The acceptance of the classical nude as an expression of an ideal of beauty led to the censorship of any deviation from the classicist canons: thus, at the Great Exhibition in London in 1851, when the famous Crystal Palace was decorated with a gallery of marble nudes, all were accepted except the Greek Slave by Hiram Powers, which, despite being a copy of the Aphrodite of Cnidus, was criticized for appearing with her wrists handcuffed. However, the teaching practice exercised in the academies of life drawing, allowed in certain cases the introduction of formal and stylistic novelties that rejuvenated the genre, giving it at the same time a greater respectability, as a product of intellectual elaboration.[152]
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A center of reference for the academic nude was the work of Ingres: according to Winckelmann's theory that the male nude could only express character, while the female nude was the only one that could reflect beauty, since this is more clearly shown in soft and sinuous forms, Ingres' nudes reflected a continuity in the stroke that gave his figures a rounded form, smooth texture and soft contour. As a result, academic art focused more on the female nude than the male, with figures of smooth form and waxy texture.[153]
One of the main representatives of academicism was William-Adolphe Bouguereau, who produced a large number of nude works, generally on mythological themes, with figures of great anatomical perfection, pale, with long hair and a gestural elegance not without sensuality (The Birth of Venus, 1879; Dawn, 1881; The Wave, 1896; The Oreads, 1902). Another exponent was Alexandre Cabanel, author of mythological and allegorical nudes that are a pretext to represent women of voluptuous and sensual beauty, such as his famous The Birth of Venus (1863). The same is the case of Eùgene Emmanuel Amaury-Duval, author of another Birth of Venus (1862). Jean-Léon Gérôme was one of the main representatives of academic orientalism, with works set in harems and Turkish baths in the purest Ingresian style, as well as mythological and historical themes (Phryne before the Areopagus, 1861; Moorish Bath, 1870; Pool in a Harem, 1876; Pygmalion and Galatea, 1890). Other artists were: François-Léon Benouville (The Wrath of Achilles, 1847), Auguste Clésinger (Woman Bitten by a Snake, 1847; Leda and the Swan, 1864), Paul Baudry (The Pearl and the Wave, 1862), Jules Joseph Lefebvre (The Truth, 1870; Mary Magdalene in the Cave, 1876), Henri Gervex (Rolla, 1878), Édouard Debat-Ponsan (Le massage au Hamam, 1883), Alexandre Jacques Chantron (Danae, 1891), Gaston Bussière (The Nereids, 1902), Guillaume Seignac (The Awakening of Psyche, 1904), etc.[138]
In Great Britain, Victorian society encouraged academicism as an official art that best expressed the puritanical morality prevailing in the circles of the bourgeoisie and nobility, with authors such as Joseph Noel Paton (The Quarrel of Oberon and Titania, 1846), Charles William Mitchell (Hypatia, 1885), Frederic Leighton (Psyche in the Bath, 1890), John Collier (Lilith, 1887; Lady Godiva, 1898; Tannhäuser on the Venusberg, 1901), Edward Poynter (Diadumene, 1884; Cave of the Storm Nymphs, 1903), Lawrence Alma-Tadema (A Favorite Custom, 1909), John William Godward (Venus at the Bath, 1901; In the Tepidarium, 1913; Nude on the Beach, 1922), Herbert James Draper (Ulysses and the Sirens, 1909), etc.
In Spain, Luis Ricardo Falero also had a special predilection for the female figure, with works where the fantastic component and orientalist taste stand out: Oriental Beauty (1877), The Vision of Faust (Witches going to their Sabbath) (1878), Enchantress (1878), The pose (1879), The Favorite (1880), Twin stars (1881), Lily Fairy (1888), The Butterfly (1893), etc.
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From the middle of the century, a trend emerged that emphasized reality, the description of the surrounding world, especially of workers and peasants in the new framework of the industrial era, with a certain component of social denunciation, linked to political movements such as utopian socialism and philosophical movements such as positivism. In the context of the dissolution of the classical theory of art that took place in the first half of the 19th century, realism, together with the technical liberation brought about by the appearance of photography, which inspired many of the new artists, meant a thematic liberation, where the protagonists were no longer nobles, heroes or gods, but ordinary people, from the street, portrayed in all their misery and crudeness.[154]
Its main exponent was Gustave Courbet, an artist with a passionate and politically committed temperament, determined to overcome the "errors of the Romantics and classicists". Courbet's work meant the introduction of realism in the nude, which although in previous times had had more or less naturalistic approaches, they were generally subordinated to an idealizing conception of the human body. Courbet was the first to portray the body as he perceived it, without idealizing, without contextualizing, without framing it in an iconographic theme, transcribing the forms he captured from nature. Generally, his models were of robust constitution, like The Bathers (1853), the model of The Painter's Studio (1855), Nude Woman Lying Down (1862), Woman with a Parrot (1865), Lot and His Daughters (1844), Two Bathers (1858) and The Spring (1867). Sometimes he was inspired by other artists, as in The Fountain (1868)—a replica of the famous work by Ingres—or The Sleepers (1866), which recalls The Two Girl Friends by Fragonard. One of his most famous works is The Origin of the World (1866), where he presents a female body without head, showing the pubis in the foreground, in a radically novel vision that surprised and scandalized the public of the time.[155]
Another exponent was Camille Corot, who was primarily a landscape painter, occasionally adding human figures to his landscapes, some of them nudes, in a type of landscapes with an Arcadian air, with vaporous atmospheres and delicate tones, as in Reclining Nymph (1855) and Nymph on the Seashore (1860). Later he dissociated the landscape from the human figure, and between 1865 and 1875 he produced numerous works focused on the study of the female figure, such as Interrupted Reading (1865–1870) and Woman with a Pearl (1869). Other works of his are: Marietta, the Roman Odalisque (1843), Girl with the Pink Skirt (1853–1865), The Bath of Diana (1855), The Dance of the Nymphs (1857), etc.[156]
The sculptural equivalent of realism was Constantin Meunier, who preferentially portrayed workers and laborers of the new industrial era, replacing the classical hero by the modern proletarian, in works where special relevance is given to the volumetric sense of the figure, as in The Puddler (1885) and The Elder, in the Monument to Labor in Brussels (1890–1905).[157] Another notable sculptor was Aimé-Jules Dalou, a disciple of Carpeaux, who despite his naturalism denotes a certain baroque influence, in works such as Bacchanal (1891), Bather Drying Her Foot (1895) and The Triumph of Silenus (1898).
The American settled in Europe John Singer Sargent was the most successful portraitist of his time, as well as a talented painter in the representation of landscapes and a great draughtsman, who left a large number of academies. Influenced by Velázquez, Frans Hals, Anthony van Dyck and Thomas Gainsborough, he had an elegant and virtuous style, which he also demonstrated in nudes such as Nude Boy on the Beach (1878) and Nicola D'Inverno (1892).
In Spain, realism also prevailed in the middle of the century: Eduardo Rosales dealt with numerous genres, and although he made few nudes (Sleeping Woman, 1862; After Bathingo, 1869), they deserve to be highlighted for their quality. Of Raimundo Madrazo, it is also worth mentioning a single work, After the Bath (1895), of admirable design and compositional sense. Mariano Fortuny, trained in Nazarenism, made several works of oriental themes (The Odalisque, 1861), along with genre scenes or nudes set in landscapes (Idyll, 1868; Choice of a Model, 1870–1874; Nude Old Man in the Sun, 1871; Carmen Bastian, 1871–1872; Nude on the beach of Portici, 1874). Other artists were: Casto Plasencia (The Rape of the Sabine Women, 1874), José Jiménez Aranda (A Slave for Sale, 1897), Enrique Simonet (Anatomy of the heart, 1890; The Judgment of Paris, 1904) and, as a sculptor, Ricardo Bellver (El ángel caído, 1877).[158]
Impressionism was a profoundly innovative movement, which meant a break with academic art and a transformation of artistic language, initiating the path towards avant-garde movements. The Impressionists were inspired by nature, from which they sought to capture a visual "impression", the capture of an instant on the canvas—under the influence of photography—with a technique of loose brushstrokes and clear and luminous tones, especially valuing light.[159]
The work of the Impressionists was of great rupture with the classical tradition, conceiving a new pictorial style that sought its inspiration in nature, away from all conventionalism and any kind of classical or academic regulation. Thus, Édouard Manet's Le Déjeuner sur l'herbe (1863) was in its day a complete scandal, despite being clearly influenced by the classical contours of Raphael, although the controversy did not come from the nude itself, but from being an unjustified nude, an anonymous, contemporary woman.[160] Another revolution promoted by Manet was his Olympia (1863), with a Caravaggesque air that gave it an aspect of delicate affectation, but whose appearance of verisimilitude caused a scandal in its time, which forced the author to leave Paris. Olympia is a real woman, flesh and blood—shamelessly real, since she represents a prostitute—and she is in a real setting, not in a bucolic forest or picturesque ruins. It is an intimate scene, which shows the viewer the most private facet of the human being, his intimacy. On the other hand, the concrete and individualized features of the model give her an identity of her own, far from the idealized faces of the classical nude.[161]
Other authors continued the path initiated by Manet, such as Edgar Degas, who after some early Ingresian-influenced nudes evolved to a personal style based on drawing design, essentially concerned with the transcription of movement, in scenes full of life and spontaneity. Degas voluntarily moved away from the conventional canons of beauty, opting for an undeveloped, adolescent body type, as seen in Young Spartans (1860) and his depictions of dancers. On the other hand, his works have a marked character of snapshot, of moment captured spontaneously, influenced by photography and Japanese prints, with a certain component of voyeurism (Woman in the bath, 1880; After the bath, 1883; Woman drying her foot, 1886; La toilette, 1886; After the bath, woman drying her neck, 1895).[162] Degas initiated a subgenre within the nude, that of the toilette, women in the bathroom, performing their personal hygiene, which would have great development in the late nineteenth and early twentieth centuries. In his Series of nudes of women bathing, washing, drying themselves, combing their hair or being combed, presented at the last exhibition of the Impressionists, in 1886, he tried to offer a new vision of the nude, shown from the side or from behind, but not from the front, to emphasize the effect of a stolen instant, and so that it does not seem that they are presenting themselves to the public; in his own words: "until now the nude had been presented in postures that presupposed an audience. But my women are simple, honest people, who only take care of their physical grooming. Here is another one: she is washing her feet and it is as if I were looking at her through the keyhole".[163]
But it was Renoir who was one of the greatest interpreters of the female body, which he transcribed in a realistic manner, but with a certain degree of adoration that conferred an air of idealized perfection. In the Baigneuse au griffon (1870) he was inspired by an engraving on the Aphrodite of Cnidus, while the compositional concept is taken from Courbet. Renoir sought to synthesize the canonical classicist posture with an air of natural reality, in luminous and evocative environments that conveyed a serene and placid vision of nudity, an ideal of communion with nature. He strove to dilute the outline of his figures, following the impressionist technique, through a mottling of space with patches of light and shadow, inspired by the Venetian school to capture the form through color, as seen in Anna (1876) and Torso (1876). Later, in an attempt to simplify the nude, he was inspired by the frescoes of Raphael's La Farnesina, as well as the paintings of Pompeii and Herculaneum, as is evident in La Baigneuse blonde (1882). In the Les Grandes baigneuses (1885–1887) he painted sculptural nudes, inspired by the Fountain of the Nymphs of Girardon (Versailles), with fluid lines and a great sense of relief. In his last works he was influenced by Alexandrian Hellenism, Michelangelesque mannerism and the baroque style of Boucher and Clodion, with plump figures of exuberant appearance and natural attitude towards the body and the surrounding environment, generally rivers, lakes, forests and beaches (Seated Bathing Girl, 1885; Bathing Girl drying herself, 1895; The Judgment of Paris, 1908–1910; Bathers, 1916).[164]
Heir to Impressionism was Neo-Impressionism, a style based fundamentally on the pointillist technique, the elaboration of the painting by colored dots. One of its main representatives was Georges Seurat, who throughout his career showed a preference for various themes, such as seascapes, country scenes, the circus, the music hall and the nude. His main work in this field was Models (1886–1888), where he wanted to demonstrate that the pointillist technique was suitable for any genre, as he was often reproached for only knowing how to produce landscapes in this technique. In this work he reinterpreted in a modern key the well-known theme of the three Graces, by means of drawing models located in the artist's own workshop, with a vision indebted in a certain way to the work of Ingres.[165]
Subsequently, the so-called post-impressionists were a series of artists who, starting from the new technical discoveries made by the impressionists, reinterpreted them in a personal way, opening different ways of development of great importance for the evolution of art in the twentieth century. Thus, more than a certain style, post-impressionism was a way of grouping diverse artists of different sign. Paul Cézanne structured the composition in geometric forms (cylinder, cone and sphere), in an analytical synthesis of reality, a precursor of cubism. He treated the nude as a landscape or still life, as an expression of the relationship between volumes of color immersed in light, as in his Bathers (1879–1882) of the Petit-Palais in Paris. Paul Gauguin experimented with depth, giving a new value to the pictorial plane, with flat colors of symbolic character. After some beginnings in pointillism (Study of a Nude, 1880) and a stay in Pont-Aven with the Nabis (The Yellow Christ, 1889), his stay in Tahiti helped him to recreate a world of primitive placidity where nudity was contemplated naturally, as can be seen in I Raro te Oviri (1891), Loss of Innocence (1891), Tahitian Eve (1892), Two Tahitian Women on the Beach (1892), Woman at Sea (1892), Manao tupapau (1892), The Moon and the Earth (1893), Otahí or Solitude (1893), Delicious Day (1896), The Mango Woman (1896), Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (1897), Vairumati (1897), Nevermore (1897), And the gold of their bodies (1901), etc. Henri de Toulouse-Lautrec, in contrast to the stylized nudes of the academic salons, studied the female figure in its most crude carnality, without ignoring the body's own imperfections, with a preference for circus and music hall scenes, or bohemian and brothel environments: Fat Marie (1884), Woman Pulling Up Her Stockings (1894), The Medical Inspection (1894), The Two Friends (1894–1895), La Toilette (1896), Woman Lifting Her Shirt (1901), etc. Vincent van Gogh was the author of works of strong drama and interior exploration, with sinuous and dense brushstrokes, intense color, deforming reality, to which he gave a dreamlike air. He painted a few nudes, most of them in Paris in 1887: Female nude lying down, Female nude on a bed, Female nude seen from the back.[166]
In the field of sculpture, Auguste Rodin was a great renovator, not only in the physical plane, but also in the thematic innovation, more focused on the ordinary human being, the one of his time and his environment, far from mythology and religion. He had a profound knowledge of the human body, which he treated in an intimate way, with a strong component of psychological introspection. He received some influence from Michelangelo and Delacroix, but in essence his work was innovative, bringing new typologies to the theme of the nude. For this he used models whom he let roam freely in his studio, adopting all kinds of possible forms, which Rodin captured with a mastery to immortalize the spontaneity of any moment and any posture. His figures tend to dramatism, to tragic tension, to the expression of the artist's concept of man's struggle against destiny. Thus, for more than thirty years he was working on figures for an unfinished project, The Gates of Hell (1880–1917) for the Museé des Arts Décoratifs in Paris—now in the Rodin Museum—from which project several works were detached that remained as independent figures, such as The Thinker (1880–1900), for which he was inspired by Carpeaux's Ugolino, or The Kiss (1886–1890), which represents the love of Paolo and Francesca narrated in The Divine Comedy. Other works of his were The Age of Bronze (1877), Saint John the Baptist (1878), Eve (1881), The Winter (or La Belle Heaulmière, 1884–1885), The Martyr (1885), The Torso (1889), The Muse (1896), The Three Shades (1899), Danaid (1901), etc. Following in Rodin's wake were sculptors such as Antoine Bourdelle (Hercules the Archer, 1909), Camille Claudel (The Implorer, 1894–1905; The Age of Maturity, 1899–1913), Joseph Bernard (The Young Woman with the Cauldron, 1910) and Charles Despiau (Eve, 1925).[167]
The Swede Anders Zorn made unabashedly voluptuous and healthy nudes, usually in landscapes, with vibrant light effects on the skin, in bright brushstrokes of great color, as in In the Open Air (1888), The Bathers (1888), Women Bathing in the Sauna (1906), Girl Sunbathing (1913), Helga (1917), Studio Idyll (1918).[168]
In Spain, the work of Joaquín Sorolla stood out, who interpreted impressionism in a personal way, with a loose technique and vigorous brushstroke, with a bright and sensitive coloring, where light is especially important, the luminous atmosphere that surrounds his scenes of Mediterranean themes, on beaches and seascapes where children play, society ladies stroll or fishermen are engaged in their tasks. His work includes some nudes, such as Sad Inheritance (1899), Desnudo de mujer (1902), The Horse's Bath (1909), Children on the beach (1910), After the Bath (1911), etc. His disciples were: his son-in-law Francisco Pons Arnau (Composición), Ignacio Pinazo (Desnudo de frente, 1872–1879), Rigoberto Soler (Nineta, Después del baño) and Julio Moisés (Eva, Pili).[169]
Symbolism was a fantastic and dreamlike style, which emerged as a reaction to the naturalism of the realist and impressionist currents, placing special emphasis on the world of dreams, as well as on satanic and terrifying aspects, sex and perversion. A main characteristic of symbolism was aestheticism, a reaction to the prevailing utilitarianism of the time and to the ugliness and materialism of the industrial era. Against this, a tendency arose that granted art and beauty an autonomy of their own, synthesized in Théophile Gautier's formula l'art pour l'art ("art for art's sake"), even going so far as to speak of "aesthetic religion". This position sought to isolate the artist from society, autonomously seeking his own inspiration and letting himself be driven solely by an individual search for beauty.[170]
One of the characteristics of symbolism is the dark attraction to the perverse woman, the femme fatale, the Eve turned into Lilith, the enigmatic and distant, disturbing woman, the woman that Manuel Machado defined as "brittle, vicious and mystical, pre-Raphaelite virgin and Parisian cat". She is a woman loved and hated, adored and vilified, exalted and repudiated, virtuous and sinful, who will adopt numerous symbolic and allegorical forms, such as sphinx, mermaid, chimera, medusa, winged genie, etc. An artificial and androgynous, ambiguous type of beauty became fashionable, a type of leonardesque beauty, with undefined features, which will have a symbolic equivalent in flowers such as the lily or animals such as the swan and the peacock.[171]
Symbolism developed especially in France, being one of its initiators Gustave Moreau, an artist heir of romanticism, while he felt great devotion for the masters of the Italian Quattrocento. His works are of a fantastic and ornamental style, with variegated compositions densely populated with all kinds of objects and plant elements, with a suggestive eroticism that reflects his fears and obsessions, with a prototype of an ambiguous woman, between innocence and perversity: Oedipus and the Sphinx (1864), Orpheus (1865), Jason and Medea (1865), Leda (1865–1875), The Chimera (1867), Prometheus (1868), The Rape of Europa (1869), The Sirens (1872), The Apparition (1874–1876), Salome (1876), Hercules and the Hydra of Lerna (1876), Galatea (1880), Jupiter and Semele (1894–1896).[172]
Following in his footsteps were artists such as Pierre Puvis de Chavannes, who created large mural decorations in which he returned to linearity after the Impressionist experiments, with melancholic landscapes where the nude figure abounds, as in The Work (1863), Autumn (1865), Hope (1872), Young Girls by the Seashore (1879), The Sacred Grove, Beloved of the Arts and Muses (1884–1889), etc. Odilon Redon developed a work of strong oneiric content, finding in dreams an inexhaustible source of inspiration, with a style based on a soft drawing and a coloring of phosphorescent aspect (The Cyclops, 1898–1900). Aristide Maillol began in painting, with great interest in the female figure in nature (Mediterranean, 1898; The Wave, 1898; Two Nudes in a Landscape, 1900), to move later to sculpture, where he found his most suitable means of expression: The Night (1902–1909), Mediterranean (1902–1923), Chained Action (1906), Young Cyclist (1908), Bathing Girl Drying (1921), Venus with a Necklace (1930), The Three Nymphs (1930–1937), The Mountain (1937), The River (1938–1943), The Air (1939).[173]
A group of artists known as Nabis, influenced by Gauguin and concerned with the expressive use of color, met in Pont-Aven. Among its members were: Félix Vallotton, who developed an ironic style with connotations of black humor, with an unabashed eroticism, where the bodies have a flat, Japanese-influenced constitution, with faces that look like masks (Bathing on a Summer Afternoon, 1892); Pierre Bonnard, who painted nudes under different types of light, both natural and artificial, generally in intimate scenes, bedroom and boudoir, with a taste for reflections in mirrors, often based on photographs (Woman reclining on a bed, 1899; The nap, 1900; Man and Woman, 1900; Nude Against the Light, 1907; Mirror Effect, 1909; Dressing Table with Mirror, 1913; Nude in the Bucket, 1916); and Charles Filiger, who developed a medieval-inspired style—especially from Gothic stained glass—of flat colors with black outlines, as in The Recumbent Christ (1895), inspired by Holbein's The Corpse of Christ in the Tomb, reduced to simple and pure forms, showing a symbolic candor that turns Christ into a transcendental, evocative figure, of a naivety that suggests purity.[174]
In Belgium, Félicien Rops was also inspired by the world of the fantastic and the supernatural, with an inclination towards the satanic and references to death, with an eroticism that reflects the dark and perverted aspect of love: The Cold Devils (1860), The Temptations of St. Anthony (1878), Pornokrates (1878), The Sacrifice (1882). Jean Delville was interested in occultism, showing in his work secret obsessions, where his figures are a mixture of flesh and spirit: The idol of perversity (1891), The treasures of Satan (1895), The school of Plato (1898), The love of souls (1900). In sculpture, George Minne was the author of the Fountain with Kneeling Youths (1898–1906), where the same figure of a naked young man is repeated five times around a pond, like Narcissus contemplating his image reflected in the water, leading the gaze into the inner space in search of the solution to the anguish they reflect.[175]
In the Netherlands, Jan Toorop stood out, author of The Three Brides (1893), which shows the influence of the Chinese shadows of Java—where he was born—with figures with long arms and delicate silhouettes. Piet Mondrian, before reaching the neoplasticist abstraction, made some symbolist works, generated by his interest in esotericism: Evolution (1910–1911) is a triptych showing three naked figures completely spiritualized, symbolizing the access to knowledge and mystical light.[176]
In Great Britain, the school of the Pre-Raphaelites emerged, who were inspired—as their name indicates—by Italian painters prior to Raphael, as well as by the recently emerged photography. Although their subject matter was of lyrical and religious preferences, they also tackled the nude, such as Dante Gabriel Rossetti (Venus Verticordia, 1868), Edward Burne-Jones (the Pygmalion series, 1868–1870; The Garden of Pan, 1876; The Wheel of Fortune, 1883; The Three Graces, 1890), John Everett Millais (Knight Errant Delivering a Beauty, 1870), John William Waterhouse (Hylas and the Nymphs, 1896), etc. Between Pre-Raphaelite symbolism and modernist decorativism was the work of the illustrator Aubrey Beardsley, who produced numerous works of an erotic nature (such as his illustrations for Lysistrata and Oscar Wilde's Salome), with a great satirical and irreverent sense, with a style based on a highly stylized line and large black and white surfaces.[177]
The German Franz von Stuck developed a decorative style close to modernism, although its subject matter is more symbolist, with an eroticism of torrid sensuality that reflects a concept of woman as the personification of perversity: Sin (1893), The Kiss of the Sphinx (1895), Air, Water, Fire (1913). In Austria, Gustav Klimt recreated a fantasy world with a strong erotic component, with a classicist composition of ornamental style, where sex and death are intertwined, dealing without taboos with sexuality in aspects such as pregnancy, lesbianism or masturbation. In Nuda Veritas (1899) he moved away from the iconographic symbolism of the female nude, becoming a self-referential symbol, the woman is no longer an allegory, but an image of herself and her sexuality. Other works of his are: Agitated Water (1898), Judith I (1901), the Beethoven Frieze (1902), Hope I (1903), The Three Ages of Woman (1905), Danae (1907), Judith II (Salome) (1909), The Girlfriends (1917), Adam and Eve (1917–1918), etc.[178] Alfred Kubin was above all a draftsman, expressing in his drawings a terrifying world of loneliness and despair, populated by monsters, skeletons, insects and hideous animals, with explicit references to sex, where the female presence plays an evil and disturbing role, as evidenced in works such as Lubricity (1901–1902), where a priapic dog harasses a young woman huddled in a corner; or Somersault (1901–1902), where a small homunculus jumps as if in a swimming pool over a huge female vulva.[179]
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In Switzerland, Ferdinand Hodler was influenced by Dürer, Holbein and Raphael, with a style based on parallelism, repeating lines, colors and volumes: Night (1890), Rise in Space (1892), Day (1900), Sensation (1901–1902), Young Man Admired by Women (1903), Truth (1903). Arnold Böcklin was heir to Friedrich's romanticism, with an allegorical style based on legends and imaginary characters, recreated in a fantastic and obsessive atmosphere, as in Venus Genitrix (1895). The Czech František Kupka was also interested in occultism, going through a symbolist phase before reaching abstraction: Money (1899), Ballad of Epona (The Joys) (1900), The Wave (1902). In Russia, Kazimir Malevich, future founder of suprematism, had in its beginnings a symbolist phase, characterized by eroticism combined with a certain esoteric mysticism, with a style tending to monochrome, with a predominance of red and yellow: Woman picking flowers (1908), Oak and Dryads (1908).[180]
Linked to symbolism was also the so-called naïf art, whose authors were self-taught, with a somewhat naive and unstructured composition, instinctive, with a certain primitivism, although fully conscious and expressive. Its greatest exponent was Henri Rousseau, who, starting from academicism, developed an innovative work, of great freshness and simplicity, with humorous and fantastic touches, and a predilection for the exotic, jungle landscape. He made some nudes, such as The Snake Charmer (1907), Eve (1907) and The Dream (1910).[181]
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The art of the 20th century underwent a profound transformation: in a more materialistic, more consumerist society, art addresses the senses, not the intellect. Likewise, the concept of fashion has gained special relevance, a combination of the speed of communications and the consumerist aspect of today's civilization. Thus the avant-garde movements arose, which sought to integrate art into society, seeking a greater artist-spectator interrelationship, since it is the latter who interprets the work, being able to discover meanings that the artist did not even know. The latest artistic trends have even lost interest in the artistic object: traditional art was an art of the object, the current art of the concept. There is a revaluation of active art, of action, of spontaneous, ephemeral manifestations, of non-commercial art (conceptual art, happening, environment).[182]
In the twentieth century the nude has been gaining more and more prominence, especially thanks to the mass media, which have allowed its wider dissemination, especially in film, photography and comics, and more recently, the Internet. It has also proliferated to a great extent in advertising, due to its increasing social acceptance, and being a great attraction for people. Nudity no longer has the negative connotation it had in previous times, mainly due to the increase of secularism among society, which perceives nudity as something more natural and not morally objectionable. In this sense, nudism and naturism have been gaining followers in recent years, and no one is scandalized to see another person naked on a beach. It is also worth noting the growing cult of the body, with practices such as bodybuilding, fitness and aerobics, which allow the body to be shaped according to standards that are considered aesthetically pleasing.
In the early years of the 20th century the foundations of the so-called avant-garde art were forged: the concept of reality was questioned by new scientific theories (Bergson's subjectivity of time, Einstein's relativity, quantum mechanics); Freud's theory of psychoanalysis also had an influence. On the other hand, new technologies caused art to change its function, since photography and cinema were already responsible for capturing reality. Thanks to the ethnographic collections promoted by European colonialism, artists had contact with the art of other civilizations (African, Asian, Oceanic), which brought a more subjective and emotional vision of art. All these factors brought about a change of sensibility that resulted in the artist's search for new forms of expression.[183]
Artistic avant-gardism aimed to breathe new life into art, to return to the natural roots of design and artistic composition, for which they rebelled against academic art, subject to rules that seemed to these new artists to nullify creativity and artistic inspiration. Two of the first works that represented a revolution in art at the beginning of the century were nudes: Matisse's Blue Nude and Picasso's Les Demoiselles d'Avignon, both from 1907. In these works the nude becomes a symbolic, conceptual element, a reference to the purity of life without rules, without constrictions, a return to nature, to the subjective perception of art. The reduction of the human figure to basic, schematic forms initiated in these two works the path towards the abstraction of form, which will be reduced to basic lines and geometric structures, such as Constantine Brâncuşi's Nude, where a female torso is reduced to a simple cylindrical shape.[184]
Fauvism (1905–1908)
Fauvism is considered the first avant-garde movement.[Note 15] The Fauves dispensed with perspective, modeling and chiaroscuro, experimenting with color, which is conceived in a subjective and personal way, applying emotional and expressive values, independent of nature. Its main representative was Henri Matisse, a disciple of Gustave Moreau, who opened the doors to the independence of color with respect to the subject, organizing space according to color planes and seeking new sensations through the striking effect of violent areas of strident colors. Despite his modernizing zeal, Matisse preserved classical elements, such as the nude: in 1898 he began his personal style with Nude at the Window, where he began to apply color in an arbitrary, non-imitative way; the painting recreates a different reality, in which color is autonomous from form. In Luxury, Calm and Pleasure (1905) he applied basic colors (red, yellow, blue) and complementary colors (violet, orange, green), arranged by zones and structured by geometric figures. With the Blue Nude (1906–1907) he began a simplification of the human form in search of a perfect synthesis of the structure of the body, a process that would obsess him for many years and that would culminate in the Pink Nude (1935).[185] In The Luxury (1907) he focused on the human figure, with a triangular composition and arbitrary colors, emphasizing the movement of the figure, and with schematic faces. Luxury II (1907) is a second, more precise version, with pure and flat spots of color, highlighting the flesh of a salmon pink, which would be typical of Matisse. Bathers with a Turtle (1908) has an austere, abstract background of colored stripes, creating space by the distinction of colors. Nude, Black and Gold (1908) is influenced by black-African carvings, with a tone close to wood and almond-shaped eyes. The Dance (1910) is a study of the human figure in movement, with an exaggerated schematism and great austerity of color, reduced to red and blue—he made two large murals on The Dance, one in Moscow (1910) and another in Philadelphia (1931).[186] Odalisque in Red (1924) is influenced by Modigliani, softened with a certain Renaissance air. In Figure on an Ornamental Background (1925) he recovered Moreau's influence, with great decorativism and horror vacui. In Pink Nude (1935) the influence of Mondrian is perceived, with abstractizing figures and a gridded background, in black and white. Other works of his are: The Joy of Life (1906), Standing Nude (1907), Game of Bowls (1908), Two Black Women (1908), Still Life with Dance (1909), Nude in Sunlit Landscape (1909), Red Fish and Sculpture (1911), Nude Spanish Carpet (1919), The Hindu Pose (1923), Nude with Blue Cushion (1924), Odalisque with Red Pants (1924–1925), Sleeping Nude on Red Background (1926), Reclining Nude (1935), A Nude Lying on Her Back (1944), etc.
Artists such as André Derain followed in Matisse's footsteps, whose work shows the influence of primitive art: in The Golden Age (1905) he practiced a certain macropointillism, showing the influence of Matisse's Luxury, Calm and Pleasure. Maurice de Vlaminck had a predilection for pure colors, with a Cézannian volume: in Reclining Nude (1905) and Women Bathing (1908) he made a Matissean treatment of the female nude. Albert Marquet had a more naturalistic style, with a predilection for landscape, although he painted nudes such as: Fauvist Nude (1898), Backlit Nude (1909–1911) and Nude on a Blue Background (1913). Kees van Dongen was a passionate nude painter, counting on countless models from Parisian high society, where he was very fashionable in the interwar period. His works include: The Jeweled Woman (1905), Anita (1905), Naked Girl (1907), etc.[187]
Expressionism (1905–1923)
Emerging as a reaction to Impressionism, the Expressionists defended a more personal and intuitive art, where the artist's inner vision—the "expression"—predominated over the representation of reality—the "impression"—reflecting in their works a personal and intimate theme with a taste for the fantastic, deforming reality to accentuate the expressive character of the work. In Germany, his main center of diffusion, was organized around two groups: Die Brücke (founded in 1905), and Der Blaue Reiter (founded in 1911), although there were some artists who did not belong to either group.[188]
The members of Die Brücke were interested in a type of subject matter centered on life and nature, reflected in a spontaneous and instinctive way, so their main themes were the nude—whether indoors or outdoors—as well as circus and music hall scenes, where they found the maximum intensity they could extract from life. This subject matter was synthesized in works about bathers that its members made preferably between 1909 and 1911 during their stays in the lakes near Dresden: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. They are works in which they express an unabashed naturism—in line with the Wandervögel, life in the countryside stripped of taboos and prejudices—an almost pantheistic feeling of communion with nature, while technically refining their palette, in a process of subjective deformation of form and color, which acquires a symbolic meaning. In Kirchner's words, his objective was "to study the nude, the foundation of all the plastic arts, in a natural way".[189]
A precursor of expressionism was Edvard Munch: influenced in his beginnings by impressionism and symbolism, he soon drifted towards a personal style that would be a faithful reflection of his obsessive and tortured interior, with scenes of oppressive and enigmatic atmosphere—centered on sex, illness and death—characterized by the sinuosity of the composition and a strong and arbitrary coloring. In Madonna (1895–1904) he presented a female figure with a naked torso, in an ambiguous attitude, while the body suggests sensuality, the face with closed eyes turned upwards gives a sense of mysticism, of introspection; in the frame is a fetus, which together with a line of sperm suggest the artist's rejection of the traditional attitude of men towards women. In Puberty (1914) he portrayed an adolescent girl with a languid look, reflecting in her countenance the meditative and perplexed state that denotes the passage from girl to woman, whose deep psychological introspection the artist has managed to recreate masterfully with pure colors and distorting lines. It belongs to a series of works made between 1890 and 1908, with which Munch intended to develop a "frieze of human life", determined to analyze all the problems arising from loneliness, illness, addictions, unsatisfied love and the anguish of age—especially in adolescence and old age. These works denote a great psychological analysis, but they reveal a certain morbid and disturbing component, exploring without qualms the deepest depths of man's interior.[190]
The work of Emil Nolde was also an antecedent: at the beginning of the century, he used the divisionist technique, with very thick impasto and short brushstrokes, and with strong chromatic discharge, of post-impressionist influence. Later he abandoned the process of imitation of reality, denoting in his work an inner restlessness, a vital tension, a tension that is reflected in the internal pulse of the work. This can be seen in nudes such as: Dance around the Golden Calf (1910), Still Life with Dancers (1914) and The Enthusiast (1919).[191] Another reference was Lovis Corinth: trained in impressionism—of which he was one of the main figures in Germany along with Max Liebermann and Max Slevogt—he drifted in his maturity towards expressionism with a series of works of psychological introspection, with a theme centered on the erotic and macabre. Although he remained anchored in the optical impression as a method of creation of his works, the expressiveness became increasingly important, culminating in The Red Christ (1922), a religious scene of remarkable anguish close to the visions of Nolde. Other works of his are Reclining nude (1895) and Salome (1899).[192]
Among the members of Die Brücke, Ernst Ludwig Kirchner stood out: a great draughtsman, since his visit to an exhibition of Dürer's woodcuts in 1898 he began to make woodcuts, material in which he also made carvings of African influence, with an irregular, unpolished finish, highlighting the sexual components (Ballerina, 1911). As a painter, he used primary colors, like the fauvists, with a certain influence of Matisse, but with broken, violent lines—unlike Matisse's rounded ones—in closed, acute angles, with stylized figures, with an elongation of gothic influence. Among his works it is worth mentioning: Couple on the Sofa (1908), Young Woman under a Japanese Umbrella (1909), Marzella (1909–1910), Bathers in the room (1909–1920), Bathers in Moritzburg (1909–1926), Reclining Nude in Front of a Mirror (1910), Nudes in the Sun (1910–1920), Nudes in the Country (1910–1920), Two Nudes with Bathtube and Oven (1911), Nude with a Black Hat (1911–1912), The Judgment of Paris (1912), Three Bathers (1913), etc.[193]
Other members of Die Brücke were: Erich Heckel, who between 1906 and 1907 made a series of paintings of Vangoghian composition, short brushstrokes and intense colors—predominantly yellow—with dense paste. Later he evolved to more expressionist themes, such as sex, loneliness and isolation: Bathers in the Reeds (1909), Female Nudes by the Pond (1910), Seaside Scene (Bathing Women) (1912), The Crystalline Day (1913).[194] Karl Schmidt-Rottluff practiced macropointillism in his beginnings, to move on to an expressionism of schematic figures and sharp faces, with loose brushstrokes and intense colors: Woman in Tub (1912), After Swimming (1912), Four Bathers on the Beach (1913).[195] Max Pechstein made a trip to Oceania in 1914, receiving as many other artists of the time the influence of primitive and exotic art: Woman and Indian on a carpet (1909), Outdoors (Bathers in Moritzburg) (1910), Three nudes in a landscape (1911), Sunrise (1911), The Dance, dancers and bathers in the forest pond (1912), Triptych of Palau (1917).[196] Otto Mueller made works on landscapes and nudes with schematic and angular forms where the influence of Cézanne and Picasso can be perceived. His nudes are usually set in natural landscapes, showing the influence of Gauguin's exotic nature. His slender and slender figures are inspired by Cranach, of whose Venus he had a reproduction in his studio. They are nudes of great simplicity and naturalness, without traits of provocation or sensuality, expressing an ideal perfection, the nostalgia of a lost paradise, in which the human being lived in communion with nature: Three nudes in the forest (1911), Girls sitting by the water (1913), Bathing Girls in the Forest Pond (1915), Young woman in the rose bushes (1918), Two girls ssitting in the dunes (1922), Two girls in the grass (1926).[197]
Outside the main expressionist groups was the work of Paula Modersohn-Becker: in some visits to Paris between 1900 and 1906 she was influenced by Cézanne, Gauguin and Maillol, combining in a personal way the three-dimensional forms of Cézanne and the linear designs of Gauguin, mainly in portraits and maternal scenes, as well as nudes, evocative of a new conception in the relationship of the body with nature, as in Mother Kneeling with Child (1907).[198] In Vienna, Egon Schiele, a disciple of Klimt, stood out, whose work revolved around a theme based on sexuality, loneliness and isolation, with a certain air of voyeurism, with very explicit works for which he was even imprisoned, accused of pornography. Dedicated mainly to drawing, he gave an essential role to the line, with which he based his compositions, with stylized figures immersed in an oppressive, tense space. He recreated a reiterative human typology, with an elongated, schematic canon, far from naturalism, with vivid, exalted colors, emphasizing the linear character, the contour. Some of his works among his extensive production are: Nude young woman with her arms on her chest (1910), Nude lying down with her arms backwards (1911), Two girls (1911), Seated female nude (1914), Two women embracing (1915), Nude lying down (1917), The embrace (1917), etc.[199]
In sculpture Georg Kolbe stood out, especially dedicated to the nude, with dynamic figures, in rhythmic movements close to ballet, with a vitalist, cheerful and healthy attitude. His most famous work was Morning, exhibited in the German Pavilion built by Ludwig Mies van der Rohe for the 1929 Barcelona International Exposition. On the other hand, the Norwegian Gustav Vigeland made between 1924 and 1942 an extraordinary sculptural ensemble in the Frogner Park in Oslo, called the Vigeland installation, with more than a hundred naked figures, representing human life analyzed in the various stages and ages of life, from childhood to old age, with a serene and confident style, healthy and optimistic, expressing without prejudice or moralizing the full and natural meaning of life.[200]
In France, the so-called School of Paris was formed, a heterodox group of artists who worked in the interwar period, linked to various artistic styles such as post-impressionism, expressionism, cubism and surrealism. One of its main exponents was Amedeo Modigliani, an artist of bohemian life, immersed in sex, drugs and alcohol. He received a classical training, where he was influenced by Mannerism and the Venetian school. In 1902 he studied at the Scuola Libera di Nuodo in Florence, dedicated especially to the nude.[201] In his works he strongly emphasized the outline, with fluid lines, heirs of the modernist arabesque, while the space was formed by juxtaposition of color planes, with elongated figures inspired by the Italian masters of the Cinquecento. Among his works are: Painful Nude (1908), Seated Nude (1910), Caryatid (1913–1914), Red Nude (1917), Nude Sitting on a Divan (1917), Nude with Necklace (1917), Nude Lying on a Blue Cushion (1917), Nude Lying on Her Back (1917), Reclining Nude (1919), etc.[202]
Other members of the School of Paris were: Marc Chagall, who made works of a dreamlike character, close to a certain surrealism, distorting reality at his whim, in scenes that are in an unreal space, outside the rules of perspective or scale, in a world where he evokes his childhood memories, mixed with the world of dreams, music and poetry: Nude over Vitebsk (1933), To my wife (1933), White Crucifixion (1938).[203] Georges Rouault was initially linked to symbolism (Stella matutina, 1895) and Fauvism, but his moral themes—centered on religion—and his dark colors brought him closer to expressionism. His most emblematic works are those of female nudes, which have a bitter and unpleasant air, with languid and whitish figures (Odaliscas, 1907). Between 1903 and 1904 he executed several paintings of naked prostitutes where he recreates the depravity of their trade, reflecting in a horrendous way the materiality of the flesh, stripped of any ideal or moral component, with a sense of denunciation of the decadence of society coming from his neo-Catholic ideology, in an expressionist style of quick strokes and basic lines. His works are: Nude in the Mirror (1906), Young Woman (1906) and Autumn (1936).[204] Jules Pascin expressed in his work the rootlessness and alienation of the exiled, as well as the sexual obsessions that marked him since his adolescence. He had a delicate technique, with a finely suggested line and a color of iridescent tones, showing in his nudes a languid and evanescent air, with a certain Degasian influence: Manolita (1929).[205] We should also remember Marcel Gromaire, author of nudes of sensual and vigorous forms, with a predominance of ocher and yellow colors (Nude with an Oriental Tapestry, 1926; Blond Nude, 1926; Nude with Coat, 1929); and Tsuguharu Foujita, who made a synthesis of the Japanese and Western traditions, with precise graphics and a glossy finish, as if it were lacquer (The Salon of Montparnasse, 1928).
Cubism (1907–1914)
This movement was based on the deformation of reality through the destruction of the spatial perspective of Renaissance origin, organizing space according to a geometric grid, with simultaneous vision of objects, a range of cold and muted colors, and a new conception of the work of art, with the introduction of collage.[206] Its main exponent was Pablo Picasso: of academic training (Female nude from back, 1899; Seated female nude, 1899), he went through several periods before ending up in Cubism, of which it is worth remembering for the theme of the nude his "pink period", of a classicism influenced by Ingres, with themes set in the world of the circus and the Impressionist toilette: Saltimbanquis (1904), Harlequin's Family (1905), Dutchess with a Coif (1905), Boy Leading a Horse (1905), Woman, Fernande Olivier (1905), Two Nudes (1906), The Harem (1906), The Two Brothers (1906), Nude Wringing Her Hair (1906), Nude with Joined Hands (1906). In 1907 he painted The Young Ladies of Avignon, which was a total break with traditional art, making a plea against conventional beauty, beauty based on rules and proportions. Already the chosen theme—a brothel—is symptomatic of protest, of rebellion, but also the treatment of the figures, deformed and reduced to simple geometric bodies (cube, cylinder), denotes his desire to demystify the classical concept of beauty. In this work Picasso shows a strong influence of African sculpture, with stylized forms and based on simple lines of geometric construction, with a more intuitive than realistic sense of the representation of the body, a style that evokes more the soul presence than the physical corporeality. However, the dismemberment of the bodies is not random, but subject to laws of refraction, framed in sharp contours and concave planes taken from the spatiality of African art.[207]
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The Young Ladies of Avignon began the so-called "black period" of Picasso, a brief period until his fully cubist stage, in which he also made Nude with Cloths (1907), Three Women (1908) and The Dryad (Nude in the Forest) (1908). From the fully cubist period, Nude (1910) and Woman in a Shirt (1913) stand out, although at this stage he did not dedicate himself especially to the nude. Later, after a visit to Pompeii in 1917, he rediscovered the freshness and the vital component of primitive classical art, and in his drawing of the Bathers of that year he made a composition of more naturalistic forms, although stylized and treated with the artistic freedom of his original creativity. During the early 1920s he made nudes of a more classical conception, as in his illustrations of Ovid and Aristophanes, but they were nudes of a voluntary objectivity that deprived them of vitality, which would be reaffirmed when he later returned to the deformation of his figures, as in his Nude Woman in a Red Armchair of 1929, whose distortion seems deliberately cruel and demystifying. This work is no longer an attempt against the classical nude, but against the contemporary nude, since the setting where the figure is located is reminiscent of Matisse's Odalisques painted a few years earlier. Here we can perceive the rebellious, iconoclastic Picasso, always in search of new paths and against all conventionalism, whether of the past or the present. In this sense, he made several versions of classic works of art history, such as Parody of Manet's "Olympia" (1901–1903), The Venus in the Mirror (1932) and Le Déjeuner sur l'herbe (1961). From here Picasso began an increasingly abstracted path of the human figure, subjected to an increasingly distorting process, as can be seen in the series of lithographs Les Deux Femmes nues (1945–1946), which presents a sleeping figure lying down and another sitting awake—perhaps an allusion to the myth of Cupid and Psyche—which in successive phases is shown from naturalistic forms to almost abstraction. Other works of his are: Seated Bathing Girl (1930), Nude (1932), The Muse (1935), Figures on the Beach (1937), Woman Combing Her Hair (1940), Massacre in Korea (1951), Women of Algiers (1955), Women Grooming (1956), Nude under a Pine Tree (1959), etc.[208]
Other representatives of Cubism were: Georges Braque, initiator of the style with Picasso, whose Large Nude (1908) has a great parallelism with The Young Ladies of Avignon, with African influence and a certain totemic air, with a rhythmic movement. Fernand Léger recreated in his works a volumetric structure of form based on tubes—which is why his style was called "tubism": Nude in the Forest (1910), Nude Model in the Studio (1912–1913), Three Women at Breakfast (1921), Nudes on a Red Background (1923), The Three Women on a Red Background (1927), Two Women Holding Flowers (1954). Robert Delaunay made in The City of Paris (1910) a curious mixture between figuration and geometric abstraction, with a space structured by blocks, with a nuanced chromaticism that blurs the forms in the surrounding environment. Joan Miró went through Fauvism and Cubism before arriving at Surrealism, his best known stage: Seated Nude Holding a Flower (1917), Nude with a Mirror (1919), Standing Nude (1921).
In sculpture, Alexander Archipenko was the creator of "construction", the sculptural variant of collage. In Woman Walking (1912) he introduced a new analysis of the human figure, broken down into geometric forms and perforated at certain points with holes that create a contrast between the solid and the hollow, in a new way of understanding matter. In Woman Combing Her Hair (1915) he followed the cubistic criteria of The Young Ladies of Avignon, and in Seated Woman (1916) he experimented with concave space, while in Female Torso (1922) he accentuated the stylization of the figure, a process that culminated in Torso in Space (1935). Julio González used iron plates in his sculpture to simulate the epidermis, in parts of the human body that denote the absence of what would be the body as a whole, an effect accentuated by the emptiness of the work (Female Bust, 1934; Torso, 1936). Henri Laurens worked in a variety of materials, from wood and metal to papiers collés and tableaux-objets, mixed methods and assemblages, often painted afterwards (sculpto-peintures). Along with other works, the female figure was one of his greatest sources of inspiration, as in Woman with a Fan (1921), Squatting Woman (1922) and Nude with Mirror (1922).[209]
Futurism (1909–1930)
Italian movement that exalted the values of the technical and industrial progress of the 20th century, highlighting aspects of reality such as movement, speed and simultaneity of action, Futurism aspired to transform the world, to change life, showing an idealistic and somewhat utopian concept of art as the engine of society.[210] Although the Futurists were not particularly dedicated to the nude, it is worth remembering Umberto Boccioni and his Unique Forms of Continuity in Space (1913), a modern version of the classical "heroic nudity", with which he sought "the abolition of the finite line and the closed statue", giving his figure a centrifugal force. With this sculpture Boccioni tried to go beyond the impression of movement, to explore the notion of speed and force in sculpture, pretending to assign luminous values to the carved surface. The sculpture exceeds the corporeal limits of the human being, and resembles a flag waving in the wind. It seems that the body that is represented meanders, struggling against an invisible force. Although the (physical) result is a three-dimensional portrait, the moving body introduces a fourth dimension, time.[211]
Dadaism (1916–1922)
Movement of reaction to the disasters of the war, Dadaism meant a radical approach to the concept of art, which loses any component based on logic and reason, claiming doubt, chance, the absurdity of existence. This translates into a subversive language, where both the themes and the traditional techniques of art are questioned, experimenting with new materials and new forms of composition, such as collage, photomontage and ready-made.[212] Its main factor was Marcel Duchamp, who after a Fauvist phase (Nude with Black Stockings, 1910; Young Girl and Man in Spring, 1911; The Thicket, 1910–1911), realized in Nude Descending a Staircase (1911) a synthesis between Cubism and Futurism, where the body has been decomposed into geometric volumes and serialized in various superimposed movements. In this work Duchamp distances himself from reality, where the nude has no significance, it is only a means of experimentation. In The King and Queen with Swift Nudes (1912) he represented the human figure as chess pieces. One of his most famous works is The Large Glass (or The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, 1915–1923), abstract nude formed by two sheets of glass joined by a lead frame, and placed in a glass box, installed in the Philadelphia Museum of Art. According to the instruction book left by the author, the bride undresses to excite the bachelors who court her, although their physical separation prevents them from achieving the goal of consummating their love, in a clear message of the futility of human passions and how the human being transits in solitude through life. Another emblematic work of his was Given: 1. The Waterfall, 2. The Illuminating Gas (1944–1966), an installation with various materials (a wooden door, a gas lamp, bricks, leather, firewood, plexiglass), which presents a woman's body lying on some bushes, seen through a hole in the door, in reference to woman as something inaccessible, enigmatic.[213]
Other exponents of Dadaism were: Francis Picabia, a subversive artist with a strong individualistic temperament, author of nudes such as Woman and Idol (1940), The brunette and blonde (1941), Two Nudes (1941), Nudes (1942) and Five Women (1942). Man Ray was a painter, sculptor and photographer, one of the most original of the movement, with an overflowing creative fantasy. One of his most famous sculptures is the Venus Restored (1936), a woman's torso reminiscent of a Greek Venus, but tied with ropes that surround her entire body.
Surrealism (1924–1955)
Surrealism placed special emphasis on imagination, fantasy, the world of dreams, with a strong influence of psychoanalysis, as can be seen in its concept of "automatic writing", by which they try to express themselves by freeing their minds from any rational bondage, to show the purity of the unconscious.[214] One of his precursors was Giorgio de Chirico, initiator of the so-called metaphysical painting, with works of disturbing atmosphere, with empty spaces and strange perspectives, and anthropoid figures resembling mannequins: Perseus and Andromeda (1910), Ariana, The Silent Statue (1913), Roman Women (1926), Nude Woman (1929), Nude Self-Portrait (1942), School of Gladiators (1953).
Salvador Dalí was one of the great geniuses of 20th century art, with a megalomaniac and histrionic personality that turned him into a media figure, extolling him as a paradigm of the eccentric artist. He had an academic education, and his first works of adolescence were close to pointillist impressionism (The Picnic, 1921; Muse of Cadaqués, 1921; Nude in a Landscape, 1922–1923; Bathers of La Costa Brava, 1923). Later he quickly went through various phases related to avant-garde movements, from Fauvism and Cubism to Futurism and metaphysical painting (Cubist Composition, 1923, inspired by Matisse's The Dance; Female Nude, 1925; Venus with Cupids, 1925). In 1928, he settled in Paris, where he entered surrealism, of which he would be one of its main representatives, and the following year he met Gala Éluard, who would be his great muse, and whom he portrayed on numerous occasions, some of them nude. At that time he began his interest in Freudian psychoanalysis, inventing a method of dream interpretation that he called "paranoiac-critical method". Much of his psychological reflections center on sex, a recurring theme in his work, which revolves around the Freudian struggle between the principle of pleasure and the principle of reality. Most of his works are from the surrealist phase: The Great Masturbator (1929), The Bleeding Roses (1930), Untitled (William Tell and Gradiva) (1931), Masochistic Instrument (1933–1934),The Dream places a Hand on a Man's Shoulder (1936), The Golden Age – Family of Marsupial Centaurs (1940–1941), Costume for a Nude with a Codfish Tail (1941), Honey is Sweeter than Blood (1941), Dream Caused by the Flight of a Bee Around a Pomegranate a Second Before Awakening (1944), Galarina (1944–1945, inspired by Raphael's La Fornarina), The Apotheosis of Homer (1944–1945), My Wife, Naked, Looking at her own Body (1945), The temptation of Saint Anthony (1946), etc.
Between 1940 and 1955 he lived in the United States, where from 1947 he became interested in religious mysticism and atomic physics, as well as in perspective based on the golden section. From this period are works such as: Leda Atomica (1949, on the myth of Leda and the swan, where Leda is his wife, Gala), The Judgment of Paris (1950), Crucifixion (Corpus Hypercubus) (1954), Dalí, nude (1954), Two Adolescents (1954). He later returned to Spain, where he devoted himself to the task of founding a museum, the Dalí Theater-Museum in Figueres, while continuing to work: Gala Nude From Behind Looking in an Invisible Mirror (1960), Untitled (St. John) (1964), Tuna Fishing (1966–1967), The Hallucinogenic Toreador (1968–1970), Three Hyper-Realist Graces (1973), Standing Female Nude (1974), Gala Contemplating the Mediterranean Sea Which at Twenty Meters Becomes the Portrait of Abraham Lincoln – Homage to Rothko (1974–1975),Dalí's Hand Drawing Back the Golden Fleece in the Form of a Cloud to Show Gala the Dawn, Completely Nude, Very, Very Far Away Behind the Sun (1977, inspired by Claude Lorrain's Landscape with St Paula of Rome Embarking at Ostia), Imperial Monument to the Child Woman (1977, based on Bouguereau's Les Oréades). Dalí was also a sculptor (The Bust of a Retrospective Woman, 1933; Hysterical and Aerodynamic, Nude – Woman on the Rock, 1934; Venus de Milo with Drawers, 1936; Michelin's Slave, 1964, with Michelangelo's Dying Slave pierced by a Michelin wheel; Homage to Newton, 1969; Christ Twisted, 1976), and collaborated with photographer Philippe Halsman on several photographic compositions: Cosmic Dali (1948), Human Skull Consisting of Seven Naked Women's Bodies (1951).[215]
Paul Delvaux was framed in a type of figurative painting, but strangely disturbing, where figures that seem to sleepwalk wander through architectural or landscape spaces of perfect workmanship, influenced by Piero della Francesca and Renaissance perspective, and where naked women coexist with men who look at them with avid voyeurism, or with skeletons reminiscent of the Baroque genre of vanitas, managing to recreate an atmosphere of nightmarish eroticism. Delvaux transmits a pessimistic vision of love, which he often relates to death, in a conjunction between Eros and Thanatos. Thus, in The Sleeping City (1938) he presents a nocturnal city, with classical architecture, where naked women wander like sleepwalkers, representing the myth of the dream woman, unattainable, while a man watches them helplessly. In Pygmalion (1939) he reverses the roles, with a naked woman embracing a male statue. The Congress (1941), despite the realism of the image, recreates a disturbing atmosphere, where naked women walk among a group of men who discuss their affairs without noticing them. In The public road (1948) he presents a reclining Venus reminiscent of those of Giorgione or Titian, but located in the middle of the street and in front of a streetcar that advances towards her. Other works of his are: The Joy of Life (1929), Crisis (1930), Nymphs Bathing (1938), The Visit (1939), Entry into the City (1940), Mermaid in Moonlight (1940), Wedding (1941), Venus Sleeping (1944), The Conversation (1944), Woman before the Mirror (1945), The Enigma (1946), Mermaids (1947), Leda (1948), Dryads (1966), etc.[216]
René Magritte developed a work where the ordinary and banal coexists with the fantastic and strange, often with strong erotic connotations, in disturbing atmospheres with a recurring iconography, highlighting the ambiguity of the objects he portrays. In The Magician's Accomplices (1927), despite the realistic figuration, the artist recreates a dreamlike atmosphere where the interpretation is left open to the imagination. In Delusions of Grandeur (1961) he elaborated a female torso sectioned into three parts, which narrow as they ascend, creating a ziggurat shape, like the famous Tower of Babel. Rape (1934) is a face where the face is replaced by a naked torso, the eyes being the breasts and the mouth the pubis. Other works of his are: Dangerous Liaisons (1926), The Forest (1926), Polar Light (1927), The gigantic days (1928), Collective Invention (1934), Bathing between Light and Darkness (1935), Flowers of the Devil (1946), Sea of Flames (1946), Olympia (1947), The Freedom of the Spirit (1948), The Dress of the Night (1954), etc.[217]
Óscar Domínguez made automatic associations of objects, where figures elongate and acquire a gelatinous consistency, combining humor and desire as motors of human activity. In The electro-sexual sewing machine (1935) he shows a dreamlike delirium where the sexual component is combined with the mechanicity of the industrial era, through a naked woman's body lying face down, with a carnivorous plant devouring her feet and a stream of blood falling on her back through a funnel coming from a bull's head. It is a representation of sadistic eroticism, where sex is mixed with death. The bull represents the primitive, the struggle between life and death, while the machine represents the rational, the triumph of man's will over the surrounding environment.[218]
Other surrealists who practiced the nude were: Max Ernst, who used to work in collage because of his Dadaist training, and who showed a great interest in irrationality and art made by the insane: The Great Lover (1926), Young Nudes (1926), Attirement of the Bride (1940); and André Masson, interested in the automatic way (free association of ideas), with a gesturalist, aggressive work, with interest in sadomasochism: Mathematical Nude (1928), influenced by Miró.
In sculpture, Constantin Brâncuşi carried out a process of reduction of the human figure towards the strictest simplicity, close to abstraction (Sleeping Muse, 1911). Alberto Giacometti followed in his wake, with figures reduced to simple filaments, which he called "transparent constructions", very elongated and emaciated, showing the isolation of man: Standing Nude (1953), Tall Woman (1960). Hans Bellmer practiced a sadomasochistic eroticism, with articulated mannequins in various postures, such as The Doll (1934). Henry Moore was inspired by the human body in many of his works, which involve an abstraction of form where the body is outlined in simple, dynamic, undulating lines that suggest rather than describe the basic shape of the body. Some of his works, such as Lying Figure (1938) and Reclining Figure (1951), are vaguely reminiscent of Parthenon figures such as Ilyissus and Dionysus, but schematized into elongated, flowing forms with meandering lines that evoke the erosion of the sea on a rock.[219]
Frida Kahlo's otherwise personal and unclassifiable work is related to surrealism, reflecting in her canvases her life tormented by an accident that destroyed her spine and her husband's infidelities. One of her first nudes was Desnudo de Mujer India (1929), where she already shows her style, of a fantastic figuration and intense chromatism, with an abundance of anecdotal elements. In Unos cuantos piquetitos (1935) she represented a brutal real murder that had occurred shortly before, committed out of jealousy, where the murderer defended himself by saying "but it was only a few piquetitos!", a scene in which the author projects her pain for her husband's infidelity with her little sister, a fact corroborated by the stab wounds she inflicted on the work as soon as she finished it.[220] In Two Nudes in a Forest (1939) two naked women appear, one with lighter skin and the other with darker skin, reclining one on top of the other, and observed by a monkey, symbol of sin, in a scene that can have two interpretations: the first would be that of lesbian love, while the second would be a double self-portrait of Frida, capturing her two natures, the European and the Mexican.[221] The Broken Column (1944) is a self-portrait that shows the steel corset she had to wear for a while because of the accident that had destroyed her spine, represented by an Ionic column, while her whole body is pierced with nails, in an image of intense drama; in this painting she initially appeared nude, but finally only her breasts were exposed.[222]
Art Deco (1925–1945)
Art Deco[Note 16] was a movement that emerged in France in the mid-1920s and was a revolution in interior design and the graphic and industrial arts. Aimed mainly at a bourgeois public—that of the so-called Belle Époque—it stood out for ostentation and luxury, and developed notably in advertising illustration (Erté) and poster design (Cassandre). In painting, the work of Tamara de Lempicka stood out: she trained with the nabí Maurice Denis and the cubist André Lhote, while she felt a great fascination for Ingres, for which her work was nicknamed "Ingresian cubism". Later she had a surrealist phase, and then moved towards a certain neoclassicism. Her nudes present women who are a product of their time, elegant and sophisticated, luxurious and glamorous, as if they were out of a fashion magazine, but subjected to the dictates of a macho society, from which they sometimes seem to rebel, becoming modern heroines whose bodies reveal a vibrant inner power. In contrast to the classical dichotomy between the heavenly Venus and the worldly Venus, Lempicka creates a third type of woman, neither divine nor unapproachable, but neither vulgar nor vilifiable, a modern woman who assumes her sexuality without hindrance, and who is admired and respected by men, a woman of high society who follows the dictates of fashion. Among her works stand out: The Two Friends (1923), Perspective (1923), Sleeping Girl (1923), Seated Nude (1923), Rhythm (1924), Nude on a Terrace (1925), The Model (1925), Group of Four Female Nudes (1925), The Dream (1927), Andromeda (1927), The Pink Shirt (1927), The Beautiful Rafaela (1927), Women Bathing (1929), Two Friends (1930), Nude with Buildings (1930), Adam and Eve (1932), Susanna in the Bath (1938), etc.[223]
Spain
In Spain, the artistic avant-garde had a slower implementation, although many Spanish artists were pioneers of the international avant-garde (Picasso, Dalí, Miró). At the beginning of the century, the Spanish artistic scene was still dominated by academicism, coexisting to a lesser extent with impressionism and modernism (especially in Catalonia), which was replaced in the 1910s by noucentisme, a classicist movement of Mediterranean inspiration. Even so, little by little the new currents were introduced, especially cubism, expressionism and surrealism. In this environment, the nude was a much more frequent theme than in all the previous art practiced in the peninsula, and many Spanish artists competed in international competitions with nude works. Thus, for example, Julio Romero de Torres owed much of his fame to his academic nudes, but with a certain Leonardesque influence—in his beginnings he was tempted by pointillism, as in Vividoras del amor (1906), but he soon abandoned it—tinged with a dramatic and sensualist feeling typical of his Cordovan origin, as can be seen in The Gypsy Muse (1908), The Altarpiece of Love (1910), The Sin (1913), Venus of Poetry (1913), The Grace (1915), Rivalry (1925–1926), A Present to the Bullfighting Art (1929), Cante Jondo (1929), Trini's granddaughter (1929), etc. Ignacio Zuloaga was influenced by Toulouse-Lautrec, but his work is nourished by the masters of the Prado, with works of costumbrist style where The Italian, the Nude of the mantilla and the carnation (1915) and La Oterito (1936) stand out. Other outstanding artists are: José Gutiérrez Solana (Las chicas de la Claudia, 1929), Marceliano Santa María (Angélica y Medoro, 1910; Figuras de romance, 1934), Fernando Álvarez de Sotomayor (Orfeo atacado por las bacantes, 1904; El rapto de Europa, 1907; Leda y el cisne, 1918), Francisco Soria Aedo (Pasión, Fauno galante, Fruto de amor, Juventud de Baco), Gabriel Morcillo (Alegoría a Baco, Fantasía morisca), Eduardo Chicharro (Los amores de Armida y Reinaldo, 1904; Las tentaciones de Buda, 1922), Eugenio Hermoso (El baño de las zagalas, 1923; Tierra, Fauna y Flora, 1923; Melancolía, 1926; Madreselvas, 1926), Roberto Fernández Balbuena (Desnudo de espaldas, 1926; Desnudo Pittsburgh, 1926; Desnudos luz sombra, 1929), Néstor Martín-Fernández de la Torre (Adagio, 1903; Calma, Pleamar y Borrasca de la serie Poema del Atlántico, 1918–1924), Juan de Echevarría (La mestiza desnuda, 1923), Francisco Iturrino (Mujeres en el campo, Mujeres en la playa), Hermenegildo Anglada Camarasa (Gitana bajo una parra, 1909), Joaquim Sunyer (Pastoral, 1911; Paisaje con cuatro desnudos, 1915; Desnudo en el campo, 1925), Aurelio Arteta (Bañistas, 1930; Hombres del mar, 1932), Josep Maria Sert (Francisco de Vitoria Room at the Palais des Nations in Geneva), Rafael Zabaleta (Nocturno del desnudo, 1954), etc. In the sculptural field, we could mention: Mariano Benlliure (Maja desnuda, 1902), Enric Clarasó (Eva, 1904), Josep Llimona (Desconsuelo, 1907), Miguel Blay (Eclosión, 1908), Mateo Inurria (Deseo, 1914; Forma, 1920), Josep Clarà (El Crepúsculo, 1907–1910; La Diosa, 1909; Ritmo, 1910; Juventud, 1928), Julio Antonio (Venus Mediterránea, 1914), Victorio Macho (Monument to Santiago Ramón y Cajal, 1926), Pablo Gargallo (Gran bailarina, 1929; El profeta, 1933), etc.[224]
Since World War II, art has undergone a vertiginous evolutionary dynamic, with styles and movements that follow each other more and more rapidly in time. The modern project originated with the historical avant-gardes reached its culmination with various anti-material styles that emphasized the intellectual origin of art over its material realization, such as action art and conceptual art. Once this level of analytical prospection of art was reached, the inverse effect was produced—as is usual in the history of art, where different styles confront and oppose each other, the rigor of some succeeding the excess of others, and vice versa—returning to the classical forms of art, accepting its material and esthetic component, and renouncing its revolutionary and society-transforming character. This is how postmodern art emerged, where the artist shamelessly transits between different techniques and styles, without a vindictive character, returning to artisanal work as the essence of the artist. Finally, at the end of the century, new techniques and supports appeared in the field of art: video, computing, internet, laser, holography, etc.[225]
Informalism (1945–1960)
Informalism is a group of tendencies based on the expressiveness of the artist, renouncing any rational aspect of art (structure, composition, preconceived application of color). It is an eminently abstract art, although some artists retain the figuration, where the material support of the work becomes relevant, which assumes the leading role over any theme or composition. It includes various currents such as tachisme, art brut, matter painting or abstract expressionism in the United States. Informalist artists have experienced first hand the horrors of war, so their work is imbued with pessimism, with a vital despair that translates into aggressive works, where the human figure is mutilated, deformed, crushed, highlighting the fragility and vulnerability of the human being, as seen in the work of artists like Dubuffet, who crushes the figures, opening them up like an ox; Fautrier, who disfigures the human form, reducing it to a formless nudity; or Antonio Saura, who creates monsters in black and white, even of beauties like Brigitte Bardot. These authors seek to destroy the idea of Beauty, Nude, Harmony, all those ideals that academic art treated with capital letters. They distance themselves from Western culture, which has engendered these horrors, returning to primitivism, to the infancy of humanity. To do so, they also make use of new materials, considered dirty, detritic, unworthy, such as mud, plaster, sacks, etc. Instead of using brushes, they even use their own hands, scratching the canvas, emphasizing the gestural effect.[226]
Jean Fautrier made nudes where the figure is deformed, made from different color textures, on paper supports, treated with plaster and glue, on which he applies a raw substance, made with inks and powders, on which he draws or scratches, until he achieves the desired image. Jean Dubuffet began in 1950 his series of Bodies of a Lady—an antinomian title, since it contrasts the materiality of the body with the spirituality of the meaning of "lady", which gives a high dignity to women—made with raw materials, drawing the figure with scratches, and treating the body as a mass that is crushed on the support, as in a butcher's board.[227] Willem de Kooning made female nudes, but distorted to the maximum, with great color. His Women series (1945–1950) is halfway between figuration and abstraction, where the female figure is reduced to spots of color, applied in an aggressive and expressive way, with contours that evoke prehistoric fertility goddesses as well as obscene street paintings.[228]
Antoni Tàpies is basically an abstract painter, although in his works he sometimes introduces parts of the human body, especially genitals, in schematic forms, often with the appearance of deterioration, the body appears torn, assaulted, pierced. This can be seen in The inner fire (1953), a human torso in the form of a burlap cloth decomposed by burns; Ochre and pink relief (1965), a kneeling female figure; Matter in the form of an armpit (1968), in which he adds real hair to the figure of a torso showing the armpit; Body (1986) reflects a recumbent figure, evocative of death—which is accentuated by the word "Tartaros", the Greek hell; in Days of Water I (1987) we see a body submerged in waves of gray paint, evoking the legend of Hero and Leander. Other works of his are: Two Figures (1947), Varnish Nude (1980), Torso (1985), Prajna = Dhyana (1993), Man (2002), Black Jersey (2008), etc.[229]
New figuration (1945–1960)
As a reaction to informalist abstraction, a movement arose that recovered figuration, with a certain expressionist influence and with total freedom of composition. Although it was based on figuration, this did not mean that it was realistic, but that it could be deformed or schematized to the artist's taste. The existentialist philosophy and its pessimistic vision of the human being had a decisive influence on the genesis of this style, and it was linked to the beat movement and the angry young men. One of its main exponents was Francis Bacon, an artist with a personal, solitary trajectory, alien to the avant-garde—in the 1930s, when he began to paint, he was rejected for not being surrealist or abstract. In 1944 he destroyed all his previous work, and began his most personal style with Three Studies of Figures at the Base of a Crucifixion, where he used a traditional medium, the triptych, to expose figures whose nudity is deformed, vulnerable, mocked, framed in unreal spaces, which resemble boxes that enclose the figures in an oppressive, anguished atmosphere. His nudes, both male and female, look like lumps of amorphous flesh, writhing and fighting a desperate struggle for existence. They have an oily consistency and a cadaverous pallor, accentuated by the artificial, bulb-like light, resembling butcher's meat rather than human flesh. A great lover of art—he often visited the Museo del Prado—he made versions of many works by Velázquez or Rembrandt. Other works of his are: Study for Crouching Nude (1952), Nude (1960), Reclining Figure (1966), etc.[230]
For Lucian Freud the nude was one of his main themes, which he treated in a realistic, stark, detailed way, without omitting any detail, from veins and muscles to wrinkles and any imperfection of the skin. They are raw, epidermal, expressive, intimate nudes, the human being stripped of any accessory, pure and free as he comes into the world. They are somewhat distressing nudes, as they reflect the vulnerability of mortal flesh, the loneliness of our worldly transit, they remind us of the perishability of life. His first nudes have an academic tone, still idealized, like his Sleeping Nude (1950), but little by little they become more expressive, with loose brushstrokes and a more intense chromatism, as in MNaked girl laughing (1963), which is one of his daughters. Between the 1960s and 1970s he reaches his definitive style, with figures in intimate, carefree postures, in frames reminiscent of photography, with a linear drawing and marked contours, with an intense light and a strong chromaticism where the carnal tones stand out, arranged in colored spots: Naked girl sleeping (1968), Naked man with a rat (1977–1978), Rose (1979), Seated figure (1980–82), Naked man on a bed (1987), Naked man seen from behind (1992), Two women (1992), And the groom (1993), Painter at work, reflection (1993, self-portrait of the artist nude), Flora with blue toenails (2000–2001), The Painter Surprised by a Naked Admirer (2005).[231]
Balthus was a painter obsessed by a theme, the sexual awakening of young adolescents, which he used to represent in interiors of languid appearance and intense illumination, with a somewhat naive eroticism, but denoting a certain air of perversity: The Guitar Lesson (1934), The Living Room (1941–1943), Girl Sleeping (1943), The Bedroom (1947), The Room (1952), Nude Before the Mirror (1955), Young Woman Preparing for the Bath (1958), Cat in the Mirror (1977–1980), Nude Lying Down (1983), Latent (1995).[232] Ivan Albright was framed in the so-called magical realism, with a meticulously detailed style, portraying with rigorous precision the decadence, corruption and spoils of age, with great emotional intensity (And Man Created God in His Own Image, 1929–1930).
In sculpture, Germaine Richier, who followed in the footsteps of Giacometti in stylized figures with elongated limbs, resembling insects, with a lacerated and tattered appearance, as if in decomposition, giving equal importance to emptiness and matter (Shepherd on the Landes, 1951); and Fernando Botero, author of large figures that resemble swollen dolls (Female Torso (La Gorda), 1987; Woman with Mirror, 1987; The Rape of Europe, 1994).
Pop-art (1955–1970)
It emerged in Great Britain and the United States as a movement to reject abstract expressionism, encompassing a series of authors who returned to figuration, with a marked component of popular inspiration, taking images from the world of advertising, photography, comics and mass media. Pop-art assumed sex as something natural, unabashedly, within the framework of the sexual liberation of the 1960s advocated by the hippie movement. The first work considered pop art was Richard Hamilton's Just What is It That Makes Today's Homes So Different, so Appealing? (1956), which was the poster for the This is Tomorrow exhibition at the White Chapel Art Gallery in London; it was a photomontage, which exalted consumerism as a modernizing element, where everyday objects become works of art, and where a bodybuilder and a half-naked woman appeared as objects in the scene.[233]
Tom Wesselmann made in the series Great American Nudes (1960s) a set of works where the nude is shown as a consumer product, with an advertising aesthetic and close to Playboy-type erotic magazines, accentuated by the flatness of the works and the simplification of colors with Matissian roots, highlighting the most "objectual" body parts (red lips, white teeth, blond hair, prominent breasts), along with various decorative objects, fruits or flowers. The bodies have a cold, artificial consistency, like inflatable dolls, and usually present the typical white areas left by bikinis in contrast with the rest of the more tanned body. In the series Bathrooms (1963) he moved to three-dimensionality, where his typical nude paintings appeared with real objects such as curtains, towels, detergents or nail polish, or were seen through a half-open door, emphasizing the voyeuristic effect. In Still Life (1963) a nude woman appears with a concave ashtray—symbol of the female sex—and a cigarette—phallic symbol—in a somewhat kitsch environment, with pure colors.[234]
Mel Ramos produced works of a more evident eroticism, close to pornography, with female figures that look like Pin-Ups, as in Miss Corn-Flakes (1964) or Philip Morris. Tobacco Rose (1965). Roy Lichtenstein specialized in images similar to those of comics, even highlighting the characteristic stippling of the printing processes. Between 1993 and 1994 he made his series of Nudes: Nude Thinking, Two Nudes, Nude with Blue Hair.
New Realism (1958–1970)
French movement inspired by the world of the surrounding reality, consumerism and industrial society, from which they extract—unlike pop-art—its most unpleasant aspect, with a special predilection for detrimental materials. One of its main exponents was Yves Klein, a revolutionary artist who was a precursor of conceptual and action art. During his "blue period", when he painted monochromatic paintings in an intense ultramarine blue—which he baptized as International Klein Blue (IKB), a registered trademark—he made several nude sculptures inspired by the classical Venus, but dyed blue, as well as a version of Michelangelo's Dying Slave. He also made several plaster casts of his friends, all nude and painted blue, such as Relief Portrait of Claude Pascal (1962) and Relief Portrait of Arman (1962). In 1958 he began his "anthropometries", where a nude model—which he called his "living brushes"—smeared with paint, lay down on a canvas, leaving the imprint of her body painted on the canvas, in various imprints that varied according to the position of the body, or according to the movement, as he sometimes rotated the models on the canvas. Sometimes, he also made "negative anthropometries", that is, by placing the model in front of the canvas and spraying paint, thus marking her silhouette. These experiences mark the point of origin of body-art, at the same time that they prelude the happenings, because of the staging that Klein conferred to these realizations, often developed in galleries in front of the public, in evenings with music and tasting an aperitif.[235]
Action art (since 1960)
These are diverse tendencies based on the act of artistic creation, where the important thing is not the work itself, but the creative process, in which, in addition to the artist, the public often intervenes, with a large component of improvisation. It encompasses various artistic manifestations such as happening, performance, environment, installation, etc. The members of the Gutai group in Japan could be considered pioneers: Katsuō Shiraga performed in Back to the Mud an action in which he submerged himself naked in the mud, as an idea of death, of the return to the primordial matter—these artists were very marked by the experience of the Second World War. In Europe, the Fluxus group and artists like Wolf Vostell stood out, who made several happenings where he intervened the nude: in Disasters (Vagina cement formwork) (1972) he immobilized a train carriage and a naked woman with reinforced concrete for 24 hours; in Fandango (1975) he made a "concert for two violins, operator and model": while he played the violin, the operator with a mountain chain cut car doors, and the naked model listened with her eyes covered. Vostell's actions had a strong political component, aiming to denounce social injustice, the destruction of nature, the arms race, discrimination against women and other similar causes.[236]
Hyperrealism (from 1965)
As a reaction to the minimalism in vogue in the 1950s and 1960s, this new figurative current emerged, characterized by its superlative and exaggerated vision of reality, which is captured with great accuracy in all its details, with an almost photographic aspect. John Kacere paints fragments of female bodies, especially sexes and buttocks with tight panties. In sculpture, John De Andrea makes nudes with a strong sexual charge (The Artist and his Model, 1976). In Spain, Antonio López García is the author of academic works, but where the most meticulous description of reality is combined with a vague unreal aspect close to magical realism. Some of his nudes are: Woman in the bathtub (1968), a work of photographic effect, a woman takes a bath in an environment of electric light that is reflected in the bathroom tiles, creating an intense and vibrant composition; Man and woman (1968–1990), a work on which he worked more than twenty years and left unfinished, aims to create common prototypes of man and woman, for which he took multiple notes of various models, synthesized in a standard forms that could correspond to any person in the street.[237]
Conceptual art (1965–1980)
After the material stripping of minimalism, conceptual art renounced the material substratum to focus on the mental process of artistic creation, affirming that art is in the idea, not in the object. It includes several tendencies, such as linguistic conceptual art, Arte Povera, body-art, land-art, bio-art, etc. Various genres of social vindication, such as feminist art and homoerotic art, could also be included in this trend. In relation to the nude, of special relevance is body-art, a movement that emerged in the late 1960s and developed in the 1970s, which touched on various themes related to the body, especially in relation to violence, sex, exhibitionism or bodily resistance to certain physical phenomena. Two lines are evident in this movement: the American, more analytical, where the action is more valued, the vital, instantaneous component, valuing more the perception and the relationship with the viewer, and documented with Videos; and the European, more dramatic, which tends more to treat the body objectually and touch on issues such as transvestism, tattooing or pain, documenting the results through photographs, notes or drawings.[238]
One of its greatest exponents, Dennis Oppenheim, experimented with tanning, leaving parts of the body white. Stuart Brisley made spots on his body, imitating blood. The Viennese Actionism group (Günther Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch and Rudolf Schwarzkogler) performed self-mutilations, incising their own bodies. Youri Messen-Jaschin focused on body painting, integrally covering naked bodies with psychedelic and biological colors. Urs Lüthi uses various media (photography, painting, sculpture, video), exploring his own body, in kitsch self-portraits, with a strong ironic charge, which constitute a reflection on the body, time and life, as well as the relationship with others. In 2001 he presented at the Venice Biennale two installations that are among his best known works (Run for your life and Placebos and surrogates), where the central theme is the excessive cult of the body.[239]
Feminist art has tried to vindicate the image of woman as a person and not as an object, focusing on her essence, both material and spiritual, and highlighting aspects of her sexual condition such as menstruation, motherhood, etc. An essential aspect is the message, the attempt to make the viewer reflect, if necessary through provocation, with shocking works that stir the conscience. One of the ways of diluting gender differences has been through the degradation or mutilation of the body: thus, Donna Haraway creates neutral, transhuman bodies, which she calls "cyborg bodies".[240] Cindy Sherman makes deliberately ugly, repulsive female nudes to demystify gender. Judy Chicago defends the value of women as more than just beautiful bodies, in works such as Red Flag (1971). Zoe Leonard shows the body in its crudest reality, as in her series Vagina (1990), inspired by Courbet's The Origin of the World. Kiki Smith makes fragile sculptures of fragmented bodies, highlighting the processes of reproduction, with scatological elements.[241]
In the 1970s, the organization Women Against Rape criticized—among other aspects of Western culture—the female nude in painting, considering that the representation of the naked female body is a form of rape. In the 1980s the Guerrilla Girls group launched a campaign under the slogan "Do women have to be naked to enter the Metropolitan Museum?", highlighting the fact that less than 5% of the contemporary artists in this museum are women, but 85% of the nudes are female.[138]
One of the most successful artists in recent times has been Jenny Saville, who creates large works with figures seen from unusual perspectives, where the bodies resemble mountains of flesh that seem to fill the entire space, with a predilection for showing the genital areas, or imperfections and wounds of the skin, with bright, intense colors, arranged by spots, predominantly red and brown tones. They are generally obese bodies—she frequently portrays herself—where the flesh forms folds and wrinkles, with monumental forms that resemble the vision that a child has of an adult. Inspired by Courbet and Velázquez, she paints the real woman of today, without any kind of idealization, without looking for beauty, only truthfulness, creating—as she calls herself—"landscapes of the body".[242]
Postmodern art (since 1975)
As opposed to the so-called modern art, it is the art proper to postmodernity. Postmodern artists assume the failure of the avant-garde movements as the failure of the modern project: the avant-garde intended to eliminate the distance between art and life, to universalize art; the postmodern artist, on the other hand, is self-referential, art speaks of art, and does not intend to do social work. Among the various postmodern movements, the Italian transavantgarde and German neo-expressionism stand out, as well as neo-mannerism, free figuration, etc.[243]
In Italy, Sandro Chia creates an autobiographical work, portraying moments of his own existence, together with references to the history of art, especially the artists he is most interested in, such as Cézanne, Picasso or Chagall. In The Slave (1980) he made a symbiosis of Michelangelo's Dying Slave and Botticelli's The Birth of Venus, as a way of demystifying art.[244]
In Germany, Markus Lüpertz creates strongly expressive works, which emphasize the grandiosity of his formats and the fascinating colors that permeate his paintings. Thematically, he usually starts from figurative themes to derive them towards abstraction, gathering diverse influences from the art of the past; in particular, he is often inspired by the landscape and the human body, which he reinterprets in a personal and spontaneous way: St. Francis prevents the extermination of rats (1987). Georg Baselitz is characterized by his images with inverted figures and objects, with rotund and heavy forms, inspired by Rubens: Bedroom (Elke and Georg) (1975), Male Nude (1975). Rainer Fetting uses bodily elements to reproduce his vision of reality, using bright colors, with an acid aspect and Vangoghian influence: 2 Figures (1981).[245]
In the United States, David Salle has been ascribed to various American postmodern trends, such as simulationism or Bad Painting. One of his first works, in a pornographic magazine, was one of his most recurrent sources of inspiration: eroticism, images of naked women treated realistically, without modesty. The main characteristic of Salle's style is the juxtaposition of images, a disorganized and incoherent superposition of images coming from art history, design, advertising, media, comics, popular culture, etc. Some of his works are: Zeitgeist Painting Nr. 4 (1982), King Kong (1983), The Miller's Tale (1984).[246] Eric Fischl cultivates a realistic style inspired by the American pictorial tradition (Winslow Homer, Edward Hopper), portraying naked women who seem to refer to the figure of the mother, in disturbing images enhanced by the intense chromatic ranges: The Old Man's Dog and the Old Man's Boat (1982).[247]
In Spain, Miquel Barceló denotes in his work the heritage of the past, from the Spanish baroque to Goya, interpreted in a free and personal way, with a certain primitivist air derived from his stays in Mali: Venus bruta (1980).[248]
The nude has had a special significance in Western art, and has been a frequent theme in art since Ancient Greece. However, not in all cultures has had the same significance, and its importance has varied according to the region from the practical nullity of its representation to occur with even greater intensity than in the West, as in the case of India. The social consideration of nudity varies according to the geographical area, generally in accordance with the religious concepts of that area, and just as in some places it is contemplated naturally and without inhibitions, in others it is something forbidden and a source of shame. In China, for example, sexuality is considered a private sphere, so that the nude rare in Chinese art except arts created for sex education or medical consultations, such as chungongtu. In pre-Columbian art it is also practically nonexistent, despite the frequent social nudity of the peoples of the area.[249] In Islamic culture not only the naked body, but also clothing is the object of rejection, since according to Islam the works of art are intrinsically defective in comparison with the work of God, so it is believed that trying to describe in a realistic way any animal or person is insolence to God. Even so, in reality human or animal depiction is not totally forbidden in Islamic art: in fact, the image can be found in all Islamic cultures, with varying degrees of acceptance by religious authorities; it is only human depiction for the purpose of worship that is uniformly considered idolatry and forbidden in sharia law.[250]
In Africa, sexuality is ritualized, and is generally related to the cult of fertility. African art has always had a marked magical-religious character, intended more for rites and ceremonies of the various African animist and polytheistic beliefs than for aesthetic purposes. Most of his works are made of wood, stone or ivory, in masks and free-standing figures of a more or less anthropomorphic character, with a typical canon of large head, straight trunk and short limbs. African art had a powerful influence on the European artistic avant-garde of the early 20th century, due to colonialism and the opening of numerous museums of ethnology in most European cities. In particular, young European artists were very interested in the geometric stylization of African sculpture, its expressive character and its primitive, original, spontaneous, subjective air, the product of a strong interrelation between nature and the human being.[251]
Indian art has a mainly religious character, serving as a vehicle for the transmission of the different religions that have marked India: Hinduism, Buddhism, Islam, Christianity, etc. It should also be noted as a distinctive feature of Indian art its desire to integrate with nature, as an adaptation to the universal order, taking into account that most natural elements (mountains, rivers, trees) have a sacred character for the Indians.
One of the most surprising facets of Indian art for Westerners is the unabashed representation of eroticism: according to the Hindu religion, sex is a form of prayer, a channel between the human and the divine, a sign of transcendence and spirituality. A good example of this is the cult of liṅgam (male sex symbol) and yoni (female sex symbol), both coming from ancient Neolithic fertility rites, and which were taken over by Hinduism. The liṅgam represents the creative power of the god Śiva, and is the main object of veneration in the chapels of the temples dedicated to this god. It is usually represented by a pillar (stambha) ending in the form of a glans (mani), although it can vary from the most naturalistic form to an abstract form consisting of a cylinder, or various manifestations such as a phallus with eyes (ambaka-liṅgam), with a face (ekamukha-liṅgam) or four faces (chatur-mukha-liṅgam). For its part, the yoni represents Śakti (the Mother goddess), as well as Pārvatī (goddess of nature and fertility), wife of Śiva. It can also be represented in naturalistic form as a vagina, or geometrized in the form of a triangle. The liṅgam often appears next to the yoni forming a concave-shaped vessel from which the liṅgam protrudes. This symbol expresses the unity within the duality of the universe, the creative energy, as well as the transmutation of the sexual impulse into mental energy, the ascension from the world of the senses to spiritual transcendence, achieved through yoga meditation. These ancient rites merged with tantra, a philosophy that seeks truth in the energy emanating from the body, which is a spiritual enhancer, as even sexual energy (kuṇḍalinī). Along with the tales of the Kāma Sūtra ("Book of Love"), these cults had a great representation in Indian art, especially in sculpture, where mithuna or erotic scenes abound, as in the temples of Khajurāho and Koṇārak.[252]
The first great Indian civilization, of Neolithic sign, occurred around 2500–1500 BC in the Indus River area, around the cities of Mohenjo-Dāro (present-day Pakistan) and Harappa (Punjab). Various terracotta figures have been found representing chariots, animals and human figures, some of them naked and with sexual symbols (the male liṅgam and the female yoni), related to the cult of fertility. There have also been found bronze pieces such as The Dancing Girl of Mohenjo-Dāro, with rounded anatomical forms, being to highlight the work both before and after, offering a global image of the figure.[253]
Between the 3rd and 1st centuries BC the maurya art developed, where the first Indian iconographic typologies emerged with the representation of the yakṣīs (nature spirits), generally in the form of nude women adorned with jewels, as can be seen in the east door of the stūpa of Sānchī. These figures were usually depicted in tribhaṅga ("triple bending"), a pose with a sinuous movement forming three curves, typical of Indian sculpture ever since. This type of representation initiated the genre of erotic art in India, with a curious synthesis of sensuality and spirituality.[254]
In Gupta art (4th–8th centuries) sculpture was characterized by the smoothness of the lines, the perfection of the faces, which denote an ideal beauty, but of a somewhat mystical tone, and a slight tribhaṅga-like movement, as glimpsed in the Torso of bodhisattva from Sānchī (5th century), which together with the smoothness of the skin manifests a great precision in the jewelry and clothing.[255]
The 8th-13th centuries were the golden age of Hindu art, with great profusion of erotic sculpture in temples such as Sūrya in Koṇārak (1240–1258) and the set of Khajurāho (Madhya Pradesh, X-XI centuries), which are the most profusely represented scenes of tantric eroticism, with various groups (mithunas) arranged in friezes (kāma-bandha) developing various erotic postures. This type of erotic sculpture was also developed outside India, as in Angkor Wat (Cambodia), where most of the walls of the temple are decorated with friezes in bas-relief where the abundance of female figures stands out, among devatas (or Hindu female goddesses), of which 1500 are counted throughout the temple, and apsaras (or celestial dancers), counting about 2000.[256]
The nude also has a special significance in Jainism, where its two main sects differ precisely in that some are dressed (shvetambara) and others naked (digambara), since they consider that clothes imprison the soul. Thus their art naturally reflects this fact, being common the representation of naked monks and ascetics, as the statue of Gomateśvara (978–993), an imposing figure of 17 meters high representing the great Jain master Bahubali.[257]
Japanese art has been marked by its insularity, although at intervals it has been influenced by continental civilizations, especially China and Korea. In Japanese culture, art has a great sense of introspection and interrelation between man and nature, also represented in the objects that surround him, from the most ornate and emphatic to the most simple and everyday. This is evident in the value given to imperfection, to the ephemeral nature of things, to the emotional sense that the Japanese establishes with his environment. In Japan, art seeks to achieve universal harmony, going beyond matter to find the life-generating principle. Japanese aesthetics seeks to find the meaning of life through art: beauty is equivalent to harmony, to creativity; it is a poetic impulse, a sensory path that leads to the realization of the work, which has no purpose in itself, but goes beyond.[258]
The nude in Japanese art was not widely represented in official media, even though it was seen as something natural, everything related to sexuality was considered to be related to private life. Even if a nude body could appear in a Japanese image, it would be in the context of an intimate, everyday scene, such as a public bath, but the human body itself was not considered worthy of representation for a work of art.[259] There was, however, an artistic genre devoted especially to erotic images, called shunga (春画, "spring prints"), generally linked to Japanese ukiyo-e prints (浮世絵, "prints of the floating world"), although it also occurred with other typologies.[260] These images were mainly in vogue during the Edo period (1603–1867), usually in woodcut format, being practiced by some of the best artists of the time, such as Hishikawa Moronobu, Isoda Koryūsai, Kitagawa Utamaro, Keisai Eisen, Torii Kiyonaga, Suzuki Harunobu, Katsushika Hokusai and Utagawa Hiroshige. The scenes depicted sexual relations of all kinds, incorporating the most varied characters, from actors and merchants to samurai, Buddhist monks or even fantastic and mythological beings. Although their production was marked by government regulations and prohibitions, the production of this type of works continued practically until the end of the Meiji era, with the prohibition of "obscene" material in the Civil Code of 1907.[261] After the opening of Japan to the West in the mid-19th century, Japanese art contributed to the development of the movement known as Japonisme, and several European artists collected shunga, including Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin, Vincent van Gogh and Pablo Picasso.[262] Shunga is often considered an antecedent of hentai, the erotic side of manga comics.[263]
This term has been used in both ethnography and anthropology research works, as well as in documentaries and National Geographic magazine in the United States. In some cases, the media may show nudity occurring in a "natural" or spontaneous situation in documentaries or news programs, while blurring or censoring nudity in theatricalized works. The ethnographic focus provided an exceptional framework for painters and photographers to show peoples whose nudity was, or still is, acceptable within the conventions, or within certain specific framings, of their traditional culture.[264]
Detractors of the ethnographic nude often dismiss it as merely a colonialist gaze preserved as ethnographic imagery. Yet the ethnographic works of some painters and photographers, such as Irving Penn, Casimir Zagourski,[265] Hugo Bernatzik and Leni Riefenstahl, have been acclaimed worldwide for preserving what is perceived as a document of the dying customs of "paradises" subject to the onslaught of mediocre modernity.[266]
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