Rembrandt Harmenszoon van Rijn ( / ˈ r ɛ m b r æ n t , ˈ r ɛ m b r ɑː n t / , [2] Holandés: [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)ˌsoːɱ vɑn ˈrɛin] ⓘ ; 15 de julio de 1606[1] – 4 de octubre de 1669), generalmente conocido simplemente comoRembrandt, fue un,grabadorydibujanteholandés del Siglo de Oro.maestroinnovador y prolíficoen tresmedios,[3]generalmente se le considera uno de los más grandesartistas visualesde lahistoria del arte.[4]Se estima que Rembrandt produjo un total de unas trescientas pinturas, trescientos grabados y dos mil dibujos.
A diferencia de la mayoría de los maestros holandeses del siglo XVII , las obras de Rembrandt representan una amplia gama de estilos y temas, desde retratos y autorretratos hasta paisajes, escenas de género , escenas alegóricas e históricas, temas bíblicos y mitológicos y estudios de animales. Sus contribuciones al arte se produjeron en un período de gran riqueza y logros culturales y científicos que los historiadores llaman la Edad de Oro holandesa , cuando el arte holandés (especialmente la pintura holandesa ) era prolífico e innovador.
Rembrandt nunca viajó al extranjero, pero estuvo considerablemente influenciado por el trabajo de los viejos maestros italianos y de los artistas holandeses y flamencos que habían estudiado en Italia. Después de alcanzar el éxito juvenil como retratista, los últimos años de Rembrandt estuvieron marcados por tragedias personales y dificultades financieras. Sin embargo, sus grabados y pinturas fueron populares durante toda su vida, su reputación como artista se mantuvo alta [5] y durante veinte años enseñó a muchos pintores holandeses importantes. [6]
Los retratos de Rembrandt de sus contemporáneos, los autorretratos y las ilustraciones de escenas de la Biblia se consideran sus mayores triunfos creativos. Sus aproximadamente 40 autorretratos forman una autobiografía íntima. [4] [7] La contribución más importante de Rembrandt en la historia del grabado fue su transformación del proceso de grabado de una técnica de reproducción relativamente nueva a una forma de arte . [8] [9] Su reputación como el mayor grabador en la historia del medio se estableció durante su vida.
Rembrandt [a] Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, [1] en la República Holandesa , hoy Países Bajos . Fue el noveno hijo de Harmen Gerritszoon van Rijn y Neeltgen Willemsdochter van Zuijtbrouck. [11] Su familia era bastante acomodada; su padre era molinero y su madre era hija de un panadero. Su madre era católica y su padre pertenecía a la Iglesia reformada holandesa . La religión es un tema central en las obras de Rembrandt y el período religiosamente tenso en el que vivió hace que su fe sea un tema de interés.
De niño asistió a una escuela latina . En 1620 se matriculó en la Universidad de Leiden , aunque tenía una mayor inclinación por la pintura y pronto fue aprendiz de Jacob van Swanenburg , con quien pasó tres años. [12] Después de un breve pero importante aprendizaje de seis meses con el pintor de historia Pieter Lastman en Ámsterdam, Rembrandt permaneció unos meses con Jacob Pynas en 1625, aunque Simon van Leeuwen afirmó que Joris van Schooten le enseñó a Rembrandt y luego comenzó su propio aprendizaje. taller. [12] [13]
En 1625, Rembrandt abrió un estudio en Leiden, que compartía con su amigo y colega Jan Lievens . En 1627, Rembrandt comenzó a aceptar alumnos, entre ellos Gerrit Dou e Isaac de Jouderville . [14] Joan Huydecoper es mencionada como el primer comprador de una pintura de Rembrandt en 1628. [15] En 1629, Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens , quien consiguió para Rembrandt importantes encargos de la corte de La Haya. Como resultado de esta conexión, el príncipe Frederik Hendrik continuó comprando pinturas de Rembrandt. [dieciséis]
A finales de 1631, Rembrandt se trasladó a Ámsterdam, una ciudad en rápida expansión como capital empresarial y comercial. Comenzó a ejercer por primera vez como retratista profesional, con gran éxito. Inicialmente se quedó con un marchante de arte, Hendrick van Uylenburgh , y en 1634 se casó con la prima de Hendrick, Saskia van Uylenburgh . [17] [18] Saskia provenía de una familia respetada: su padre Rombertus era abogado y había sido burgomaestre (alcalde) de Leeuwarden. La pareja se casó en la iglesia local de Santa Annaparochie sin la presencia de los familiares de Rembrandt. [19] Ese mismo año, Rembrandt se convirtió en ciudadano de Ámsterdam y miembro del gremio local de pintores . También adquirió varios estudiantes, entre ellos Ferdinand Bol y Govert Flinck . [20]
En 1635, Rembrandt y Saskia alquilaron un elegante alojamiento con vistas al río Amstel. [21] En 1637, Rembrandt se trasladó río arriba, a Vlooienburg , en un edificio en el emplazamiento anterior de la actual Stopera . [22] En mayo de 1639 se mudaron a una casa recientemente modernizada en la lujosa 'Breestraat' con artistas y marchantes de arte; Nicolaes Pickenoy , retratista, era su vecino. La hipoteca para financiar la compra de 13.000 florines sería motivo de dificultades financieras posteriores. [b] [20] El barrio albergó a muchos inmigrantes y se estaba convirtiendo en el barrio judío. Fue allí donde Rembrandt buscó con frecuencia a sus vecinos judíos como modelos para sus escenas del Antiguo Testamento. [25] Uno de los grandes mecenas en las primeras etapas de su carrera fue el estadista de Ámsterdam Andries de Graeff . [26] [27]
Aunque ya eran ricos, la pareja sufrió varios reveses personales; tres niños murieron pocas semanas después de su nacimiento. [c] [d] Sólo su cuarto hijo, Titus , que nació en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642, probablemente de tuberculosis . Los dibujos de Rembrandt de ella en su lecho de enfermedad y muerte se encuentran entre sus obras más conmovedoras. [29] [21] Después de la enfermedad de Saskia, la viuda Geertje Dircx fue contratada como cuidadora y nodriza de Titus; En algún momento, también se convirtió en la amante de Rembrandt. En mayo de 1649 se marchó y acusó a Rembrandt de incumplimiento de promesa y pidió que se le concediera una pensión alimenticia . [20] Rembrandt intentó resolver el asunto amistosamente, pero para pagarle a su abogado, ella empeñó el anillo de diamantes que él le había regalado y que una vez perteneció a Saskia. El 14 de octubre llegaron a un acuerdo; el tribunal declaró en particular que Rembrandt tenía que pagar una asignación de manutención anual, siempre que Titus siguiera siendo su único heredero y ella no vendiera ninguna de las posesiones de Rembrandt. [30] [31] Cuando Dircx rompió su promesa, fue internada en una casa correccional para mujeres en Gouda en agosto de 1650. [32] Rembrandt pagó los costos. [33] [mi]
A principios de 1649, Rembrandt inició una relación con Hendrickje Stoffels, de 23 años , quien inicialmente había sido su doncella. Ella pudo haber sido la causa de la partida de Geertje. En ese año no hizo ninguna pintura ni grabado (fechados). [34] En 1654, Rembrandt produjo un controvertido Betsabé desnudo en su baño . En junio, Hendrickje recibió tres citaciones de la Iglesia Reformada para responder a la acusación de "haber cometido actos de prostitución con el pintor Rembrandt". En julio admitió su culpabilidad y se le prohibió recibir la comunión . [35] Rembrandt no fue citado para comparecer en el concilio de la Iglesia. [36] En octubre tuvieron una hija, Cornelia. Si se hubiera vuelto a casar, habría perdido el acceso a un fideicomiso creado para Titus en el testamento de Saskia. [29]
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Rembrandt, a pesar de su éxito artístico, se encontró en una crisis financiera. Su inclinación por adquirir arte, grabados y objetos raros lo llevó a vivir más allá de sus posibilidades. En enero de 1653 se formalizó la venta de la propiedad, pero Rembrandt aún tenía que cubrir la mitad de la hipoteca restante. Los acreedores comenzaron a presionar para obtener cuotas , pero Rembrandt, enfrentado a dificultades financieras, pidió un aplazamiento. La casa requirió reparaciones, lo que llevó a Rembrandt a pedir dinero prestado a amigos, incluido Jan Six . [37] [f]
En noviembre de 1655, en medio de un año ensombrecido por la peste y la redacción de testamentos, Titus, el hijo de 14 años de Rembrandt, dio un paso significativo al redactar un testamento que designaba a su padre como único heredero, dejando de lado a la familia de su madre. [40] [41] En diciembre, Rembrandt orquestó la venta de sus pinturas, pero las ganancias no cumplieron con las expectativas. [42] Este período tumultuoso afectó profundamente a la industria del arte, lo que llevó a Rembrandt a buscar un acuerdo en el tribunal superior conocido como cessio bonorum . [43] A pesar de las dificultades financieras, la quiebra de Rembrandt no fue forzada. [42] [44] En julio de 1656, declaró su insolvencia , hizo balance y entregó voluntariamente sus bienes. [45] En particular, ya había transferido la casa a su hijo. [24] Tanto las autoridades como sus acreedores mostraron indulgencia, concediéndole tiempo suficiente para saldar sus deudas. Jacob J. Hinlopen obviamente jugó un papel. [46]
En noviembre de 1657 se celebró otra subasta para vender sus pinturas, así como un número importante de láminas de aguafuerte y dibujos, algunos de artistas de renombre como Rafael , Mantegna y Giorgione . [g] Sorprendentemente, a Rembrandt se le permitió conservar sus herramientas como medio para generar ingresos. [24] Rembrandt perdió la tutela de su hijo y, por tanto, el control sobre sus acciones. Un nuevo tutor, Louis Crayers, reclamó la casa para saldar la deuda de Titus. [47]
La lista de ventas, que comprende 363 artículos, ofrece información sobre las diversas colecciones de Rembrandt, que abarcaban pinturas de viejos maestros , dibujos, bustos de emperadores romanos , estatuas de filósofos griegos , libros (una Biblia), dos globos terráqueos, gorros, armaduras y varios objetos de Asia ( porcelana) . ), así como colecciones de especímenes de historia natural (dos pieles de león, un ave del paraíso , corales y minerales). [48] Desafortunadamente, los precios obtenidos en la venta fueron decepcionantes. [49]
En febrero de 1658, la casa de Rembrandt se vendió en una subasta de ejecución hipotecaria y la familia se mudó a un alojamiento más modesto en Rozengracht . [50] En 1660, terminó Asuero y Amán en la fiesta de Ester , que vendió a Jan J. Hinlopen . [51] A principios de diciembre de 1660, se finalizó la venta de la casa, pero las ganancias fueron directamente al tutor de Titus. [52] [53]
Dos semanas más tarde, Hendrickje y Titus establecieron una corporación ficticia como marchantes de arte, lo que permitió a Rembrandt, que tenía alojamiento y comida , continuar con sus actividades artísticas. [54] [55] En 1661, consiguieron un contrato para un proyecto importante en el ayuntamiento recién terminado . La obra resultante, La conspiración de Claudio Civilis , fue rechazada por los alcaldes y devuelta al pintor al cabo de unas semanas; el fragmento superviviente (en Estocolmo) es sólo una cuarta parte del original. [56]
A pesar de estos contratiempos, Rembrandt continuó recibiendo importantes encargos de retratos y completó obras notables, como los Oficiales de muestreo en 1662. [57] Sigue siendo un desafío medir con precisión la riqueza de Rembrandt, ya que es posible que haya sobreestimado el valor de su colección de arte. [45] Sin embargo, la mitad de sus bienes estaban destinados a la herencia de Tito. [58]
En marzo de 1663, con la enfermedad de Hendrickje, Titus asumió un papel más destacado. Isaac van Hertsbeeck, el principal acreedor de Rembrandt, acudió al Tribunal Superior y impugnó la prioridad de pago de Titus, lo que dio lugar a batallas legales que Titus finalmente ganó en 1665, cuando alcanzó la mayoría de edad. [59] [60] [61] Durante este tiempo, Rembrandt trabajó en piezas notables como La novia judía y sus autorretratos finales, pero tuvo problemas con los atrasos en el alquiler. [62] En particular, Cosme III de' Medici, gran duque de Toscana , visitó a Rembrandt dos veces y regresó a Florencia con uno de los autorretratos. [63]
Rembrandt sobrevivió tanto a Hendrickje como a Titus; Murió el viernes 4 de octubre de 1669 y fue enterrado cuatro días después en una tumba alquilada en Westerkerk . Sus herederos pagaron una cantidad sustancial de dinero, lo que sugiere su relativa riqueza en ese momento. [64] Su hija ilegítima , Cornelia (1654-1684), finalmente se mudó a Batavia en 1670 acompañada por un pintor desconocido y la herencia de su madre. [65] La considerable herencia de Tito pasó a su única hija, Titia (1669-1715), quien se casó con su prima y vivió en Blauwburgwal . [66] En resumen, la vida de Rembrandt estuvo marcada por algo más que logros artísticos; superó numerosos desafíos legales y financieros, dejando un legado complejo. [67] Rembrandt tenía una tendencia a traspasar los límites legales”. [68]
En una carta a Huygens, Rembrandt ofreció la única explicación sobreviviente de lo que buscaba lograr a través de su arte, escribiendo "el movimiento más grande y natural", traducido de de meeste en de natuurlijkste beweegelijkheid . La palabra "beweegelijkheid" se traduce como "emoción" o "motivo". No se sabe si esto se refiere a objetivos, materiales o cualquier otra cosa, pero los críticos han llamado especialmente la atención sobre la forma en que Rembrandt fusionó a la perfección lo terrenal y lo espiritual. [69]
Los conocedores de principios del siglo XXI afirmaban que Rembrandt había producido más de 600 pinturas, [70] casi 400 grabados y 2000 dibujos. [71] Los estudios más recientes, desde la década de 1960 hasta la actualidad (dirigidos por el Proyecto de Investigación Rembrandt ), a menudo de manera controvertida, han reducido su obra a cerca de 300 pinturas. [h] Sus grabados , tradicionalmente llamados todos grabados, aunque muchos se producen total o parcialmente mediante grabado y, a veces , punta seca , tienen un total mucho más estable de poco menos de 300. [i] Es probable que Rembrandt haya hecho muchos más dibujos durante su vida. Hay más de 2.000, pero los que existen son más raros de lo que se supone. [j] Dos expertos afirman que el número de dibujos cuyo estado autógrafo puede considerarse efectivamente "seguro" no supera los 75, aunque esto es discutible. La lista se daría a conocer en una reunión académica en febrero de 2010. [74]
En un momento, aproximadamente 90 pinturas se contaron como autorretratos de Rembrandt , pero ahora se sabe que hizo que sus alumnos copiaran sus propios autorretratos como parte de su formación. Los estudios modernos han reducido el número de autógrafos a más de cuarenta pinturas, así como unos pocos dibujos y treinta y un grabados, que incluyen muchas de las imágenes más notables del grupo. [75] Algunos lo muestran posando con disfraces casi históricos o haciéndose muecas a sí mismo. Sus pinturas al óleo trazan el progreso desde un joven inseguro, pasando por el apuesto y exitoso retratista de la década de 1630, hasta los retratos problemáticos pero tremendamente poderosos de su vejez. Juntos dan una imagen notablemente clara del hombre, su apariencia y su estructura psicológica, como lo revela su rostro ricamente curtido. [k]
En sus retratos y autorretratos, inclina el rostro del modelo de tal manera que la cresta de la nariz casi siempre forma la línea de demarcación entre las áreas muy iluminadas y las sombras. Un rostro de Rembrandt es un rostro parcialmente eclipsado; y la nariz, brillante y obvia, adentrándose en el enigma de los medios tonos, sirve para centrar la atención del espectador y dramatizar la división entre un torrente de luz (una claridad abrumadora) y una oscuridad inquietante. [76]
En varias obras bíblicas, entre ellas La elevación de la cruz , José contando sus sueños y La lapidación de San Esteban , Rembrandt se describió a sí mismo como un personaje entre la multitud. Durham sugiere que esto se debió a que la Biblia era para Rembrandt "una especie de diario, un relato de momentos de su propia vida". [77]
Entre las características más destacadas de la obra de Rembrandt se encuentra su uso del claroscuro , el empleo teatral de luces y sombras derivado de Caravaggio o, más probablemente, de los Caravaggisti holandeses pero adaptados para fines muy personales. [78] También son notables su presentación dramática y vivaz de los temas, desprovista de la rígida formalidad que a menudo mostraban sus contemporáneos, y una profunda compasión por la humanidad, independientemente de su riqueza y edad. Su familia inmediata (su esposa Saskia, su hijo Titus y su esposa Hendrickje) a menudo ocupaban un lugar destacado en sus pinturas, muchas de las cuales tenían temas míticos , bíblicos o históricos.
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A lo largo de su carrera, Rembrandt tomó como temas principales los temas del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por último, fue especialmente elogiado por sus contemporáneos, quienes lo ensalzaron como un magistral intérprete de historias bíblicas por su habilidad para representar emociones y atención al detalle. [81] Estilísticamente, sus pinturas progresaron desde la temprana manera "suave", caracterizada por una fina técnica en la representación de formas ilusionistas, hasta el último tratamiento "áspero" de superficies de pintura ricamente abigarradas, que permitieron un ilusionismo de forma sugerido por el Calidad táctil de la propia pintura. Rembrandt debió darse cuenta de que si mantenía la pintura deliberadamente suelta y "como pintura" en algunas partes del lienzo, la percepción del espacio se hacía mucho mayor. [82]
Se puede observar un desarrollo paralelo en la habilidad de Rembrandt como grabador. En los grabados de su madurez, particularmente desde finales de la década de 1640 en adelante, la libertad y amplitud de sus dibujos y pinturas encontraron expresión también en el medio impreso. Las obras abarcan una amplia gama de temas y técnicas, a veces dejando grandes áreas de papel blanco para sugerir espacio, y otras veces empleando complejas redes de líneas para producir ricos tonos oscuros. [83]
La influencia de Lastman en Rembrandt fue más prominente durante su período en Leiden de 1625 a 1631. [84] Las pinturas eran bastante pequeñas pero ricas en detalles (por ejemplo, en trajes y joyas). Se favorecieron los temas religiosos y alegóricos , al igual que los tronies . [84] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados, cuya amplia difusión explicaría en gran medida su fama internacional. [84] En 1629 completa Judas arrepentido, Devolviendo las piezas de plata y El artista en su taller , obras que evidencian su interés por el manejo de la luz y la variedad de aplicaciones pictóricas y constituyen el primer gran avance en su formación como pintor. . [85]
Durante sus primeros años en Ámsterdam (1632-1636), Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas dramáticas de alto contraste y de gran formato ( El cegamiento de Sansón , 1636, La fiesta de Belsasar , c. 1635 Dánae , 1636 pero reelaborada más tarde). buscando emular el estilo barroco de Rubens . [86] Con la ayuda ocasional de asistentes en el taller de Uylenburgh, pintó numerosos retratos por encargo, tanto pequeños ( Jacob de Gheyn III ) como grandes ( Retrato del constructor naval Jan Rijcksen y su esposa , 1633, Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp , 1632 ). [87]
A finales de la década de 1630, Rembrandt había producido algunas pinturas y muchos grabados de paisajes . A menudo, estos paisajes resaltaban el drama natural, presentando árboles arrancados de raíz y cielos siniestros ( Cabañas ante un cielo tormentoso , c. 1641; Los tres árboles , 1643). A partir de 1640 su obra se volvió menos exuberante y de tono más sobrio, posiblemente reflejando una tragedia personal. Las escenas bíblicas ahora se derivaban más a menudo del Nuevo Testamento que del Antiguo Testamento , como había sido el caso antes. En 1642 pintó La ronda de noche , el más importante de los importantes encargos de retratos de grupo que recibió en este período, y a través del cual buscó encontrar soluciones a problemas compositivos y narrativos que se habían intentado en obras anteriores. [88]
En la década posterior a La Ronda de Noche , las pinturas de Rembrandt variaron mucho en tamaño, tema y estilo. La tendencia anterior de crear efectos dramáticos principalmente mediante fuertes contrastes de luces y sombras dio paso al uso de iluminación frontal y áreas de color más grandes y saturadas. Al mismo tiempo, se empezaron a colocar figuras paralelas al plano del cuadro. Estos cambios pueden verse como un movimiento hacia un modo clásico de composición y, considerando también el uso más expresivo de la pincelada, pueden indicar una familiaridad con el arte veneciano ( Susana y los ancianos , 1637-47). [89] Al mismo tiempo, hubo una marcada disminución de las obras pintadas a favor de los grabados y dibujos de paisajes. [90] En estas obras gráficas, el drama natural finalmente dio paso a tranquilas escenas rurales holandesas.
En la década de 1650, el estilo de Rembrandt volvió a cambiar. Los colores se hicieron más ricos y las pinceladas más pronunciadas. Con estos cambios, Rembrandt se distanció de trabajos anteriores y de la moda actual, que se inclinaba cada vez más hacia obras finas y detalladas. Su uso de la luz se vuelve más irregular y áspero, y el brillo se vuelve casi inexistente. Su singular enfoque en la aplicación de la pintura puede haber sido sugerido en parte por su familiaridad con la obra de Tiziano , y podría verse en el contexto de la discusión entonces vigente sobre el "acabado" y la calidad de la superficie de las pinturas. Los relatos contemporáneos a veces desaprueban la tosquedad de la pincelada de Rembrandt, y se dice que el propio artista disuadió a los visitantes de mirar demasiado de cerca sus pinturas. [91] La manipulación táctil de la pintura puede recordar a los procedimientos medievales, cuando los efectos miméticos de la representación informaban la superficie de una pintura. El resultado es un manejo de la pintura muy variado, profundamente estratificado y a menudo aparentemente desordenado, que sugiere forma y espacio de una manera a la vez ilusoria y muy individual. [92]
En años posteriores, a menudo se representaban temas bíblicos , pero el énfasis pasó de las dramáticas escenas grupales a figuras íntimas parecidas a retratos ( Santiago el Apóstol , 1661). En sus últimos años, Rembrandt pintó sus autorretratos más profundamente reflexivos (de 1652 a 1669 pintó quince) y varias imágenes conmovedoras de hombres y mujeres ( La novia judía , c. 1666): enamorados, en la vida y ante Dios. [93] [94]
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Rembrandt produjo grabados durante la mayor parte de su carrera, de 1626 a 1660, cuando se vio obligado a vender su imprenta y prácticamente abandonó el grabado. Sólo el turbulento año de 1649 no produjo ninguna obra fechada. [95] Se dedicó fácilmente al grabado y, aunque aprendió a usar un buril y grabó parcialmente muchas placas, la libertad de la técnica del grabado fue fundamental para su trabajo. Estuvo muy involucrado en todo el proceso de grabado y debe haber impreso él mismo al menos los primeros ejemplos de sus grabados. Al principio utilizó un estilo basado en el dibujo pero pronto pasó a uno basado en la pintura, utilizando una masa de líneas y numerosos mordiscos con el ácido para lograr diferentes fuerzas de línea. Hacia finales de la década de 1630, reaccionó contra esta manera y adoptó un estilo más simple, con menos mordiscos. [96] Trabajó en el llamado Grabado de los Cien Florines por etapas a lo largo de la década de 1640, y fue el "trabajo crítico en la mitad de su carrera", del que comenzó a surgir su estilo de grabado final. [97] Aunque la impresión solo sobrevive en dos estados , el primero es muy raro, se puede ver evidencia de mucha reelaboración debajo de la impresión final y muchos dibujos sobreviven de algunos de sus elementos. [98]
En las obras maduras de la década de 1650, Rembrandt estaba más dispuesto a improvisar sobre la plancha y los grandes grabados suelen sobrevivir en varios estados, hasta once, a menudo con cambios radicales. Ahora utilizó el sombreado para crear sus áreas oscuras, que a menudo ocupan gran parte de la placa. También experimentó con los efectos de la impresión sobre diferentes tipos de papel, incluido el papel japonés , que utilizaba con frecuencia, y la vitela . Comenzó a utilizar " tono de superficie ", dejando una fina película de tinta en partes de la plancha en lugar de limpiarla completamente para imprimir cada impresión. Hizo un mayor uso de la punta seca , explotando, especialmente en los paisajes, la rica rebaba difusa que esta técnica aporta a las primeras impresiones. [99]
Sus grabados tienen temas similares a sus pinturas, aunque los 27 autorretratos son relativamente más comunes y los retratos de otras personas menos. Los paisajes, en su mayoría pequeños, marcaron en gran medida el rumbo del tratamiento gráfico del paisaje hasta finales del siglo XIX. De los muchos cientos de dibujos que hizo Rembrandt, sólo unos doscientos tienen como tema un motivo de paisaje, y de los aproximadamente trescientos grabados, unos treinta muestran un paisaje. En cuanto a sus paisajes pintados, no se pasa de ocho obras. [100] Un tercio de sus grabados son de temas religiosos, muchos tratados con una simplicidad hogareña, mientras que otros son sus grabados más monumentales. Algunas composiciones eróticas, o simplemente obscenas, no tienen equivalente en sus pinturas. [101] Poseía, hasta que se vio obligado a venderla, una magnífica colección de grabados de otros artistas, y muchos préstamos e influencias en su trabajo se pueden atribuir a artistas tan diversos como Mantegna , Raphael , Hercules Seghers y Giovanni Benedetto Castiglione .
Los dibujos de Rembrandt y sus alumnos/seguidores han sido ampliamente estudiados por muchos artistas y eruditos [l] a lo largo de los siglos. Su dibujo original ha sido descrito como un estilo artístico individualista muy similar a los antiguos maestros de Asia oriental, sobre todo a los maestros chinos: [108] una "combinación de claridad formal y vitalidad caligráfica en el movimiento de la pluma o el pincel que se acerca más al estilo chino" . pintura en técnica y sentimiento que a cualquier arte europeo anterior al siglo XX". [109]
Rembrandt se interesó por las miniaturas mogoles , especialmente alrededor de la década de 1650. Dibujó versiones de unas 23 pinturas mogoles y es posible que tuviera un álbum de ellas. Estas miniaturas incluyen pinturas de Shah Jahan , Akbar , Jahangir y Dara Shikoh y pueden haber influido en el vestuario y otros aspectos de sus obras. [110] [111] [112] [113]
Rembrandt pintó La compañía de milicias del capitán Frans Banning Cocq entre 1640 y 1642, y se convirtió en su obra más famosa. [114] Esta imagen fue llamada De Nachtwacht por los holandeses y The Night Watch por Sir Joshua Reynolds porque en 1781 la imagen estaba tan atenuada y desfigurada que era casi indistinguible, y parecía bastante una escena nocturna. Después de limpiarlo, se descubrió que representaba el pleno día: un grupo de 18 mosqueteros saliendo de un patio lúgubre hacia la luz cegadora del sol. Para Théophile Thoré era el cuadro más bonito del mundo.
La pieza fue un encargo para la nueva sala de los Kloveniersdoelen , la rama de mosqueteros de la milicia cívica . Rembrandt se apartó de la convención, que ordenaba que dichas piezas de género fueran majestuosas y formales, más bien una programación que una escena de acción. En cambio, mostró a la milicia preparándose para embarcarse en una misión, aunque la naturaleza exacta de la misión o evento es un tema de debate continuo.
Al contrario de lo que suele decirse, el trabajo fue aclamado como un éxito desde el principio. Se cortaron partes del lienzo (se eliminó aproximadamente el 20% del lado izquierdo) para que la pintura se adaptara a su nueva posición cuando se trasladó al ayuntamiento en 1715. En 1817, esta gran pintura se trasladó a Trippenhuis . Desde 1885 el cuadro se exhibe en el Rijksmuseum . [m] En 1940 la pintura se trasladó a Kasteel Radboud ; en 1941 a un búnker cerca de Heemskerk ; en 1942 a St Pietersberg ; en junio de 1945 fue enviado de regreso a Ámsterdam.
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En 1968, se inició el Proyecto de Investigación Rembrandt bajo el patrocinio de la Organización Holandesa para el Avance de la Investigación Científica; Inicialmente se esperaba que durara diez años, siendo muy optimistas. Los historiadores del arte se asociaron con expertos de otros campos para reevaluar la autenticidad de las obras atribuidas a Rembrandt, utilizando todos los métodos disponibles, incluido el diagnóstico técnico más moderno, y para compilar un nuevo catálogo razonado completo de sus pinturas. Como resultado de sus hallazgos, muchas pinturas que anteriormente se atribuían a Rembrandt han sido eliminadas de su lista, aunque otras se han vuelto a agregar. [116] Ahora se cree que muchos de los eliminados son obra de sus estudiantes.
Un ejemplo de actividad es The Polish Rider , que ahora se encuentra en la Colección Frick de la ciudad de Nueva York. La autoría de Rembrandt había sido cuestionada por al menos un estudioso, Alfred von Wurzbach, a principios del siglo XX, pero durante muchas décadas después la mayoría de los estudiosos, incluida la principal autoridad en escritura inglesa, Julius S. Held , estuvieron de acuerdo en que, en efecto, fue obra de maestro. Sin embargo, en la década de 1980, el Dr. Josua Bruyn, del Proyecto de Investigación de la Fundación Rembrandt, atribuyó cautelosamente y tentativamente la pintura a uno de los alumnos más cercanos y talentosos de Rembrandt, Willem Drost , de quien se sabe poco. Pero la opinión de Bruyn siguió siendo una opinión minoritaria, la sugerencia de la autoría de Drost ahora es generalmente rechazada, y el propio Frick nunca cambió su propia atribución, la etiqueta todavía dice "Rembrandt" y no "atribuido a" o "escuela de". La opinión más reciente se ha inclinado aún más decisivamente a favor de Frick; En su libro de 1999 Los ojos de Rembrandt , Simon Schama y el académico del Proyecto Rembrandt Ernst van de Wetering (Simposio de Melbourne, 1997) abogaron por la atribución al maestro. Los pocos estudiosos que todavía cuestionan la autoría de Rembrandt sienten que la ejecución es desigual y favorecen diferentes atribuciones para diferentes partes de la obra. [117]
Schama planteó una cuestión similar con respecto a la verificación de títulos asociados con el tema representado en las obras de Rembrandt. Por ejemplo, el tema exacto retratado en Aristóteles con un busto de Homero , recientemente retitulado por los curadores del Museo Metropolitano, ha sido cuestionado directamente por Schama aplicando la erudición de Paul Crenshaw. [118] Schama presenta un argumento sustancial de que fue el famoso pintor griego antiguo Apeles quien es representado en contemplación por Rembrandt y no Aristóteles. [119]
Otra pintura, Pilato lavándose las manos , también es de atribución cuestionable. Las opiniones críticas sobre este cuadro han variado desde 1905, cuando Wilhelm von Bode lo describió como "una obra un tanto anormal" de Rembrandt. Desde entonces, los estudiosos fecharon la pintura en la década de 1660 y la asignaron a un alumno anónimo, posiblemente Aert de Gelder. La composición guarda un parecido superficial con las obras maduras de Rembrandt, pero carece del dominio del maestro en iluminación y modelado. [120]
El trabajo de atribución y reatribución está en curso. En 2005, cuatro óleos previamente atribuidos a alumnos de Rembrandt fueron reclasificados como obra del propio Rembrandt: Estudio de un anciano de perfil y Estudio de un anciano con barba de una colección privada estadounidense, Estudio de una mujer que llora , propiedad del Instituto de Artes de Detroit y Retrato de una anciana con un gorro blanco , pintado en 1640. [121] El anciano sentado en una silla es otro ejemplo: en 2014, el profesor Ernst van de Wetering ofreció a The Guardian su opinión de que la degradación del cuadro de 1652 El viejo sentado en una silla "fue un gran error... es un cuadro muy importante. El cuadro debe verse en términos de la experimentación de Rembrandt". Esto lo destacó mucho antes Nigel Konstam , quien estudió a Rembrandt a lo largo de su carrera. [122]
La propia práctica de taller de Rembrandt es un factor importante en la dificultad de la atribución, ya que, como muchos maestros antes que él, animaba a sus alumnos a copiar sus pinturas, a veces terminándolas o retocándolas para venderlas como originales y, a veces, vendiéndolas como copias autorizadas. Además, su estilo resultó bastante fácil de emular para sus estudiantes más talentosos. Para complicar aún más las cosas, está la calidad desigual de algunas de las obras del propio Rembrandt y sus frecuentes evoluciones y experimentos estilísticos. [123] Además, hubo imitaciones posteriores de su obra y restauraciones que dañaron tan gravemente las obras originales que ya no son reconocibles. [124]
La investigación técnica de las pinturas de Rembrandt en posesión de la Gemäldegalerie Alte Meister [125] y en la Gemäldegalerie Alte Meister (Kassel) [126] fue realizada por Hermann Kühn en 1977. Los análisis de pigmentos de una treintena de pinturas han demostrado que la paleta de Rembrandt estaba compuesta por los siguientes pigmentos: blanco de plomo , varios ocres , marrón Vandyke, negro hueso, negro carbón , negro humo , bermellón , laca de rubia , azurita , ultramar , laca amarilla y amarillo plomo-estaño . Oropiment sintético se mostró en las sombras de la manga del novio judío. Este amarillo de arsénico tóxico rara vez se usaba en pintura al óleo. [127] Una pintura (Saskia van Uylenburgh como Flora) [128] supuestamente contiene gamboge . Rembrandt rara vez utilizó colores azul o verde puros, siendo la excepción más pronunciada El banquete de Belsasar [129] [130] en la National Gallery de Londres . El libro de Bomford [129] describe investigaciones técnicas y análisis de pigmentos más recientes de las pinturas de Rembrandt predominantemente en la National Gallery de Londres. Toda la gama de pigmentos empleados por Rembrandt se puede encontrar en ColourLex. [131] La mejor fuente de información técnica sobre las pinturas de Rembrandt en la web es la Base de datos Rembrandt que contiene todas las obras de Rembrandt con informes de investigación detallados, imágenes infrarrojas y radiográficas y otros detalles científicos. [132]
"Rembrandt" es una modificación de la ortografía del nombre del artista que introdujo en 1633. "Harmenszoon" indica que el nombre de su padre es Harmen. "van Rijn" indica que su familia vivía cerca del Rin . [133]
Las primeras firmas de Rembrandt (c. 1625) consistían en una "R" inicial, o el monograma "RH" (de Rembrant Harmenszoon), y a partir de 1629, "RHL" (la "L" representaba, presumiblemente, Leiden). En 1632, usó este monograma a principios de año, luego le agregó su apellido, "RHL-van Rijn", pero reemplazó esta forma ese mismo año y comenzó a usar su nombre solo con su ortografía original, "Rembrant". En 1633 añadió una "d" y mantuvo esta forma constantemente desde entonces, demostrando que este pequeño cambio tenía un significado para él (cualquiera que haya sido). Este cambio es puramente visual; no cambia la forma en que se pronuncia su nombre. Curiosamente, a pesar de la gran cantidad de pinturas y grabados firmados con este nombre modificado, la mayoría de los documentos que lo mencionan durante su vida conservaron la ortografía original "Rembrant". (Nota: la cronología aproximada de las formas de las firmas anterior se aplica a las pinturas y, en menor grado, a los grabados; de 1632, presumiblemente, sólo hay un grabado firmado "RHL-v. Rijn", el de gran formato "Levantamiento de Lázaro", B 73). [134] Su práctica de firmar su obra con su nombre, seguida más tarde por Vincent van Gogh , probablemente se inspiró en Rafael , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , quienes, entonces como ahora, eran referidos solo por sus nombres. [135]
Rembrandt dirigió un gran taller y tuvo muchos alumnos. La lista de alumnos de Rembrandt de su época en Leiden, así como de su estancia en Amsterdam, es bastante larga, sobre todo porque su influencia en los pintores que lo rodeaban fue tan grande que es difícil decir si alguien trabajó para él en su estudio o simplemente copió su estilo para mecenas deseosos de adquirir un Rembrandt. Una lista parcial debería incluir a [136] Ferdinand Bol , Adriaen Brouwer , Gerrit Dou , Willem Drost , Heiman Dullaart , Gerbrand van den Eeckhout , Carel Fabritius , Govert Flinck , Hendrick Fromantiou , Aert de Gelder , Samuel Dirksz van Hoogstraten , Abraham Janssens , Godfrey Kneller , Philip de Koninck , Jacob Levecq , Nicolaes Maes , Jürgen Ovens , Christopher Paudiß , Willem de Poorter , Jan Victors y Willem van der Vliet .
Las colecciones más grandes de la obra de Rembrandt se encuentran en los Estados Unidos en el Museo Metropolitano de Arte (principalmente retratos) y la Colección Frick en la ciudad de Nueva York, la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, el Museo de Bellas Artes en Boston y el Museo J. Museo Paul Getty de Los Ángeles, en total 86 cuadros. [137] Otros grupos grandes se encuentran en Alemania, con 69 pinturas, en la Gemäldegalerie de Berlín, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde y el Schloss Wilhelmshöhe de Kassel, y en otros lugares. El Reino Unido tiene un total de 51, especialmente en la Galería Nacional y la Colección Real . Hay 49 en los Países Bajos, muchos de ellos en el Rijksmuseum , que tiene La ronda de noche y La novia judía , y el Mauritshuis de La Haya. [138] Otros se pueden encontrar en el Louvre , el Museo del Hermitage y el Museo Nacional de Estocolmo . El Castillo Real de Varsovia exhibe dos pinturas de Rembrandt. [139]
Las mayores colecciones de dibujos se encuentran en los grandes museos más antiguos, como el Rijksmuseum, el Louvre y el Museo Británico . Todas las imprentas principales tienen grandes colecciones de grabados de Rembrandt, aunque como algunos existen en una sola impresión, ninguna colección está completa. El grado en que estas colecciones se muestran al público o pueden ser vistas fácilmente en la sala de impresión varía mucho.
La Casa Museo de Rembrandt tiene accesorios y muebles que en su mayoría no son originales, sino piezas de época comparables a las que Rembrandt podría haber tenido, y las de los numerosos dibujos y grabados que se encuentran en la casa, y pinturas contemporáneas que reflejan el uso que Rembrandt hacía de la casa para el comercio de arte. Su estudio de grabado cuenta con una imprenta, donde se imprimen réplicas. El museo tiene algunas pinturas tempranas de Rembrandt, muchas de ellas prestadas, pero una importante colección de sus grabados, una buena selección de las cuales se exhibe de forma rotativa.
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[...] Sostengo que a Protógenes , Apeles o Parrasio no se les ocurrió , ni se les podría ocurrir si regresaran a la tierra, que (me asombra simplemente informar esto) un joven, un holandés, un molinero imberbe, podría reunir tantas cosas en una sola figura humana y expresar lo que es universal. ¡Todo honor para ti, mi Rembrandt! Haber llevado Illium, de hecho toda Asia, a Italia es un logro menor que haber traído los laureles de Grecia e Italia a Holanda, el logro de un holandés que rara vez se ha aventurado fuera de los muros de su ciudad natal...
— Constantijn Huygens , señor de Zuilichem, posiblemente el primer conocedor y crítico notable de Rembrandt , 1629. Extracto del manuscrito Autobiografía de Constantijn Huygens (Koninklijke Bibliotheek, Den Haag), publicado originalmente en Oud Holland (1891), traducido del holandés. [142]
Rembrandt es uno de los artistas visuales más famosos [143] [144] y mejor investigados por expertos de la historia. [145] [146] Su vida y su arte han atraído durante mucho tiempo la atención de estudios interdisciplinarios como historia del arte, historia sociopolítica, [147] historia cultural, [148] educación, humanidades, filosofía y estética, [149] psicología, sociología, estudios literarios, [150] anatomía , [151] medicina, [152] estudios religiosos , [n] [153] teología, [154] estudios judíos , [155] estudios orientales ( estudios asiáticos ), [156] estudios globales , [157] y la investigación del mercado del arte . [158] Ha sido objeto de una gran cantidad de literatura en géneros tanto de ficción como de no ficción . La investigación y la erudición relacionadas con Rembrandt son un campo académico por derecho propio con muchos conocedores y académicos notables [159] y han sido muy dinámicos desde la Edad de Oro holandesa. [145] [160] [146]
Según la historiadora del arte y estudiosa de Rembrandt Stephanie Dickey:
[Rembrandt] obtuvo renombre internacional como pintor, grabador, profesor y coleccionista de arte sin abandonar nunca la República Holandesa. En su ciudad natal de Leiden y en Ámsterdam, donde trabajó durante casi cuarenta años, fue mentor de generaciones de otros pintores y produjo una obra que nunca ha dejado de atraer admiración, crítica e interpretación. (...) El arte de Rembrandt es un componente clave en cualquier estudio del Siglo de Oro holandés, y su pertenencia al canon del genio artístico está bien establecida, pero también es una figura cuya importancia trasciende el interés especializado. Los críticos literarios han considerado a "Rembrandt" como un "texto cultural"; novelistas, dramaturgos y cineastas han idealizado su vida y, en la cultura popular, su nombre se ha convertido en sinónimo de excelencia en productos y servicios, desde pasta de dientes hasta consejos de autoayuda. [146]
Francisco Goya , a menudo considerado uno de los últimos grandes maestros , dijo: "He tenido tres maestros: la Naturaleza, Velázquez y Rembrandt". ("Yo no he tenido otros maestros que la Naturaleza, Velázquez y Rembrandt.") [161] [162] [163] En la historia de la recepción e interpretación del arte de Rembrandt, fueron los significativos 'renacimientos' o 'redescubrimientos' en Francia, [164] [165] Alemania, [166] [167] [168] y Gran Bretaña [169] [170] [171] [172] de los siglos XVIII y XIX que ayudaron decisivamente a establecer su fama duradera en siglos posteriores. [173] Cuando un crítico se refirió a los bustos de Auguste Rodin en la misma línea que a los retratos de Rembrandt, el escultor francés respondió: "¿Compararme con Rembrandt? ¡Qué sacrilegio! ¡Con Rembrandt, el coloso del arte! ¿En qué estás pensando, mi ¡Amigo! ¡Deberíamos postrarnos ante Rembrandt y nunca comparar a nadie con él! [174] Vincent van Gogh escribió a su hermano Theo (1885): "Rembrandt profundiza tanto en lo misterioso que dice cosas para las que no hay palabras en ningún idioma. Es con justicia que llaman a Rembrandt—mago—esa no es una ocupación fácil." [175]
En sus obras exhibió conocimientos de iconografía clásica . La representación de una escena bíblica se basó en el conocimiento que tenía Rembrandt del texto específico, su asimilación de la composición clásica y sus observaciones sobre la población judía de Ámsterdam . [177] Debido a su empatía por la condición humana, ha sido llamado "uno de los grandes profetas de la civilización". [178] Rembrandt tuvo una influencia considerable en muchos artistas, escritores y eruditos judíos modernos ( críticos e historiadores de arte en particular). [179] [180] El pintor judío alemán Max Liebermann dijo: "Cada vez que veo a Frans Hals , tengo ganas de pintar; cada vez que veo un Rembrandt, tengo ganas de rendirme". [181] Marc Chagall escribió en 1922: "Ni la Rusia imperial ni la Rusia de los soviéticos me necesitan. No me entienden. Soy un extraño para ellos", y añadió: "Estoy seguro de que Rembrandt me ama". ": [182]
Rembrandt consideraba la Biblia como el libro más grande del mundo y la mantuvo con reverente afecto durante toda su vida, en la opulencia y la pobreza, en el éxito y el fracaso. Nunca se cansó de su devoción por los temas bíblicos como tema de sus pinturas y otras presentaciones gráficas, y en estas representaciones fue el primero en tener el coraje de utilizar a los judíos de su entorno como modelos para los héroes de las narraciones sagradas.
— Franz Landsberger, un judío alemán emigrado a Estados Unidos, autor de Rembrandt, los judíos y la Biblia (1946) [183] [184]
Rembrandt también ha sido uno de los artistas (visuales) más controvertidos de la historia. [145] [185] Varios de los críticos notables de Rembrandt incluyen a Constantijn Huygens , Joachim von Sandrart , [186] Andries Pels (quien llamó a Rembrandt "el primer hereje en el arte de la pintura"), [187] Samuel van Hoogstraten , Arnold Houbraken , [186] Filippo Baldinucci , [186] Gerard de Lairesse , Roger de Piles , John Ruskin , [188] y Eugène Fromentin : [185]
En 1875, Rembrandt ya era una figura poderosa, que se proyectaba desde el pasado histórico hasta el presente con tal fuerza que no podía pasarse por alto ni pasarse por alto. La gran sombra del viejo maestro exigía una actitud decidida. Un pintor y crítico romántico tardío , como lo era Fromentin , si no le gustaban algunos de los cuadros de Rembrandt, se sentía obligado a justificar su sentimiento. La grandeza del viejo maestro dramático no era motivo de duda para los artistas de alrededor de 1875. "O estoy equivocado", escribió Fromentin desde Holanda, "o todos los demás están equivocados". Cuando Fromentin se dio cuenta de que no le gustaban algunas de las obras de Rembrandt, formuló los siguientes comentarios: 'Ni siquiera me atrevo a escribir semejante blasfemia; Me ridiculizarían si esto se revelara”. Sólo unos veinticinco años antes, otro maestro romántico francés, Eugène Delacroix , al expresar su admiración por Rembrandt, escribió en su Diario una afirmación muy diferente: '... tal vez algún día descubramos que Rembrandt es un pintor mucho más grande que Rafael . . Es una blasfemia que pondría los pelos de punta a todos los pintores académicos. En 1851 la blasfemia puso a Rembrandt por encima de Rafael. En 1875 la blasfemia era no admirar todo lo que Rembrandt había producido. Entre estas dos fechas, el aprecio por Rembrandt alcanzó su punto de inflexión y desde entonces nunca fue privado de su alto rango en el mundo del arte.
— El estudioso de Rembrandt Jan Białostocki (1972) [185]
[...] Una cosa que realmente me sorprende es hasta qué punto Rembrandt existe como fenómeno en la cultura pop . Tienes este grupo musical llamado [ sic ] los Rembrandt , quienes escribieron el tema principal de Friends : "I'll Be There For You". Hay restaurantes Rembrandt, hoteles Rembrandt, materiales de arte y otras cosas que son más obvias. Pero luego está la pasta de dientes de Rembrandt . ¿Por qué alguien pondría a una pasta de dientes el nombre de este artista conocido por sus tonalidades realmente oscuras? No tiene mucho sentido. Pero creo que es porque su nombre se ha convertido en sinónimo de calidad. Incluso es un verbo: hay un término en la jerga del inframundo, "to be Rembrandted", que significa ser incriminado por un delito. Y la gente en el mundo del cine lo usa para referirse a efectos pictóricos exagerados. Está en todas partes, y la gente que no sabe nada, que no reconocería un cuadro de Rembrandt si tropezara con él, dices el nombre de Rembrandt y ya saben que es un gran artista. Se ha convertido en sinónimo de grandeza.
— Stephanie Dickey, académica de Rembrandt, en una entrevista con la revista Smithsonian , diciembre de 2006 [144]
Mientras rodaba Las madrigueras de Virginia (1915), Cecil B. DeMille había experimentado con instrumentos de iluminación tomados prestados de una ópera de Los Ángeles. Cuando su socio Sam Goldwyn vio una escena en la que sólo estaba iluminada la mitad del rostro de un actor, temió que los exhibidores pagaran sólo la mitad del precio por la película. DeMille afirmó que se trataba de iluminación de Rembrandt . "La respuesta de Sam fue de júbilo y alivio", recordó DeMille. "¡Por la iluminación de Rembrandt los expositores pagarían el doble!" [189]
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David Hockney
(2014): "Hay un dibujo de Rembrandt, creo que es el mejor dibujo jamás realizado. Está en el
Museo Británico
y es de una familia enseñando a caminar a un niño, así que es algo universal, todo el mundo ha experimentado esto o lo ha visto". Sucede. A todo el mundo. Solía imprimir dibujos de Rembrandt en grande y dárselos a la gente y decirle: 'Si encuentras un dibujo mejor envíamelo. Pero si encuentras uno mejor, tal vez será de
Goya
o
Miguel Ángel
'. Pero no creo que exista ninguno en realidad. Es un dibujo magnífico, magnífico".
Las obras de arte que Karolina Lanckorońska donó al Castillo Real en 1994 fueron uno de los obsequios más valiosos en la historia del museo.
Paul Solman (2004): "[Rembrandt] La marca más famosa del arte occidental. Sólo en Estados Unidos adorna la pasta de dientes , los dijes de pulseras, los restaurantes y bares, las encimeras y, por supuesto, la ciudad de Rembrandt, Iowa, justo al otro lado del mundo. del Hotel Rembrandt en Bangkok, Tailandia."
Algis Valiunas (2006): "Junto con Leonardo y Miguel Ángel , Rembrandt es uno de los tres artistas más famosos de todos los tiempos, con quien el público se llama por su nombre de pila; y el nombre de Rembrandt le ha prestado el prestigio de la grandeza y la gracia de la familiaridad. "Vender de todo, desde encimeras de cocina hasta pasta de dientes blanqueadora, hasta hoteles lujosos en Bangkok y Knightsbridge ".
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![Autorretrato como Zeuxis (c. 1662), uno de los dos autorretratos en los que Rembrandt está girado hacia la izquierda.[203] en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/58/Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_142.jpg/1280px-Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_142.jpg)
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![La lapidación de San Esteban (1625), primer cuadro de Rembrandt completado a la edad de 19 años.[204] Actualmente se conserva en el Museo de Bellas Artes de Lyon.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/75/Rembrandt-Lapidation-Saint-%C3%89tienne-MBA-Lyon.jpg/1280px-Rembrandt-Lapidation-Saint-%C3%89tienne-MBA-Lyon.jpg)
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![A un niño le enseñan a caminar (c. 1635). David Hockney dijo: "Creo que es el mejor dibujo jamás realizado... Es un dibujo magnífico, magnífico".[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Rembrandt_A_Child_Being_Taught_to_Walk.jpg/1280px-Rembrandt_A_Child_Being_Taught_to_Walk.jpg)
![Una joven durmiendo (c. 1654). Muestra el dibujo de estilo caligráfico de Rembrandt.[108][109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/14/Amsterdam_-_Late_Rembrandt_Exposition_2015_-_Young_Woman_Sleeping_1654_B_(cropped).jpg/1280px-Amsterdam_-_Late_Rembrandt_Exposition_2015_-_Young_Woman_Sleeping_1654_B_(cropped).jpg)
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