Umberto Boccioni ( EE.UU .: / b oʊ ˈ tʃ oʊ n i , b ɒ ˈ -, b ɔː ˈ -/ , [1] [2] [3] Italiano: [umˈbɛrto botˈtʃoːni] ; 19 de octubre de 1882 - 17 de agosto de 1916) fue un influyente pintor y escultor italiano. Ayudó a dar forma a la estética revolucionaria del movimiento futurismo como una de sus principales figuras. A pesar de su corta vida, su acercamiento al dinamismo de la forma y la deconstrucción de la masa sólida guiaron a los artistas mucho después de su muerte. [4] Sus obras se encuentran en muchos museos de arte públicos, y en 1988 el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York organizó una importante retrospectiva de 100 piezas. [5]
Umberto Boccioni nació el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria . Su padre era un empleado gubernamental menor, originario de la región de Romaña en el norte, y su trabajo incluía frecuentes reasignaciones por toda Italia. La familia pronto se mudó más al norte, y Umberto y su hermana mayor Amelia crecieron en Forlì ( Emilia-Romaña ), Génova y finalmente Padua . A la edad de 15 años, en 1897, Umberto y su padre se mudaron a Catania, Sicilia , donde terminaría sus estudios. Algún tiempo después de 1898, se mudó a Roma y estudió arte en la Scuola Libera del Nudo de la Accademia di Belle Arti di Roma . [6] También estudió con el cartelista de estilo Liberty Giovanni Mataloni. [7]
Lo poco que se sabe sobre sus años en Roma se encuentra en la autobiografía de su amigo Gino Severini (1883-1966), quien recordó su encuentro en 1901 y su mutuo interés por Nietzsche , la rebelión, las experiencias vitales y el socialismo. Los escritos de Boccioni de esta época ya expresan la combinación de indignación e ironía que se convertiría en una característica de toda su vida. Su carácter crítico y rebelde, y su capacidad intelectual general, contribuirían sustancialmente al desarrollo del movimiento futurismo . Después de construir una base de habilidades, habiendo estudiado los clásicos a través del impresionismo, tanto él como Severini se convirtieron en estudiantes de Giacomo Balla (1871-1958), un pintor que se centró en la técnica divisionista moderna , pintando con colores divididos en lugar de mezclados y rompiendo la superficie pintada. en un campo de puntos y rayas punteados. Severini escribió: "Fue un gran golpe de suerte para nosotros encontrar a un hombre así, cuya dirección fue decisiva en todas nuestras carreras". [6]
En 1906, se mudó brevemente a París, donde estudió los estilos impresionista y postimpresionista , antes de visitar Rusia durante tres meses, donde pudo ver de primera mano los disturbios civiles y las medidas enérgicas gubernamentales. Al regresar a Italia en 1907, tomó brevemente clases de dibujo en la Accademia di Belle Arti de Venecia . Visitó por primera vez la Famiglia Artistica, una sociedad de artistas en Milán , en 1901.
Mientras viajaba de una ciudad a otra, paralelamente a sus proyectos artísticos más rompedores, trabajó como ilustrador comercial. Entre 1904 y 1909 proporcionó litografías y pinturas gouache a editoriales de renombre internacional, como Stiefbold & Co, con sede en Berlín. La producción de Boccioni en este campo muestra su conocimiento de la ilustración europea contemporánea, como la obra de Cecil Aldin , Harry Eliott , Henri Cassiers y Albert Beerts, y da fe de su información sobre las tendencias contemporáneas de las artes visuales en general. [8]
Boccioni se trasladó a Milán en 1907. Allí, a principios de 1908, conoció al pintor divisionista Gaetano Previati . A principios de 1910 conoció a Filippo Tommaso Marinetti , quien ya había publicado su Manifesto del Futurismo ("Manifiesto del futurismo") el año anterior. [9] El 11 de febrero de 1910 Boccioni, con Balla, Carlo Carrà , Luigi Russolo y Severini, firmó el Manifesto dei pittori futuristi ("Manifiesto de los pintores futuristas"), y el 8 de marzo leyó el manifiesto en el teatro Politeama Chiarella de Turín. . [9] [10]
Boccioni se convirtió en el principal teórico del movimiento artístico . [11] "Sólo cuando Boccioni, Balla, Severini y algunos otros futuristas viajaron a París a finales de 1911 y vieron lo que Braque y Picasso habían estado haciendo, el movimiento comenzó a tomar forma real". [12] También decidió ser escultor después de visitar varios talleres en París, en 1912, entre ellos los de Georges Braque , Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon , August Agero y, probablemente, Medardo Rosso . [6] En 1912 expuso algunas pinturas junto con otros futuristas italianos en la Galerie Bernheim-Jeune , y al año siguiente volvió a mostrar sus esculturas en la Galerie La Boétie: todas ellas relacionadas con la elaboración de lo que Boccioni había visto en París, donde había visitado los estudios de escultores cubistas , incluidos los de Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko para ampliar sus conocimientos sobre la escultura de vanguardia. [13]
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En 1914 publicó Pittura e scultura futuriste (dinamismo plastico) explicando la estética del grupo:
"Mientras los impresionistas pintan un cuadro para dar un momento particular y subordinan la vida del cuadro a su semejanza con ese momento, nosotros sintetizamos cada momento (tiempo, lugar, forma, tono de color) y así pintamos el cuadro.
Expuso en Londres, junto con el grupo, en 1912 ( Galería Sackville ) y 1914 (Galería Doré): las dos exposiciones causaron una profunda impresión en varios jóvenes artistas ingleses, en particular CRW Nevinson , que se unió al movimiento. Otros se alinearon con su equivalente británico, el vorticismo , liderado por Wyndham Lewis .
"El don de Boccioni fue aportar una nueva mirada a la realidad de maneras que, ahora reconocemos, definieron la naturaleza del movimiento moderno también en las artes visuales y la literatura". [14] --Michael Glover (crítico de arte, The Independent )
La participación italiana en la Primera Guerra Mundial comenzó a finales de mayo de 1915 con la declaración de guerra de Italia a Austro-Hungría. El "Batallón Lombardo de Ciclistas y Automovilistas Voluntarios", del que formaba parte Boccioni, partió a principios de junio de Milán a Gallarate y luego a Peschiera del Garda , en la retaguardia del frente de Trentino . En julio de 1915, los voluntarios fueron destinados a un sector del frente alrededor de Ala y Gardesana. El 24 de octubre de 1915, Boccioni participó en la batalla de Dosso Casina. El 1 de diciembre de 1915, el batallón se disolvió como parte de una reorganización general; los voluntarios fueron despedidos temporalmente y luego cada uno fue llamado a filas junto con la clase. En mayo de 1916, Boccioni fue reclutado por el ejército italiano y asignado a un regimiento de artillería en Sorte de Chievo, cerca de Verona . El 16 de agosto de 1916, durante un ejercicio de entrenamiento de caballería, fue arrojado de su caballo y pisoteado. [15] [16] Murió al día siguiente, a los treinta y tres años, en el Hospital Militar de Verona, y fue enterrado en el Cementerio Monumental de esa ciudad.
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De 1902 a 1910, Boccioni se centró inicialmente en dibujos, luego esbozó y pintó retratos, con su madre como modelo frecuente. También pintó paisajes, que a menudo incluyen la llegada de la industrialización, los trenes y las fábricas, por ejemplo. Durante este período, teje entre el puntillismo y el impresionismo , y la influencia de Giacomo Balla, y las técnicas divisionistas son evidentes en las primeras pinturas (aunque luego se abandonaron en gran medida). The Morning (1909) se destacó por "la audaz y juvenil violencia de los tonos" y como "un atrevido ejercicio de luminosidad". [6] Su obra Tres mujeres de 1909-10 , que retrata a su madre y a su hermana, y a su amante de toda la vida, Inés en el centro, fue citada por expresar una gran emoción: fuerza, melancolía y amor. [6]
Boccioni trabajó durante casi un año en La città sale o The City Rises , 1910, una pintura enorme (2 x 3 m), que se considera su punto de inflexión hacia el futurismo. "Intenté una gran síntesis de trabajo, luz y movimiento", le escribió a un amigo. [6] Tras su exposición en Milán en mayo de 1911, la pintura atrajo numerosas críticas, en su mayoría de admiración. En 1912 se había convertido en el cuadro principal de la exposición itinerante por Europa, la introducción al futurismo. Se vendió al gran pianista Ferruccio Busoni por 4.000 liras ese año, [6] y hoy en día se exhibe con frecuencia en un lugar destacado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la entrada del departamento de pinturas. [4]
La risata (1911, The Laugh ) se considera la primera obra verdaderamente futurista de Boccioni. Se había separado por completo del divisionismo y ahora se centraba en las sensaciones derivadas de su observación de la vida moderna. Su recepción pública fue bastante negativa, comparada desfavorablemente con Tres mujeres , y fue desfigurada por un visitante, pasando los dedos por la pintura aún fresca. [6] Las críticas posteriores se volvieron más positivas, y algunos consideraron la pintura como una respuesta al cubismo. Fue adquirido por Albert Borchardt, un coleccionista alemán que adquirió 20 obras futuristas expuestas en Berlín , entre ellas La calle entra en la casa (1911), que representa a una mujer en un balcón que da a una calle muy transitada. Hoy en día, el primero también pertenece al Museo de Arte Moderno [4] y el segundo al Museo Sprengel de Hannover . [6]
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Boccioni pasó gran parte de 1911 trabajando en una trilogía de pinturas titulada " Stati d'animo " (" Estados de ánimo "), que, según él, expresaba la salida y la llegada a una estación de ferrocarril: Las despedidas , los que se van y los que se quedan . [6] Las tres pinturas fueron compradas originalmente por Marinetti, hasta que Nelson Rockefeller se las adquirió a su viuda y luego las donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York. [4] [17]
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A partir de 1912, con Elasticità o Elasticidad , que representa la energía pura de un caballo, captada con intenso cromatismo, completó una serie de pinturas dinamistas: Dinamismo di un corpo umano ( Cuerpo humano ), ciclista ( Ciclista ), Futbolista y hacia 1914 Dinamismo plastico: cavallo + caseggiato ( Dinamismo plástico: Caballo + Casas ).
Mientras continuaba con este enfoque, revivió su anterior interés por el retrato. Comenzando con L'antigrazioso ( El antigrazioso ) en 1912 y continuando con I selciatori ( Los adoquines ) e Il bevitore ( El bebedor ) ambas en 1914.
En 1914 Boccioni publicó su libro Pittura, scultura futuriste ( Pintura y escultura futuristas ), que provocó una ruptura entre él y algunos de sus camaradas futuristas. Como resultado, tal vez, abandonó su exploración del dinamismo y, en cambio, buscó una mayor descomposición de un tema por medio del color. [6] Con Volúmenes horizontales en 1915 y el Retrato de Ferruccio Busoni en 1916, completó un retorno total a la pintura figurativa. Quizás apropiadamente, esta última pintura fue un retrato del maestro que compró su primera obra futurista, The City Rises .
Entre 1906 y 1915 su madre Cecilia Forlani apareció como figura clave en al menos cuarenta y cinco de sus obras, en diversos medios. [18] [19]
La redacción de su Manifesto tecnico della scultura futurista ( Manifiesto técnico de la escultura futurista ), publicado el 11 de abril de 1912, fue el lanzamiento intelectual y físico de Boccioni a la escultura; había comenzado a trabajar en escultura el año anterior. [9]
A finales de 1913 había completado la que se considera su obra maestra, Forme uniche della continuità nello spazio ( Formas únicas de continuidad en el espacio ), en cera. Su objetivo para la obra era representar una "continuidad sintética" del movimiento, en lugar de una "discontinuidad analítica" que vio en artistas como František Kupka y Marcel Duchamp . [20] Durante su vida, la obra sólo existió como un molde de yeso. Fue fundida por primera vez en bronce en 1931. [21] Esta escultura ha sido objeto de extensos comentarios y en 1998 fue seleccionada como la imagen que se grabará en el reverso de la moneda italiana de 20 céntimos de euro .
Poco después de la muerte de Boccioni en 1916 (y después de que se celebrara una exposición conmemorativa en Milán [22] ), su familia los confió por un tiempo temporal a un colega escultor, Piero da Verona; da Verona pidió entonces a su asistente que los depositara en el vertedero de basura local. [23] El relato indignado de Marinetti sobre la destrucción de las esculturas fue ligeramente diferente; en sus memorias, afirma que las esculturas fueron destruidas por trabajadores para despejar la habitación que las había colocado el "escultor envidioso y de mente estrecha passèist". [24] Así, gran parte de su trabajo experimental de finales de 1912 a 1913 fue destruido, incluidas piezas relacionadas con pinturas contemporáneas, que sólo se conocen a través de fotografías. Una de las pocas piezas que se conservan es el Antigrazioso ( Anti-Graceful , también llamado La Madre ).
En 2019, la Colección Estorick de Arte Moderno Italiano realizó una exposición que reconstruía varias de las esculturas destruidas.
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