El arte del siglo XX —y lo que llegó a ser el arte moderno— comenzó con el modernismo a finales del siglo XIX. [1]
Los movimientos del siglo XIX del postimpresionismo ( Les Nabis ), el art nouveau y el simbolismo dieron lugar a los primeros movimientos artísticos del siglo XX del fauvismo en Francia y Die Brücke ("El puente") en Alemania. El fauvismo en París introdujo colores intensos y no figurativos en la pintura figurativa. Die Brücke se esforzó por lograr un expresionismo emocional . Otro grupo alemán fue Der Blaue Reiter ("El jinete azul"), liderado por Kandinsky en Múnich , que asoció la imagen del jinete azul con un arte místico no figurativo espiritual del futuro. Kandinsky, Kupka , R. Delaunay y Picabia fueron pioneros del arte abstracto (o no figurativo). El cubismo , generado por Picasso , Braque , Metzinger , Gleizes y otros, rechazó las normas plásticas del Renacimiento al introducir múltiples perspectivas en una imagen bidimensional. El futurismo incorporó la representación del movimiento y las imágenes de la era de las máquinas. El dadaísmo , con sus exponentes más notables, Marcel Duchamp , que rechazó por completo los estilos de arte convencionales al exhibir objetos encontrados , en particular un urinario , y también Francis Picabia , con sus Retratos mécanicos .
En Rusia hubo movimientos paralelos: el suprematismo , en el que Kasimir Malevich también creó obras no figurativas, en particular un lienzo negro, y el grupo de la jota de diamantes, con Mijail Larionov, de carácter expresionista.
El dadaísmo precedió al surrealismo , donde las teorías de la psicología freudiana llevaron a la representación del sueño y el inconsciente en el arte en la obra de Salvador Dalí . La introducción de Kandinsky del arte no figurativo precedió a la escuela expresionista abstracta estadounidense de la década de 1950 , que incluía a Jackson Pollock , que goteaba pintura sobre el lienzo, y Mark Rothko , que creaba grandes áreas de color plano. El desapego del mundo de las imágenes se revirtió en la década de 1960 con el movimiento Pop Art , en particular Andy Warhol , donde las imágenes comerciales atrevidas se convirtieron en un elemento básico de las Bellas Artes. La mayor parte de su arte sirvió como una crítica de la cultura de consumo estadounidense y su obsesión por la celebridad y la riqueza. [2] Warhol también minimizó el papel del artista, a menudo empleando asistentes para hacer su trabajo y utilizando medios mecánicos de producción, como la serigrafía . Otro artista pop, Keith Haring, utilizó caricaturas y grafitis como medio de activismo político, luchando contra el estigma que rodeaba a los hombres homosexuales y a los drogadictos durante la epidemia del sida de 1980. [3] Esto marcó un cambio del modernismo al posmodernismo . El fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop y como una contraposición a los expresionistas abstractos.
Las iniciativas posteriores hacia finales de siglo implicaron una reducción del material del arte a través del minimalismo y un cambio hacia componentes no visuales con el arte conceptual , donde la idea, no necesariamente el objeto creado, era visto como el arte. La última década del siglo vio una fusión de ideas anteriores en el trabajo de Jeff Koons , quien hizo grandes esculturas de temas kitsch , y en el Reino Unido , los Young British Artists , donde las ideas del arte conceptual, el dadaísmo y el arte pop llevaron a la exhibición de Damien Hirst de un tiburón en formol en una vitrina .
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