Andy Warhol ( / ˈ w ɔːr h ɒ l / ; [1] nacido Andrew Warhola Jr. ; 6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987) fue un artista visual, director de cine, productor y figura destacada estadounidense del movimiento del arte pop . . Sus obras exploran la relación entre la expresión artística, la publicidad y la cultura de las celebridades que floreció en la década de 1960 y abarcan una variedad de medios, que incluyen pintura, serigrafía , fotografía, cine y escultura. Algunas de sus obras más conocidas incluyen las serigrafías Campbell's Soup Cans (1962) y Marilyn Diptych (1962), las películas experimentales Empire (1964) y Chelsea Girls (1966), y los eventos multimedia conocidos como Exploding Plastic Inevitable (1966). –67).
Nacido y criado en Pittsburgh , Warhol inicialmente siguió una exitosa carrera como ilustrador comercial . Después de exponer su obra en varias galerías a finales de la década de 1950, comenzó a recibir reconocimiento como un artista influyente y controvertido. Su estudio de Nueva York, The Factory , se convirtió en un conocido lugar de reunión que reunía a distinguidos intelectuales, drag queens , dramaturgos, gente de la calle bohemia , celebridades de Hollywood y mecenas adinerados. [2] [3] [4] Promovió una colección de personalidades conocidas como superestrellas de Warhol , y se le atribuye haber inspirado la expresión ampliamente utilizada " 15 minutos de fama ".
A finales de la década de 1960, dirigió y produjo la banda de rock experimental Velvet Underground y fundó la revista Interview . Es autor de numerosos libros, entre ellos La filosofía de Andy Warhol y Popismo: los años sesenta de Warhol . Vivió abiertamente como un hombre gay antes del movimiento de liberación gay . En junio de 1968, estuvo a punto de ser asesinado por la feminista radical Valerie Solanas , quien le disparó dentro de su estudio. [5] Después de una cirugía de vesícula biliar , Warhol murió de arritmia cardíaca en febrero de 1987 a la edad de 58 años en Nueva York.
Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas , libros y largometrajes y documentales. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal de Pittsburgh, que alberga una extensa colección permanente de arte y archivos, es el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista. Warhol ha sido descrito como el " pionero del mercado del arte". [6] Muchas de sus creaciones son muy coleccionables y muy valiosas. Sus obras incluyen algunas de las pinturas más caras jamás vendidas . [7] En 2013, una serigrafía de 1963 titulada Silver Car Crash (Double Disaster) se vendió por 105 millones de dólares. En 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares, la obra de arte más cara vendida en una subasta por un artista estadounidense.
Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. [8] Fue el cuarto hijo de Ondrej Warhola (americanizado como Andrew Warhola Sr.; 1889-1942) [9] [10] y Julia ( de soltera Zavacká, 1891-1972), [11] cuyo primer hijo nació en su patria de Austria-Hungría y murió antes de mudarse a los Estados Unidos.
Sus padres eran emigrantes lemko [12] [13] de clase trabajadora de Mikó , Austria-Hungría (ahora llamada Miková, ubicada en el noreste de Eslovaquia ). El padre de Warhol emigró a los Estados Unidos en 1914 y su madre se unió a él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Warhol. El padre de Warhol trabajaba en una mina de carbón. La familia vivía en 55 Beelen Street y luego en 3252 Dawson Street en el vecindario Oakland de Pittsburgh. [14] La familia era católica rutena y asistía a la Iglesia católica bizantina de San Juan Crisóstomo . Warhol tenía dos hermanos mayores: Pavol (Paul), el mayor, nació antes de que la familia emigrara; Juan nació en Pittsburgh. El hijo de Pavol, James Warhola , se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles.
En tercer grado, Warhol tenía corea de Sydenham (también conocida como Danza de San Vito), la enfermedad del sistema nervioso que causa movimientos involuntarios de las extremidades, que se cree que es una complicación de la escarlatina que causa manchas en la pigmentación de la piel. [15] En los momentos en que estaba confinado en la cama, dibujaba, escuchaba la radio y coleccionaba fotografías de estrellas de cine alrededor de su cama. Warhol describió más tarde este período como muy importante en el desarrollo de su personalidad, habilidades y preferencias. Cuando Warhol tenía 13 años, su padre murió en un accidente. [dieciséis]
Cuando era adolescente, Warhol se graduó en la escuela secundaria Schenley en 1945 y también ganó un premio Scholastic Art and Writing . [17] Después de graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en el Instituto Carnegie de Tecnología, ahora Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, donde estudió arte comercial . Durante su estancia allí, Warhol se unió al Modern Dance Club y a la Beaux Arts Society del campus. [18] [19] También se desempeñó como director de arte de la revista de arte estudiantil Cano , ilustrando una portada en 1948 [20] y una ilustración interior de página completa en 1949. [21] Se cree que estas son sus dos primeras publicaciones. obras de arte. [21] Warhol obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. [22] Más tarde ese año, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó una carrera en ilustración de revistas y publicidad.
La carrera inicial de Warhol se dedicó al arte comercial y publicitario, donde su primer encargo fue dibujar zapatos para la revista Glamour a finales de la década de 1940. [23] En la década de 1950, Warhol trabajó como diseñador para el fabricante de calzado Israel Miller. [23] [24] Mientras trabajaba en la industria del calzado, Warhol desarrolló su técnica de "línea borrada", aplicando tinta al papel y luego secando la tinta mientras aún estaba húmeda, lo que era similar a un proceso de grabado en la escala más rudimentaria. Su uso de papel de calco y tinta le permitió repetir la imagen básica y también crear infinitas variaciones sobre el tema. [23] El fotógrafo estadounidense John Coplans recordó que "nadie dibujaba zapatos como lo hacía Andy. De alguna manera le daba a cada zapato un temperamento propio, una especie de sofisticación astuta, tipo Toulouse-Lautrec , pero la forma y el estilo se transmitían con precisión". y la hebilla siempre estaba en el lugar correcto. Los niños en el apartamento [que Andy compartía en Nueva York – nota de Coplans] notaron que los vampiros en los dibujos de los zapatos de Andy se hacían cada vez más largos, pero a [Israel] Miller no le importó. Miller los amaba."
En 1952, Warhol tuvo su primera exposición individual en la Galería Hugo de Nueva York, y aunque esa exposición no fue bien recibida, en 1956 fue incluido en su primera exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. [25] Los "caprichosos" dibujos en tinta de anuncios de zapatos de Warhol figuraron en algunas de sus primeras exposiciones en la Bodley Gallery de Nueva York en 1957. [26]
Warhol utilizaba habitualmente el recurso de calcar fotografías proyectadas con un epidiascopio . [27] Utilizando grabados de Edward Wallowitch , su "primer novio", [28] las fotografías sufrirían una transformación sutil durante el trazado, a menudo superficial, de contornos y sombreado de sombras de Warhol. Warhol utilizó la fotografía de Wallowitch Joven fumando un cigarrillo ( c. 1956 ), [29] para un diseño de 1958 para la portada de un libro que envió a Simon y Schuster para la novela pulp de Walter Ross El inmortal , y más tarde utilizó otras para su serie de pinturas. . [30] [31]
Con la rápida expansión de la industria discográfica , RCA Records contrató a Warhol, junto con otro artista independiente, Sid Maurer, para diseñar portadas de álbumes y material promocional. [32]
Warhol fue uno de los primeros en adoptar el proceso de serigrafía como técnica para realizar pinturas. En 1961 y 1962, Warhol residió en un apartamento/estudio de arte en el 1342 de Lexington Avenue . [33] [34] En 1962, Max Arthur Cohn le enseñó a Warhol técnicas de serigrafía en su negocio de artes gráficas en Manhattan. [35] [36] En su libro Popism: The Warhol Sixties , Warhol escribe: "Cuando haces algo exactamente mal, siempre obtienes algo". [37]
En mayo de 1962, Warhol apareció en un artículo de la revista Time con su cuadro Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), que inició su motivo más sostenido, la lata de sopa Campbell . [38] Esa pintura se convirtió en la primera de Warhol que se exhibió en un museo cuando se exhibió en el Wadsworth Atheneum en Hartford en julio de 1962. [39] El 9 de julio de 1962, se inauguró la exposición de Warhol en la Galería Ferus de Los Ángeles con Sopa Campbell Cans , que marca su debut en el arte pop en la costa oeste . [40] [41] [42]
En noviembre de 1962, Warhol realizó una exposición en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York. La exhibición incluyó las obras Gold Marilyn , ocho de la serie clásica "Marilyn" también llamada " Flavor Marilyns ", Marilyn Díptico , 100 latas de sopa , 100 botellas de Coca-Cola y billetes de 100 dólares . Gold Marilyn , fue comprada por el arquitecto Philip Johnson y donada al Museo de Arte Moderno. En la exposición, Warhol conoció al poeta John Giorno , quien protagonizaría la primera película de Warhol, Sleep (1964). [43]
En diciembre de 1962, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York organizó un simposio sobre arte pop, durante el cual artistas como Warhol fueron atacados por "capitular" ante el consumismo. Los críticos quedaron consternados por la abierta aceptación de Warhol de la cultura de mercado, que marcó el tono de su recepción. [44]
A principios de 1963, Warhol alquiló su primer estudio, una antigua estación de bomberos en el 159 East 87th Street. [45] En este estudio, creó su serie Elvis , que incluía Eight Elvises (1963) y Triple Elvis (1963). [46] Estos retratos, junto con una serie de retratos de Elizabeth Taylor , se mostraron en su segunda exposición en la Galería Ferus de Los Ángeles. [47] Más tarde ese año, Warhol trasladó su estudio a East 47th Street, que se convertiría en The Factory . [48] The Factory se convirtió en un lugar de reunión popular para una amplia gama de artistas, escritores, músicos y celebridades underground. [49]
Warhol tuvo su segunda exposición en la Stable Gallery en la primavera de 1964, que presentaba esculturas de cajas comerciales apiladas y esparcidas por todo el espacio para parecerse a un almacén. [50] Para la exposición, Warhol encargó cajas de madera a medida y gráficos serigrafiados en ellas. Las esculturas (Brillo Box , Del Monte Peach Box , Heinz Tomato Ketchup Box , Kellogg's Cornflakes Box , Campbell's Tomato Juice Box y Mott's Apple Juice Box) se vendieron entre $ 200 y $ 400, según el tamaño de la caja. [51]
Un evento fundamental fue la exposición The American Supermarket en la galería del Upper East Side de Paul Bianchini en el otoño de 1964. [52] La exposición se presentó como el ambiente típico de un pequeño supermercado, excepto que todo lo que contenía, desde los productos agrícolas, los productos enlatados, la carne, carteles en las paredes, etc.—fue creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos el escultor Claes Oldenburg , Mary Inman y Bob Watts . [52] Warhol diseñó una bolsa de papel de 12 dólares: blanca lisa con una lata roja de sopa Campbell. [52] Su pintura de una lata de sopa Campbell costó 1.500 dólares, mientras que cada lata autografiada se vendió por 3 por 18 dólares, 6,50 dólares cada una. [52] [53] La exposición fue uno de los primeros eventos masivos que confrontó directamente al público en general tanto con el arte pop como con la eterna pregunta de qué es el arte. [54]
En 1967, Warhol fundó Factory Additions para su empresa editorial y de grabado. [55]
Como ilustrador publicitario en la década de 1950, Warhol utilizó asistentes para aumentar su productividad. La colaboración seguiría siendo un aspecto definitorio (y controvertido) de sus métodos de trabajo a lo largo de su carrera; esto fue particularmente cierto en la década de 1960. Uno de los colaboradores más importantes durante este período fue Gerard Malanga . Malanga ayudó al artista con la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras en "The Factory", el estudio de Warhol revestido de papel de aluminio y pintura plateada en la calle 47 (luego trasladado a Broadway). Otros miembros del grupo de Warhol's Factory incluían a Freddie Herko , Ondine , Ronald Tavel , Mary Woronov , Billy Name y Brigid Berlin (de quien aparentemente tuvo la idea de grabar sus conversaciones telefónicas). [56]
Durante la década de 1960, Warhol también formó un séquito de excéntricos bohemios y de la contracultura a quienes otorgó la designación de " superestrellas ", entre ellos Nico , Joe Dallesandro , Edie Sedgwick , Viva , Ultra Violet , Holly Woodlawn , Jackie Curtis y Candy Darling . Todas estas personas participaron en las películas de Factory y algunas, como Berlin, siguieron siendo amigas de Warhol hasta su muerte. Figuras importantes del mundo del cine y del arte underground de Nueva York, como el escritor John Giorno y el cineasta Jack Smith , también aparecen en las películas de Warhol (muchas de ellas estrenadas en el New Andy Warhol Garrick Theatre y en el 55th Street Playhouse ) de la década de 1960, revelando la personalidad de Warhol. conexiones con una amplia gama de escenas artísticas durante este tiempo. Menos conocido fue su apoyo y colaboración con varios adolescentes durante esta época, que alcanzarían prominencia más adelante en la vida, incluido el escritor David Dalton , [57] el fotógrafo Stephen Shore [58] y la artista Bibbe Hansen (madre del músico pop Beck ). [59]
El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas disparó contra Warhol y Mario Amaya , crítico de arte y curador, en el estudio de Warhol, The Factory. [5] Antes del rodaje, Solanas había sido una figura marginal en la escena de Factory. Fue autora del Manifiesto SCUM , [60] un tratado feminista separatista que defendía la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol de 1968 Yo, un hombre . Más temprano el día del ataque, Solanas había sido rechazada en la Fábrica después de pedir la devolución de un guión que le había dado a Warhol. Al parecer, el guión se había extraviado. [61]
Amaya sólo recibió heridas leves y fue dada de alta del hospital ese mismo día. Warhol resultó gravemente herido por el ataque y apenas sobrevivió; fue puesto en libertad después de casi dos meses. [15] Tuvo efectos físicos por el resto de su vida, incluido el uso de un corsé quirúrgico . [15] El tiroteo tuvo un profundo efecto en la vida y el arte de Warhol. [62] [63] [64]
Solanas fue arrestada al día siguiente de la agresión, tras entregarse a la policía. A modo de explicación, dijo que Warhol "tenía demasiado control sobre mi vida". Posteriormente le diagnosticaron esquizofrenia paranoide y finalmente la sentenciaron a tres años bajo el control del Departamento Correccional . Después del tiroteo, la escena de la Factory aumentó considerablemente su seguridad, y para muchos los "Factory 60s" terminaron ("Las superestrellas de los viejos tiempos de la Factory no venían mucho a la nueva Factory"). [64]
Warhol dijo lo siguiente sobre el ataque: [65]
Antes de que me dispararan, siempre pensé que estaba más a medias que todo; siempre sospeché que estaba viendo televisión en lugar de vivir la vida. La gente a veces dice que la forma en que suceden las cosas en las películas es irreal, pero en realidad lo que es irreal es la forma en que suceden las cosas en la vida. Las películas hacen que las emociones parezcan muy fuertes y reales, mientras que cuando realmente te suceden cosas, es como mirar televisión: no sientes nada. Justo cuando me dispararon y desde entonces, supe que estaba viendo la televisión. Los canales cambian, pero todo es televisión.
En 1969, Warhol y el periodista británico John Wilcock fundaron la revista Interview . [66]
En 1970, las pantallas y matrices de películas que se habían utilizado para producir obras originales de Warhol en la década de 1960 fueron llevadas a Europa para la producción de serigrafías de Warhol bajo el nombre "Sunday B Morning". Warhol firmó y numeró una edición de 250 antes de que se produjeran versiones posteriores no autorizadas y sin firmar. [67] Las obras no autorizadas fueron el resultado de una pelea entre Warhol y algunos de los empleados de su estudio de la ciudad de Nueva York que fueron a Bruselas donde produjeron obras con el sello "Sunday B Morning" y "Add Your Own Signature Here". [68] Dado que las obras comenzaron como una colaboración, Warhol facilitó la duplicación exacta proporcionando los negativos fotográficos y códigos de color precisos. [69] Algunas de las producciones no autorizadas llevaban la leyenda "Esto no es mío, Andy Warhol". [67] Las reproducciones no autorizadas más famosas son las serigrafías de portafolios de Marilyn Monroe de 1967 . Estas impresiones de Marilyn Monroe "Sunday B Morning" se encontraban entre las que todavía estaban en producción en 2013. [70] Las galerías de arte y los comerciantes también comercializan versiones reimpresiones de Sunday B Morning de varias otras obras serigrafiadas, incluidas Flowers , Campbell's Soup I , Campbell's Soup Cans II , Estampados de billetes dorados de Marilyn Monroe , Mao y Dollare. [71] Aunque las versiones originales de Sunday B Morning tenían sellos negros en la parte posterior, en la década de 1980 cambiaron al azul. [72]
Warhol tuvo una exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en 1971. [73] Su famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong fue creado en 1973. En 1975, publicó La filosofía de Andy Warhol (1975). Una idea expresada en el libro: "Ganar dinero es arte, y trabajar es arte y los buenos negocios son el mejor arte". [74]
En comparación con el éxito y el escándalo de la obra de Warhol en los años 1960, los años 1970 fueron una década mucho más tranquila, ya que se volvió más emprendedor. Socializó en varios locales nocturnos de la ciudad de Nueva York, incluido Max's Kansas City y, más tarde, en la década de 1970, Studio 54 . [75] [ ¿ fuente poco confiable? ] En general, se le consideraba tranquilo, tímido y un observador meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes lo llamó "el topo blanco de Union Square ". [76] En 1977, el coleccionista de arte Richard Weisman le encargó a Warhol la creación de Atletas , diez retratos de los principales atletas de la época. [77]
Según Bob Colacello , Warhol dedicó gran parte de su tiempo a reunir nuevos y ricos mecenas para encargos de retratos, entre ellos el sha de Irán, Mohammad Reza Pahlavi , su esposa, la emperatriz Farah Pahlavi , su hermana , la princesa Ashraf Pahlavi , Mick Jagger , Liza Minnelli , John Lennon. , Diana Ross y Brigitte Bardot . [78] [79] En 1979, a los críticos no les gustaron sus exhibiciones de retratos de personalidades y celebridades de la década de 1970, calificándolas de superficiales, fáciles y comerciales, sin profundidad ni indicación de la importancia de los temas. [80] En 1979, Warhol y su viejo amigo Stuart Pivar fundaron la Academia de Arte de Nueva York . [81] [82]
Warhol tuvo un resurgimiento del éxito crítico y financiero en la década de 1980, en parte debido a su afiliación y amistades con varios artistas jóvenes prolíficos, que dominaban el " mercado alcista " del arte neoyorquino de la década de 1980: Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , David Salle y otros llamados neoexpresionistas , así como miembros del movimiento Transvanguardia en Europa, entre ellos Francesco Clemente y Enzo Cucchi . Warhol también se ganó credibilidad en la calle y el grafitero Fab Five Freddy le rindió homenaje pintando un tren entero con latas de sopa Campbell. [83]
Warhol también fue criticado por convertirse simplemente en un "artista de negocios". [80] Los críticos criticaron su exposición de 1980 Diez retratos de judíos del siglo XX en el Museo Judío de Manhattan, que Warhol, que no estaba interesado en el judaísmo ni en los judíos, había descrito en su diario como "Van a vender". [80] En retrospectiva, sin embargo, algunos críticos han llegado a ver la superficialidad y comercialidad de Warhol como "el espejo más brillante de nuestros tiempos", sosteniendo que "Warhol había capturado algo irresistible sobre el espíritu de la época de la cultura estadounidense en la década de 1970". [80]
En 1981, Warhol trabajó en un proyecto con Peter Sellars y Lewis Allen que crearía un espectáculo itinerante llamado A No Man Show, con un robot animatrónico de tamaño natural con la imagen exacta de Warhol. [84] El robot Andy Warhol podría entonces leer los diarios de Warhol como una producción teatral. [85] [86] La obra se basaría en los libros de Warhol La filosofía de Andy Warhol y Exposures . [87] Warhol fue citado diciendo: "Me gustaría ser una máquina, ¿a ti no?" [88]
Warhol también apreciaba el intenso glamour de Hollywood . Una vez dijo: "Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es de plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico". [89] Warhol desfiló ocasionalmente en las pasarelas de moda y patrocinó productos, representado por la Agencia Zoli y más tarde por Ford Models . [90]
Antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984 , formó equipo con otros 15 artistas, entre ellos David Hockney y Cy Twombly , y contribuyó con una impresión de Speed Skater a la colección Art and Sport. La patinadora de velocidad se utilizó para el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo . [91]
En 1984, Vanity Fair encargó a Warhol un retrato de Prince , para acompañar un artículo que celebraba el éxito de Purple Rain y la película que la acompaña . [92] Haciendo referencia a los numerosos retratos de celebridades producidos por Warhol a lo largo de su carrera, Orange Prince (1984) se creó utilizando una composición similar a la serie "Flavors" de Marilyn de 1962, entre algunos de los primeros retratos de celebridades de Warhol. [93] Prince está representado en una paleta de colores pop comúnmente utilizada por Warhol, en naranja brillante con reflejos de verde y azul brillantes. Los rasgos faciales y el cabello están serigrafiados en negro sobre el fondo naranja. [94] [95] [96]
En septiembre de 1985, la exposición conjunta de Warhol con Basquiat, Pinturas , se inauguró con críticas negativas en la Galería Tony Shafrazi . [97] Ese mes, a pesar de la aprensión de Warhol, su serie de serigrafía Reigning Queens se exhibió en la Galería Leo Castelli . [98] En los Diarios de Andy Warhol , Warhol escribió: "Se suponía que eran sólo para Europa; aquí a nadie le importa la realeza y será otra mala crítica". [99]
En enero de 1987, Warhol viajó a Milán para la inauguración de su última exposición, La Última Cena , en el Palazzo delle Stelline. [100] Al mes siguiente, Warhol y el músico de jazz Miles Davis modelaron para el desfile de modas de Koshin Satoh en el Tunnel de la ciudad de Nueva York el 17 de febrero de 1987. [101] [102]
Warhol murió en Manhattan a las 6:32 am del 22 de febrero de 1987, a la edad de 58 años. Según informes periodísticos, se había estado recuperando bien de una cirugía de vesícula biliar en el Hospital de Nueva York antes de morir mientras dormía debido a una repentina irregularidad posoperatoria. latido del corazón . [103] Antes de su diagnóstico y operación, Warhol retrasó la revisión de sus problemas recurrentes de la vesícula biliar, ya que tenía miedo de ingresar a los hospitales y ver a los médicos. [81] Su familia demandó al hospital por atención inadecuada, diciendo que la arritmia fue causada por una atención inadecuada y una intoxicación por agua . [104] El caso de negligencia se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; La familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada. [105]
Poco antes de la muerte de Warhol, los médicos esperaban que Warhol sobreviviera a la cirugía, aunque una reevaluación del caso unos treinta años después de su muerte mostró muchos indicios de que la cirugía de Warhol era, de hecho, más riesgosa de lo que se pensaba originalmente. [106] Se informó ampliamente en ese momento que Warhol había muerto a causa de una cirugía "de rutina", aunque al considerar factores como su edad, antecedentes familiares de problemas de vesícula biliar, su herida de bala anterior y su estado médico en las semanas previas. Hasta el momento del procedimiento, el riesgo potencial de muerte después de la cirugía parecía haber sido significativo. [106]
Los hermanos de Warhol llevaron su cuerpo de regreso a Pittsburgh, donde se llevó a cabo un velorio con el ataúd abierto en la funeraria Thomas P. Kunsak. El ataúd de bronce macizo tenía rieles chapados en oro y tapizado blanco. Warhol vestía un traje de cachemira negro, una corbata de cachemira, una peluca platino y gafas de sol. Estaba acostado sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. La liturgia del funeral se llevó a cabo en la Iglesia Católica Bizantina del Espíritu Santo en el lado norte de Pittsburgh el 27 de febrero de 1987. El panegírico estuvo a cargo de Monseñor Peter Tay. Yoko Ono y John Richardson fueron los ponentes. El ataúd estaba cubierto de rosas blancas y espárragos .
Después de la liturgia, el ataúd fue conducido al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Bethel Park , un suburbio al sur de Pittsburgh, donde Warhol fue enterrado cerca de sus padres. [107] El sacerdote dijo una breve oración junto a la tumba y roció agua bendita sobre el ataúd. Antes de que bajaran el ataúd, la amiga íntima de Warhol y editora asociada de Interview , Paige Powell , dejó caer en la tumba una copia de la revista y una botella de Beautiful Eau de Parfum de Estée Lauder . [108] [109] Se celebró un servicio conmemorativo en Manhattan para Warhol en la Catedral de San Patricio el 1 de abril de 1987. [110]
A principios de la década de 1960, el arte pop era una forma experimental que varios artistas estaban adoptando de forma independiente; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein , se convertirían más tarde en sinónimo del movimiento. Warhol, que se haría famoso como el "Papa del pop", recurrió a este nuevo estilo, donde los temas populares podían formar parte de la paleta del artista. Sus primeras pinturas muestran imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios, pintadas a mano con gotas de pintura. Esos goteos emulaban el estilo de expresionistas abstractos exitosos como Willem de Kooning .
A partir de estos inicios, desarrolló su estilo y temas posteriores. En lugar de trabajar en un tema característico, como empezó a hacer, trabajó cada vez más en un estilo característico, eliminando lentamente lo hecho a mano del proceso artístico. Warhol utilizó con frecuencia la serigrafía ; sus dibujos posteriores fueron calcados a partir de proyecciones de diapositivas. En el apogeo de su fama como pintor, Warhol tuvo varios asistentes, incluido el notable artista George Condo , [111] quien produjo sus múltiples serigrafías, siguiendo sus instrucciones para realizar diferentes versiones y variaciones. [112]
Las primeras pinturas de arte pop de Warhol se exhibieron en abril de 1961, sirviendo como telón de fondo para el escaparate de los grandes almacenes Bonwit Teller de Nueva York. Este era el mismo escenario que alguna vez habían presenciado sus contemporáneos del arte pop Jasper Johns , James Rosenquist y Robert Rauschenberg . [113] Fue la galerista Muriel Latow a quien se le ocurrieron las ideas tanto para las latas de sopa como para las pinturas del dólar de Warhol. El 23 de noviembre de 1961, Warhol le extendió a Latow un cheque por 50 dólares que, según la biografía de Warhol de 2009, Pop, The Genius of Warhol , era un pago por haber ideado las latas de sopa como tema. [114] Para su primera gran exposición, Warhol pintó sus famosas latas de sopa Campbell, que afirmó haber almorzado durante la mayor parte de su vida.
Fue durante la década de 1960 que Warhol comenzó a realizar pinturas de objetos icónicos estadounidenses como billetes de un dólar, nubes en forma de hongo , sillas eléctricas , latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola , celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor, así como como titulares de periódicos o fotografías de perros policía atacando a manifestantes afroamericanos durante la campaña de Birmingham en el movimiento por los derechos civiles . Su trabajo se volvió popular y controvertido. Warhol dijo esto sobre Coca-Cola:
Lo bueno de este país es que Estados Unidos inició la tradición de que los consumidores más ricos compren esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la televisión y ver Coca-Cola y saber que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensa: tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola y ninguna cantidad de dinero puede conseguirte una Coca-Cola mejor que la que bebe el vagabundo de la esquina. Todas las Coca-Colas son iguales y todas las Coca-Colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y usted lo sabe. [115]
En 1962, Warhol creó su famosa serie Marilyn . Los Flavor Marilyns fueron seleccionados de un grupo de catorce lienzos de la subserie, cada uno de los cuales mide 20" x 16". Algunos de los lienzos llevaban el nombre de varios sabores de dulces Life Savers, incluidos Cherry Marilyn , Lemon Marilyn y Licorice Marilyn . Los demás se identifican por sus colores de fondo. [116]
Warhol produjo obras tanto cómicas como serias; su tema podría ser una lata de sopa o una silla eléctrica. Warhol utilizó las mismas técnicas (serigrafías, reproducidas en serie y, a menudo, pintadas con colores brillantes), ya sea que pintara celebridades , objetos cotidianos o imágenes de suicidios, accidentes automovilísticos y desastres, como en la serie Muerte y desastre de 1962-1963 . [117]
En 1979, Warhol recibió el encargo de pintar una versión de carreras del BMW M1 Grupo 4 para la cuarta entrega del proyecto BMW Art Car . [118] Inicialmente le pidieron que pintara un BMW 320i en 1978, pero se cambió el modelo del coche y no calificó para la carrera de ese año. [119] [120] [121] Warhol fue el primer artista en pintar directamente sobre el automóvil en lugar de permitir que los técnicos transfirieran un diseño de modelo a escala al automóvil. [118] Según se informa, le llevó sólo 23 minutos pintar todo el coche. [122] Los pilotos de carreras Hervé Poulain , Manfred Winkelhock y Marcel Mignot condujeron el coche en las 24 Horas de Le Mans de 1979 . [118]
Parte del trabajo de Warhol, así como su propia personalidad, han sido descritos como keatonescos . Warhol ha sido descrito como un tonto ante los medios. A veces se negaba a explicar su trabajo. Ha sugerido que todo lo que uno necesita saber sobre su trabajo "ya está 'en la superficie ' ". [123]
Sus manchas de tinta de Rorschach pretenden ser comentarios pop sobre el arte y lo que podría ser el arte. En este contexto también destacan su papel pintado de vaca (literalmente, papel pintado con motivo de vaca ) y sus pinturas de oxidación (lienzos preparados con pintura cobriza que luego se oxidaba con orina). Igualmente digno de mención es la forma en que estas obras (y sus medios de producción) reflejaron la atmósfera en la "Factory" de Andy en Nueva York. El biógrafo Bob Colacello proporciona algunos detalles sobre las "pinturas de orina" de Andy:
Víctor... era el meador fantasma de Andy en las Oxidaciones. Venía a la Fábrica a orinar sobre lienzos que ya habían sido imprimados con pintura a base de cobre por Andy o Ronnie Cutrone , un segundo meador de fantasmas muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que tomaba Ronnie hacía un color más bonito cuando el El ácido de la orina hizo que el cobre se volviera verde. ¿Andy alguna vez usó su propia orina? Mi diario muestra que cuando empezó la serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y había muchos otros: chicos que venían a almorzar y bebían demasiado vino, y les resultaba divertido o incluso halagador que les pidieran que ayudaran a Andy. 'pintar'. Andy siempre tenía un poco de rebote extra en su caminar mientras los llevaba a su estudio. [124]
El retrato que Warhol hizo de Basquiat en 1982, Jean-Michel Basquiat , es una serigrafía sobre una "pintura de orina" de cobre oxidado. [125] [126] Después de muchos años de serigrafía, oxidación, fotografía, etc., Warhol volvió a pintar con pincel en mano. En 1983, Warhol empezó a colaborar con Basquiat y Clemente. [127] Warhol y Basquiat crearon una serie de más de 50 grandes obras colaborativas entre 1984 y 1985. [128] A pesar de las críticas cuando se mostraron por primera vez, Warhol llamó a algunas de ellas "obras maestras" y fueron influyentes para su trabajo posterior. [129]
En 1984, el coleccionista y galerista Alexander Iolas le encargó a Warhol producir una obra basada en La última cena de Leonardo da Vinci para una exposición en el antiguo refectorio del Palazzo delle Stelline en Milán , frente a la Santa Maria delle Grazie donde Leonardo da Se puede ver el mural de Vinci. [130] Warhol superó las exigencias del encargo y produjo cerca de 100 variaciones sobre el tema, en su mayoría serigrafías y pinturas, y entre ellas una escultura colaborativa con Basquiat, los Diez sacos de boxeo (La última cena) . [131] La exposición de Milán, que se inauguró en enero de 1987 con un conjunto de 22 serigrafías, fue la última exposición tanto para el artista como para el galerista. [132] La serie de La Última Cena fue vista por algunos como "posiblemente su mejor", [133] pero por otros como "indecisa, religiosa" y "sin espíritu". [134] Es la serie más grande de obras de temática religiosa de cualquier artista estadounidense. [133]
El artista Maurizio Cattelan describe que es difícil separar los encuentros cotidianos del arte de Andy Warhol: "Eso es probablemente lo mejor de Warhol: la forma en que penetró y resumió nuestro mundo, hasta el punto de que distinguir entre él y nuestra vida cotidiana es básicamente imposible y, en cualquier caso, inútil." Warhol fue una inspiración para las revistas y recopilaciones de fotografías de Cattelan, como Permanent Food, Charley y Toilet Paper . [135]
En el período inmediatamente anterior a su muerte, Warhol estaba trabajando en Cars , una serie de pinturas para Mercedes-Benz . [136]
"Aunque a menudo se le asocia con el grabado, específicamente la serigrafía, Warhol también fue un ilustrador y dibujante increíblemente talentoso, y el dibujo fue una parte integral de su práctica a lo largo de su carrera. Sus primeros dibujos sobre papel muestran un parecido tanto con la línea continua como con el contorno ciego. técnicas de dibujo, dando a su trabajo una sensación de facilidad e inmediatez. Mientras trabajaba principalmente en publicidad comercial, fue pionero en la técnica de línea borrada, que sintetizaba el dibujo de grafito sobre papel con elementos de grabado. Warhol continuó su práctica de dibujo durante los últimos años de su carrera. vida y carrera, y el trabajo de este período posterior ejemplifica una carrera larga e histórica de habilidad y técnica perfeccionadas ". [137]
El valor de la obra de Andy Warhol ha seguido una interminable trayectoria ascendente desde su muerte en 1987. En 2014, sus obras acumularon 569 millones de dólares en subastas, lo que representó más de una sexta parte del mercado mundial del arte. [138] Sin embargo, ha habido algunas caídas. Según el marchante de arte Dominique Lévy , "el comercio de Warhol se mueve como un balancín que se mueve cuesta arriba: sube y baja, pero cada nuevo altibajo está por encima del anterior". [139] Ella atribuye esto a la constante afluencia de nuevos coleccionistas intrigados por Warhol. "En diferentes momentos, diferentes grupos de coleccionistas ingresaron al mercado de Warhol, y eso resultó en picos de demanda, luego satisfacción y una desaceleración", antes de que el proceso se repita en otro grupo demográfico o en la siguiente generación. [139]
En 1998, Orange Marilyn (1964), una representación de Marilyn Monroe, se vendió por 17,3 millones de dólares, lo que en ese momento estableció un nuevo récord como el precio más alto pagado por una obra de arte de Warhol. [140] En 2007, una de las pinturas de Warhol de 1963 de Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz) , que era propiedad del actor Hugh Grant , se vendió por 23,7 millones de dólares en Christie's . [141] [142]
En 2007, Stefan Edlis y Gael Neeson vendieron Turquoise Marilyn (1964) de Warhol al financiero Steven A. Cohen por 80 millones de dólares. [143] En mayo de 2007, Green Car Crash (1963) se vendió por 71,1 millones de dólares y Lemon Marilyn (1962) se vendió por 28 millones de dólares en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie. [144] En 2007, la lata de sopa Campbell's grande (1964) se vendió en una subasta de Sotheby's a un coleccionista sudamericano por 7,4 millones. [145] En noviembre de 2009, 200 billetes de un dólar (1962) en Sotheby's por 43,8 millones de dólares. [146]
En 2008, Annibale Berlingieri vendió Ocho Elvises (1963) por 100 millones de dólares a un comprador privado. [147] La obra representa a Elvis Presley en una pose de pistolero . Se exhibió por primera vez en 1963 en la Galería Ferus de Los Ángeles. Warhol realizó 22 versiones de los retratos de Elvis , 11 de las cuales se conservan en museos. [47] En mayo de 2012, Double Elvis (Ferus Type) se vendió en una subasta en Sotheby's por 37 millones de dólares. [148] [149] En noviembre de 2014, Triple Elvis (Ferus Type) se vendió por 81,9 millones de dólares en Christie's. [150]
En mayo de 2010, un autorretrato violeta de Warhol de 1986, propiedad del diseñador de moda Tom Ford, se vendió por 32,6 millones de dólares en Sotheby's. [151] En noviembre de 2010, Men in Her Life (1962), basada en Elizabeth Taylor, se vendió por 63,4 millones de dólares en Phillips de Pury y Coca-Cola (4) (1962) se vendió por 35,3 millones de dólares en Sotheby's. [152] [153] En mayo de 2011, el primer autorretrato de Warhol de 1963 a 1964 se vendió por 38,4 millones de dólares y un autorretrato rojo de 1986 se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. [154] En mayo de 2011, Liz #5 (Early Colored Liz) se vendió por 26,9 millones de dólares en Phillips. [155]
En noviembre de 2013, el díptico de Warhol de 1963, Silver Car Crash (Double Disaster) , rara vez visto, se vendió en Sotheby's por 105,4 millones de dólares, un nuevo récord para el artista. [156] [157] En noviembre de 2013, Coca-Cola (3) (1962) se vendió por 57,3 millones de dólares en Christie's. [158] En mayo de 2014, White Marilyn (1962) se vendió por 41 millones de dólares en Christie's. [159] En noviembre de 2014, Four Marlons (1964), que representa a Marlon Brando, se vendió por 69,6 millones de dólares en Christie's. [160] En mayo de 2015, Silver Liz (díptico) , pintado en 1963, se vendió por 28 millones de dólares y Colored Mona Lisa (1963) se vendió por 56,2 millones de dólares en Christie's. [161] [162] En mayo de 2017, el cuadro de Warhol de 1962 Lata de sopa Big Campbell con abrelatas (verdura) se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. [163] En 2017, el multimillonario administrador de fondos de cobertura Ken Griffin compró Orange Marilyn de forma privada por alrededor de 200 millones de dólares. [164] En marzo de 2022, Silver Liz (Tipo Ferus) se vendió por 2.300 millones de yenes (18,9 millones de dólares) en Shinwa Auction, que estableció un nuevo récord para la oferta más alta jamás realizada en una subasta en Japón. [165] En mayo de 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares en Christie's, convirtiéndose en la obra de arte estadounidense más cara vendida en una subasta. [166]
Entre los primeros coleccionistas y partidarios influyentes de Warhol se encontraban Emily y Burton Tremaine . Entre las más de 15 obras de arte compradas, [167] Marilyn Diptych (ahora en Tate Modern, Londres) [168] y A boy for Meg (ahora en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC), [169] fueron compradas directamente en El estudio de Warhol en 1962. Una Navidad, Warhol dejó una pequeña cabeza de Marilyn Monroe junto a la puerta de los Tremaine en su apartamento de Nueva York en agradecimiento por su apoyo y aliento. [170]
Warhol asistió al estreno en 1962 de la composición estática de La Monte Young llamada Trio for Strings y posteriormente creó su famosa serie de películas estáticas. El cineasta Jonas Mekas , que acompañó a Warhol al estreno de Trio, afirma que las películas estáticas de Warhol se inspiraron directamente en la actuación. [171] Entre 1963 y 1968, hizo más de 60 películas, [172] además de unos 500 retratos cortos en blanco y negro de " pruebas de pantalla " de visitantes de Factory. [173]
Una de sus películas más famosas, Sleep , sigue al poeta John Giorno durmiendo durante seis horas. La película de 35 minutos Blow Job es una toma continua del rostro de DeVeren Bookwalter supuestamente recibiendo sexo oral del cineasta Willard Maas , aunque la cámara nunca se inclina hacia abajo para ver esto. Otro, Empire (1964), consta de ocho horas de metraje del Empire State Building en la ciudad de Nueva York al anochecer. La película Eat consiste en un hombre comiendo una seta durante 45 minutos.
Batman Drácula es una película de 1964 que fue producida y dirigida por Warhol, sin el permiso de DC Comics . Se proyectó únicamente en sus exhibiciones de arte. Fanático de la serie Batman , la película de Warhol fue un "homenaje" a la serie y se considera la primera aparición de unBatman descaradamente cursi . Hasta hace poco se pensaba que la película se había perdido, hasta que escenas de la imagen se mostraron con cierta extensión en el documental de 2006 Jack Smith y la destrucción de la Atlántida .
La película Vinyl de Warhol de 1965 es una adaptación de la popular novela distópica de Anthony Burgess La naranja mecánica . Otros registran encuentros improvisados entre clientes habituales de Factory como Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El artista underground Jack Smith aparece en la película Camp .
Su película más popular y de mayor éxito de crítica fue Chelsea Girls (1966). La película fue muy innovadora porque consistía en dos películas de 16 mm proyectadas simultáneamente y dos historias diferentes mostradas en paralelo. Desde la cabina de proyección, el sonido se elevaba para una película para dilucidar esa "historia" mientras que para la otra se bajaba. La multiplicación de imágenes evocó las serigrafías fundamentales de Warhol de principios de los años sesenta.
Warhol era fanático del trabajo cinematográfico del cineasta Radley Metzger [174] y comentó que la película de Metzger, The Lickerish Quartet , era "una obra maestra escandalosamente pervertida". [175] [176] [177] Blue Movie , una película en la que la superestrella de Warhol, Viva, hace el amor en la cama con Louis Waldon , otra superestrella de Warhol, fue la última película de Warhol como director. [178] [179] La película, una película fundamental en la Edad de Oro del porno , fue, en ese momento, controvertida por su enfoque franco de un encuentro sexual. [180] [181] Blue Movie se proyectó públicamente en la ciudad de Nueva York en 2005, por primera vez en más de 30 años. [182]
A raíz del tiroteo de 1968, un solitario Warhol renunció a su participación personal en la realización de películas. Su acólito y asistente de dirección, Paul Morrissey , se hizo cargo de las tareas cinematográficas del colectivo Factory, dirigiendo el cine de la marca Warhol hacia una explotación de películas de serie B más convencional y basada en la narrativa con Flesh , Trash y Heat . Todas estas películas, incluidas las posteriores Drácula de Andy Warhol y Frankenstein de Andy Warhol , fueron mucho más convencionales que cualquier cosa que Warhol como director hubiera intentado. Estas últimas películas de "Warhol" fueron protagonizadas por Joe Dallesandro, más una estrella de Morrissey que una verdadera superestrella de Warhol .
A principios de la década de 1970, la mayoría de las películas dirigidas por Warhol fueron retiradas de circulación por Warhol y las personas que lo rodeaban y que dirigían su negocio. Después de la muerte de Warhol, las películas fueron restauradas lentamente por el Museo Whitney y ocasionalmente se proyectan en museos y festivales de cine. Pocas de las películas dirigidas por Warhol están disponibles en vídeo o DVD.
A mediados de la década de 1960, Warhol adoptó la banda Velvet Underground , convirtiéndola en un elemento crucial del espectáculo de artes escénicas multimedia Exploding Plastic Inevitable . Warhol, con Paul Morrissey, actuó como manager de la banda y les presentó a Nico (quien actuaría con la banda a petición de Warhol). Mientras dirigía The Velvet Underground, Andy los vestía completamente de negro para actuar frente a las películas que él también presentaba. [183] En 1966, "produjo" su primer álbum The Velvet Underground & Nico , además de proporcionar la carátula del álbum. Su participación real en la producción del álbum equivalía simplemente a pagar el tiempo de estudio.
Después del primer álbum de la banda, Warhol y el líder de la banda Lou Reed comenzaron a estar en desacuerdo sobre la dirección que debía tomar la banda y su amistad artística terminó. [ cita necesaria ] En 1989, después de la muerte de Warhol, Reed y John Cale se reunieron por primera vez desde 1972 para escribir, interpretar, grabar y lanzar el álbum conceptual Songs for Drella , un tributo a Warhol. En octubre de 2019, se informó que se descubrió en un archivo del Andy Warhol una cinta de audio de música públicamente desconocida de Reed, basada en el libro de Warhols de 1975, "La filosofía de Andy Warhol : de A a B y de regreso ". Museo en Pittsburgh. [184]
Warhol diseñó muchas portadas de álbumes para varios artistas, comenzando con la portada fotográfica del álbum debut de John Wallowitch , This Is John Wallowitch!!! (1964). Diseñó la portada de los álbumes Sticky Fingers (1971) y Love You Live (1977) de los Rolling Stones , y de los álbumes de John Cale The Academy in Peril (1972) y Honi Soit en 1981. Uno de los últimos trabajos de Warhol fue un retrato. de Aretha Franklin para la portada de su álbum de oro de 1986 Aretha . [185]
En 1984, Warhol codirigió el vídeo musical " Hello Again " de los Cars , y apareció en el vídeo como barman. [186] [187] En 1986, Warhol codirigió el vídeo musical " Misfit " de Curiosity Killed the Cat e hizo un cameo en el vídeo. [188] [189] [190]
A principios de la década de 1950, Warhol produjo varios portafolios sin encuadernar de su trabajo.
El primero de varios libros encuadernados y autoeditados por Warhol fue 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy , impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel con marca de agua Arches utilizando su técnica de línea borrada para las litografías. La edición original estaba limitada a 190 copias numeradas y coloreadas a mano, utilizando aguadas de tinta del Dr. Martin. La mayoría de ellos fueron regalados por Warhol a clientes y amigos. La copia nº 4, con la inscripción "Jerry" en la portada y entregada a Geraldine Stutz , se utilizó para una impresión facsímil en 1987, [191] y el original fue subastado en mayo de 2006 por 35.000 dólares estadounidenses por Doyle Nueva York . [192]
Otros libros autoeditados de Warhol incluyen:
El libro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) marcó su "transición de artista comercial a artista de galería". [193] (El título es un juego de palabras de Warhol sobre el título de À la recherche du temps perdu del autor francés Marcel Proust .) [193]
Después de ganar fama, Warhol "escribió" varios libros que se publicaron comercialmente:
Warhol creó la revista de moda Interview que aún se publica. Se cree que el guión del título descabellado de la portada es su propia letra o la de su madre, Julia Warhola, quien a menudo escribía textos para sus primeras piezas comerciales. [196]
Aunque Andy Warhol es más conocido por sus pinturas y películas, fue autor de obras en muchos medios diferentes.
En 1980, le dijo a un entrevistador que todavía era virgen. El biógrafo Bob Colacello, que estuvo presente en la entrevista, consideró que probablemente era cierto y que el poco sexo que tuvo probablemente fue "una mezcla de voyeurismo y masturbación , para usar la palabra [de Andy] abstracta ". [211] La afirmación de Warhol sobre la virginidad parecería contradecirse por su tratamiento hospitalario en 1960 por condilomas , una enfermedad de transmisión sexual . [212] También ha sido contradicho por sus amantes, incluida la musa de Warhol, BillyBoy , quien ha dicho que tuvieron relaciones sexuales hasta el orgasmo: "Cuando no estaba siendo Andy Warhol y cuando estabas a solas con él, era increíblemente generoso y muy persona amable. Lo que me sedujo fue Andy Warhol, a quien vi solo. De hecho, cuando estaba con él en público, me ponía de los nervios... Le decía: "Eres simplemente desagradable, puedo hacerlo". No te soporto'". [213]
Billy Name también negó que Warhol fuera sólo un voyeur, diciendo: "Él era la esencia de la sexualidad. Lo impregnaba todo. Andy la exudaba, junto con su gran creatividad artística... Trajo alegría a todo el mundo del arte en Nueva York". York." [214] "Pero su personalidad era tan vulnerable que se convirtió en una defensa para dejar el frente en blanco". [215] Los amantes de Warhol incluyeron a John Giorno [216] Billy Name , [217] Charles Lisanby , [218] y Jon Gould . Gould fue el sujeto más fotografiado en la carrera posterior de Warhol y trabajó como ejecutivo cinematográfico estadounidense en Paramount Pictures , donde fue responsable de películas como Urban Cowboy de John Travolta . [219] Su novio durante 12 años fue Jed Johnson , a quien conoció en 1968, y quien luego alcanzó fama como diseñador de interiores. [220]
El hecho de que la homosexualidad de Warhol influyó en su obra y dio forma a su relación con el mundo del arte es un tema importante de estudios sobre el artista y es un tema que el propio Warhol abordó en entrevistas, conversaciones con sus contemporáneos y en sus publicaciones ( por ejemplo , Popism : Los años 60 de Warhol ). A lo largo de su carrera, Warhol realizó fotografías eróticas y dibujos de desnudos masculinos. Muchas de sus obras más famosas (retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor y películas como Blow Job , My Hustler y Lonesome Cowboys ) se inspiran en la cultura clandestina gay o exploran abiertamente la complejidad de la sexualidad y el deseo. Como han señalado diversos estudiosos, muchas de sus películas se estrenaron en salas de cine porno gay , incluido el New Andy Warhol Garrick Theatre y el 55th Street Playhouse, a finales de los años 1960. [221]
Las primeras obras que Warhol presentó a una galería de bellas artes, dibujos homoeróticos de desnudos masculinos, fueron rechazadas por ser demasiado abiertamente homosexuales. [28] En Popismo , además, el artista recuerda una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre la dificultad que tenía Warhol para ser aceptado socialmente por los entonces más famosos (pero encerrados ) artistas homosexuales Jasper Johns y Robert Rauschenberg. De Antonio explicó que Warhol era "demasiado elegante y eso les molesta". En respuesta a esto, Warhol escribe: "No había nada que pudiera decir al respecto. Era demasiado cierto. Así que decidí que no me iba a importar, porque esas eran todas las cosas que no quería cambiar". de todos modos, que no pensé que 'debería' querer cambiar... Otras personas podrían cambiar sus actitudes pero yo no". [28] [222] Al explorar la biografía de Warhol, muchos recurren a este período (finales de los años cincuenta y principios de los sesenta) como un momento clave en el desarrollo de su personalidad.
Algunos han sugerido que su frecuente negativa a comentar sobre su trabajo, a hablar sobre sí mismo (limitándose en las entrevistas a respuestas como "Um, no" y "Um, sí", y a menudo permitiendo que otros hablen por él), e incluso la La evolución de su estilo pop se remonta a los años en que Warhol fue desestimado por primera vez por los círculos internos del mundo del arte de Nueva York. [223]
Warhol era un católico ruteno practicante . Se ofreció regularmente como voluntario en refugios para personas sin hogar en la ciudad de Nueva York, particularmente durante las épocas más ocupadas del año, y se describió a sí mismo como una persona religiosa. [225] Muchas de las obras posteriores de Warhol representaron temas religiosos, incluidas dos series, Detalles de pinturas renacentistas (1984) y La última cena (1986). Además, en su patrimonio se encontró póstumamente un conjunto de obras de temática religiosa. [225]
Warhol asistía regularmente a misa , y el sacerdote de la iglesia de Warhol, San Vicente Ferrer , dijo que el artista iba allí casi a diario, [225] aunque no se le observó comulgando ni confesándose y se sentaba o arrodillaba en los bancos de atrás. [211] El sacerdote pensó que tenía miedo de ser reconocido; Warhol dijo que se sentía cohibido por haber sido visto en una iglesia católica latina santiguándose "a la manera ortodoxa " (de derecha a izquierda en lugar de al revés). [211]
El arte de Warhol está notablemente influenciado por la tradición cristiana oriental que era tan evidente en sus lugares de culto. [225] El hermano de Warhol ha descrito al artista como "realmente religioso, pero no quería que la gente supiera sobre eso porque [era] privado". A pesar de la naturaleza privada de su fe, en el panegírico de Warhol, John Richardson la describió como devota: "Hasta donde yo sé, fue responsable de al menos una conversión . Se enorgullecía de financiar los estudios de su sobrino para el sacerdocio". [225]
Warhol era un ávido coleccionista. Sus amigos se referían a sus numerosas colecciones, que llenaban no sólo su casa de cuatro pisos , sino también una unidad de almacenamiento cercana, como "Andy's Stuff". La verdadera extensión de sus colecciones no se descubrió hasta después de su muerte, cuando el Museo Andy Warhol de Pittsburgh recogió 641 cajas de sus "Stuff".
Las colecciones de Warhol incluían un letrero de recuerdos de Coca-Cola y pinturas del siglo XIX junto con menús de aviones, facturas impagas, masa de pizza, novelas pulp pornográficas, periódicos, sellos, folletos de supermercado y tarros de galletas, entre otras excentricidades. [226] También incluía importantes obras de arte, como Miss Bentham de George Bellows . [227] Una de sus principales colecciones fueron sus pelucas. Warhol poseía más de 40 y se sentía muy protector con sus postizos, que eran cosidos por un fabricante de pelucas de Nueva York con cabello importado de Italia. En 1985, una niña le arrebató la peluca de la cabeza a Warhol. Más tarde se descubrió en la entrada del diario de Warhol de ese día que escribió: "No sé qué me impidió empujarla por el balcón".
En 1960, compró un dibujo de una bombilla de Jasper Johns. [228] Otro artículo encontrado en las cajas de Warhol en el museo de Pittsburgh fue un pie humano momificado del Antiguo Egipto . El curador de antropología del Museo Carnegie de Historia Natural consideró que lo más probable es que Warhol lo encontrara en un mercadillo. [229]
Warhol coleccionó muchos libros, con más de 1.200 títulos en su colección. De estos, 139 títulos han sido identificados públicamente a través de un catálogo de subastas de Sotheby's de 1988, The Andy Warhol Collection , y se pueden ver en línea. [230] Su colección de libros refleja su gusto e intereses eclécticos, e incluye libros escritos por y sobre algunos de sus conocidos y amigos. Algunos de los títulos de su colección incluyen Las dos señoras Grenville: una novela de Dominick Dunne , Artistas en uniforme de Max Eastman , Enfermedades de la piel de Andrews: Dermatología clínica de George Clinton Andrews, DV de Diana Vreeland , Sangre de un poeta de Jean Cocteau , Acuarelas de Francesco Clemente, Pequeño Mundo, ¡Hola! de Jimmy Savo , Rostros ocultos de Salvador Dalí y El libro de cocina de Dinah Shore . [231]
En 2002, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello de 18 centavos en conmemoración de Warhol. Diseñado por Richard Sheaff de Scottsdale, Arizona , el sello se dio a conocer en una ceremonia en el Museo Andy Warhol y presenta la pintura de Warhol "Autorretrato, 1964". [232] [233] En marzo de 2011, se reveló una estatua cromada de Andy Warhol y su cámara Polaroid en Union Square en la ciudad de Nueva York. [234]
Un cráter en Mercurio recibió el nombre de Warhol en 2012. [235]
En 2013, para honrar el 85 aniversario del cumpleaños de Warhol, el Museo Andy Warhol y EarthCam lanzaron un proyecto colaborativo titulado Figment , una transmisión en vivo de la tumba de Warhol. [236] [237]
El testamento de Warhol dictaba que todo su patrimonio, con excepción de unos pocos legados modestos a miembros de la familia, se destinaría a crear una fundación dedicada al "avance de las artes visuales". Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's tardó nueve días en subastar sus bienes después de su muerte; la subasta recaudó más de 20 millones de dólares.
En 1987, de acuerdo con el testamento de Warhol, se creó la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales. La fundación actúa como patrimonio de Andy Warhol, pero también tiene la misión de "fomentar la expresión artística innovadora y el proceso creativo" y está "centrada principalmente en apoyar el trabajo de naturaleza desafiante y a menudo experimental". [238]
La Artists Rights Society es el representante de derechos de autor en EE. UU. de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales de todas las obras de Warhol, con excepción de las fotografías de sus películas. [239] El representante estadounidense de los derechos de autor de las fotografías de películas de Warhol es el Museo Warhol de Pittsburgh. [240] Además, la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales tiene acuerdos vigentes para su archivo de imágenes. Todas las imágenes digitales de Warhol están gestionadas exclusivamente por Corbis , mientras que todas las imágenes en transparencia de Warhol están gestionadas por Art Resource. [241]
La Fundación Andy Warhol publicó su Informe Anual del 20º Aniversario en tres volúmenes en 2007: vol. Yo, 1987–2007; vol. II, Becas y Exposiciones; y vol. III, Programa Legado. [242]
La Fundación está en proceso de compilar su catálogo razonado de pinturas y esculturas en volúmenes que cubren bloques de años de la carrera del artista. Los volúmenes IV y V se publicaron en 2019. Los volúmenes posteriores aún están en proceso de compilación. [243]
La Fundación sigue siendo una de las mayores organizaciones que otorgan subvenciones para las artes visuales en Estados Unidos. [244]
Muchas de las obras y posesiones de Warhol se exhiben en el Museo Andy Warhol en Pittsburgh. La fundación donó más de 3.000 obras de arte al museo. [245]
Del 19 de noviembre de 2021 al 19 de junio de 2022, el Museo de Brooklyn exhibió la exposición Andy Warhol: Revelación . [246] Apocalipsis examina temas como la vida y la muerte, el poder y el deseo, el papel y la representación de la mujer, la imaginería renacentista, las tradiciones y rituales familiares y de inmigrantes, las representaciones y duplicaciones de Cristo, y el cuerpo católico y el deseo queer. Entre los más de cien objetos expuestos se encontraban materiales raros y elementos recién descubiertos que brindan una mirada fresca e íntima al proceso creativo de Warhol, así como importantes pinturas de su épica serie La Última Cena (1986), la película experimental The Chelsea Girls (1966), una película inacabada que representa la puesta de sol encargada por la familia de Menil y financiada por la Iglesia Católica Romana, y dibujos creados por la madre de Warhol, Julia Warhola, cuando vivía con su hijo en la ciudad de Nueva York. [247]
Warhol fundó la revista Interview , un escenario para celebridades a las que "respaldó" y un negocio atendido por sus amigos. Colaboró con otros en todos sus libros (algunos de los cuales fueron escritos con Pat Hackett). Incluso se podría decir que produjo personas (como en la "Superestrella" warholiana y el retrato warholiano). Warhol promocionó productos, apareció en comerciales y realizó frecuentes apariciones de celebridades en programas de televisión y películas (apareció en todo, desde Love Boat [248] hasta Saturday Night Live [249] y la película de Richard Pryor Dynamite Chicken [250] ).
En este sentido, Warhol era un fanático de "Art Business" y "Business Art"; de hecho, escribió sobre su interés en pensar el arte como negocio en La filosofía de Andy Warhol de A a B y viceversa . [194]
Warhol apareció como él mismo en la película Cocaine Cowboys (1979) [251] y en la película Tootsie (1982).
Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película The Doors (1991) de Oliver Stone , por Jared Harris en la película I Shot Andy Warhol (1996) de Mary Harron y por David Bowie en la película Basquiat (1996) de Julian Schnabel . ). Bowie recordó cómo conocer a Warhol en la vida real le ayudó en el papel y relató sus primeros encuentros con él:
Lo vi un par de veces, pero rara vez compartíamos más que tópicos. La primera vez que nos vimos se hizo un silencio incómodo hasta que notó mis zapatos amarillos brillantes y empezó a hablar con entusiasmo. Quería ser muy superficial. Y aparentemente sin emociones, indiferente, como un pez muerto. Lou Reed lo describió más profundamente cuando una vez me dijo que deberían sacar al mercado un muñeco de Andy: un muñeco al que le dan cuerda y no hace nada. Pero logré observarlo bien, y eso fue una ayuda para la película [ Basquiat ...] Tomamos prestada su ropa del museo de Pittsburgh y estaba intacta, sin lavar. Ni siquiera los bolsillos estaban vaciados: contenían un panqueque, un fond de teint blanco, pálido y mortal , que Andy siempre se untaba en la cara, un cheque roto en pedazos, la dirección de alguien, muchas pastillas homeopáticas y una peluca. Andy siempre usaba esas pelucas plateadas, pero nunca admitió que fueran pelucas. Uno de sus peluqueros me ha dicho últimamente que se corta las pelucas con regularidad, como si fueran pelo de verdad. Cuando le cortaron la peluca, al mes siguiente se puso otra como si le hubiera crecido el pelo. [252]
Warhol aparece como un personaje en la ópera Jackie O (1997) de Michael Daugherty . El actor Mark Bringleson hace un breve cameo como Warhol en Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas han capturado momentos de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan interpretó a Warhol en la película 54 (1998). Guy Pearce interpretó a Warhol en la película Factory Girl (2007) sobre la vida de Edie Sedgwick. [253] El actor Greg Travis interpreta a Warhol en una breve escena de la película Watchmen (2009). El comediante Conan O'Brien interpretó a Warhol en la película Weird: The Al Yankovic Story (2022).
En la película Highway to Hell, un grupo de Andy Warhols son parte de Good Intentions Paving Company , donde almas bien intencionadas son molidas hasta convertirlas en pavimento . [254] En la película Hombres de negro 3 (2012), Andy Warhol resulta ser en realidad el agente encubierto MIB W (interpretado por Bill Hader ). Warhol está organizando una fiesta en The Factory en 1969, donde los agentes K y J (J del futuro) de MIB lo buscan. El agente W está desesperado por terminar su trabajo encubierto ("¡Estoy tan sin ideas que estoy pintando latas de sopa y plátanos, por el amor de Dios!", "Tienes que fingir mi muerte, ¿vale? No puedo escuchar música de sitar"). ya." y "No puedo distinguir a las mujeres de los hombres").
Andy Warhol (interpretado por Tom Meeten ) es uno de los personajes principales del programa de televisión británico de 2012 Noel Fielding's Luxury Comedy . El personaje es retratado con gestos parecidos a los de un robot. En la película de 2017 The Billionaire Boys Club, Cary Elwes interpreta a Warhol en una película basada en la historia real de Ron Levin (interpretado por Kevin Spacey ), un amigo de Warhol que fue asesinado en 1986. [255] En septiembre de 2016, se anunció que Jared Leto interpretaría al personaje principal en Warhol , una próxima película dramática biográfica estadounidense producida por Michael De Luca y escrita por Terence Winter , basada en el libro Warhol: The Biography de Victor Bockris . [256]
Warhol apareció como personaje recurrente en la serie de televisión Vinyl , interpretada por John Cameron Mitchell . [264] Warhol fue interpretado por Evan Peters en el episodio de American Horror Story: Cult " Valerie Solanas murió por tus pecados: Scumbag ". El episodio describe el intento de asesinato de Warhol por parte de Valerie Solanas ( Lena Dunham ). [265]
A principios de 1969, Braniff International le encargó a Andy Warhol que apareciera en dos comerciales de televisión para promover la campaña "When You Got It - Flaunt It" de la aerolínea de lujo. La campaña fue creada por la agencia de publicidad Lois Holland Calloway, que estaba dirigida por George Lois , creador de una famosa serie de portadas de la revista Esquire . La primera serie comercial implicó emparejar a personas poco probables que compartían el hecho de que ambos volaban en Braniff Airways. Warhol fue emparejado con la leyenda del boxeo Sonny Liston . Algunos comerciales funcionaron al igual que otros que presentaban compañeros de viaje improbables como el pintor Salvador Dalí y la leyenda del béisbol Whitey Ford .
Se crearon dos comerciales adicionales para Braniff que mostraban a personas famosas entrando en un avión Braniff y siendo recibidas por una azafata de Braniff mientras defendían su gusto por volar en Braniff. Warhol también apareció en el primero de estos comerciales que también fueron producidos por Lois y lanzados en el verano de 1969. Lois ha declarado incorrectamente que Braniff le encargó en 1967 la representación durante ese año, pero en ese momento la publicidad de Madison Avenue La decana Mary Wells Lawrence , que estaba casada con el presidente de Braniff, Harding Lawrence , representaba a la aerolínea con sede en Dallas en ese momento. Lois sucedió a la Agencia Wells Rich Greene el 1 de diciembre de 1968. Los derechos de las películas de Warhol para Braniff y sus contratos firmados son propiedad de un fideicomiso privado y son administrados por la Fundación Braniff Airways en Dallas, Texas. [266]
Warhol influyó fuertemente en la banda de new wave / punk rock Devo , así como en David Bowie. Bowie grabó una canción llamada " Andy Warhol " para su álbum de 1971 Hunky Dory . Lou Reed escribió la canción "Andy's Chest", sobre Valerie Solanas, la mujer que disparó contra Warhol, en 1968. La grabó con Velvet Underground, y esta versión fue lanzada en el álbum VU en 1985. La banda Triumph también escribió una canción. sobre Andy Warhol, "Stranger In A Strange Land" de su álbum Thunder Seven de 1984 .
En 2020 se publicó una biografía de Andy Warhol escrita por el crítico de arte Blake Gopnik con el título Warhol . [267] [268] [269]
Warhol aparece como un personaje en la serie de cómics Miracleman . Primero se menciona que fue resucitado por el científico alienígena Mors y posteriormente convence a este último para que produzca copias en masa de sí mismo. [270] Más tarde, 18 copias de Warhol se ven en el inframundo debajo de la estructura piramidal del Olimpo, donde producen arte pop relacionado con el nuevo régimen sobrehumano. Un clon de Warhol con el número 6 es asignado y desarrolla una amistad con un clon de Emil Gargunza (el creador de Miracleman) antes de la traición de este último y su intento de fuga. [271]
Warhol (interpretado por Jeff Grace) hace un cameo en el videojuego Immortality de 2022 . [272] [273]
Desde 1976 hasta su muerte en 1987, Andy Warhol (Estados Unidos, 1928-1987) nunca estuvo sin su cámara. Tomó fotografías en discotecas, cenas, mercadillos y combates de lucha libre. Amigos, novios, socios comerciales, miembros de la alta sociedad, celebridades y transeúntes captaron la atención de Warhol. A partir de un tesoro de más de 3600 hojas de contactos con 130 000 exposiciones fotográficas adquiridas en 2014 de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc., las imágenes documentan la vida diaria de Warhol.
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