Milton Ernest " Robert " Rauschenberg (22 de octubre de 1925 - 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista gráfico estadounidense cuyas primeras obras anticiparon el movimiento del arte pop . Rauschenberg es bien conocido por sus Combines (1954-1964), un grupo de obras de arte que incorporaron objetos cotidianos como materiales artísticos y que desdibujaron las distinciones entre pintura y escultura. Rauschenberg fue principalmente pintor y escultor, pero también trabajó con fotografía , grabado , fabricación de papel y performance. [1] [2]
Rauschenberg recibió numerosos premios durante sus casi 60 años de carrera artística. Entre los más destacados se encuentran el Gran Premio Internacional de Pintura en la 32ª Bienal de Venecia en 1964 y la Medalla Nacional de las Artes en 1993. [3]
Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en Captiva Island, Florida , hasta su muerte el 12 de mayo de 2008. [4]
Rauschenberg nació como Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas , hijo de Dora Carolina (de soltera Matson) y Ernest R. Rauschenberg. [5] [6] [7] Su padre era de ascendencia alemana y su madre de ascendencia holandesa. [8] Rauschenberg afirmó incorrectamente que su abuela paterna, Tina “Tiny” Jane Howard, era Cherokee. [9] [10] Su padre trabajaba para Gulf States Utilities, una empresa de luz y energía. Sus padres eran cristianos fundamentalistas . [11] Tenía una hermana menor llamada Janet Begneaud. [12] [13]
A los 18 años, Rauschenberg fue admitido en la Universidad de Texas en Austin, donde comenzó a estudiar farmacología , pero abandonó poco después debido a la dificultad de los estudios (sin darse cuenta en ese momento de que era disléxico ) y debido a su falta de voluntad para diseccionar. una rana en clase de biología. [14] Fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos en 1944. Con base en California , se desempeñó como técnico neuropsiquiátrico en un hospital de la Marina hasta su alta en 1945 o 1946. [14]
Posteriormente, Rauschenberg estudió en el Kansas City Art Institute y en la Académie Julian en París, [15] Francia, donde conoció a su compañera de estudios de arte Susan Weil . En ese momento también cambió su nombre de Milton a Robert. [16] En 1948, Rauschenberg se unió a Weil para matricularse en Black Mountain College en Carolina del Norte . [17] [18]
En Black Mountain , Rauschenberg buscó a Josef Albers , uno de los fundadores de la Bauhaus en Alemania , sobre quien había leído en un número de agosto de 1948 de la revista Time . Esperaba que los rigurosos métodos de enseñanza de Albers pudieran frenar su habitual descuido. [19] Los cursos de diseño preliminares de Albers se basaban en una disciplina estricta que no permitía ninguna "experimentación sin influencia". [20] [21]
Rauschenberg se convirtió, según sus propias palabras, en "el tonto de Albers, el ejemplo destacado de aquello de lo que no hablaba". [22] Aunque Rauschenberg consideraba a Albers su maestro más importante, encontró una sensibilidad más compatible en John Cage , un compositor establecido de música de vanguardia. Al igual que Rauschenberg, Cage se había alejado de las enseñanzas disciplinarias de su instructor, Arnold Schönberg , en favor de un enfoque más experimentalista de la música. Cage brindó a Rauschenberg el apoyo y el aliento que tanto necesitaba durante los primeros años de su carrera, y los dos siguieron siendo amigos y colaboradores artísticos durante las décadas siguientes. [19]
De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Art Students League de Nueva York , [23] donde conoció a sus compañeros artistas Knox Martin y Cy Twombly . [24]
Rauschenberg se casó con Susan Weil en el verano de 1950 en la casa de la familia Weil en Outer Island, Connecticut . Su único hijo, Christopher, nació el 16 de julio de 1951. Los dos se separaron en junio de 1952 y se divorciaron en 1953. [25] A partir de entonces, Rauschenberg tuvo relaciones románticas con sus compañeros artistas Cy Twombly y Jasper Johns , entre otros. [26] [27] Su compañero durante los últimos 25 años de su vida fue el artista Darryl Pottorf, [28] su ex asistente. [23]
En la década de 1970 se mudó a NoHo en Manhattan en la ciudad de Nueva York. [29]
Rauschenberg compró Beach House, su primera propiedad en la isla de Captiva , el 26 de julio de 1968. Sin embargo, la propiedad no se convirtió en su residencia permanente hasta el otoño de 1970. [30]
Rauschenberg murió de insuficiencia cardíaca el 12 de mayo de 2008 en Captiva Island , Florida. [31] [32]
El enfoque de Rauschenberg fue a veces llamado " neodadaísta ", etiqueta que compartía con el pintor Jasper Johns . [33] Rauschenberg afirmó que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida", y quería trabajar "en la brecha entre los dos". [34] Como muchos de sus predecesores dadaístas , Rauschenberg cuestionó la distinción entre objetos de arte y objetos cotidianos, y su uso de materiales prefabricados retomó las cuestiones intelectuales planteadas por La Fuente de Marcel Duchamp (1917). La influencia dadaísta de Duchamp también se puede observar en las pinturas de Jasper Johns de blancos, números y banderas, que eran símbolos culturales familiares: "cosas que la mente ya sabe". [35]
En Black Mountain College , Rauschenberg experimentó con una variedad de medios artísticos que incluían grabado, dibujo, fotografía, pintura, escultura y teatro; sus obras a menudo presentaban alguna combinación de estos. Creó sus pinturas Night Blooming (1951) en Black Mountain prensando guijarros y grava para convertirlos en pigmento negro sobre lienzo. Ese mismo año, en colaboración con Susan Weil, realizó planos de cuerpo completo en su apartamento de Nueva York, que "esperan convertir [...] en diseños de biombos y papeles pintados". [36]
Desde el otoño de 1952 hasta la primavera de 1953, Rauschenberg viajó por Italia y el norte de África con su colega artista y socio Cy Twombly . Allí creó collages y pequeñas esculturas, incluidas Scatole Personali y Feticci Personali , a partir de materiales encontrados. Los expuso en galerías de Roma y Florencia . [37] Para sorpresa de Rauschenberg, varias de las obras se vendieron; muchos de los que no lo hicieron los arrojó al río Arno , siguiendo la sugerencia de un crítico de arte que revisó su muestra. [38] [39]
A su regreso a la ciudad de Nueva York en 1953, Rauschenberg comenzó a crear esculturas con materiales encontrados en su vecindario del Bajo Manhattan, como chatarra, madera y cordeles. [40] A lo largo de la década de 1950, Rauschenberg se mantuvo diseñando escaparates para Tiffany & Co. y Bonwit Teller , primero con Susan Weil y luego en sociedad con Jasper Johns bajo el seudónimo de Matson Jones.
En un incidente famoso de 1953, Rauschenberg solicitó un dibujo al pintor expresionista abstracto Willem de Kooning con el expreso propósito de borrarlo como declaración artística. Esta obra conceptual, titulada Dibujo Erased de Kooning , fue ejecutada con el consentimiento del artista mayor. [41] [42]
En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual similar al presentar una idea como la obra de arte misma. Fue invitado a participar en una exposición en la Galerie Iris Clert de París , donde los artistas debían presentar retratos de Clert , el galerista. La presentación de Rauschenberg consistió en un telegrama que declaraba: "Este es un retrato de Iris Clert, si yo lo digo". [22]
En 1962, las pinturas de Rauschenberg comenzaban a incorporar no sólo objetos encontrados sino también imágenes encontradas. Después de una visita al estudio de Andy Warhol ese año, Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía , normalmente reservado para medios de reproducción comerciales, para transferir fotografías al lienzo. [43] Las pinturas serigrafiadas realizadas entre 1962 y 1964 llevaron a los críticos a identificar la obra de Rauschenberg con el arte pop .
Rauschenberg había experimentado con la tecnología en sus obras de arte desde la realización de sus primeras Combines a mediados de la década de 1950, donde a veces usaba radios, relojes y ventiladores eléctricos en funcionamiento como materiales escultóricos. Más tarde exploró su interés por la tecnología mientras trabajaba con el científico investigador de los Laboratorios Bell Billy Klüver . Juntos realizaron algunos de los experimentos tecnológicos más ambiciosos de Rauschenberg, como Soundings (1968), una instalación luminosa que respondía al sonido ambiental. En 1966, Klüver y Rauschenberg lanzaron oficialmente Experiments in Art and Technology (EAT), una organización sin fines de lucro creada para promover colaboraciones entre artistas e ingenieros. [44] [45] En 1969, la NASA invitó a Rauschenberg a presenciar el lanzamiento del Apolo 11 . En respuesta a este acontecimiento histórico, Rauschenberg creó su serie de litografías Stoned Moon . [46] Esto implicó combinar diagramas y otras imágenes de los archivos de la NASA con sus propios dibujos y texto escrito a mano. [47] [48]
Desde 1970, Rauschenberg trabajó desde su casa y estudio en Captiva, Florida . Las primeras obras que creó en su nuevo estudio fueron Cardboards (1971–72) y Early Egypts (1973–74), para las que se basó en materiales de origen local como cartón y arena. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo habían resaltado imágenes y materiales urbanos, Rauschenberg ahora favorecía el efecto de las fibras naturales que se encuentran en las telas y el papel. Imprimió sobre textiles utilizando su técnica de transferencia de solventes para realizar las series Hoarfrost (1974–76) y Spread (1975–82); este último presentaba grandes extensiones de tela encolada sobre paneles de madera. Rauschenberg creó su serie Jammer (1975–76) utilizando telas coloridas inspiradas en su viaje a Ahmedabad, India , una ciudad famosa por sus textiles. La simplicidad sin imágenes de la serie Jammer contrasta sorprendentemente con los Hoarfrosts llenos de imágenes y la dureza de sus primeras obras realizadas en la ciudad de Nueva York .
Los viajes internacionales se convirtieron en una parte central del proceso artístico de Rauschenberg después de 1975. En 1984, Rauschenberg anunció el inicio de su Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) en las Naciones Unidas . Financiado casi en su totalidad por el artista, el proyecto ROCI consistió en una gira de siete años por diez países de todo el mundo. Rauschenberg tomó fotografías en cada lugar y realizó obras de arte inspiradas en las culturas que visitó. Las obras resultantes se exhibieron en una exposición local en cada país. Rauschenberg donaba a menudo una obra de arte a una institución cultural local. [49]
A partir de mediados de la década de 1980, Rauschenberg se centró en la serigrafía de imágenes en una variedad de metales con diferentes tratamientos, como el acero y el aluminio espejado. Creó muchas series de las llamadas "pinturas de metal", entre ellas: Borealis (1988–92), [50] Urban Bourbons (1988–1996), Phantoms (1991) y Night Shades (1991). [51] Además, a lo largo de la década de 1990, Rauschenberg continuó utilizando nuevos materiales mientras seguía trabajando con técnicas más rudimentarias. Como parte de su compromiso con las últimas innovaciones tecnológicas, en sus últimas series de pintura transfirió imágenes fotográficas de inyección de tinta digital a una variedad de soportes de pintura. Para sus Arcadian Retreats (1996) transfirió imágenes al fresco húmedo. Su Love Hotel [Anagram (A Pun)] de 1998, y realizado en transfer de tintes vegetales sobre polilaminado, está incluido en la colección permanente del Pérez Art Museum Miami , en Florida, estado natal del artista durante casi cuarenta años. [52] [53] De acuerdo con su compromiso con el medio ambiente, Rauschenberg utilizó tintes y pigmentos biodegradables y agua en lugar de productos químicos en el proceso de transferencia. [54]
En 1951 Rauschenberg creó su serie Pintura Blanca en la tradición de la pintura monocromática establecida por Kazimir Malevich , quien redujo la pintura a sus cualidades más esenciales para una experiencia de pureza e infinidad estéticas. [55] Las Pinturas Blancas se exhibieron en la Galería Stable de Eleanor Ward en Nueva York en el otoño de 1953. Rauschenberg usó pintura de casa blanca y rodillos de pintura cotidianos para crear superficies lisas y sin adornos que al principio parecen lienzos en blanco. Sin embargo, en lugar de percibirlas como carentes de contenido, John Cage describió las Pinturas Blancas como "aeropuertos para las luces, las sombras y las partículas"; [56] superficies que reflejaban delicados cambios atmosféricos en la habitación. El propio Rauschenberg afirmó que se vieron afectados por las condiciones ambientales, "por lo que casi se podría saber cuántas personas hay en la habitación". Al igual que las Pinturas Blancas , las pinturas negras de 1951-1953 se ejecutaron en múltiples paneles y eran predominantemente obras de un solo color. Rauschenberg aplicó pintura negra mate y brillante a fondos texturizados de periódicos sobre lienzo, permitiendo ocasionalmente que el periódico permaneciera visible.
En 1953, Rauschenberg había pasado de las series Pintura blanca y pintura negra al expresionismo intensificado de su serie Pintura roja . Consideraba que el rojo era "el color más difícil" para pintar y aceptó el desafío goteando, pegando y exprimiendo capas de pigmento rojo directamente sobre lienzos que incluían telas estampadas, periódicos, madera y clavos. [57] Las complejas superficies materiales de las Pinturas Rojas fueron las precursoras de la conocida serie Combine de Rauschenberg (1954-1964). [55]
Rauschenberg recogió objetos desechados en las calles de la ciudad de Nueva York y los llevó a su estudio donde los integró en su trabajo. Afirmó que "quería algo distinto de lo que yo mismo podía hacer y quería utilizar la sorpresa, la colectividad y la generosidad de encontrar sorpresas. [...] Así que el objeto en sí fue cambiado por su contexto y, por lo tanto, se convirtió en un nuevo cosa." [42]
El comentario de Rauschenberg sobre la brecha entre el arte y la vida proporciona el punto de partida para comprender sus contribuciones como artista. [34] Vio la belleza potencial en casi cualquier cosa; una vez dijo: "Realmente lo siento por la gente que piensa que cosas como jaboneras, espejos o botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeados de cosas así todo el día, y eso debe hacerlos sentir miserables". [58] Su serie Combine dotó a los objetos cotidianos de un nuevo significado al incorporarlos al contexto de las bellas artes junto con los materiales de pintura tradicionales. Los Combines eliminaron los límites entre arte y escultura para que ambos estuvieran presentes en una sola obra de arte. Si bien "Combines" técnicamente se refiere al trabajo de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuó utilizando objetos cotidianos como ropa, periódicos, escombros urbanos y cartón a lo largo de su carrera artística.
Sus piezas de transición que llevaron a la creación de Combines fueron Charlene (1954) y Collection (1954/1955), donde hizo collages de objetos como bufandas, bombillas eléctricas, espejos y tiras cómicas. Aunque Rauschenberg había implementado periódicos y textiles estampados en sus pinturas negras y Pinturas rojas , en los Combines dio a los objetos cotidianos un protagonismo igual al de los materiales de pintura tradicionales. Considerada una de las primeras Combines, Bed (1955) se creó untando pintura roja sobre una colcha, una sábana y una almohada muy gastadas. La obra se colgó verticalmente en la pared como un cuadro tradicional. Debido a las íntimas conexiones de los materiales con la propia vida del artista, a menudo se considera que Bed es un autorretrato y una huella directa de la conciencia interior de Rauschenberg. Algunos críticos sugirieron que la obra podría leerse como un símbolo de violencia y violación, [59] pero Rauschenberg describió Bed como "uno de los cuadros más amigables que he pintado". [40] Entre sus Combinados más famosos se encuentran aquellos que incorporan animales disecados, como Monogram (1955-1959), que incluye una cabra de angora disecada , y Canyon (1959) , que presenta un águila real disecada . Aunque el águila fue rescatada de la basura, Canyon provocó la ira del gobierno debido a la Ley de Protección del Águila Calva y Real de 1940. [60]
Los críticos originalmente vieron a los Combines en términos de sus cualidades formales: color, textura y composición. La visión formalista de la década de 1960 fue refutada más tarde por el crítico Leo Steinberg , quien dijo que cada Combine era "una superficie receptora en la que se dispersan objetos, en la que se introducen datos". [61] Según Steinberg, la horizontalidad de lo que él llamó el "plano pictórico plano" de Rauschenberg había reemplazado la verticalidad tradicional de la pintura y, posteriormente, permitió las superficies exclusivamente ligadas a materiales de la obra de Rauschenberg.
Rauschenberg comenzó a explorar su interés por la danza después de mudarse a Nueva York a principios de los años cincuenta. Estuvo expuesto por primera vez a la danza de vanguardia y al arte escénico en Black Mountain College, donde participó en la pieza teatral número 1 de John Cage (1952), a menudo considerada el primer Happening . Comenzó a diseñar decorados, iluminación y vestuario para Merce Cunningham y Paul Taylor . A principios de la década de 1960 participó en los experimentos radicales de danza y teatro en la Judson Memorial Church en Greenwich Village , y coreografió su primera actuación, Pelican (1963), para el Judson Dance Theatre en mayo de 1963. [62] Rauschenberg era amigo cercano con bailarines afiliados a Cunningham, incluidos Carolyn Brown , Viola Farber y Steve Paxton , todos los cuales aparecieron en sus obras coreografiadas. La conexión de tiempo completo de Rauschenberg con la Merce Cunningham Dance Company terminó después de su gira mundial de 1964. [63] En 1966, Rauschenberg creó la actuación Open Score para parte de 9 Evenings: Theatre and Engineering en el 69th Regiment Armory , Nueva York. La serie fue fundamental en la formación de Experimentos en Arte y Tecnología (EAT). [64] [65]
En 1977, Rauschenberg, Cunningham y Cage se volvieron a conectar como colaboradores por primera vez en trece años para crear Travelogue (1977), para la cual Rauschenberg contribuyó con el vestuario y la escenografía. [54] Rauschenberg no coreografió sus propias obras después de 1967, pero continuó colaborando con otros coreógrafos, incluida Trisha Brown , durante el resto de su carrera artística.
A lo largo de su carrera, Rauschenberg diseñó numerosos carteles en apoyo de causas que eran importantes para él. En 1965, cuando la revista Life le encargó visualizar un infierno moderno, no dudó en desahogar su rabia por la guerra de Vietnam y otras cuestiones sociopolíticas contemporáneas, incluida la violencia racial, el neonazismo , los asesinatos políticos y el desastre ecológico. [38]
En 1969, el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York encargó a Rauschenberg la creación de una pieza en honor a su centenario. Supo que los objetivos originales del museo estaban detallados en un certificado de 1870 y creó su 'Certificado Centenario' a partir de ese objeto, con imágenes de algunas de las piezas más conocidas del museo y las firmas de la junta directiva de aquel momento. Existen copias del Certificado del Centenario en numerosos museos y colecciones privadas. [66]
El 30 de diciembre de 1979, el Miami Herald imprimió 650.000 ejemplares de Tropic , su revista dominical, con una portada diseñada por Rauschenberg. En 1983, ganó un premio Grammy por el diseño del álbum Speaking in Tongues de Talking Heads . [67] En 1986, BMW encargó a Rauschenberg que pintara un BMW 635 CSi de tamaño completo para la sexta entrega del famoso BMW Art Car Project . El coche de Rauschenberg fue el primero del proyecto en presentar reproducciones de obras del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, así como sus propias fotografías.
En 1998, el Vaticano encargó una obra de Rauschenberg en honor del año jubilar 2000 para ser exhibida en el Salón Litúrgico Padre Pío , San Giovanni Rotondo, Italia. Trabajando en torno al tema del Juicio Final , Rauschenberg creó The Happy Apocalypse (1999), una maqueta de seis metros de largo . Finalmente fue rechazado por el Vaticano basándose en que la descripción de Rauschenberg de Dios como una antena parabólica era una referencia teológica inapropiada. [68]
Rauschenberg tuvo su primera exposición individual en la Galería Betty Parsons en la primavera de 1951. [69] [70] En 1953, mientras estaba en Italia, Irene Brin y Gaspero del Corso se fijaron en él y organizaron su primera exposición europea en su famosa galería de Roma . [37] En 1953, Eleanor Ward invitó a Rauschenberg a participar en una exposición conjunta con Cy Twombly en la Stable Gallery . En su segunda exposición individual en Nueva York en la Charles Egan Gallery en 1954, Rauschenberg presentó sus Red Paintings (1953-1953) y Combines (1954-1964). [71] [72] Leo Castelli montó una exposición individual de Combines de Rauschenberg en 1958. La única venta fue una adquisición por parte del propio Castelli de Bed (1955), ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [73]
La primera retrospectiva de la carrera de Rauschenberg fue organizada por el Museo Judío de Nueva York en 1963. En 1964 se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en ganar el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia ( James Whistler y Mark Tobey habían ganado anteriormente premios de pintura) . en 1895 y 1958 respectivamente). La Colección Nacional de Bellas Artes (ahora Museo Smithsonian de Arte Americano ), Washington, DC, organizó una retrospectiva a mitad de carrera, que viajó por todo Estados Unidos entre 1976 y 1978. [54] [74]
En la década de 1990 se celebró una retrospectiva en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1997), que viajó a museos de Houston, Colonia y Bilbao durante 1999. [75] Se presentó una exposición de Combines en el Museo Metropolitano de Arte , Nueva York (2005; viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , al Centro Georges Pompidou de París y al Moderna Museet de Estocolmo hasta 2007). La primera retrospectiva póstuma de Rauschenberg se montó en la Tate Modern (2016; viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta 2017). [76]
Otras exposiciones incluyen: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londres (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953–54 , Craig F. Starr Associates (2014); Un léxico visual, Galería Leo Castelli (2014); Robert Rauschenberg: Obras sobre metal , Galería Gagosian, Beverly Hills (2014); [77] Rauschenberg en China , Centro Ullens de Arte Contemporáneo , Beijing (2016); y Rauschenberg: The 1/4 Mile en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2018-2019). [78]
Rauschenberg creía firmemente en el poder del arte como catalizador del cambio social. El Intercambio Cultural Extranjero de Rauschenberg (ROCI) comenzó en 1984 como un esfuerzo por iniciar el diálogo internacional y mejorar el entendimiento cultural a través de la expresión artística. En 1991 se presentó una exposición de ROCI en la Galería Nacional de Arte, DC, [79], concluyendo una gira por diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, URSS, Alemania y Malasia.
En 1970, Rauschenberg creó un programa llamado Change, Inc., para otorgar subvenciones de emergencia únicas de hasta 1.000 dólares a artistas visuales en función de sus necesidades financieras. [80] En 1990, Rauschenberg creó la Fundación Robert Rauschenberg (RRF) para promover la conciencia sobre las causas que le importaban, como la paz mundial, el medio ambiente y las cuestiones humanitarias. En 1986, Rauschenberg recibió el premio Golden Plate de la American Academy of Achievement . [81] [82] El presidente Bill Clinton le concedió la Medalla Nacional de las Artes en 1993. En 2000, Rauschenberg fue honrado con el Premio a la Excelencia de amfAR por sus contribuciones artísticas a la lucha contra el SIDA. [83]
Actualmente, RRF posee muchas obras de Rauschenberg de todos los períodos de su carrera. En 2011, la fundación presentó La colección privada de Robert Rauschenberg en colaboración con la Galería Gagosian , que presenta selecciones de la colección de arte personal de Rauschenberg. Las ganancias de la exposición ayudaron a financiar las actividades filantrópicas de la fundación. [84] También en 2011, la fundación lanzó su proyecto "Artista como activista" e invitó al artista Shepard Fairey a centrarse en un tema de su elección. La obra editada que realizó se vendió para recaudar fondos para la Coalición para las Personas sin Hogar . [85] RRF continúa apoyando a artistas emergentes y organizaciones artísticas con subvenciones y colaboraciones filantrópicas cada año. La RRF tiene varios programas de residencia que se llevan a cabo en la sede de la fundación en Nueva York y en la propiedad del difunto artista en Captiva Island , Florida.
En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó a Open Score (1966) en el séptimo lugar de su lista de las mejores obras de arte escénico de todos los tiempos. [86]
En 2010, Studio Painting (1960-61), uno de los Combines de Rauschenberg estimado originalmente entre 6 y 9 millones de dólares, fue comprado de la colección de Michael Crichton por 11 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [87] En 2019, Christie's vendió la pintura serigrafiada Buffalo II (1964) por 88,8 millones de dólares, rompiendo el récord anterior del artista.
A principios de la década de 1970, Rauschenberg presionó al Congreso de Estados Unidos para que aprobara un proyecto de ley que compensaría a los artistas cuando su obra se revendiera en el mercado secundario. Rauschenberg retomó su lucha por los derechos de reventa de artistas ( droit de suite ) después de que el barón de los taxis Robert Scull vendiera parte de su colección de obras de arte pop y expresionista abstracto por 2,2 millones de dólares. Scull había comprado originalmente las pinturas de Rauschenberg Thaw (1958) y Double Feature (1959) por 900 y 2.500 dólares respectivamente; Aproximadamente una década después, Scull vendió las piezas por 85.000 y 90.000 dólares en una subasta de 1973 en Sotheby Parke Bernet en Nueva York. [88]
Los esfuerzos de lobby de Rauschenberg fueron recompensados en 1976 cuando el gobernador de California, Jerry Brown, promulgó la Ley de regalías de reventa de California de 1976. [89] El artista continuó impulsando una legislación sobre regalías de reventa a nivel nacional después de la victoria de California.
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