John Milton Cage Jr. (5 de septiembre de 1912 - 12 de agosto de 1992) fue un compositor y teórico de la música estadounidense . Pionero de la indeterminación en la música , la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales , Cage fue una de las principales figuras de la vanguardia de la posguerra . La crítica lo ha elogiado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. [1] [2] [3] [4] También jugó un papel decisivo en el desarrollo de la danza moderna , principalmente a través de su asociación con la coreógrafa Merce Cunningham , quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas. [5] [6]
Los maestros de Cage incluyeron a Henry Cowell (1933) y Arnold Schoenberg (1933-1935), ambos conocidos por sus innovaciones radicales en la música, pero las principales influencias de Cage se encuentran en varias culturas del este y sur de Asia . A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a finales de la década de 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o controlada por el azar , que comenzó a componer en 1951. [7] El I Ching , un antiguo texto clásico chino y la toma de decisiones herramienta, se convirtió en la herramienta de composición estándar de Cage por el resto de su vida. [8] En una conferencia de 1957, Música experimental , describió la música como "una obra sin propósito" que es "una afirmación de la vida; no un intento de poner orden en el caos ni de sugerir mejoras en la creación, sino simplemente una forma de despertar". hasta la vida misma que estamos viviendo". [9]
La obra más conocida de Cage es la composición 4′33″ de 1952 , una pieza interpretada en ausencia de sonido deliberado; Los músicos que presentan la obra no hacen más que estar presentes durante el tiempo especificado en el título. El contenido de la composición pretende ser los sonidos del entorno escuchados por el público durante la interpretación. [10] [11] El desafío de la obra a las definiciones asumidas sobre la musicalidad y la experiencia musical lo convirtió en un tema popular y controvertido tanto en la musicología como en la estética más amplia del arte y la interpretación. Cage fue también un pionero del piano preparado (un piano con su sonido alterado por objetos colocados entre o sobre sus cuerdas o martillos), para el que escribió numerosas obras relacionadas con la danza y algunas piezas de concierto. Estos incluyen Sonatas e Interludios (1946-1948). [12]
Cage nació el 5 de septiembre de 1912 en el Good Samaritan Hospital en el centro de Los Ángeles. [13] Su padre, John Milton Cage Sr. (1886-1964), fue inventor, y su madre, Lucretia ("Creta") Harvey (1881-1968), trabajó de forma intermitente como periodista para Los Angeles Times . [14] Las raíces de la familia eran profundamente estadounidenses: en una entrevista de 1976, Cage mencionó que George Washington fue ayudado por un antepasado llamado John Cage en la tarea de inspeccionar la colonia de Virginia . [15] Cage describió a su madre como una mujer con "sentido de sociedad" que "nunca fue feliz", [16] mientras que su padre quizás se caracterice mejor por sus inventos: a veces idealistas, como un submarino propulsado por diésel que daba de las burbujas de escape, ya que el mayor Cage no está interesado en un submarino indetectable; [14] otros revolucionarios y contrarios a las normas científicas, como la "teoría del campo electrostático" del universo. [a] John Cage Sr. le enseñó a su hijo que "si alguien dice 'no puedo', eso le muestra qué hacer". En 1944-1945, Cage escribió dos pequeñas piezas de personajes dedicadas a sus padres: Creta y Papá . Esta última es una pieza breve y animada que termina abruptamente, mientras que "Creta" es una obra contrapuntística ligeramente más larga, mayoritariamente melódica. [17]
Las primeras experiencias de Cage con la música fueron con profesores de piano privados en el área metropolitana de Los Ángeles y con varios familiares, en particular su tía Phoebe Harvey James, quien lo introdujo en la música para piano del siglo XIX. Recibió sus primeras lecciones de piano cuando estaba en cuarto grado en la escuela, pero aunque le gustaba la música, expresó más interés en la lectura a primera vista que en desarrollar una técnica virtuosa del piano, y aparentemente no estaba pensando en la composición. [18] Durante la escuela secundaria, una de sus profesoras de música fue Fannie Charles Dillon . [19] En 1928, sin embargo, Cage estaba convencido de que quería ser escritor. Se graduó ese año de la Escuela Secundaria de Los Ángeles con las mejores calificaciones , [20] habiendo pronunciado también en la primavera un discurso premiado en el Hollywood Bowl proponiendo un día de tranquilidad para todos los estadounidenses. Al estar "en silencio y en silencio", afirmó, "deberíamos tener la oportunidad de escuchar lo que piensan los demás", anticipándonos a 4′33″ en más de treinta años. [21]
Cage se matriculó en Pomona College en Claremont para estudiar teología en 1928. Sin embargo, a menudo cruzando disciplinas nuevamente, encontró en Pomona el trabajo del artista Marcel Duchamp a través del profesor José Pijoan, del escritor James Joyce a través de Don Sample, del filósofo Ananda Coomaraswamy y de Henry Cowell . [19] En 1930 abandonó sus estudios, habiendo llegado a creer que "la universidad no servía de nada para un escritor" [22] después de un incidente descrito en la declaración autobiográfica de 1991:
En la universidad me sorprendió ver a cien de mis compañeros de clase en la biblioteca leyendo copias del mismo libro. En lugar de hacer lo que ellos hicieron, fui a las estanterías y leí el primer libro escrito por un autor cuyo nombre comenzaba con Z. Recibí la calificación más alta de la clase. Eso me convenció de que la institución no estaba funcionando correctamente. Me fui. [dieciséis]
Cage convenció a sus padres de que un viaje a Europa sería más beneficioso para un futuro escritor que los estudios universitarios. [23] Posteriormente hizo autostop hasta Galveston y navegó hasta Le Havre , donde tomó un tren a París. [24] Cage permaneció en Europa durante unos 18 meses, probando diversas formas de arte. Primero estudió arquitectura gótica y griega , pero decidió que no estaba lo suficientemente interesado en la arquitectura como para dedicarle su vida. [22] Luego se dedicó a la pintura, la poesía y la música. Fue en Europa donde, animado por su maestro Lazare Lévy , [25] escuchó por primera vez la música de compositores contemporáneos (como Igor Stravinsky y Paul Hindemith ) y finalmente conoció la música de Johann Sebastian Bach , que no había experimentado. antes.
Después de varios meses en París, el entusiasmo de Cage por Estados Unidos revivió después de leer Hojas de hierba de Walt Whitman : quería regresar inmediatamente, pero sus padres, con quienes intercambió cartas regularmente durante todo el viaje, lo persuadieron de quedarse en Europa. un poco más y explorar el continente. [26] Cage comenzó a viajar, visitando varios lugares de Francia, Alemania y España, además de Capri y, lo más importante, Mallorca , donde empezó a componer. [27] Sus primeras composiciones fueron creadas utilizando densas fórmulas matemáticas, pero Cage no estaba satisfecho con los resultados y dejó las piezas terminadas cuando se fue. [28] La asociación de Cage con el teatro también comenzó en Europa: durante un paseo por Sevilla fue testigo, en sus propias palabras, "la multiplicidad de eventos visuales y audibles simultáneos que van juntos en la experiencia de uno y producen disfrute". [29]
Cage regresó a los Estados Unidos en 1931. [28] Fue a Santa Mónica, California , donde se ganó la vida en parte dando pequeñas conferencias privadas sobre arte contemporáneo. Llegó a conocer a varias figuras importantes del mundo del arte del sur de California, como Richard Buhlig (quien se convirtió en su primer profesor de composición) [30] y la mecenas de las artes Galka Scheyer . [22] En 1933, Cage decidió concentrarse en la música en lugar de la pintura. "La gente que escuchó mi música tenía mejores cosas que decir al respecto que las personas que miraron mis pinturas", explicó Cage más tarde. [22] En 1933 envió algunas de sus composiciones a Henry Cowell; la respuesta fue una "carta bastante vaga", [31] en la que Cowell sugería que Cage estudiara con Arnold Schoenberg ; las ideas musicales de Cage en ese momento incluían una composición basada en una fila de 25 tonos , algo similar a la técnica de doce tonos de Schoenberg . [32] Cowell también aconsejó que, antes de acercarse a Schoenberg, Cage debería tomar algunas lecciones preliminares, y recomendó a Adolph Weiss , un ex alumno de Schoenberg. [33]
Siguiendo el consejo de Cowell, Cage viajó a la ciudad de Nueva York en 1933 y comenzó a estudiar con Weiss, además de recibir lecciones del propio Cowell en The New School . [30] Se mantuvo económicamente aceptando un trabajo lavando paredes en una YWCA (Asociación Cristiana Mundial de Mujeres Jóvenes) en Brooklyn . [34] La rutina de Cage durante ese período era aparentemente muy agotadora, con solo cuatro horas de sueño la mayoría de las noches y cuatro horas de composición todos los días a partir de las 4 am. [34] [35] Varios meses después, todavía en 1933, Cage se volvió lo suficientemente bueno en composición como para acercarse a Schoenberg. [b] No podía pagar el precio de Schoenberg, y cuando lo mencionó, el compositor mayor le preguntó si Cage dedicaría su vida a la música. Después de que Cage respondió que lo haría, Schoenberg se ofreció a darle clases particulares de forma gratuita. [36]
Cage estudió con Schoenberg en California: primero en la Universidad del Sur de California y luego en la Universidad de California en Los Ángeles , así como de forma privada. [30] El compositor mayor se convirtió en una de las mayores influencias de Cage, quien "literalmente lo adoraba", [37] particularmente como un ejemplo de cómo vivir la vida siendo compositor. [35] La promesa que hizo Cage de dedicar su vida a la música, aparentemente todavía era importante unos 40 años después, cuando Cage "no tenía necesidad de ello [es decir, escribir música]", continuó componiendo en parte debido a la promesa que hizo. [38] Los métodos de Schoenberg y su influencia en Cage están bien documentados por el propio Cage en varias conferencias y escritos. Particularmente conocida es la conversación mencionada en la conferencia Indeterminación de 1958 :
Después de estudiar con él durante dos años, Schoenberg dijo: "Para escribir música es necesario tener un sentimiento de armonía". Le expliqué que no tenía ningún sentimiento de armonía. Luego dijo que siempre encontraría un obstáculo, que sería como si llegara a un muro que no podría atravesar. Dije: "En ese caso dedicaré mi vida a golpearme la cabeza contra esa pared". [39]
Cage estudió con Schoenberg durante dos años, pero aunque admiraba a su maestro, decidió irse después de que Schoenberg les dijera a los estudiantes reunidos que estaba tratando de hacerles imposible escribir música. Mucho más tarde, Cage relató el incidente: "... Cuando dijo eso, me rebelé, no contra él, sino contra lo que había dicho. Decidí en ese momento, más que nunca, escribir música". [37] Aunque Schoenberg no quedó impresionado con las habilidades compositivas de Cage durante estos dos años, en una entrevista posterior, donde inicialmente dijo que ninguno de sus alumnos estadounidenses era interesante, afirmó además en referencia a Cage: "Había uno... Por supuesto que no es un compositor, pero es un inventor genial". [37] Cage adoptaría más tarde el apodo de "inventor" y negaría que en realidad fuera un compositor. [40]
En algún momento de 1934-1935, durante sus estudios con Schoenberg, Cage trabajaba en la tienda de artesanías de su madre, donde conoció a la artista Xenia Andreyevna Kashevaroff . Era hija de un sacerdote ruso, nacida en Alaska ; su trabajo abarcó la encuadernación fina , la escultura y el collage . Aunque Cage mantenía relaciones con Don Sample y con Pauline , la esposa del arquitecto Rudolph Schindler [19] , cuando conoció a Xenia, se enamoró de inmediato. Cage y Kashevaroff se casaron en el desierto de Yuma, Arizona , el 7 de junio de 1935. [41]
La pareja de recién casados vivió primero con los padres de Cage en Pacific Palisades y luego se mudó a Hollywood. [42] Durante 1936-1938, Cage cambió numerosos trabajos, incluido uno que inició su asociación de por vida con la danza moderna: acompañante de danza en la Universidad de California, Los Ángeles. Produjo música para coreografías y en un momento impartió un curso sobre "Acompañamientos musicales para la expresión rítmica" en UCLA, con su tía Phoebe. [43] Fue durante ese tiempo que Cage comenzó a experimentar con instrumentos poco ortodoxos, como artículos para el hogar, láminas de metal, etc. Esto se inspiró en Oskar Fischinger , quien le dijo a Cage que "todo en el mundo tiene un espíritu que puede liberarse a través de su sonido". Aunque Cage no compartía la idea de los espíritus, estas palabras lo inspiraron a comenzar a explorar los sonidos producidos al golpear varios objetos no musicales. [43] [44]
En 1938, por recomendación de Cowell, Cage condujo hasta San Francisco para buscar empleo y buscar a su compañero de estudios y compositor Lou Harrison . Según Cowell, los dos compositores tenían un interés compartido por la percusión y la danza y probablemente se llevarían bien si se presentaran. De hecho, los dos inmediatamente establecieron un fuerte vínculo al conocerse y comenzaron una relación de trabajo que continuó durante varios años. Harrison pronto ayudó a Cage a conseguir un puesto como miembro de la facultad en Mills College , impartiendo el mismo programa que en UCLA y colaborando con la coreógrafa Marian van Tuyl . Estuvieron presentes varios grupos de danza famosos y el interés de Cage por la danza moderna creció aún más. [43] Después de varios meses se fue y se mudó a Seattle , Washington, donde encontró trabajo como compositor y acompañante de la coreógrafa Bonnie Bird en el Cornish College of the Arts . Los años de la escuela de Cornualles resultaron ser un período particularmente importante en la vida de Cage. Además de enseñar y trabajar como acompañante, Cage organizó un conjunto de percusión que realizó una gira por la costa oeste y le dio al compositor su primera fama. Su reputación mejoró aún más con la invención del piano preparado, un piano cuyo sonido ha sido alterado por objetos colocados sobre, debajo o entre las cuerdas, en 1940. Este concepto fue pensado originalmente para una actuación realizada en una sala demasiado pequeña para Incluye un conjunto completo de percusión. También fue en la Cornish School donde Cage conoció a varias personas que se hicieron amigos para toda la vida, como el pintor Mark Tobey y la bailarina Merce Cunningham. Este último se convertiría en el compañero romántico y colaborador artístico de Cage durante toda su vida.
Cage abandonó Seattle en el verano de 1941 después de que el pintor László Moholy-Nagy lo invitara a enseñar en la Escuela de Diseño de Chicago (lo que más tarde se convirtió en el Instituto de Diseño IIT ). El compositor aceptó en parte porque esperaba encontrar oportunidades en Chicago, que no estaban disponibles en Seattle, para organizar un centro de música experimental. Estas oportunidades no se materializaron. Cage enseñó en la Escuela de Diseño de Chicago y trabajó como acompañante y compositor en la Universidad de Chicago . En un momento, su reputación como compositor de percusión le valió un encargo del Columbia Broadcasting System para componer una banda sonora para una obra de radio de Kenneth Patchen . El resultado, The City Wears a Slouch Hat , fue bien recibido y Cage dedujo que le seguirían encargos más importantes. Con la esperanza de encontrarlos, dejó Chicago hacia la ciudad de Nueva York en la primavera de 1942.
En Nueva York, los Cage se alojaron por primera vez en casa del pintor Max Ernst y Peggy Guggenheim . A través de ellos, Cage conoció a importantes artistas como Piet Mondrian , André Breton , Jackson Pollock y Marcel Duchamp , entre muchos otros. Guggenheim la apoyó mucho: los Cage podían quedarse con ella y Ernst por cualquier período de tiempo, y ella se ofreció a organizar un concierto de la música de Cage en la inauguración de su galería, lo que incluía pagar el transporte de los instrumentos de percusión de Cage desde Chicago. Después de enterarse de que Cage consiguió otro concierto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) , Guggenheim retiró todo apoyo e, incluso después del concierto finalmente exitoso del MoMA, Cage se quedó sin hogar, desempleado y sin dinero. Los encargos que esperaba no se produjeron. Él y Xenia pasaron el verano de 1942 con la bailarina Jean Erdman y su marido Joseph Campbell . Sin los instrumentos de percusión, Cage volvió a recurrir al piano preparado, produciendo un conjunto sustancial de obras para actuaciones de varios coreógrafos, incluido Merce Cunningham, que se había mudado a la ciudad de Nueva York varios años antes. Cage y Cunningham finalmente se involucraron románticamente, y el matrimonio de Cage, que ya se había roto a principios de la década de 1940, terminó en divorcio en 1945. Cunningham siguió siendo socio de Cage por el resto de su vida. Cage también contrarrestó la falta de instrumentos de percusión escribiendo, en una ocasión, para voz y piano cerrado: la pieza resultante, The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942), rápidamente se hizo popular y fue interpretada por el célebre dúo formado por Cathy Berberian y Luciano. Berio . [45] En 1944, apareció en At Land de Maya Deren , una película experimental muda de 15 minutos.
Al igual que su vida personal, la vida artística de Cage atravesó una crisis a mediados de los años cuarenta. El compositor experimentaba una creciente desilusión con la idea de la música como medio de comunicación: el público rara vez aceptaba su obra y el propio Cage también tenía dificultades para comprender la música de sus colegas. A principios de 1946, Cage aceptó ser tutor de Gita Sarabhai , un músico indio que vino a Estados Unidos para estudiar música occidental. A cambio, él le pidió que le enseñara música y filosofía indias. [46] Cage también asistió, a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, a las conferencias de DT Suzuki sobre budismo zen , [47] y leyó además las obras de Coomaraswamy . [30] Los primeros frutos de estos estudios fueron obras inspiradas en conceptos indios: Sonatas e Interludios para piano preparado, Cuarteto de cuerda en cuatro partes , y otros. Cage aceptó el objetivo de la música tal como le explicó Sarabhai: "sobrar y calmar la mente, haciéndola así susceptible a las influencias divinas". [48]
A principios de 1946, su antiguo maestro Richard Buhlig hizo arreglos para que Cage conociera a la pianista nacida en Berlín Grete Sultan , quien había escapado de la persecución nazi a Nueva York en 1941. [49] Se hicieron amigos cercanos y de toda la vida, y Cage más tarde dedicó parte de su Música para Piano y su monumental ciclo de piano Estudios Australes para ella.
Después de una actuación en 1949 en el Carnegie Hall de Nueva York, Cage recibió una beca de la Fundación Guggenheim , lo que le permitió realizar un viaje a Europa, donde conoció a compositores como Olivier Messiaen y Pierre Boulez . Más importante fue el encuentro casual de Cage con Morton Feldman en la ciudad de Nueva York a principios de 1950. Ambos compositores asistieron a un concierto de la Filarmónica de Nueva York , donde la orquesta interpretó la Sinfonía op. 21, seguida de una pieza de Sergei Rachmaninoff . Cage se sintió tan abrumado por la pieza de Webern que se fue antes que Rachmaninoff; y en el vestíbulo se encontró con Feldman, quien se marchaba por el mismo motivo. [50] Los dos compositores rápidamente se hicieron amigos; algún tiempo después, Cage, Feldman, Earle Brown , David Tudor y el alumno de Cage, Christian Wolff, llegaron a ser conocidos como "la escuela de Nueva York". [51] [52]
A principios de 1951, Wolff le regaló a Cage una copia del I Ching [53] , un texto clásico chino que describe un sistema de símbolos utilizado para identificar el orden en acontecimientos aleatorios. Esta versión del I Ching fue la primera traducción completa al inglés y fue publicada por el padre de Wolff, Kurt Wolff de Pantheon Books en 1950. El I Ching se usa comúnmente para la adivinación , pero para Cage se convirtió en una herramienta para componer utilizando el azar. [54] Para componer una pieza musical, Cage proponía preguntas para formular al I Ching ; El libro entonces se usaría de la misma manera que se usa para la adivinación. Para Cage, esto significaba "imitar a la naturaleza en su forma de actuar". [55] [56] Su interés de toda la vida por el sonido mismo culminó en un enfoque que produjo obras en las que los sonidos estaban libres de la voluntad del compositor:
Cuando escucho lo que llamamos música, me parece que alguien está hablando. Y hablar de sus sentimientos o de sus ideas sobre las relaciones. Pero cuando oigo el tráfico, el sonido del tráfico (aquí en la Sexta Avenida, por ejemplo), no tengo la sensación de que nadie esté hablando. Tengo la sensación de que el sonido actúa. Y me encanta la actividad del sonido... No necesito que el sonido me hable. [57]
Aunque Cage había utilizado el azar en algunas ocasiones anteriores, sobre todo en el tercer movimiento del Concierto para piano preparado y orquesta de cámara (1950-1951), [58] el I Ching le abrió nuevas posibilidades en este campo. Los primeros resultados del nuevo enfoque fueron Imaginary Landscape No. 4 para 12 receptores de radio y Music of Changes para piano. Este último trabajo fue escrito para David Tudor, [59] a quien Cage conoció a través de Feldman, otra amistad que duró hasta la muerte de Cage. [c] Tudor estrenó la mayoría de las obras de Cage hasta principios de la década de 1960, cuando dejó de tocar el piano y se concentró en componer música. El I Ching se convirtió en la herramienta estándar de composición de Cage: lo utilizó prácticamente en todas las obras compuestas después de 1951 y, finalmente, se decidió por un algoritmo informático que calculaba números de forma similar a lanzar monedas para el I Ching .
A pesar de la fama que le ganaron las Sonatas e Interludios , y las conexiones que cultivó con compositores y músicos estadounidenses y europeos, Cage era bastante pobre. Aunque todavía tenía un apartamento en 326 Monroe Street (que ocupaba desde alrededor de 1946), su situación financiera en 1951 empeoró tanto que mientras trabajaba en Music of Changes , preparó una serie de instrucciones para Tudor sobre cómo completar la pieza. en caso de su muerte. [60] Sin embargo, Cage logró sobrevivir y mantuvo una vida artística activa, dando conferencias y actuaciones, etc.
En 1952-1953 completó otro proyecto gigantesco: Williams Mix , una pieza musical en cinta , que Earle Brown y Morton Feldman ayudaron a montar. [61] También en 1952, Cage compuso la pieza que se convirtió en su creación más conocida y controvertida: 4′33″ . La partitura indica al intérprete que no toque el instrumento durante toda la duración de la pieza (cuatro minutos, treinta y tres segundos) y debe ser percibida como compuesta por los sonidos del entorno que los oyentes escuchan mientras se interpreta. Cage concibió "una pieza muda" años antes, pero se mostró reacio a escribirla; y de hecho, el estreno (realizado por Tudor el 29 de agosto de 1952 en Woodstock, Nueva York ) provocó un gran revuelo en el público. [62] La reacción a 4′33″ fue sólo una parte del panorama más amplio: en general, fue la adopción de procedimientos aleatorios lo que tuvo consecuencias desastrosas para la reputación de Cage. La prensa, que solía reaccionar favorablemente a la percusión anterior y a la música para piano preparada, ignoró sus nuevas obras y se perdieron muchas amistades y conexiones valiosas. Pierre Boulez, que solía promocionar la obra de Cage en Europa, se oponía al uso del azar por parte de Cage, al igual que otros compositores que alcanzaron prominencia durante la década de 1950, por ejemplo, Karlheinz Stockhausen e Iannis Xenakis . [63] [ verificación fallida ]
Durante este tiempo, Cage también enseñaba en el vanguardista Black Mountain College en las afueras de Asheville, Carolina del Norte . Cage enseñó en la universidad en los veranos de 1948 y 1952 y residió en el verano de 1953. Mientras estaba en Black Mountain College, en 1952, organizó lo que se ha llamado el primer " acontecimiento " (ver discusión más adelante) en los Estados Unidos. Más tarde titulado Theatre Piece No. 1 , un evento de actuación multimedia de múltiples capas organizado el mismo día en que Cage lo concibió que "eso influiría en gran medida en las prácticas artísticas de los años cincuenta y sesenta". Además de Cage, entre los participantes se encontraban Cunningham y Tudor. [64]
A partir de 1953, Cage se dedicó a componer música para danza moderna, en particular las danzas de Cunningham (el compañero de Cage también adoptó el azar, fascinado por el movimiento del cuerpo humano), así como a desarrollar nuevos métodos para utilizar el azar, en una serie de obras. a él se refirió como Las Diez Mil Cosas . En el verano de 1954 se mudó de Nueva York y se instaló en Gate Hill Cooperative , una comunidad en Stony Point, Nueva York , donde entre sus vecinos se encontraban David Tudor, MC Richards , Karen Karnes , Stan VanDerBeek y Sari Dienes . La situación financiera del compositor mejoró gradualmente: a finales de 1954, él y Tudor pudieron emprender una gira europea. De 1956 a 1961 Cage impartió clases de composición experimental en The New School, y de 1956 a 1958 también trabajó como director de arte y diseñador de tipografía. [65] Entre sus obras completadas durante los últimos años de la década se encuentran Concierto para piano y orquesta (1957-58), una obra fundamental en la historia de la notación gráfica , [66] y Variaciones I (1958).
Cage estaba afiliado a la Wesleyan University y colaboró con miembros de su Departamento de Música desde la década de 1950 hasta su muerte en 1992. En la universidad, el filósofo, poeta y profesor de clásicos Norman O. Brown se hizo amigo de Cage, asociación que resultó fructífera para ambos. . [ cita necesaria ] En 1960, el compositor fue nombrado miembro de la facultad del Centro de Estudios Avanzados (ahora Centro de Humanidades) en Artes y Ciencias Liberales en Wesleyan, [67] donde comenzó a impartir clases de música experimental. En octubre de 1961, Wesleyan University Press publicó Silence , una colección de conferencias y escritos de Cage sobre una amplia variedad de temas, incluida la famosa Lecture on Nothing , que se compuso utilizando un complejo esquema de duración de tiempo, muy parecido a parte de la música de Cage. Silence fue el primer libro de seis de Cage, pero sigue siendo el más leído e influyente. [d] [30] A principios de la década de 1960, Cage comenzó su asociación de por vida con CF Peters Corporation . Walter Hinrichsen, presidente de la corporación, ofreció a Cage un contrato exclusivo e instigó la publicación de un catálogo de las obras de Cage, que apareció en 1962. [65]
Edition Peters pronto publicó un gran número de partituras de Cage, y esto, junto con la publicación de Silence , dio al compositor una prominencia mucho mayor que nunca; una de las consecuencias positivas de esto fue que en 1965 Betty Freeman creó una Subvención anual para gastos de manutención de Cage, que se otorgará desde 1965 hasta su muerte. [68] A mediados de la década de 1960, Cage recibía tantos encargos y solicitudes de apariciones que no podía cumplirlos. Esto estuvo acompañado de una apretada agenda de giras; en consecuencia, la producción compositiva de Cage en esa década fue escasa. [30] Después de la orquestal Atlas Eclipticalis (1961-62), una obra basada en mapas estelares , que estaba completamente anotada, Cage pasó gradualmente a, en sus propias palabras, "música (no composición)". La partitura de 0′00″ , terminada en 1962, comprendía originalmente una sola frase: "En una situación provista de la máxima amplificación, realiza una acción disciplinada", y en la primera actuación la acción disciplinada era Cage escribiendo esa frase. La partitura de Variaciones III (1962) abunda en instrucciones para los intérpretes, pero no hace referencias a música, instrumentos musicales o sonidos.
Muchas de las Variaciones y otras piezas de los años 1960 eran en realidad " happenings ", una forma de arte establecida por Cage y sus alumnos a finales de los años 1950. Las clases de "Composición Experimental" de Cage en The New School se han vuelto legendarias como fuente estadounidense de Fluxus , una red internacional de artistas, compositores y diseñadores. La mayoría de sus alumnos tenían poca o ninguna formación musical. La mayoría eran artistas. Entre ellos se encontraban Jackson Mac Low , Allan Kaprow , Al Hansen , George Brecht , Ben Patterson y Dick Higgins , así como muchos otros invitados extraoficialmente por Cage. Entre las piezas famosas que resultaron de las clases se incluyen Time Table Music de George Brecht y Alice Denham in 48 Seconds de Al Hansen . [69] Como lo establece Cage, los acontecimientos eran eventos teatrales que abandonan el concepto tradicional de audiencia escénica y ocurren sin un sentido de duración definida. Más bien, se los deja al azar. Tienen un guión mínimo, sin argumento. De hecho, un "happening" se llama así porque ocurre en el presente, intentando detener el concepto del paso del tiempo. Cage creía que el teatro era el camino más cercano a la integración del arte y la vida real. El término "happenings" fue acuñado por Allan Kaprow, uno de sus alumnos, quien lo definió como género a finales de los años cincuenta. Cage conoció a Kaprow mientras buscaba hongos con George Segal y lo invitó a unirse a su clase. Al seguir estos desarrollos, Cage estuvo fuertemente influenciado por el tratado fundamental de Antonin Artaud El teatro y su doble , y los acontecimientos de este período pueden verse como un precursor del subsiguiente movimiento Fluxus. En octubre de 1960, el estudio de Mary Bauermeister en Colonia acogió un concierto conjunto de Cage y el videoartista Nam June Paik (amigo y aprendiz de Cage), quien durante su interpretación de Etude for Piano cortó la corbata de Cage y luego le sirvió una botella. de champú sobre las cabezas de Cage y Tudor. [70]
En 1967, el libro de Cage Un año a partir del lunes fue publicado por primera vez por Wesleyan University Press. Los padres de Cage murieron durante la década: su padre en 1964, [71] y su madre en 1969. Cage hizo esparcir sus cenizas en las montañas Ramapo , cerca de Stony Point, y pidió que se hiciera lo mismo con él después de su muerte. [72]
El trabajo de Cage de los años sesenta presenta algunas de sus piezas más grandes y ambiciosas, sin mencionar las socialmente utópicas, que reflejan el estado de ánimo de la época pero también su absorción de los escritos de Marshall McLuhan , sobre los efectos de los nuevos medios, y de R. Buckminster. Fuller , sobre el poder de la tecnología para promover el cambio social. HPSCHD (1969), una obra multimedia gigantesca y de larga duración realizada en colaboración con Lejaren Hiller , incorporó la superposición masiva de siete clavecines tocando extractos determinados al azar de las obras de Cage, Hiller y una historia resumida de clásicos canónicos, con 52 cintas de sonidos generados por computadora, 6.400 diapositivas de diseños, muchas de ellas suministradas por la NASA , y proyectadas desde sesenta y cuatro proyectores de diapositivas, con 40 películas cinematográficas. La pieza se representó inicialmente en una representación de cinco horas en la Universidad de Illinois en 1969, en la que el público llegaba después de que la pieza había comenzado y se marchaba antes de que terminara, deambulando libremente por el auditorio durante el tiempo que estuvieron allí. [73]
También en 1969, Cage produjo la primera obra completamente escrita en años: Cheap Imitation para piano. La pieza es una reelaboración controlada por el azar de Sócrate de Erik Satie y, como señalaron tanto los oyentes como el propio Cage, simpatiza abiertamente con su fuente. Aunque el afecto de Cage por la música de Satie era bien conocido, era muy inusual que compusiera una obra personal en la que el compositor estuviera presente. Cuando se le preguntó sobre esta aparente contradicción, Cage respondió: "Obviamente, Cheap Imitation está fuera de lo que puede parecer necesario en mi trabajo en general, y eso es inquietante. Soy el primero en sentirse inquietado por ello". [74] El cariño de Cage por la pieza resultó en una grabación, algo poco común, ya que a Cage no le gustaba hacer grabaciones de su música, realizada en 1976. En general, Cheap Imitation marcó un cambio importante en la música de Cage: volvió a escribir obras completamente anotadas. para instrumentos tradicionales, y probó varios enfoques nuevos, como la improvisación , que anteriormente desalentaba, pero que pudo utilizar en obras de la década de 1970, como Child of Tree (1975).
Cheap Imitation se convirtió en el último trabajo que Cage realizó en público. La artritis había preocupado a Cage desde 1960 y, a principios de la década de 1970, sus manos estaban dolorosamente hinchadas y le impedían actuar. [75] Sin embargo, todavía tocó Cheap Imitation durante la década de 1970, [76] antes de finalmente tener que dejar de actuar. La preparación de manuscritos también se volvió difícil: antes, las versiones publicadas de las piezas se hacían con la escritura caligráfica de Cage; ahora, los asistentes tenían que completar los manuscritos para su publicación. Las cosas se complicaron aún más con la salida de David Tudor de la actuación, que ocurrió a principios de la década de 1970. Tudor decidió concentrarse en la composición, por lo que Cage, por primera vez en dos décadas, tuvo que empezar a depender de encargos de otros intérpretes y de sus respectivas habilidades. Entre estos artistas se encontraban Grete Sultan , Paul Zukofsky , Margaret Leng Tan y muchos otros. Aparte de la música, Cage continuó escribiendo libros de prosa y poesía ( mesósticos ). M fue publicado por primera vez por Wesleyan University Press en 1973. En enero de 1978 , Kathan Brown de Crown Point Press invitó a Cage a dedicarse al grabado, y Cage continuaría produciendo series de grabados todos los años hasta su muerte; estos, junto con algunas acuarelas tardías , constituyen la mayor parte de su arte visual existente. En 1979 , Wesleyan University Press publicó por primera vez las palabras vacías de Cage .
En 1987, Cage completó una pieza llamada Two , para flauta y piano, dedicada a los intérpretes Roberto Fabbriciani y Carlo Neri. El título se refería al número de artistas necesarios; la música consistía en fragmentos cortos anotados que se tocarían en cualquier tempo dentro de los límites de tiempo indicados. Cage escribió unas cuarenta piezas de números , como se las conoció, siendo una de las últimas Eighty (1992, estrenada en Munich el 28 de octubre de 2011), empleando normalmente una variante de la misma técnica. El proceso de composición, en muchas de las Number Pieces posteriores, fue una simple selección de rango de tono y tonos de ese rango, utilizando procedimientos aleatorios; [30] la música se ha relacionado con las inclinaciones anárquicas de Cage. [77] One 11 (es decir, la undécima pieza para un solo intérprete), terminada a principios de 1992, fue la primera y única incursión de Cage en el cine. Cage concibió su último trabajo musical con Michael Bach Bachtischa : "ONE13" para violonchelo con arco curvo y tres altavoces, que se publicó años después.
Otra nueva dirección, también tomada en 1987, fue la ópera: Cage produjo cinco óperas, todas compartiendo el mismo título Europera , en 1987-1991. Las Europeras I y II requieren fuerzas mayores que las III , IV y V , que son a escala de cámara. Fueron encargados por la Ópera de Frankfurt para celebrar su septuagésimo quinto cumpleaños y, según el crítico musical Mark Swed , requirieron "un enorme esfuerzo por parte del compositor, requiriendo dos asistentes a tiempo completo y dos computadoras funcionando día y noche". [78] Estas piezas causaron un gran revuelo en el mundo de la ópera en ese momento con sus métodos poco convencionales de puesta en escena y secuenciación. Se utilizaron muchas piezas estándar del repertorio operístico, pero no en ningún orden preestablecido; más bien, fueron seleccionados al azar, lo que significa que no había dos actuaciones exactamente iguales. Muchos de los que iban a ser parte de estas actuaciones se negaron a participar, alegando la imposibilidad de las solicitudes que estaba haciendo Cage. Días antes del estreno de Europas 1 y 2, la ópera de Frankfurt se incendió, lo que provocó una serie de reveses que condujeron a una carrera teatral que generó reacciones encontradas, incluida una actuación tan mala que Cage escribió una carta a sus músicos criticando su interpretación. de su composición. [78]
A lo largo de la década de 1980, la salud de Cage empeoró progresivamente. No sólo padecía artritis, sino también ciática y arteriosclerosis . Sufrió un derrame cerebral que le dejó restringido el movimiento de su pierna izquierda y, en 1985, se rompió un brazo. Durante este tiempo, Cage siguió una dieta macrobiótica . [79] Sin embargo, desde que la artritis comenzó a atormentarlo, el compositor fue consciente de su edad y, como observó su biógrafo David Revill, "el fuego que comenzó a incorporar a su obra visual en 1985 no es sólo el fuego que ha encendido dejado de lado durante tanto tiempo—el fuego de la pasión—pero también el fuego como transitoriedad y fragilidad”. El 11 de agosto de 1992, mientras preparaba el té de la tarde para él y Cunningham, Cage sufrió otro derrame cerebral. Fue trasladado al Hospital St. Vincent en Manhattan, donde murió en la mañana del 12 de agosto. [80] Tenía 79 años. [2]
Según sus deseos, el cuerpo de Cage fue incinerado y sus cenizas esparcidas en las montañas Ramapo , cerca de Stony Point , Nueva York, en el mismo lugar donde había esparcido las cenizas de sus padres. [72] La muerte del compositor se produjo sólo unas semanas antes de la celebración de su 80 cumpleaños organizada en Frankfurt por el compositor Walter Zimmermann y el musicólogo Stefan Schaedler. [2] El evento se desarrolló según lo planeado, incluida la interpretación del Concierto para piano y orquesta de David Tudor y Ensemble Modern . Merce Cunningham murió por causas naturales en julio de 2009. [81]
Las primeras piezas completas de Cage están actualmente perdidas. Según el compositor, las primeras obras fueron piezas muy breves para piano, compuestas mediante complejos procedimientos matemáticos y carentes de "atractivo sensual y poder expresivo". [82] Cage luego comenzó a producir piezas improvisando y anotando los resultados, hasta que Richard Buhlig le destacó la importancia de la estructura. La mayoría de las obras de principios de la década de 1930, como Sonata para clarinete (1933) y Composición para 3 voces (1934), son muy cromáticas y delatan el interés de Cage por el contrapunto . Casi al mismo tiempo, el compositor también desarrolló una especie de técnica de fila de tonos con filas de 25 notas. [83] Después de estudiar con Schoenberg, quien nunca enseñó dodecafonía a sus alumnos, Cage desarrolló otra técnica de fila de tonos, en la que la fila se dividía en motivos cortos, que luego se repetían y transponían de acuerdo con un conjunto de reglas. Este enfoque se utilizó por primera vez en Dos piezas para piano ( c. 1935 ) y luego, con modificaciones, en obras más amplias como Metamorfosis y Cinco canciones (ambas de 1938).
Poco después de que Cage comenzara a escribir música de percusión y música para danza moderna, comenzó a utilizar una técnica que colocaba la estructura rítmica de la pieza en primer plano. En Imaginary Landscape No. 1 (1939) hay cuatro grandes secciones de 16, 17, 18 y 19 compases, y cada sección está dividida en cuatro subsecciones, las tres primeras de las cuales tenían 5 compases de largo. First Construction (in Metal) (1939) amplía el concepto: hay cinco secciones de 4, 3, 2, 3 y 4 unidades respectivamente. Cada unidad contiene 16 compases, y se divide de la misma forma: 4 compases, 3 compases, 2 compases, etc. Finalmente, el contenido musical de la pieza se basa en dieciséis motivos. [84] Tales "proporciones anidadas", como las llamó Cage, se convirtieron en una característica habitual de su música a lo largo de la década de 1940. La técnica se elevó a gran complejidad en piezas posteriores como Sonatas e Interludios para piano preparado (1946-1948), en las que muchas proporciones utilizaban números no enteros (1¼, ¾, 1¼, ¾, 1½ y 1½ para la Sonata I , por ejemplo), [85] o A Flower , una canción para voz y piano cerrado, en la que se utilizan dos conjuntos de proporciones simultáneamente. [86]
A finales de la década de 1940, Cage comenzó a desarrollar nuevos métodos para romper con la armonía tradicional. Por ejemplo, en String Quartet in Four Parts (1950), Cage compuso por primera vez una serie de gamas : acordes con instrumentación fija. La pieza avanza de una gama a otra. En cada caso, la gama se seleccionó únicamente en función de si contiene la nota necesaria para la melodía, por lo que el resto de las notas no forman ninguna armonía direccional. [30] El Concierto para piano preparado (1950-1951) utilizó un sistema de tablas de duraciones, dinámicas, melodías, etc., entre las que Cage elegiría utilizando patrones geométricos simples. [30] El último movimiento del concierto fue un paso hacia el uso de procedimientos aleatorios, que Cage adoptó poco después. [87]
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También se utilizó un sistema de gráficos (junto con proporciones anidadas) para la gran obra para piano Music of Changes (1951), sólo que aquí el material se seleccionaría de los gráficos utilizando el I Ching . Toda la música de Cage desde 1951 fue compuesta utilizando procedimientos aleatorios, más comúnmente utilizando el I Ching . Por ejemplo, las obras de Música para piano se basaron en imperfecciones del papel: las imperfecciones mismas proporcionaron tonos, los lanzamientos de monedas y los números de hexagramas del I Ching se utilizaron para determinar las alteraciones, las claves y las técnicas de ejecución. [88] Se creó toda una serie de obras aplicando operaciones aleatorias, es decir, el I Ching , a los mapas estelares : Atlas Eclipticalis (1961–62), y una serie de estudios: Etudes Australes (1974–75), Freeman Etudes (1977) . –90) y Estudios Boreales (1978). [89] Todos los estudios de Cage son extremadamente difíciles de realizar, una característica dictada por las opiniones sociales y políticas de Cage: la dificultad garantizaría que "una actuación mostraría que lo imposible no es imposible" [90] , siendo esta la respuesta de Cage a la noción que resolver los problemas políticos y sociales del mundo es imposible. [91] Cage se describió a sí mismo como un anarquista y fue influenciado por Henry David Thoreau . [mi]
Otra serie de obras aplicó procedimientos aleatorios a música preexistente de otros compositores: Cheap Imitation (1969; basado en Erik Satie), Some of "The Harmony of Maine" (1978; basado en Belcher ) e Hymns and Variations (1979). . En estas obras, Cage tomó prestada la estructura rítmica de los originales y la llenó con tonos determinados mediante procedimientos aleatorios, o simplemente reemplazó algunos de los tonos de los originales. [93] Otra serie de obras más, las llamadas Number Pieces , todas completadas durante los últimos cinco años de la vida del compositor, utilizan franjas temporales : la partitura consta de fragmentos cortos con indicaciones de cuándo comenzar y terminar. (por ejemplo, desde cualquier lugar entre 1′15" y 1′45", y hasta cualquier lugar entre 2′00" y 2′30"). [94]
El método de Cage para utilizar el I Ching estaba lejos de ser una simple aleatorización. Los procedimientos variaban de una composición a otra y, por lo general, eran complejos. Por ejemplo, en el caso de Imitación barata , las preguntas exactas que se le hicieron al I Ching fueron estas:
En otro ejemplo de música tardía de Cage, Estudios Australes , el procedimiento compositivo implicó colocar una tira transparente en el mapa estelar, identificar las alturas de la tabla, transferirlas al papel y luego preguntar al I Ching cuáles de estas alturas debían permanecer únicas. , y que debían formar parte de agregados (acordes), y los agregados se seleccionaron de una tabla de unos 550 posibles agregados, compilada de antemano. [89] [96]
Finalmente, algunas de las obras de Cage, particularmente las terminadas durante la década de 1960, incluyen instrucciones para el intérprete, en lugar de música completamente escrita. La partitura de Variaciones I (1958) presenta al intérprete seis cuadrados transparentes, uno con puntos de varios tamaños y cinco con cinco líneas que se cruzan. El intérprete combina los cuadrados y utiliza líneas y puntos como sistema de coordenadas , en el que las líneas son ejes de diversas características de los sonidos, como la frecuencia más baja, la estructura de armónicos más simple, etc. [97] Algunas de las partituras gráficas de Cage (por ejemplo, Concierto para piano y orquesta , Fontana Mix (ambos de 1958)) presentan al intérprete dificultades similares. Otras obras del mismo período consisten únicamente en instrucciones escritas. La partitura de 0′00″ (1962; también conocida como 4′33″ No. 2 ) consta de una sola frase: "En una situación provista de la máxima amplificación, realiza una acción disciplinada". En la primera actuación, Cage escribió esa frase. [98]
Musicircus (1967) simplemente invita a los intérpretes a reunirse y tocar juntos. El primer Musicircus contó con múltiples artistas y grupos en un gran espacio que debían comenzar y detenerse en dos períodos de tiempo determinados, con instrucciones sobre cuándo tocar individualmente o en grupos dentro de estos dos períodos. El resultado fue una superposición masiva de muchas músicas diferentes una encima de otra según lo determinado por la distribución aleatoria, produciendo un evento con una sensación específicamente teatral. Posteriormente se han celebrado muchos Musicircuses y continúan realizándose incluso después de la muerte de Cage. La Ópera Nacional Inglesa (ENO) se convirtió en la primera compañía de ópera en celebrar un Cage Musicircus el 3 de marzo de 2012 en el London Coliseum . [99] [100] El Musicircus de ENO contó con artistas como el bajista de Led Zeppelin , John Paul Jones, y el compositor Michael Finnissy, junto con el director musical de ENO, Edward Gardner , el Coro Comunitario de ENO, los cantantes de ENO Opera Works y un colectivo de talentos profesionales y aficionados que actuaron en el bares y fachada del Coliseum Opera House de Londres. [101]
Este concepto de circo seguiría siendo importante para Cage durante toda su vida y apareció con fuerza en piezas como Roaratorio, un circo irlandés en Finnegans Wake (1979), una interpretación sonora de muchos niveles de su texto Escribiendo por segunda vez a través de Finnegans Wake y grabaciones musicales y de campo tradicionales realizadas en Irlanda. La pieza se basó en la famosa novela de James Joyce, Finnegans Wake , que era uno de los libros favoritos de Cage y del que derivó textos para varias de sus obras.
Dado que Cage utilizó procedimientos aleatorios para eliminar los gustos y disgustos del compositor y del intérprete de la música, a Cage no le gustaba el concepto de improvisación, que está inevitablemente vinculado a las preferencias del intérprete. En varias obras a partir de la década de 1970, encontró formas de incorporar la improvisación. En Child of Tree (1975) y Branches (1976) se pide a los intérpretes que utilicen determinadas especies de plantas como instrumentos, por ejemplo el cactus . La estructura de las piezas está determinada por el azar de sus elecciones, al igual que la producción musical; los intérpretes no tenían conocimiento de los instrumentos. En Inlets (1977), los intérpretes tocan grandes caracolas llenas de agua ; al inclinar cuidadosamente la concha varias veces, es posible lograr que se forme una burbuja en su interior, que produce sonido. Sin embargo, como es imposible predecir cuándo sucedería esto, los artistas tuvieron que seguir inclinando las conchas, por lo que la actuación fue dictada por pura casualidad. [102]
Aunque Cage comenzó a pintar en su juventud, lo dejó para concentrarse en la música. Su primer proyecto visual maduro, Not Wanting to Say Anything About Marcel , data de 1969. La obra comprende dos litografías y un grupo de lo que Cage llamó plexigramas : serigrafía sobre paneles de plexiglás . Los paneles y las litografías consisten en fragmentos de palabras en diferentes tipos de letra, todos gobernados por operaciones aleatorias. [103]
Desde 1978 hasta su muerte, Cage trabajó en Crown Point Press, produciendo series de grabados cada año. El primer proyecto completado allí fue el grabado Score Without Parts (1978), creado a partir de instrucciones completamente anotadas y basado en varias combinaciones de dibujos de Henry David Thoreau. A éste le siguió, el mismo año, El diario de siete días , que Cage dibujó con los ojos cerrados, pero que se ajustaba a una estructura estricta desarrollada mediante operaciones aleatorias. Finalmente, los dibujos de Thoreau informaron las últimas obras realizadas en 1978, Señales . [104]
Entre 1979 y 1982, Cage produjo una serie de grandes series de grabados: Changes and Disappearances (1979–80), On the Surface (1980–82) y Déreau (1982). Estas fueron las últimas obras en las que utilizó el grabado. [105] En 1983 comenzó a utilizar diversos materiales no convencionales como guata de algodón, espuma, etc., y luego utilizó piedras y fuego ( Eninka , Variaciones , Ryoanji , etc.) para crear sus obras visuales. [106] En 1988-1990 produjo acuarelas en el Mountain Lake Workshop.
La única película que produjo Cage fue una de las Number Pieces, One 11 , encargada por el compositor y director de cine Henning Lohner , quien trabajó con Cage para producir y dirigir la película monocromática de 90 minutos. Se completó sólo unas semanas antes de su muerte en 1992. One 11 se compone enteramente de imágenes del juego de luz eléctrica determinado al azar. Se estrenó en Colonia, Alemania, el 19 de septiembre de 1992, acompañado de la interpretación en vivo de la pieza orquestal 103 .
A lo largo de su vida adulta, Cage también estuvo activo como conferenciante y escritor. Algunas de sus conferencias se incluyeron en varios libros que publicó, el primero de los cuales fue Silence: Lectures and Writings (1961). El silencio incluía no sólo conferencias simples, sino también textos ejecutados en diseños experimentales y obras como Lecture on Nothing (1949), que fueron compuestas en estructuras rítmicas. Los libros posteriores también incluyeron diferentes tipos de contenido, desde conferencias sobre música hasta poesía: los mesósticos de Cage.
Cage también era un ávido micólogo aficionado . [107] Cofundó la Sociedad Micológica de Nueva York con cuatro amigos, [65] y su colección de micología se encuentra actualmente en el departamento de Colecciones Especiales de la Biblioteca McHenry de la Universidad de California, Santa Cruz .
Las obras anteriores al azar de Cage, en particular piezas de finales de la década de 1940, como Sonatas e Interludios , obtuvieron elogios de la crítica: las Sonatas se interpretaron en el Carnegie Hall en 1949. La adopción de las operaciones del azar por parte de Cage en 1951 le costó varias amistades y generó numerosas críticas. de otros compositores. Los partidarios del serialismo como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen descartaron la música indeterminada; Boulez, que alguna vez tuvo una relación amistosa con Cage, lo criticó por "adoptar una filosofía teñida de orientalismo que enmascara una debilidad básica en la técnica de composición". [108] Destacados críticos del serialismo, como el compositor griego Iannis Xenakis, fueron igualmente hostiles hacia Cage: para Xenakis, la adopción del azar en la música era "un abuso del lenguaje y... una abrogación de la función de un compositor". [109]
Un artículo del profesor y crítico Michael Steinberg , Tradition and Responsibility , criticaba la música de vanguardia en general:
El auge de una música que carece totalmente de compromiso social también aumenta la separación entre el compositor y el público, y representa otra forma de alejamiento de la tradición. El cinismo con el que parece haberse hecho esta particular desviación está perfectamente simbolizado en el relato de John Cage sobre una conferencia pública que había dado: "Más tarde, durante el período de preguntas, di una de las seis respuestas previamente preparadas, independientemente de la pregunta formulada. Esta Fue un reflejo de mi compromiso con el Zen." Si bien la famosa pieza muda del Sr. Cage [es decir, 4′33″ ], o sus Paisajes para una docena de receptores de radio pueden tener poco interés como música, históricamente tienen una enorme importancia como representación de la completa abdicación del poder del artista. [110]
La posición estética de Cage fue criticada, entre otros, por el destacado escritor y crítico Douglas Kahn . En su libro de 1999 Ruido, agua, carne: una historia del sonido en las artes , Kahn reconoció la influencia que Cage tuvo en la cultura, pero señaló que "uno de los efectos centrales de la batería de técnicas de silenciamiento de Cage fue el silenciamiento de lo social". [111]
Si bien gran parte del trabajo de Cage sigue siendo controvertido, [112] [113] su influencia en innumerables compositores, artistas y escritores es notable. [114] Después de que Cage introdujo procedimientos aleatorios en sus obras, Boulez, Stockhausen y Xenakis siguieron siendo críticos, pero todos adoptaron procedimientos aleatorios en algunas de sus obras (aunque de una manera mucho más restringida); y la escritura para piano de Stockhausen en su posterior Klavierstücke fue influenciada por Music of Changes de Cage y David Tudor. [115] Otros compositores que adoptaron procedimientos aleatorios en sus obras fueron Witold Lutosławski , [116] Mauricio Kagel , [117] y muchos otros. La música en la que parte de la composición y/o interpretación se deja al azar fue etiquetada como música aleatoria , término popularizado por Pierre Boulez. El trabajo de Helmut Lachenmann estuvo influenciado por el trabajo de Cage con técnicas extendidas . [118]
Los experimentos de estructura rítmica de Cage y su interés por el sonido influyeron en varios compositores, empezando en un principio por sus asociados estadounidenses más cercanos Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff (y otros compositores estadounidenses, como La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , y Philip Glass ), para luego extenderse a Europa. [119] [120] [121] Por ejemplo, muchos compositores de la escuela experimental inglesa reconocen su influencia: [122] Michael Parsons , Christopher Hobbs , John White , [123] Gavin Bryars , que estudió brevemente con Cage, [124] y Howard Skempton . [125] El compositor japonés Tōru Takemitsu también ha citado la influencia de Cage. [126]
Tras la muerte de Cage, Simon Jeffes , fundador de la Penguin Cafe Orchestra , compuso una pieza titulada "CAGE DEAD", utilizando una melodía basada en las notas contenidas en el título, en el orden en que aparecen: C, A, G, E, D, E, A y D. [127]
La influencia de Cage también fue reconocida por artistas de rock como Sonic Youth (que interpretó algunas de las Number Pieces [128] ) y Stereolab (que nombró una canción en honor a Cage [129] ), el compositor y guitarrista de rock y jazz Frank Zappa , [130]. y varios artistas y bandas de música noise : de hecho, un escritor rastreó el origen de la música noise hasta 4′33″ . [131] El desarrollo de la música electrónica también estuvo influenciado por Cage: a mediados de la década de 1970, el sello Obscure Records de Brian Eno lanzó obras de Cage. [132] El piano preparado, que Cage popularizó, aparece en gran medida en el álbum Drukqs de Aphex Twin de 2001 . [133] El trabajo de Cage como musicólogo ayudó a popularizar la música de Erik Satie, [134] [135] y su amistad con artistas expresionistas abstractos como Robert Rauschenberg ayudó a introducir sus ideas en el arte visual. Las ideas de Cage también llegaron al diseño de sonido : por ejemplo, el diseñador de sonido Gary Rydstrom, ganador del Premio de la Academia, citó el trabajo de Cage como una gran influencia. [136] Radiohead emprendió una colaboración de composición e interpretación con el grupo de danza de Cunningham en 2003 porque el líder del grupo musical, Thom Yorke, consideraba a Cage uno de sus "héroes artísticos de todos los tiempos". [137]
En 2012, entre una amplia gama de celebraciones del centenario estadounidenses e internacionales, [138] [139] se celebró un festival de ocho días en Washington DC, con lugares que se encuentran notablemente más entre los museos de arte y universidades de la ciudad que entre los espacios de actuación. A principios del año del centenario, el director Michael Tilson Thomas presentó los Song Books de Cage con la Sinfónica de San Francisco en el Carnegie Hall de Nueva York. [140] [141] Otra celebración se produjo, por ejemplo, en Darmstadt, Alemania, que en julio de 2012 cambió el nombre de su estación central a Estación de tren John Cage durante la duración de sus cursos anuales de nueva música . [19] En la Ruhrtriennale en Alemania, Heiner Goebbels montó una producción de Europeras 1 y 2 en una fábrica reconvertida de 36.000 pies cuadrados y encargó una producción de Lecture on Nothing creada e interpretada por Robert Wilson . [142] Jacaranda Music tenía cuatro conciertos planeados en Santa Mónica, California , para la semana del centenario. [143] [144] Día de John Cage fue el nombre que se le dio a varios eventos celebrados durante 2012 para conmemorar el centenario de su nacimiento.
Juraj Kojs comisarió un proyecto de 2012 para celebrar el centenario del nacimiento de Cage, titulado On Silence: Homage to Cage. Constaba de 13 obras encargadas creadas por compositores de todo el mundo como Kasia Glowicka , Adrian Knight y Henry Vega , cada una de 4 minutos y 33 segundos de duración en honor a la famosa obra de Cage de 1952, 4′33″ . El programa contó con el apoyo de la Fundación para las Tecnologías y las Artes Emergentes, Laura Kuhn y John Cage Trust. [145]
En homenaje al trabajo de danza de Cage, la Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company en julio de 2012 "presentó una pieza fascinante llamada 'Story/Time'. Se inspiró en la obra de Cage de 1958 'Indeterminacy', en la que [Cage y luego Jones, respectivamente,] se sentó solo en el escenario, leyendo en voz alta... series de historias de un minuto que [ellos] habían escrito. Los bailarines de la compañía de Jones actuaron mientras [Jones] leía". [137]
... cuando Harvard University Press lo llamó, en el anuncio de un libro de 1990, "sin duda el compositor más influyente del último medio siglo", sorprendentemente, fue demasiado modesto.
... John Cage es probablemente el más influyente ... de todos los compositores estadounidenses hasta la fecha.
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