Arnold Schoenberg o Schönberg ( / ˈ ʃ ɜːr n b ɜːr ɡ / , EE. UU. también / ˈ ʃ oʊ n -/ ; alemán: [ˈʃøːnbɛɐ̯k] ⓘ ; 13 de septiembre de 1874 - 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical, profesor, escritor y pintor austríaco-estadounidense. Es ampliamente considerado uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Estuvo asociado con elmovimiento expresionistaen la poesía y el arte alemanes y fue líder de laSegunda Escuela de Viena. Como compositor judío, Schoenberg fue atacado por elPartido Nazi, que calificó sus obras demúsica degeneraday prohibió su publicación. [1][2]Emigró a los Estados Unidos en 1933 y se convirtió en ciudadano estadounidense en 1941.
El enfoque de Schoenberg, tanto en términos de armonía como de desarrollo, ha dado forma a gran parte del pensamiento musical del siglo XX . Muchos compositores de al menos tres generaciones han ampliado conscientemente su pensamiento, mientras que otros han reaccionado apasionadamente contra él.
Schoenberg fue conocido al principio de su carrera por extender simultáneamente los estilos románticos alemanes tradicionalmente opuestos de Brahms y Wagner . Posteriormente, su nombre pasaría a personificar innovaciones en la atonalidad (aunque el propio Schoenberg detestaba ese término) que se convertirían en el rasgo más polémico de la música clásica del siglo XX . En la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica dodecafónica , un método compositivo influyente para manipular una serie ordenada de las doce notas de la escala cromática . También acuñó el término variación en desarrollo y fue el primer compositor moderno en adoptar formas de desarrollar motivos sin recurrir al predominio de una idea melódica centralizada.
Schoenberg también fue un influyente profesor de composición; entre sus alumnos se encontraban Alban Berg , Anton Webern , Hanns Eisler , Egon Wellesz , Nikos Skalkottas y más tarde John Cage , Lou Harrison , Earl Kim , Robert Gerhard , Leon Kirchner , Dika Newlin , Oscar Levant y otros músicos destacados . Muchas de las prácticas de Schoenberg, incluida la formalización del método compositivo y su hábito de invitar abiertamente al público a pensar analíticamente, tienen eco en el pensamiento musical de vanguardia a lo largo del siglo XX. Sus puntos de vista, a menudo polémicos, sobre la historia y la estética de la música fueron cruciales para muchos musicólogos y críticos importantes del siglo XX, incluidos Theodor W. Adorno , Charles Rosen y Carl Dahlhaus , así como para los pianistas Artur Schnabel , Rudolf Serkin , Eduard Steuermann y Glenn. Gould .
El legado de archivo de Schoenberg se recoge en el Centro Arnold Schönberg de Viena.
Arnold Schoenberg nació en una familia judía de clase media baja en el distrito de Leopoldstadt (en épocas anteriores un gueto judío ) de Viena , en Obere Donaustraße 5. Su padre Samuel, natural de Szécsény , Hungría, se mudó más tarde a Pozsony . (Pressburg, en ese momento parte del Reino de Hungría, ahora Bratislava , Eslovaquia) y luego a Viena , era zapatero , y su madre Pauline Schoenberg (de soltera Nachod), oriunda de Praga , era profesora de piano. [3] Arnold fue en gran medida autodidacta. Sólo tomó lecciones de contrapunto con el compositor Alexander Zemlinsky , quien se convertiría en su primer cuñado. [4]
Cuando tenía veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas , mientras componía sus propias obras, como el sexteto de cuerda Verklärte Nacht ("Noche transfigurada") (1899). Posteriormente hizo una versión orquestal de esta, que se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor; Strauss cuando conoció los Gurre-Lieder de Schoenberg , y Mahler después de escuchar varias de las primeras obras de Schoenberg.
Strauss recurrió a un lenguaje más conservador en su propia obra después de 1909, y en ese momento descartó a Schoenberg. Mahler lo adoptó como un protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg llegó a un punto que Mahler ya no podía entender. A Mahler le preocupaba quién cuidaría de él tras su muerte. [5] Schoenberg, que inicialmente había despreciado y burlado la música de Mahler, fue convertido por el "rayo" de la Tercera Sinfonía de Mahler , que consideraba una obra de genio. Después "habló de Mahler como de un santo". [6] [7]
En 1898 Schoenberg se convirtió al cristianismo en la iglesia luterana . Según MacDonald (2008, 93), esto fue en parte para fortalecer su apego a las tradiciones culturales de Europa occidental y en parte como un medio de autodefensa "en una época de resurgimiento del antisemitismo". En 1933, después de una larga meditación, volvió al judaísmo, porque se dio cuenta de que "su herencia racial y religiosa era ineludible", y para adoptar una posición inequívoca del lado opuesto al nazismo. Más adelante en su vida se identificaría a sí mismo como miembro de la religión judía. [8]
En octubre de 1901, Schoenberg se casó con Mathilde Zemlinsky, la hermana del director y compositor Alexander von Zemlinsky , con quien Schoenberg había estado estudiando desde aproximadamente 1894. Schoenberg y Mathilde tuvieron dos hijos, Gertrud (1902-1947) y Georg (1906-1974). . Gertrud se casaría con el alumno de Schoenberg, Felix Greissle, en 1921. [9]
Durante el verano de 1908, la esposa de Schoenberg, Mathilde, lo dejó durante varios meses por un joven pintor austriaco, Richard Gerstl (que se suicidó en noviembre de ese año después de que Mathilde regresara a su matrimonio). Este período marcó un cambio distinto en la obra de Schoenberg. Fue durante la ausencia de su esposa que compuso "Te apoyas en un sauce plateado" (en alemán: Du lehnest broad eine Silberweide ), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten , op. 15, basado en la colección homónima del poeta místico alemán Stefan George . Esta fue la primera composición sin ninguna referencia a una clave . [10]
También en este año, Schoenberg completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de Cuerda No. 2 . Los dos primeros movimientos, aunque de color cromático, utilizan armaduras tradicionales . Los dos últimos movimientos, nuevamente utilizando poesía de George, incorporan una línea vocal de soprano, rompiendo con la práctica anterior del cuarteto de cuerda, y debilitan atrevidamente los vínculos con la tonalidad tradicional . Ambos movimientos terminan en acordes tónicos y la obra no es completamente atonal.
Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre ( Teoría de la armonía , Schoenberg 1922), que sigue siendo uno de los libros de teoría musical más influyentes. Aproximadamente desde 1911, Schoenberg perteneció a un círculo de artistas e intelectuales que incluía a Lene Schneider-Kainer , Franz Werfel , Herwarth Walden y Else Lasker-Schüler .
En 1910 conoció a Edward Clark , un periodista musical inglés que entonces trabajaba en Alemania. Clark se convirtió en su único alumno de inglés y, en su posterior calidad de productor de la BBC, fue responsable de introducir muchas de las obras de Schoenberg, y del propio Schoenberg, en Gran Bretaña (así como a Webern , Berg y otros).
Otra de sus obras más importantes de este período atonal o pantonal es el muy influyente Pierrot lunaire , op. 21, de 1912, un ciclo novedoso de canciones expresionistas ambientado en una traducción alemana de poemas del poeta belga-francés Albert Giraud . Utilizando la técnica de Sprechstimme , o recitación hablada melodramáticamente, la obra empareja a una vocalista con un pequeño conjunto de cinco músicos. El conjunto, que ahora se conoce comúnmente como conjunto Pierrot , consta de flauta (doblando en flautín ), clarinete (doblando en clarinete bajo ), violín (doblando en viola), violonchelo, altavoz y piano.
Wilhelm Bopp, director del Conservatorio de Viena desde 1907, quería romper con el ambiente rancio que para él personificaban Robert Fuchs y Hermann Graedener . Después de considerar muchos candidatos, en 1912 ofreció puestos docentes a Schoenberg y Franz Schreker. En ese momento Schoenberg vivía en Berlín. No estaba completamente aislado del Conservatorio de Viena, ya que un año antes había impartido un curso teórico privado. Consideró seriamente la oferta, pero la rechazó. En una carta posterior a Alban Berg, citó su "aversión a Viena" como la razón principal de su decisión, aunque consideró que podría haber sido equivocada desde el punto de vista financiero, pero al tomarla se sintió contento. Un par de meses más tarde le escribió a Schreker sugiriéndole que también para él podría haber sido una mala idea aceptar el puesto de profesor. [11]
La Primera Guerra Mundial trajo una crisis en su desarrollo. El servicio militar trastocó su vida cuando a la edad de 42 años estaba en el ejército. Nunca pudo trabajar de forma ininterrumpida o durante un período de tiempo, y como resultado dejó muchas obras inacabadas y "comienzos" sin desarrollar. En una ocasión, un oficial superior exigió saber si él era "ese famoso Schoenberg, entonces"; Schoenberg respondió: "Le ruego que informe, señor, sí. Nadie quería serlo, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo". [12] Según Norman , esto es una referencia al aparente "destino" de Schoenberg como el "Emancipador de la disonancia" . [13]
En lo que Alex Ross llama un "acto de psicosis de guerra", Schoenberg hizo comparaciones entre el ataque de Alemania a Francia y su ataque a los valores artísticos burgueses decadentes. En agosto de 1914, mientras denunciaba la música de Bizet , Stravinsky y Ravel , escribió: "¡Ahora viene el ajuste de cuentas! Ahora arrojaremos a la esclavitud a estos mediocres kitschmongers y les enseñaremos a venerar el espíritu alemán y a adorar al Dios alemán". . [14]
El deterioro de la relación entre los compositores contemporáneos y el público lo llevó a fundar la Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas ( Verein für musikalische Privataufführungen en alemán) en Viena en 1918. Buscó proporcionar un foro en el que las composiciones musicales modernas pudieran prepararse y ensayarse cuidadosamente. y realizado adecuadamente en condiciones protegidas de los dictados de la moda y las presiones del comercio. Desde sus inicios hasta 1921, cuando terminó por razones económicas, la Sociedad presentó 353 representaciones a los miembros que pagaban, a veces a razón de una por semana. Durante el primer año y medio, Schoenberg no permitió que se representara ninguna de sus obras. [15] En cambio, el público de los conciertos de la Sociedad escuchó difíciles composiciones contemporáneas de Scriabin , Debussy , Mahler, Webern, Berg, Reger y otras figuras destacadas de la música de principios del siglo XX. [dieciséis]
Más tarde, Schoenberg desarrolló la versión más influyente del método de composición dodecafónico (también conocido como dodecafónico ), que René Leibowitz y Humphrey Searle le dieron en 1947 el nombre alternativo de serialismo en francés e inglés. por muchos de sus alumnos, que constituyeron la llamada Segunda Escuela de Viena . Entre ellos se encontraban Anton Webern , Alban Berg y Hanns Eisler , todos los cuales estuvieron profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó varios libros, desde su famosa Harmonielehre ( Teoría de la armonía ) hasta Fundamentos de composición musical , [17] muchos de los cuales todavía están impresos y son utilizados por músicos y compositores en desarrollo.
Schoenberg vio su desarrollo como una progresión natural y no menospreció sus trabajos anteriores cuando se aventuró en el serialismo. En 1923 escribió al filántropo suizo Werner Reinhart :
Por el momento, me importa más si la gente entiende mis obras más antiguas... Son los precursores naturales de mis obras posteriores, y sólo aquellos que las entiendan y comprendan podrán obtener una comprensión de las obras posteriores que vaya más allá. un mínimo de moda. ¡No le doy tanta importancia a ser un hombre del saco musical como a ser un continuador natural de una buena y antigua tradición bien entendida! [18] [19]
Su primera esposa murió en octubre de 1923, y en agosto del año siguiente Schoenberg se casó con Gertrud Kolisch (1898-1967), hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch . [9] [20] Tuvieron tres hijos: Nuria Dorothea (nacida en 1932), Ronald Rudolf (nacido en 1937) y Lawrence Adam (nacido en 1941). Gertrude Kolisch Schoenberg escribió el libreto de la ópera en un acto Von heute auf morgen de Schoenberg bajo el seudónimo de Max Blonda. A petición suya, la pieza de Schoenberg (finalmente inacabada), Die Jakobsleiter fue preparada para ser interpretada por el alumno de Schoenberg, Winfried Zillig . Tras la muerte de su marido en 1951, fundó Belmont Music Publishers dedicada a la publicación de sus obras. [21] Arnold usó las notas G y E ♭ (alemán: Es, es decir, "S") para "Gertrud Schoenberg", en la Suite , para septeto, op. 29 (1925). [22] (ver criptograma musical ).
Tras la muerte en 1924 del compositor Ferruccio Busoni , que había sido director de una clase magistral de composición en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín, Schoenberg fue nombrado para este puesto al año siguiente, pero debido a problemas de salud no pudo asumirlo. su puesto hasta 1926. Entre sus estudiantes notables durante este período se encontraban los compositores Robert Gerhard, Nikos Skalkottas y Josef Rufer .
Junto con sus obras dodecafónicas, 1930 marca el regreso de Schoenberg a la tonalidad, con los números 4 y 6 de las Seis piezas para coro masculino op. 35, siendo las demás piezas dodecafónicas. [23]
Schoenberg continuó en su cargo hasta que tuvo lugar la Machtergreifung (toma del poder) del régimen nazi en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, le advirtieron que regresar a Alemania sería peligroso. Schoenberg reclamó formalmente su membresía en la religión judía en una sinagoga de París, [24] luego viajó con su familia a los Estados Unidos. [25] Esto sucedió después de que sus intentos de mudarse a Gran Bretaña fracasaran. [ cita necesaria ]
Su primer puesto docente en Estados Unidos fue en el Conservatorio Malkin ( Universidad de Boston ). Se mudó a Los Ángeles, donde enseñó en la Universidad del Sur de California y en la Universidad de California en Los Ángeles , las cuales más tarde nombraron un edificio de música en sus respectivos campus Schoenberg Hall. [26] [27] Fue nombrado profesor invitado en UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer , director musical y conductor de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles ; [ cita necesaria ] y al año siguiente fue ascendido a profesor con un salario de 5.100 dólares al año, lo que le permitió en mayo de 1936 o 1937 comprar una casa de estilo español en 116 North Rockingham en Brentwood Park , cerca del campus de UCLA, por 18.000 dólares. . Esta dirección estaba justo enfrente de la casa de Shirley Temple , y allí se hizo amigo del también compositor (y compañero de tenis) George Gershwin . Los Schoenberg pudieron contratar ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde, conocidas por el excelente café y los pasteles vieneses. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (que estudió composición en privado con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse , Joseph Achron , Louis Gruenberg , Ernst Toch y, en ocasiones, actores conocidos como Harpo Marx y Peter Lorre . [28] [29] [30] [31] [32] [33] Los compositores Leonard Rosenman y George Tremblay y el orquestador de Hollywood Edward B. Powell estudiaron con Schoenberg en este momento. [ cita necesaria ]
Después de su traslado a los Estados Unidos, donde llegó el 31 de octubre de 1933, [34] el compositor utilizó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg , en lugar de Schönberg , en lo que llamó "deferencia a la práctica estadounidense", [35] aunque según Según un escritor, hizo el cambio por primera vez un año antes. [36]
Vivió allí el resto de su vida, pero al principio no se instaló. Alrededor de 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio Estatal de Nueva Gales del Sur en Sydney. El director, Edgar Bainton , lo rechazó por ser judío y por tener "ideas modernistas y tendencias peligrosas". Schoenberg también exploró en algún momento la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y alumno (y sobrino de la suegra de Schoenberg, Henriette Kolisch), era Richard Hoffmann , nacido en Viena pero que vivió en Nueva Zelanda entre 1935 y 1947, y Schoenberg había estado fascinado desde la infancia con las islas y con Nueva Zelanda. en particular, posiblemente por la belleza de los sellos postales emitidos por ese país. [37]
Durante este último período, compuso varias obras notables, incluido el difícil Concierto para violín , op. 36 (1934/36), Kol Nidre , op. 39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Buonaparte , op. 41 (1942), el inquietante Concierto para piano , op. 42 (1942), y su monumento a las víctimas del Holocausto , Un superviviente de Varsovia , op. 46 (1947). No pudo completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escrita íntegramente con composición dodecafónica . Junto con la música dodecafónica, Schoenberg también volvió a la tonalidad con obras de su último período, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Sinfonía de cámara n.° 2 en mi ♭ menor, op. 38 (iniciado en 1906, terminado en 1939), las Variaciones sobre un recitativo en re menor, op. 40 (1941). Durante este período, sus alumnos notables incluyeron a John Cage y Lou Harrison .
En 1941 se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. [38] Aquí fue el primer compositor residente en el conservatorio de verano de la Academia de Música del Oeste . [39]
La naturaleza supersticiosa de Schoenberg pudo haber provocado su muerte. El compositor padecía triskaidecafobia y, según su amiga Katia Mann, temía morir durante un año múltiplo de 13. [40] Esto posiblemente comenzó en 1908 con la composición de la decimotercera canción del ciclo de canciones Das Buch der Hängenden. Jardín Op. 15. [10] Temía tanto cumplir sesenta y cinco años en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg . Rudhyar hizo esto y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.
Pero en 1950, en su 76 cumpleaños, un astrólogo le escribió a Schoenberg una nota advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. [41] Esto sorprendió y deprimió al compositor, porque hasta ese momento sólo había sido desconfía de los múltiplos de 13 y nunca consideró sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de la medianoche. Schoenberg había permanecido en cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Al día siguiente, su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie que Arnold murió a las 23:45, 15 minutos antes de la medianoche. [42] En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explica: "Hacia las doce menos cuarto miré el reloj y me dije: otro cuarto de hora y luego lo peor habrá pasado. Entonces el médico me llamó. La garganta de Arnold tembló dos veces, su corazón dio un fuerte latido y ese fue el final". [43]
Las cenizas de Schoenberg fueron enterradas posteriormente en el Zentralfriedhof de Viena el 6 de junio de 1974. [44]
Las importantes composiciones de Schoenberg en el repertorio de la música artística moderna se extienden a lo largo de más de 50 años. Tradicionalmente se dividen en tres períodos, aunque podría decirse que esta división es arbitraria ya que la música en cada uno de estos períodos es considerablemente variada. La idea de que su período dodecafónico "representa un cuerpo de obras estilísticamente unificado simplemente no está respaldada por la evidencia musical", [47] y características musicales importantes, especialmente aquellas relacionadas con el desarrollo motívico , trascienden estos límites por completo.
El primero de estos períodos, 1894-1907, se identifica con el legado de los compositores del alto romanticismo de finales del siglo XIX, así como con los movimientos " expresionistas " en la poesía y el arte. El segundo, 1908-1922, se caracteriza por el abandono de los centros clave , un movimiento descrito a menudo (aunque no por Schoenberg) como " atonalidad libre ". El tercero, a partir de 1923, comienza con la invención de Schoenberg del método de composición dodecafónico o "dodecafónico". Los estudiantes más conocidos de Schoenberg, Hanns Eisler , Alban Berg y Anton Webern , siguieron fielmente a Schoenberg a través de cada una de estas transiciones intelectuales y estéticas, aunque no sin una considerable experimentación y variedad de enfoques.
Comenzando con canciones y cuartetos de cuerda escritos alrededor del cambio de siglo, las preocupaciones de Schoenberg como compositor lo posicionaron de manera única entre sus pares, en el sentido de que sus procedimientos exhibían características tanto de Brahms como de Wagner , quienes para la mayoría de los oyentes contemporáneos, eran considerados polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Las seis canciones de Schoenberg, op. 3 (1899-1903), por ejemplo, exhiben una claridad conservadora de organización tonal típica de Brahms y Mahler, lo que refleja un interés en frases equilibradas y una jerarquía imperturbable de relaciones clave. Sin embargo, las canciones también exploran un cromatismo incidental inusualmente audaz y parecen aspirar a un enfoque "representacional" wagneriano de la identidad motívica.
La síntesis de estos enfoques alcanza su cúspide en su Verklärte Nacht , op. 4 (1899), una obra programática para sexteto de cuerdas que desarrolla varios temas distintivos parecidos a " leitmotiv ", cada uno de los cuales eclipsa y subordina al último. Los únicos elementos motívicos que persisten a lo largo de la obra son aquellos que están perpetuamente disueltos, variados y recombinados, en una técnica, identificada principalmente en la música de Brahms, que Schoenberg llamó " variación en desarrollo ". Los procedimientos de Schoenberg en la obra se organizan de dos maneras simultáneamente; sugiriendo al mismo tiempo una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motívico y la cohesión tonal.
La música de Schoenberg a partir de 1908 experimenta de diversas formas con la ausencia de claves o centros tonales tradicionales . Su primera pieza explícitamente atonal fue el segundo cuarteto de cuerda , op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene clave, lo que marca el divorcio formal de Schoenberg de las armonías diatónicas . Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten , op. 15 (1908-1909), sus Cinco piezas orquestales , op. 16 (1909), el influyente Pierrot Lunaire , op. 21 (1912), así como su dramática Erwartung , op. 17 (1909).
Sin embargo, la urgencia de las construcciones musicales que carecen de centros tonales o relaciones tradicionales de disonancia-consonancia se remonta a su Sinfonía de cámara n.° 1 , op. 9 (1906), una obra notable por su desarrollo tonal de armonía de tonos completos y cuartas , y su inicio de relaciones de conjunto dinámicas e inusuales, que involucran interrupciones dramáticas y alianzas instrumentales impredecibles; Muchas de estas características tipificarían la estética de la música de cámara orientada al timbre del siglo venidero.
A principios de la década de 1920, trabajó en el desarrollo de un medio de orden que hiciera que su textura musical fuera más simple y clara. Esto dio como resultado el "método de componer con doce tonos que están relacionados sólo entre sí", [48] en el que los doce tonos de la octava (no realizados compositivamente) se consideran iguales, y no se le da énfasis a ninguna nota o tonalidad. ocupaba en armonía clásica. Lo consideraba como el equivalente en música de los descubrimientos de Albert Einstein en física. Schoenberg lo anunció de manera característica, durante un paseo con su amigo Josef Rufer , cuando dijo: "He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años". [49] Este período incluyó las Variaciones para orquesta , op. 31 (1928); Begleitungsmusik zu einer Lichtspielscene , op. 34 (1930); Piezas para piano , opp. 33a y b (1931), y el Concierto para piano , op. 42 (1942). Contrariamente a su reputación de rigor, el uso de la técnica por parte de Schoenberg varió ampliamente según las exigencias de cada composición individual. Así, la estructura de su ópera inacabada Moisés y Aron es diferente a la de su Fantasía para violín y piano, op. 47 (1949).
Diez rasgos de la práctica dodecafónica madura de Schoenberg son característicos, interdependientes e interactivos: [50]
.jpg/1280px-Arnold_Sch%C3%B6nberg_Richard_Gerstl_(cropped).jpg)
Después de algunas dificultades iniciales, Schoenberg comenzó a ganarse la aceptación del público con obras como el poema sinfónico Pelleas und Melisande en una representación de Berlín en 1907. En el estreno en Viena de Gurre-Lieder en 1913, recibió una ovación que duró un cuarto de cuarto. hora y culminó con la entrega de una corona de laurel a Schoenberg. [51] [52]
Sin embargo, gran parte de su trabajo no fue bien recibido. Su Sinfonía de cámara nº 1 se estrenó normalmente en 1907. Sin embargo, cuando se tocó de nuevo en el Skandalkonzert el 31 de marzo de 1913 (que también incluía obras de Berg , Webern y Zemlinsky ), "se podía oír el sonido estridente de las llaves de las puertas entre los violentos aplausos, y en la segunda galería comenzó la primera pelea de la velada." Más adelante en el concierto, durante una interpretación del Altenberg Lieder de Berg, estallaron peleas después de que Schoenberg interrumpiera la actuación para amenazar con la deportación por parte de la policía de cualquier alborotador. [53]
Según Ethan Haimo, ha sido difícil comprender la obra dodecafónica de Schoenberg debido en parte a la "naturaleza verdaderamente revolucionaria" de su nuevo sistema, a la desinformación difundida por algunos de los primeros escritores sobre las "reglas" y "excepciones" del sistema que conllevan "poca relación con las características más significativas de la música de Schoenberg", el secretismo del compositor y la falta generalizada de disponibilidad de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, fue "sometido a una serie de críticas y abusos que resultan impactantes incluso en retrospectiva". [54]
Schoenberg criticó la nueva tendencia neoclásica de Igor Stravinsky en el poema "Der neue Klassizismus" (en el que menosprecia el neoclasicismo y se refiere indirectamente a Stravinsky como "Der kleine Modernsky"), que utilizó como texto para la tercera de sus Drei Satiren . op. 28. [55]
La técnica de composición en serie de Schoenberg con doce notas se convirtió en uno de los temas más centrales y polémicos entre los músicos estadounidenses y europeos durante mediados y finales del siglo XX. A partir de la década de 1940 y hasta la actualidad, compositores como Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen , Luigi Nono y Milton Babbitt han ampliado el legado de Schoenberg en direcciones cada vez más radicales. Las principales ciudades de los Estados Unidos (por ejemplo, Los Ángeles, Nueva York y Boston) han tenido interpretaciones históricamente significativas de la música de Schoenberg, con defensores como Babbitt en Nueva York y el director y pianista franco-estadounidense Jacques-Louis Monod . Los estudiantes de Schoenberg han sido profesores influyentes en las principales universidades estadounidenses: Leonard Stein en la USC , UCLA y CalArts ; Richard Hoffmann en Oberlin ; Patricia Carpenter en Columbia ; y León Kirchner y Earl Kim en Harvard . Los músicos asociados con Schoenberg han tenido una profunda influencia en la práctica de la interpretación musical contemporánea en los EE. UU. (por ejemplo, Louis Krasner , Eugene Lehner y Rudolf Kolisch en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra ; Eduard Steuermann y Felix Galimir en la Escuela Juilliard ). En Europa, el trabajo de Hans Keller , Luigi Rognoni y René Leibowitz ha tenido una influencia mensurable en la difusión del legado musical de Schoenberg fuera de Alemania y Austria. Su alumno y asistente Max Deutsch , que más tarde se convirtió en profesor de música, también fue director de orquesta. [56] quien hizo una grabación de tres "obras maestras" de Schoenberg con la Orchestre de la Suisse Romande , publicada póstumamente a finales de 2013. Esta grabación incluye breves conferencias de Deutsch sobre cada una de las piezas. [57]
En la década de 1920, Ernst Krenek criticó cierta clase anónima de música contemporánea (presumiblemente Schoenberg y sus discípulos) como "la autogratificación de un individuo que se sienta en su estudio e inventa reglas según las cuales luego escribe sus notas". Schoenberg se ofendió por este comentario y respondió que Krenek "sólo desea tener putas como oyentes". [58]
Allen Shawn ha señalado que, dadas las circunstancias de vida de Schoenberg, su obra suele ser defendida más que escuchada, y que es difícil experimentarla al margen de la ideología que la rodea. [59] Richard Taruskin afirmó que Schoenberg cometió lo que él llama una "falacia poiética", la convicción de que lo que más importa (o todo lo que importa) en una obra de arte es la realización de la misma, la aportación del creador y que el placer del oyente no debe ser el objetivo principal del compositor. [60] Taruskin también critica las ideas de medir el valor de Schoenberg como compositor en términos de su influencia sobre otros artistas, la sobrevaloración de la innovación técnica y la restricción de la crítica a cuestiones de estructura y artesanía, mientras deroga otros enfoques como vulgares. [61]
En un escrito de 1977, Christopher Small observó: "Muchos amantes de la música, incluso hoy, encuentran dificultades con la música de Schoenberg". [62] Small escribió su breve biografía un cuarto de siglo después de la muerte del compositor. Según Nicholas Cook , que escribió unos veinte años después de Small, Schoenberg había pensado que esta falta de comprensión
fue simplemente una fase transitoria, aunque inevitable: la historia de la música, decían, mostraba que el público siempre se resistía a lo desconocido, pero con el tiempo se acostumbraba y aprendía a apreciarlo... El propio Schoenberg esperaba con ansias un momento en el que, como él decía, los muchachos de las tiendas de comestibles silbaban música en serie en sus rondas. Si Schoenberg realmente creyó lo que dijo (y es difícil estar seguro de ello), entonces representa uno de los momentos más conmovedores de la historia de la música. Porque el serialismo no alcanzó popularidad; El proceso de familiarización que él y sus contemporáneos esperaban nunca se produjo. [63]
Ben Earle (2003) descubrió que Schoenberg, aunque reverenciado por los expertos y enseñado a "generaciones de estudiantes" en las carreras, seguía sin ser amado por el público. A pesar de más de cuarenta años de promoción y de la producción de "libros dedicados a la explicación de este difícil repertorio a un público no especializado", parece que, en particular, "los intentos británicos de popularizar la música de este tipo... ahora pueden decir que ha fracasado". [64]
En su biografía de 2018 del compositor casi contemporáneo y igualmente pionero de Schoenberg, Debussy, Stephen Walsh discrepa con la idea de que no es posible "que un artista creativo sea a la vez radical y popular". Walsh concluye: "Schoenberg puede ser el primer 'gran' compositor de la historia moderna cuya música no ha entrado en el repertorio casi un siglo y medio después de su nacimiento". [sesenta y cinco]
Adrian Leverkühn, el protagonista de la novela Doctor Faustus (1947) de Thomas Mann , es un compositor cuyo uso de la técnica dodecafónica es paralelo a las innovaciones de Arnold Schoenberg. Schoenberg no estaba contento con esto e inició un intercambio de cartas con Mann tras la publicación de la novela. [66]
Leverkühn, que puede estar inspirado en Nietzsche , vende su alma al diablo. El escritor Sean O'Brien comenta que "escrito a la sombra de Hitler, Doktor Faustus observa el ascenso del nazismo, pero su relación con la historia política es indirecta". [67]
.jpg/1280px-Blaues_Selbstportrait_(cropped).jpg)
Schoenberg fue un pintor de considerable habilidad, cuyas obras se consideraron lo suficientemente buenas como para exhibirlas junto con las de Franz Marc y Wassily Kandinsky . [68] como compañeros del grupo expresionista Der Blaue Reiter . [69] Aproximadamente desde 1908 hasta 1910, ejecutaría aproximadamente dos tercios de una obra total que comprende alrededor de sesenta y cinco óleos. [70]
Estaba interesado en las películas de Hopalong Cassidy , que Paul Buhle y David Wagner (2002, v-vii) atribuyen a los guionistas de izquierdas de las películas, una afirmación bastante extraña a la luz de la afirmación de Schoenberg de que era un " burgués " convertido en monárquico . [71]
