Henry Dixon Cowell ( / ˈk aʊ əl / ; 11 de marzo de 1897 - 10 de diciembre de 1965) fue un compositor, escritor, pianista, editor, profesor estadounidense [ 1 ] [ 2 ] [ 3] y esposo de Sidney Robertson Cowell . Cowell se ganó la reputación de ser un intérprete extremadamente controvertido y un compositor excéntrico y se convirtió en una figura destacada de la música de vanguardia estadounidense durante la primera mitad del siglo XX; sus escritos y su música sirvieron de gran influencia para artistas similares de la época, incluido Lou . Harrison , George Antheil y John Cage , entre otros. [4] [5] [6] Es considerado uno de los compositores más importantes e influyentes de Estados Unidos. [2] [7]
Cowell fue mayormente autodidacta y desarrolló un lenguaje musical único, a menudo mezclando melodías populares , contrapunto disonante , orquestación no convencional y temas del paganismo irlandés . Fue uno de los primeros defensores e innovadores de muchas técnicas y sensibilidades compositivas modernistas , muchas de ellas para piano , incluido el piano de cuerdas , el piano preparado , los grupos tonales y la notación gráfica . [1] [8]
Cowell nació el 11 de marzo de 1897 en la zona rural de Menlo Park, California , un suburbio de San Francisco . [6] Su padre, Henry Blackwood "Harry" Cowell, era un poeta romántico e inmigrante reciente del condado de Clare , Irlanda . [9] Su madre, Clara "Clarissa" Cowell (de soltera Dixon), era una activista política , autora y nativa de las llanuras americanas , que tenía 46 años cuando dio a luz a Henry, además de ser más de diez años mayor que su marido. . [9] [10] [11] [12] La ascendencia de Clarissa era igualmente escocesa e irlandesa, aunque su linaje paterno había estado en América durante siglos, con figuras que incluían al astrónomo Jeremiah Dixon , uno de los topógrafos detrás de la línea estadounidense Mason-Dixon . [13] Después de conocerse por primera vez, los dos se casaron rápidamente y adoptaron estilos de vida bohemios , residiendo en una pequeña y tosca cabaña (luego demolida en 1936) que Harry había construido en las afueras de la ciudad, donde eventualmente nacería Henry. Fue en sus primeros años cuando Henry tuvo su primer contacto con la música. [14]
Sus padres le cantaban a menudo canciones populares de sus países de origen, y pronto pudo recitarlas antes de aprender a hablar. [15] [16] Durante visitas ocasionales al centro de San Francisco, también recordó haber escuchado la música tradicional de Indonesia , China , Japón y otros. [12] Amigos y vecinos regalaron a la familia pequeños instrumentos, incluido un arpa mandolina y un violín de un cuarto de tamaño , este último por el cual el joven Henry se interesó, convirtiéndolo en su instrumento preferido durante algunos años. [9] [17] Su madre finalmente decidió suspender tanto las lecciones privadas como su carrera en la escuela pública después de que Cowell sufriera ataques severos de corea de Sydenham y escarlatina , de los cuales finalmente se recuperó. [17] [18]
Debido a una aventura en curso entre Harry y una amante francesa, los Cowell se divorciaron amistosamente en 1903, cuando Henry tenía cinco años. [19] A partir de entonces , su madre lo crió en Chinatown , quien lo imbuyó de sus fuertes creencias anarquistas y feministas . Fue durante este tiempo que mostró un fuerte desafío a los estereotipos de género : se negó a cortarse el pelo, a menudo vestía ropa de mujer y adoraba el color rosa, aunque prefería que lo llamaran "Sra. Jones". [14] También tuvo más exposiciones musicales cuando interactuó con sus nuevos amigos asiático-americanos y sus familias en el vecindario. [20] [21] Después del terremoto de San Francisco de 1906 , muchas de las posesiones y recuerdos de los Cowell fueron destruidos en el incendio resultante, después del cual Henry y su madre huyeron del estado de California . Sin un lugar permanente donde vivir, Henry residió con la familia y amigos de su madre en las llanuras y el Medio Oeste de Estados Unidos, más tarde en la ciudad de Nueva York . Los profesores de escuela de esta época a menudo tomaban nota de su "genio musical" y de su personalidad excéntrica, obstaculizada por la "extrema pobreza ". [22] Lewis Terman , eventual pionero de la prueba de coeficiente intelectual , se reunió con el joven Henry durante la breve estancia de la familia en la zona rural de Iowa . Sostendría que Cowell tenía "un lenguaje casi literario. Ningún profesor universitario de inglés podría haberlo mejorado. Y era tan natural. Su conversación respira inteligencia . Tuve la sensación de que ningún niño sin educación que no fuera un genio de la primera El orden podría hablar así" [23] y, "Aunque el coeficiente intelectual es satisfactorio, es igualado por muchos otros. [...] Pero sólo hay un Henry". [24] La carrera de Clarissa como escritora feminista progresista no le valió mucho dinero, y cuando finalmente regresaron a San Francisco, ella había enfermado terminalmente de cáncer de mama . [11] Encontraron su casa destruida por el terremoto anterior y saqueada por vándalos después de permanecer desocupada durante tanto tiempo. Los vecinos alojaron a los dos mientras Henry, que entonces tenía trece años, la restauró. Para mantenerlos a flote financieramente, aceptó pequeños trabajos como recoger y vender bulbos de flores en la estación de tren de Menlo Park , trabajo de limpieza, agricultura y limpieza de los gallineros de un vecino. [25]
Si bien no recibió educación musical formal (y poca educación de cualquier tipo más allá de la tutela en casa de su madre ), comenzó a componer piezas clásicas breves cuando era adolescente. Cowell ahorró todo el dinero que pudo en trabajos ocasionales y, a la edad de quince años, compró un piano vertical usado por 60 dólares (1772 dólares en 2022). [26] El piano contribuyó significativamente a su producción compositiva: en 1914, había escrito más de 100 piezas, incluida su primera pieza superviviente para piano solo, la repetitiva Anger Dance (originalmente Mad Dance ). [n 1] Comenzaba a experimentar en serio, a menudo golpeando el teclado con todas sus fuerzas y haciendo rodar el huevo de zurcir de su madre sobre las cuerdas. [27] En el mismo año, a la edad de 17 años, Cowell se matriculó en la Universidad de California, Berkeley , estudiando composición con el renombrado musicólogo y compositor estadounidense Charles Seeger . Más tarde, Seeger tomó nota de su "búsqueda simultánea pero completamente separada de composición libre y disciplinas académicas". Después de mostrarle a Seeger los borradores de su música, animó a Cowell a escribir sobre los métodos y la teoría detrás de sus grupos tonales, que más tarde se convirtieron en el borrador de su libro New Musical Resources . [26]
Aún adolescente, Cowell escribió la pieza para piano Dynamic Motion (1916), su primer trabajo importante para explorar las posibilidades del grupo tonal ( ⓘ ). Requiere que el intérprete use ambos antebrazos para tocar acordes secundarios masivos y exige que las teclas se mantengan presionadas sin sonar para extender sus sobretonos disonantes del grupo a través de la resonancia simpática . Después de dos años en Berkeley, Seeger recomendó que Cowell estudiara en el Instituto de Arte Musical (más tarde la Escuela Juilliard de Música ) en la ciudad de Nueva York. Cowell sólo estudió allí durante tres meses (octubre de 1916 a enero de 1917) antes de abandonar, creyendo que la atmósfera musical era demasiado sofocante y aburrida. [28] Sin embargo, fue en Nueva York donde conoció al compositor de piano modernista Leo Ornstein . Los dos colaborarían en décadas posteriores. [28]
En febrero de 1917, Cowell se alistó en el ejército para evitar ser reclutado en la Primera Guerra Mundial y verse en combate militar directo. Sirvió en el centro de entrenamiento de ambulancias en Camp Crane , Allentown, Pensilvania , donde tuvo un breve período como asistente del director de la banda durante unos meses. En octubre de 1918, Cowell fue trasladado a Fort Ontario en Oswego , Nueva York . Fue trasladado justo antes de que un brote de gripe española matara a trece hombres en Camp Crane. [29]
Cowell pronto regresó a California, donde se involucró con Halcyon , una comunidad teosófica en el sur de California. Cowell se unió a la comuna después de hacerse amigo del poeta irlandés-estadounidense y ex residente de Menlo Park, John Osborne Varian . [30] La conexión de Cowell con la música folclórica irlandesa de su padre significó que se sintiera atraído instantáneamente por Varian, el nacionalismo irlandés , las leyendas celtas y la teosofía en general. Aunque los residentes de Halcyon adoptaron un estilo de vida tolerante y de tendencia comunista , sus preferencias musicales se consideraron bastante conservadoras para la época. Varian lo describió como " raggtime santificado [sic]" y "música de himno rehimnificada [sic]". Cowell logró convencer a los miembros de que abrazaran su música y escribió música incidental y programática para interpretarla en Halcyon. [30] En 1917, Cowell escribió la música para la producción teatral de Varian The Building of Banba ; el preludio que compuso, The Tides of Manaunaun , con sus ricos y evocadores grupos, se convertiría en la obra más famosa y representada de Cowell. [31] La simbología irlandesa se convirtió más tarde en un tema más amplio en su música, como una extensión involuntaria del movimiento de Renacimiento Celta del siglo XX. [32]
A principios de la década de 1920, Cowell realizó numerosas giras por América del Norte y Europa como pianista, con la ayuda financiera de sus antiguos tutores, interpretando sus propias obras experimentales, exploraciones fundamentales de la atonalidad , la politonalidad , los polirritmos y los modos no occidentales . [33] [6] Dio su recital debut en Nueva York, realizó una gira por Francia y Alemania y se convirtió en el primer músico estadounidense en visitar la Unión Soviética , [2] y muchos de estos conciertos provocaron grandes alborotos y protestas. [34] Fue en una de estas giras que en 1923, su amigo Richard Buhlig presentó a Cowell a la joven pianista Grete Sultan en Berlín. Trabajaron en estrecha colaboración, un aspecto vital para el desarrollo personal y artístico de Sultan. Más tarde, Cowell causó tal impresión con su técnica de grupo de tonos que los destacados compositores europeos Béla Bartók y Alban Berg solicitaron su permiso para adoptarla. [35] [36]
En una carta dirigida a su amigo el 10 de enero de 1924, Cowell escribió: "Casé un gran revuelo en Londres y Berlín, y recibí algunas noticias muy buenas y otras muy malas de ambos lugares". [37] Un nuevo método propuesto por Cowell durante este período, en piezas como Aeolian Harp (1923) y Fairy Answer (1929), fue lo que denominó " piano de cuerdas ": en lugar de usar las teclas para tocar, el pianista mete la mano en el interior. el instrumento y puntea, barre y manipula las cuerdas directamente. Los esfuerzos de Cowell con las técnicas del piano de cuerda fueron la principal inspiración para el desarrollo del piano preparado por John Cage . [38] En las primeras piezas de música de cámara, como el Cuarteto Romántico (1915–17) y el Cuarteto Euphometric (1916–19 ⓘ ), Cowell fue pionero en un enfoque compositivo que llamó "ritmo-armonía": "Ambos cuartetos son polifónicos , y cada uno La línea melódica tiene su propio ritmo", explicó. "Incluso el canon del primer movimiento del Romántico tiene diferentes longitudes de notas para cada voz". [39]
En 1919, Cowell comenzó a escribir New Musical Resources , que finalmente se publicó después de una extensa revisión en 1930. En el libro, Cowell analiza la variedad de conceptos rítmicos y armónicos innovadores que utilizó en sus composiciones (y otros que todavía eran completamente especulativos). [40] Habla de series armónicas y "la influencia que ha ejercido en la música a lo largo de su historia, cuántos materiales musicales de todas las épocas están relacionados con ella y cómo, mediante diversos medios de aplicar sus principios de muchas maneras diferentes, Se puede montar una gran paleta de materiales musicales." Tendría un poderoso efecto en la vanguardia musical estadounidense durante décadas. John Cage copió a mano el libro y luego estudió a Cowell, y Conlon Nancarrow se referiría años más tarde a él como "la mayor influencia que he leído en música". [41]
Durante su primera gira por Europa, Cowell tocó en la famosa sala de conciertos Gewandhaus en Leipzig , Alemania , el 15 de octubre de 1923. Recibió una recepción notoriamente hostil durante este concierto, y algunos musicólogos e historiadores modernos se refirieron al evento como un punto de inflexión en La carrera interpretativa de Cowell. [33] [15] A medida que avanzaba en el concierto, dejando deliberadamente las piezas más ruidosas y provocativas para el final, la recepción del público se volvió cada vez más audiblemente hostil. Se escucharon jadeos y gritos, y Cowell recordó haber escuchado a un hombre en las primeras filas amenazarlo con sacarlo físicamente del escenario si no se detenía. Mientras tocaba el cuarto movimiento Antinomia [n 2] de sus Five Encores to Dynamic Motion , recordó más tarde:
[...] el público gritaba, pateaba, aplaudía y siseaba hasta que apenas podía oírme a mí mismo. Se pusieron de pie durante la mayor parte de la actuación y se acercaron lo más que pudieron a mí y al piano. [...] Algunos de los que desaprobaban mis métodos estaban tan emocionados que casi me amenazaron con violencia física. Los que gustaban de la música los contuvieron. [42]
Durante esta emoción, un caballero saltó de una de las primeras filas, agitó el puño hacia Cowell y dijo: "¿Halten Sie uns für Idioten in Deutschland?" ("¿Nos tomas por idiotas en Alemania?"), mientras otros le arrojaban a la cara las notas del programa del concierto y demás parafernalia. [34] [43] Aproximadamente un minuto después, un grupo enojado de miembros de la audiencia subió al escenario, seguido de un segundo grupo más solidario. Los dos grupos comenzaron a gritar y a enfrentarse, lo que finalmente derivó en un gran enfrentamiento físico y disturbios en el escenario, tras lo cual se llamó inmediatamente a la policía de Leipzig. Cowell recordó más tarde el incidente: "La policía subió al escenario y arrestó a 20 jóvenes, mientras el público estaba en un estado absoluto de histeria, ¡y yo todavía estaba tocando!". [42] Como no tenía lesiones físicas graves, las autoridades de Leipzig decidieron no admitirlo en el centro médico local. Después de que concluyó el concierto y se despejó el escenario, estaba notablemente conmocionado y nervioso cuando hizo una reverencia ante el resto del público y luego abandonó la sala.
En los días siguientes, la prensa local de Leipzig fue increíblemente dura con respecto a Cowell, la actuación y su estilo musical en general. El diario Leipziger Abendpost calificó el suceso como "[...] un rasgueo tan sin sentido y un taconeo tan repulsivo del teclado no sólo con las manos, sino también con los puños, los antebrazos y los codos, que hay que considerarlo una grosera obscenidad: Por decirlo suavemente, ofrecer tal cacofonía al público, que al final lo tomó como una broma". [44] El Leipziger Neuste-Nachrichten también se refirió a sus técnicas como "grotescos musicales". [45]
Más tarde se hicieron comparaciones entre este evento y otras actuaciones desenfrenadas de compositores experimentales y futuristas en Europa, incluido el estreno en París de La consagración de la primavera de Stravinsky una década antes, y las actuaciones del futurista italiano Luigi Russolo . [46]
El interés de Cowell por el ritmo armónico , como se analiza en New Musical Resources , lo llevó en 1930 a encargar a Léon Theremin la invención del Rhythmicon , o Polyrhythmophone, un instrumento de teclado transponible capaz de tocar notas en ritmos periódicos proporcionales a la serie de armónicos de un tono fundamental elegido. . [12] La primera máquina de ritmo electrónica del mundo , con un sistema de producción de sonido basado en fotorreceptores propuesto por Cowell (no un sistema similar al theremin , como afirman incorrectamente algunas fuentes), podía producir hasta dieciséis patrones rítmicos diferentes simultáneamente, con opciones opcionales. síncopa . Cowell escribió varias composiciones originales para el instrumento, incluido un concierto orquestado, y Theremin construyó dos modelos más. Pronto, sin embargo, el Rhythmicon sería prácticamente olvidado, permaneciendo así hasta la década de 1960, cuando el productor de música pop progresiva Joe Meek experimentó con su concepto rítmico.
Cowell siguió un enfoque compositivo radical hasta mediados de la década de 1930, con piezas para piano solo que siguieron siendo el centro de su producción; obras importantes de esta época incluyen The Banshee (1925) , que requería numerosos métodos de interpretación, como el pizzicato y el barrido y raspado longitudinal de la cuerdas ( ⓘ ), [47] y el maníaco Tigre lleno de racimos (1930), inspirado en el famoso poema de William Blake . [48] Gran parte de la reputación pública de Cowell continuó basándose en su técnica pianística característica: un crítico del San Francisco News , escribiendo en 1932, se refirió a los "famosos 'grupos de tonos' de Cowell, probablemente la contribución más sorprendente y original que cualquier estadounidense haya hecho". todavía contribuí al campo de la música." [49] Cowell, un prolífico compositor de canciones (escribiría más de 180 durante su carrera), regresó en 1930-1931 a Aeolian Harp , adaptándola como acompañamiento a una configuración vocal de un poema de su padre, How Old Is Song? Se basó en su importante obra de música de cámara, con piezas como el Adagio para violonchelo y Thunder Stick (1924), que exploraba una instrumentación inusual, y otras que eran aún más progresivas: Six Casual Developments (1933), para clarinete y piano, suena como algo que Jimmy Giuffre componería treinta años después. Su Ostinato Pianissimo (1934) lo colocó a la vanguardia de quienes escribían partituras originales para conjunto de percusión. También creó contundentes piezas para grandes conjuntos durante este período, como el Concierto para piano y orquesta (1928), con sus tres movimientos, "Polyharmony", "Tone Cluster" y "Counter Rhythm" ( ⓘ ) - y la Sinfonietta (1928), [50] cuyo scherzo Anton Webern dirigió en Viena. [51] A principios de la década de 1930, Cowell comenzó a profundizar seriamente en los procedimientos aleatorios , creando oportunidades para que los intérpretes determinaran los elementos primarios de la realización de una partitura. [n 4] Una de sus principales piezas de cámara, el Mosaic Quartet (String Quartet No. 3) (1935), está compuesta como una colección de cinco movimientos sin una secuencia predeterminada.
Cowell fue la figura central de un círculo de compositores de vanguardia que incluía a sus buenos amigos Carl Ruggles y Dane Rudhyar , así como a Leo Ornstein, John Becker, Colin McPhee , el expatriado francés Edgard Varèse y Ruth Crawford , a quien convenció a Charles Seeger. emprender como estudiante (Crawford y Seeger eventualmente se casarían). La prensa a veces se refería a Cowell y su círculo como "ultramodernistas", una etiqueta cuya definición es flexible y su origen poco claro (también se ha aplicado a algunos compositores fuera del círculo inmediato, como George Antheil , y a algunos de sus discípulos, como Nancarrow); Virgil Thomson los llamó "investigadores rítmicos". [52] En 1925, Cowell organizó la New Music Society, una de cuyas actividades principales era organizar conciertos de sus obras, junto con las de aliados artísticos como Wallingford Riegger y Arnold Schoenberg , el último de los cuales más tarde le pediría a Cowell que tocara para su clase de composición durante una de sus giras europeas. Menos de dos años después, Cowell fundó el periódico New Music Quarterly , que publicaría muchas partituras nuevas e importantes bajo su dirección, tanto de los ultramodernistas como de muchos otros compositores, incluidos Ernst Bacon, Otto Luening , Paul Bowles y Aaron Copland . Antes de la publicación del primer número, solicitó contribuciones de un compositor entonces desconocido que se convirtió en uno de sus amigos más cercanos, Charles Ives . [53] Las principales partituras de Ives, incluida la Comedia de su cuarta sinfonía , 4 de julio , 34 canciones y 19 canciones , recibirían su primera publicación en New Music ; A su vez, Ives brindó apoyo financiero a varios proyectos de Cowell (incluido, años más tarde, la propia New Music ). Muchas de las partituras publicadas en el diario de Cowell se hicieron aún más accesibles a medida que el sello discográfico que fundó en 1934, New Music Recordings, publicó sus interpretaciones.
El movimiento ultramodernista había ampliado su alcance en 1928, cuando Cowell dirigió un grupo que incluía a Ruggles, Varèse, su compañero expatriado Carlos Salzedo, el compositor estadounidense Emerson Whithorne y el compositor mexicano Carlos Chávez para fundar la Asociación Panamericana de Compositores, dedicada promover a compositores de todo el hemisferio occidental y crear una comunidad entre ellos que trascienda las fronteras nacionales. Su concierto inaugural, celebrado en la ciudad de Nueva York en marzo de 1929, presentó música exclusivamente latinoamericana, incluidas obras de Chávez, el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos , el compositor cubano Alejandro García Caturla y el cubano de origen francés Amadeo Roldán . Su siguiente concierto, en abril de 1930, se centró en los ultramodernistas estadounidenses, con obras de Cowell, Crawford, Ives, Rudhyar y otros como Antheil, Henry Brant y Vivian Fine . [54] Durante los siguientes cuatro años, Nicolas Slonimsky dirigió conciertos patrocinados por la asociación en Nueva York, en toda Europa y, en 1933, en Cuba. [55] El propio Cowell había actuado allí en 1930 y se reunió con Caturla, a quien estaba publicando en New Music . [56] Cowell continuó trabajando tanto en su nombre como en el de Roldán, cuya Rítmica No. 5 (1930) fue la primera pieza independiente de música clásica occidental escrita específicamente para un conjunto de percusión. [57] [n 5] Durante esta época, Cowell también difundió el credo experimental de los ultramodernistas como un profesor de composición y teoría de gran prestigio; entre sus muchos estudiantes se encontraban George Gershwin y Lou Harrison , quien dijo que pensaba en Cowell como " el mentor de mentores", [58] y John Cage, quien proclamó a Cowell "el sésamo abierto para la nueva música en Estados Unidos". [59]
Para Cowell era natural alentar la música de Caturla y Roldán, con sus ritmos orgullosamente africanos, y de Chávez, cuyo trabajo a menudo involucraba instrumentos y temas de los pueblos indígenas de México . Al crecer en la costa oeste, estuvo expuesto a gran parte de lo que ahora se conoce como " música del mundo "; junto con los aires y bailes irlandeses, encontró música de China, Japón y Tahití. Estas primeras experiencias ayudaron a formar su perspectiva musical inusualmente ecléctica, ejemplificada por su famosa declaración: "Quiero vivir en todo el mundo de la música". [60] Continuó investigando la música clásica india y, a fines de la década de 1920, comenzó a impartir un curso, "Música de los pueblos del mundo", en la Nueva Escuela de Investigación Social de Nueva York y en otros lugares; la tutela de Harrison bajo Cowell comenzaría. cuando se matriculó en una versión del curso en San Francisco . En 1931, una beca Guggenheim le permitió a Cowell ir a Berlín para estudiar musicología comparada (el predecesor de la etnomusicología ) con Erich von Hornbostel . También estudió teoría carnática y gamelan con destacados instructores del sur de la India (P. Sambamoorthy), Java (Raden Mas Jodjhana) y Bali (Ramaleislan). [61] [62] [n 6]
El 23 de mayo de 1936, Cowell fue arrestado en Menlo Park, California, acusado de "moralidad" por supuestamente haber tenido sexo oral con un joven de diecisiete años. [2] [3] [8] [n 7] Después de negar inicialmente la acusación, bajo un interrogatorio adicional admitió no solo el acto sino también actos sexuales adicionales con el adolescente y otros hombres jóvenes en el área, incluso durante su tiempo en Halcyon más de una década antes. [63] Las autoridades nunca lo acusaron de pedofilia o abuso sexual, pero dado que a los jóvenes se les llamaba típicamente "niños" en ese momento, los periódicos sensacionalistas y muchos miembros del público hicieron suposiciones incorrectas, [3] [64] dañando gravemente la reputación pública que tenía junto con la revelación de sus actividades homosexuales. [65] Mientras estaba encarcelado y esperando una audiencia judicial, escribió una confesión completa acompañada de una solicitud de indulgencia basándose en que "no era exclusivamente homosexual sino que, de hecho, estaba enamorado de una mujer con la que esperaba casarse". [66] [67] Se recibieron cartas sugerentes y otros artefactos tanto de Cowell como de los jóvenes que hablaron con la policía, que luego fueron utilizados por la fiscalía en su juicio. [65] Cowell finalmente decidió anular la decisión de sus abogados y declararse culpable, por razones desconocidas. El juez Maxwell McNutt denegó la libertad condicional y Cowell recibió la sentencia estándar de uno a quince años. [68] En agosto de 1937, después de una audiencia de libertad condicional, la Junta de Indultos fijó su pena de prisión en la pena máxima posible, una década y media. [69]
Cowell finalmente pasó cuatro años en la prisión estatal de San Quentin , [12] [70] durante una era tumultuosa en la historia de la prisión. [71] El ex director Clinton Duffy diría que "tenía reputación de ser una de las penitenciarías más primitivas del mundo". [72] El abuso físico por parte de guardias y funcionarios era común en el llamado "mal comportamiento", a menudo mediante azotes y hambre . [73] Durante su encarcelamiento, varios psicólogos destacados evaluaron al compositor de acuerdo con teorías de la homosexualidad ahora ignoradas, y luego expresaron fe en la idea de una posible "rehabilitación" del compositor. A pesar de este tiempo, Cowell enseñó música a sus compañeros de prisión, dirigió la banda de la prisión y continuó escribiendo a su ritmo prolífico habitual, produciendo alrededor de sesenta composiciones. [74] Estos incluían dos piezas principales para conjunto de percusión: Pulse (1939) , de tono oriental, y Return (1939), memorablemente sepulcral. También continuó sus experimentos en música aleatoria: para los tres movimientos de la Suite Amerind (1939), escribió cinco versiones, cada una más difícil que la anterior. Se invita a los intérpretes de la pieza a interpretar simultáneamente dos o incluso tres versiones del mismo movimiento en varios pianos. En Ritournelle (Larghetto and Trio) (1939) para la pieza de danza Matrimonio en la Torre Eiffel , exploró lo que llamó una forma "elástica". Los veinticuatro compases del Larghetto y los ocho del Trío son cada uno modular; Aunque Cowell ofrece algunas sugerencias, hipotéticamente cualquiera puede incluirse o no y reproducirse una o varias veces, permitiendo que la pieza se estire o contraiga a voluntad de los intérpretes; el objetivo práctico es darle al coreógrafo la libertad de ajustar la duración y el carácter de un baile. pieza sin las limitaciones habituales impuestas por una composición musical preescrita. [75]
Cowell había contribuido al proyecto de la Torre Eiffel a instancias de Cage, quien no fue el único que brindó apoyo a su amigo y ex maestro. Él y otros compositores homosexuales como Aaron Copland y su protegido Lou Harrison fácilmente empatizaron con su persecución. Harrison dijo en 1937: "[la] falta predominante de percepción equilibrada en la gran masa nunca antes me había resultado tan evidente". [76] La causa de Cowell había sido adoptada por compositores y músicos de todo el país, uno de los más vocales fue su antiguo maestro y colaborador, Charles Seeger. Sin embargo, algunos, incluido Ives, rompieron temporalmente el contacto con él. [n 8] Cowell finalmente obtuvo la libertad condicional en 1940; se mudó al condado de Westchester, Nueva York , mientras estaba bajo supervisión, y residió con el compositor y amigo australiano expatriado Percy Grainger y su esposa en White Plains . [70] Al año siguiente, Cowell se casó con Sidney Hawkins Robertson , un destacado estudioso de la música folklórica que había contribuido decisivamente a conseguir su libertad. [77] [78] Cowell recibió el perdón del gobernador de California, Culbert Olson , el 28 de diciembre de 1942. [8] [79]
A pesar del indulto, que le permitió trabajar en la Oficina de Información de Guerra, creando programas de radio para transmitir en el extranjero, su arresto, encarcelamiento y la consiguiente notoriedad tuvieron un efecto devastador en Cowell. [ 80] Conlon Nancarrow , al conocerlo por primera vez en 1947, informó: "La impresión que tuve fue que era una persona aterrorizada, con la sensación de que 'lo iban a atrapar'" . Los periodistas a menudo lo molestaban para que comentara sobre las circunstancias de sus crímenes y arresto, pero a menudo se negaba a hacerlo. [82] La experiencia tuvo un efecto duradero en su música [ dudoso ] : la producción compositiva de Cowell se volvió sorprendentemente más conservadora poco después de su liberación de San Quentin, con ritmos más simples y un lenguaje armónico más tradicional. [83]
Muchas de sus obras posteriores se basan en la música folclórica estadounidense , como la serie de dieciocho Hymn and Fuguing Tunes ( 1943-1964); Sin duda, la música folclórica había desempeñado un papel en varias de las composiciones de Cowell antes de la guerra, pero las provocativas transformaciones que habían sido su firma ahora estaban en gran medida abandonadas. Y, como observó Nancarrow, el encarcelamiento de Cowell tuvo otras consecuencias: "Por supuesto, después de eso, políticamente, mantuvo la boca completamente cerrada. También había sido políticamente radical antes". [81]
Cowell, que ya no era un radical artístico, mantuvo una inclinación progresista y continuó siendo un líder (junto con Harrison y McPhee) en la incorporación de modismos musicales no occidentales, como en Ongaku ( 1957), sinfonía n.° 13, con influencias japonesas. , " Madras " (1956–58) y Homenaje a Irán (1959). Sus canciones más convincentes y conmovedoras datan de esta época, incluidas Music I Heard (con un poema de Conrad Aiken ; 1961) y Firelight and Lamp (con un poema de Gene Baro; 1962). Cowell fue elegido miembro del Instituto Americano de Artes y Letras en 1951. Habiendo revivido su amistad con Ives, Cowell, en colaboración con su esposa, escribió el primer estudio importante sobre la música de Ives y brindó un apoyo crucial a Harrison mientras su antiguo alumno defendía la música de Ives. redescubrimiento. Cowell reanudó la enseñanza ( Burt Bacharach , JH Kwabena Nketia e Irwin Swack [84] estaban entre sus estudiantes de posguerra) y trabajó como consultor de Folkways Records durante más de una década a partir de principios de la década de 1950, escribiendo notas y editando colecciones como Music. of the World's Peoples (1951–61) (también presentó un programa de radio del mismo nombre) [85] y Primitive Music of the World (1962). En 1963 grabó interpretaciones vívidas e intensas de veinte de sus piezas para piano fundamentales para un álbum Folkways. Quizás liberado por el paso del tiempo y su propia antigüedad, en sus últimos años Cowell volvió a producir una serie de obras individualistas, como Thesis (Sinfonía n.º 15; 1960) y 26 mosaicos simultáneos (1963).
En octubre de 1964, a Cowell le diagnosticaron cáncer colorrectal después de que un médico descubriera una gran cantidad de pólipos en su sistema durante un examen. Se decidió que no podía ser operado, ya que pasó demasiado tiempo sin diagnosticarse y envolvió casi por completo su intestino grueso . [86] Cowell murió el 10 de diciembre de 1965, en su casa de Shady , Woodstock, Nueva York , tras una serie de accidentes cerebrovasculares y sucumbiendo a la enfermedad. [87]
En una carrera que abarcó más de medio siglo, Cowell escribió en una amplia gama de estilos con su propio toque idiosincrásico , incluido el serialismo , el jazz , el romanticismo , el neoclasicismo , la vanguardia , la música noise , el minimalismo , etc. Ha escrito más de 940 composiciones en total, [88] la mayoría para piano solo, aunque algunas se han perdido o destruido desde entonces. Su amplio catálogo musical se divide típicamente en tres períodos: un período temprano experimental y salvaje, un período medio más refinado y técnico, y un período tardío neorromántico.
La música de Henry Cowell cubre una gama más amplia tanto en expresión como en técnica que la de cualquier otro compositor vivo. Sus experimentos iniciados hace tres décadas en el ritmo, la armonía y las sonoridades instrumentales fueron entonces considerados por muchos como salvajes. Hoy son la Biblia de los jóvenes y todavía, para los conservadores, "avanzados".... Ningún otro compositor de nuestro tiempo ha producido un conjunto de obras tan radical y tan normal, tan penetrante y tan completo. Si a esta producción masiva se añade su larga e influyente carrera como pedagogo, el logro de Henry Cowell resulta realmente impresionante. No hay otro igual. Ser fecundo y correcto es algo que pocos tienen. [89] — Virgil Thomson , 1953 [n. 9]
Cowell sigue siendo una figura un tanto oscura en la historia de la música estadounidense y de la música experimental en general. En su época, las opiniones sobre su música y sus actuaciones eran increíblemente variadas. Algunos críticos musicales de la época lo llamaron un "genio creativo", que tocaba "fantásticamente bien", [90] mientras que otros se refirieron a sus composiciones como "sin ley, sin rastro de contrapunto " y el "pico del atonal ". pensamiento" — el último de los cuales Cowell utilizó sarcásticamente como promoción en una gira siguiente. [91]
Algunos de los puntos de vista más prácticos fueron ofrecidos por críticos como Evelyn Wells de The San Francisco Call and Post : "Las composiciones de Cowell son como el mejor orden de pinturas; uno debe permanecer muy atrás, a distancias respetuosas, antes de que el orden resulte". del caos, y las coloridas motas de sonido se resuelven en un solo tema." [92] La intención de la prensa internacional era más bien enfatizar sus tendencias de actuación poco convencionales y violentas, con titulares como los de The Daily Mail : "Piano tocado con el codo. Dedos demasiado limitados para el Sr. Cowell. Resultado como una guardería en rebelión. " y The Daily Express : "Elbow Pianist. Una maravillosa prueba para el instrumento". [93]
Fue considerado un educador y promotor muy respetado de la música clásica en Estados Unidos durante el período de la Nueva Música de su vida. En noviembre de 2009, Other Minds celebró un evento de dos días que celebraba la música de Cowell en el área de la Bahía de San Francisco , cerca de su lugar de nacimiento, Menlo Park . [94]
Muchas de las técnicas que Cowell inventó o fue pionera siguen siendo relevantes para la música actual. Desde entonces, los grupos de tonos en la música han sido utilizados por destacados compositores clásicos como Béla Bartók , [12] George Crumb , [95] Olivier Messiaen , Karlheinz Stockhausen , [96] Iannis Xenakis , Einojuhani Rautavaara , [97] y Krzysztof Penderecki , entre otros. . Teclistas de rock experimental y progresivo como Keith Emerson , [98] Rick Wright y John Cale [99] emplearon de manera similar técnicas y grupos de piano de cuerda en sus interpretaciones, al igual que los pianistas de free jazz Dave Burrell , [100] Cecil Taylor , [101] Sun. Ra , etcétera.
Su libro de 1930 New Musical Resources todavía se considera un recurso útil para los compositores, noventa años después de su publicación, habiendo sido defendido por sus colegas y estudiantes posteriores. [12] [41]
