Leo Ornstein (nacido como Lev Ornshteyn ; c . 11 de diciembre de 1895 [n 1] - 24 de febrero de 2002) fue un compositor y pianista experimental estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores de vanguardia y sus propias piezas innovadoras e incluso impactantes lo convirtieron en una causa célebre en ambos lados del Atlántico. La mayor parte de sus obras experimentales fueron escritas para piano . [1]
Ornstein fue el primer compositor importante en hacer un uso extensivo del grupo de tonos . Como pianista, se lo consideraba un talento de clase mundial. [2] A mediados de la década de 1920, se había alejado de su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de los cuarenta años, continuó escribiendo música durante otro medio siglo y más. En gran medida olvidado durante décadas, fue redescubierto a mediados de la década de 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990 a la edad de noventa y cuatro años, lo que lo convirtió en el compositor publicado de mayor edad en la historia en ese momento (una marca superada desde entonces por Elliott Carter ).
Ornstein nació en Kremenchuk , gobernación de Poltava , Imperio ruso (hoy parte de Ucrania ). Creció en un ambiente musical: su padre era un cantor judío ( Hazzan ), mientras que un tío violinista alentó los estudios del joven. Ornstein fue reconocido desde el principio como un prodigio del piano ; en 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó tocar a Ornstein, de seis años. Hofmann le dio una carta de recomendación para el prestigioso Conservatorio de San Petersburgo . Poco después, Ornstein fue aceptado como alumno en la Escuela Imperial de Música de Kiev , entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilowitsch lo escuchó tocar y lo recomendó para el Conservatorio de Moscú . En 1904, Ornstein, de nueve años, audicionó y fue aceptado en la escuela de San Petersburgo. [3] Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova . A los once años, Ornstein se ganaba la vida entrenando a cantantes de ópera. [4] Para escapar de los pogromos incitados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso , la familia emigró a los Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. [5] Se establecieron en el Lower East Side de Nueva York , y Ornstein se inscribió en el Institute of Musical Art (predecesor de la Juilliard School ), donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper . En 1911, hizo un debut bien recibido en Nueva York con piezas de Bach , Beethoven , Chopin y Schumann . Las grabaciones dos años después de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador musical Michael Broyles, "un pianista de sensibilidad, prodigiosa habilidad técnica y madurez artística". [6]
Ornstein pronto se movió en una dirección muy diferente. Comenzó a componer obras que contenían sonidos disonantes y sorprendentes. [5] El propio Ornstein se sintió perturbado por la primera de estas composiciones: "Realmente dudé de mi cordura al principio. Simplemente dije, ¿qué es eso? Estaba tan completamente alejado de cualquier experiencia que haya tenido alguna vez". [7] El 27 de marzo de 1914, en Londres, dio su primera interpretación pública de obras entonces llamadas "futuristas", ahora conocidas como modernistas . [n 2] Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg , Ornstein tocó varias de sus propias composiciones. El concierto causó un gran revuelo. Un periódico describió la obra de Ornstein como "la suma de Schoenberg y Scriabine [ sic ] al cuadrado". [8] Otros fueron más analíticos: "Nunca hemos sufrido una fealdad tan insufrible, expresada en términos de la llamada música". [8]
La siguiente actuación de Ornstein provocó un alboroto: "En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa. No podía escuchar el piano. La multitud silbaba y aullaba e incluso lanzaba misiles al escenario". [7] Sin embargo, la reacción no fue en absoluto negativa: el Musical Standard lo llamó "uno de los compositores más notables de la época... [con] ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genio". [9] Al año siguiente, era el centro de atención de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras de vanguardia de Schoenberg, Scriabin, Bartók , Debussy , Kodály , Ravel y Stravinsky (muchas de ellas estrenos en Estados Unidos), así como sus propias composiciones, aún más radicales. [10]
Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando prácticamente dejó de actuar en público, Ornstein fue una de las figuras más conocidas (según algunos, notorias) de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "atractivo era inmenso. Actuaba constantemente ante salas repletas, a menudo ante más de dos mil personas, en muchos lugares la 'mayor audiencia de la temporada ' " . [11] Sus piezas para piano solo, como Wild Men's Dance (también conocida como Danse Sauvage ; ca. 1913-14) e Impressions of the Thames (ca. 1913-14) fueron pioneras en el uso integrado del grupo de tonos en la composición de música clásica , que Henry Cowell , tres años menor que Ornstein, haría aún más por popularizar. En la descripción del erudito Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente y rebelde, compuesta de densos grupos de acordes... y acentos brutales. Ritmos complejos y acordes gigantescos y estrepitosos recorren todo el rango del piano. Esta sigue siendo una obra para un gran virtuoso capaz de imbuirla de una energía ardiente y feroz". [12] Aaron Copland recordó una interpretación de la misma como el momento más controvertido de sus últimos años de adolescencia. [13] En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo una sorpresa". [14] Según el crítico Kyle Gann , Impressions of the Thames , "si Debussyan en sus texturas, utilizó acordes más espinosos de los que Debussy jamás se atrevió, y también grupos en el rango de agudos y un golpeteo bajo que presagiaba Charlemagne Palestine , pero modulado... con un convincente sentido de unidad". [15]
Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para violín y piano (1915; no 1913 como a menudo se da erróneamente) [16] fue incluso más allá; "al borde", como él mismo lo expresó: "Yo diría que [la sonata] había llevado la música justo al borde... Simplemente me eché hacia atrás y dije: 'más allá de eso se encuentra el caos completo ' " . [17] En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo se ha movido de hecho entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". [18] Esa primavera, Ornstein dio una serie de recitales en la casa de Nueva York de uno de sus defensores; estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales prosperaría la escena musical moderna en la década de 1920. [19] Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz . [20] Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:
Nunca pensé que llegaría a oír a Arnold Schoenberg sonar tan manso, pero manso suena —casi tímido y vacilante— después de Ornstein, quien es, sin lugar a dudas, el único compositor futurista genuino y verdadero que está vivo. [21]
Además de “futurista”, Ornstein también fue calificado a veces (junto con Cowell y otros de su círculo) de “ultramodernista”. Un artículo del Baltimore Evening Sun se refirió a él como “el pianista intransigente que ha puesto a todo el mundo musical al borde de la muerte y que probablemente sea la figura más comentada en el escenario de conciertos”. [22] En The Musical Quarterly se le describió como “el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo”. [18] El compositor nacido en Suiza Ernest Bloch lo declaró “el único compositor en Estados Unidos que muestra signos positivos de genialidad”. [23]
En 1918, Ornstein ya era lo suficientemente famoso como para que se publicara una biografía completa de él. El libro, escrito por Frederick H. Martens, no sólo sugiere el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su efecto divisivo en la escena cultural:
Para muchos, Leo Ornstein representa a un genio musical maligno que vaga sin el más mínimo rasgo de ortodoxia tonal, en una extraña tierra de nadie embrujada por sonidos tortuosos, lamentos de desesperación futurista, gritos cubistas y gritos y estruendos postimpresionistas. Es el gran anarca, el iconoclasta. [24]
Cowell, que había conocido a Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, seguiría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también incluía ambiciosos escritos sobre teoría musical y esfuerzos editoriales y promocionales en apoyo de la vanguardia. Ornstein, el iconoclasta de vanguardia de la música clásica estadounidense, siguió una musa mucho más idiosincrásica: "Me guío enteramente por mi instinto musical en cuanto a lo que siento que es importante o no". [25] Prueba de ello es el hecho de que, incluso en el apogeo de su notoriedad ultramodernista, también escribió varias obras líricas y tonales, como la Primera sonata para violonchelo y piano: [26] "[La] escribió en menos de una semana bajo una compulsión a la que no podía resistirme", dijo Ornstein más tarde. "Por qué escuché esta pieza romántica en el mismo período en el que estaba tumultuosamente involucrado en el primitivismo de [otras obras] está más allá de mi comprensión". [27] Al comentar la pieza después de la muerte de Ornstein aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "rivaliza con la [sonata para violonchelo] de Rachmaninov en melodías magníficas". [28]
Antes del cambio de década, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein produjo una de sus obras más distintivas que involucraba grupos de tonos, Suicide in an Airplane . [29] Su partitura requiere un patrón de ostinato de bajo de alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación de vuelo. [30] La pieza serviría como inspiración para la Sonata para el avión (1923) de George Antheil , quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como Sonata Sauvage (1923). [31] Escribiendo en 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicide in an Airplane entre aquellas piezas de Ornstein que "representaban (y aún pueden representar) el non plus ultra de la violencia pianística". [32]
Ornstein, agotado, abandonó su celebrada carrera como intérprete a principios de los años 1920. [33] Su "música fue olvidada pronto", escribe el erudito Erik Levi, dejándolo "como una figura esencialmente periférica en la vida musical estadounidense". [34] Como describe Broyles, "Ornstein ya se había retirado casi por completo cuando aparecieron las nuevas organizaciones musicales de los años 1920. Demasiado temprano y demasiado independiente, Ornstein tenía poco deseo de participar en el movimiento modernista cuando este se apoderó de los Estados Unidos... [Parecía] poco preocupado por la publicidad o la falta de ella. Solo escuchaba su propia voz". [35]
El estilo compositivo principal de Ornstein también estaba cambiando. Como lo describió el crítico posterior Gordon Rumson, su
El lenguaje musical se organiza en una gradación luminosa y resplandeciente entre la simplicidad y la dureza. Las melodías tienen un matiz hebreo y Ornstein no tiene reparos en colocar música disonante y tonal una al lado de la otra. Este cambio de estilo es sólo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una franqueza de emoción que hace que la música sea genuinamente atractiva. También hay que señalar que su música está escrita idealmente para el piano y es claramente la obra de un pianista maestro. [21]
Esta transformación contribuyó a que Ornstein cayera en el olvido. Aquellos a quienes había inspirado lo rechazaron, casi con la misma vehemencia que los críticos a los que había escandalizado una década antes. “Había sido el chico del cartel del modernismo radical durante la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despreciado”, según Broyles. “Ni siquiera Cowell, conocido por su temperamento tolerante, pudo perdonar a Ornstein”. [36]
Habiendo abandonado no sólo el escenario de conciertos, sino también los ingresos que éste conllevaba, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para hacer rollos de piano . [37] Hizo más de dos docenas de rollos para Ampico, en su mayoría de un repertorio no modernista; los compositores que interpretó con más frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt . Dos rollos contenían sus propias composiciones: Berceuse (Canción de cuna) (ca. 1920-21) y Prélude tragique (1924). [38] Ornstein nunca grabó, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que le habían dado fama.
A mediados de la década de 1920, Ornstein abandonó Nueva York para aceptar un puesto de profesor en la Academia Musical de Filadelfia, que más tarde formaría parte de la Universidad de las Artes . [39] Durante este período, escribió algunas de sus obras más importantes, incluido el Concierto para piano, encargado por la Orquesta de Filadelfia en 1925. [35] Dos años más tarde, produjo su Quinteto para piano. Una obra tonal épica marcada por un uso aventurero de la disonancia y arreglos rítmicos complejos , es reconocida como una obra maestra del género. [40]
A principios de la década de 1930, Ornstein dio su última actuación pública. [41] Unos años más tarde, él y su esposa, la ex Pauline Cosio Mallet-Prèvost (1892-1985), también pianista, fundaron la Escuela de Música Ornstein en Filadelfia. [42] Entre los estudiantes allí, John Coltrane y Jimmy Smith seguirían carreras importantes en el jazz. [43] Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta que cerró con su jubilación en 1953. Básicamente desaparecieron de la vista del público hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora musical Vivian Perlis : la pareja estaba pasando el invierno en un parque de caravanas de Texas (también tenían una casa en New Hampshire). [44] Ornstein había seguido componiendo música; equipado con una memoria poderosa, no fue diligente en escribirlo todo y no había tratado de publicitarlo durante décadas. Aunque su estilo se había moderado mucho desde la década de 1910, conservaba su carácter único y con su redescubrimiento llegó un nuevo estallido de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein en sus ochenta años, como Solitude y Rendezvous at the Lake , presentaban melodías que "surgieron a través de interminables florituras ornamentadas que no traían a la mente a ningún otro compositor". [15]
En 1988, Ornstein, que tenía noventa y dos años, escribió su Séptima Sonata para piano. Con esta composición, Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado de mayor edad, hasta Elliott Carter , en producir una obra nueva sustancial. [45] El 23 de septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, Ornstein completó su obra final, la Octava Sonata para piano. [46] Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no solo el paso de un notable lapso de tiempo, sino también un sentido del humor y un espíritu exploratorio intactos: I. "La agitación de la vida y algunos fragmentos de sátira" / II. "Un viaje al ático: una lágrima o dos por una infancia perdida para siempre" (a. "El clarín" / b. "Un lamento por un juguete perdido" / c. "Una cuna medio mutilada: Berceuse" / d. "Primer paseo en carrusel y sonidos de una zanfona") [n. 3] / III. "Disciplinas e improvisaciones". En su reseña del debut de la obra en Nueva York, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura rugiente del primer y tercer movimiento, el movimiento intermedio es una suite de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de la infancia descubiertos en un ático. Aunque completamente incongruente, el cambio de tono es audaz y la música desarma. El público escuchó embelesado y luego estalló en aplausos". [14]
El 24 de febrero de 2002, Ornstein murió por causas naturales en Green Bay, Wisconsin . A la edad de 106 años, fue uno de los compositores más longevos. [47]
