El modernismo es un movimiento filosófico , religioso y artístico que surgió de amplias transformaciones en la sociedad occidental durante finales del siglo XIX y principios del XX. El movimiento reflejó un deseo de crear nuevas formas de arte, filosofía y organización social que reflejaran el nuevo mundo industrial emergente , incluidas características como la urbanización , la arquitectura, las nuevas tecnologías y la guerra. Los artistas intentaron alejarse de las formas tradicionales de arte, que consideraban obsoletas u obsoletas. El mandato del poeta Ezra Pound de 1934 de "Hacerlo nuevo" fue la piedra de toque del enfoque del movimiento.
Las innovaciones modernistas incluyeron el arte abstracto , la novela La corriente de la conciencia , el cine de montaje , la música atonal y dodecafónica , la pintura divisionista y la arquitectura moderna . El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo [a] [2] [3] e hizo uso de las obras del pasado mediante el empleo de repetición , incorporación , reescritura, recapitulación , revisión y parodia . [b] [c] [4] El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración , y muchos modernistas también rechazaron las creencias religiosas. [5] [d] Una característica notable del modernismo es la autoconciencia respecto de las tradiciones artísticas y sociales, que a menudo condujo a la experimentación con la forma, junto con el uso de técnicas que llamaron la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de obras de arte. [7]
Mientras que algunos académicos consideran que el modernismo continuará hasta el siglo XXI, otros ven que evoluciona hacia el modernismo tardío o el alto modernismo . [8] El posmodernismo se aleja del modernismo y rechaza sus supuestos básicos. [9] [10] [11]
Algunos comentaristas definen el modernismo como un modo de pensar: una o más características definidas filosóficamente, como la autoconciencia o la autorreferencia, que atraviesan todas las novedades en las artes y las disciplinas. [12] Más comunes, especialmente en Occidente, son aquellos que lo ven como una tendencia de pensamiento socialmente progresista que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o tecnología. [e] Desde esta perspectiva, el modernismo alentó el reexamen de todos los aspectos de la existencia, desde el comercio hasta la filosofía, con el objetivo de encontrar aquello que frenaba el progreso y reemplazarlo con nuevas formas de alcanzar el mismo fin.
Según Roger Griffin , el modernismo puede definirse como una amplia iniciativa cultural, social o política, sostenida por el espíritu de "la temporalidad de lo nuevo". El modernismo buscó restaurar, escribe Griffin, un "sentido de orden y propósito sublime en el mundo contemporáneo, contrarrestando así la (percibida) erosión de un ' nomos ' global, o 'dosel sagrado', bajo el impacto fragmentador y secularizador de la modernidad. " Por lo tanto, fenómenos aparentemente sin relación entre sí como el " expresionismo , el futurismo , el vitalismo , la teosofía , el psicoanálisis , el nudismo, la eugenesia , el urbanismo y la arquitectura utópicos , la danza moderna , el bolchevismo , el nacionalismo orgánico -e incluso el culto al autosacrificio que sustentaba la hecatombe de la Primera Guerra Mundial – revelan una causa común y una matriz psicológica en la lucha contra la decadencia (percibida). Todos ellos encarnan intentos de acceder a una "experiencia suprapersonal de la realidad", en la que los individuos creían que podían trascender su propia mortalidad y, eventualmente, que habían dejado de ser víctimas de la historia para convertirse en sus creadores. [14]
El modernismo literario se resume a menudo en una frase de WB Yeats : "Las cosas se desmoronan; el centro no puede sostenerse" (en ' La Segunda Venida '). [15] Los modernistas a menudo buscan un "centro" metafísico pero experimentan su colapso. [16] ( El posmodernismo , por el contrario, celebra ese colapso, exponiendo el fracaso de la metafísica, por ejemplo en la deconstrucción de las afirmaciones metafísicas de Jacques Derrida .) [17]
Filosóficamente, el colapso de la metafísica se remonta al filósofo escocés David Hume (1711-1776), quien argumentó que en realidad nunca percibimos que un evento cause otro. Sólo experimentamos la " constante conjunción " de acontecimientos, y no percibimos una "causa" metafísica. De manera similar, Hume sostiene (sin utilizar los términos reales) que nunca conocemos al yo como objeto, sólo al yo como sujeto, y por lo tanto estamos ciegos a nuestra verdadera naturaleza. [18] De manera más general, si sólo 'conocemos' a través de la experiencia sensorial (ver, tocar, etc.), entonces no podemos 'saber' ni hacer afirmaciones metafísicas.
Por lo tanto, el modernismo a menudo está impulsado emocionalmente por el deseo de verdades metafísicas, al tiempo que comprende su imposibilidad. Las novelas modernistas, por ejemplo, presentan personajes como Marlow en El corazón de las tinieblas o Nick Carraway en El gran Gatsby que creen haber encontrado una gran verdad sobre la naturaleza o el carácter, verdades que las propias novelas tratan con ironía y ofrecen explicaciones más mundanas. [19] De manera similar, muchos poemas de Wallace Stevens luchan con el sentido del significado de la naturaleza, y se dividen en dos títulos: poemas en los que el hablante niega que la naturaleza tenga significado, solo para que la naturaleza surja al final del poema; y poemas en los que el hablante afirma que la naturaleza tiene significado, sólo para que ese significado colapse al final del poema.
El modernismo a menudo rechaza el realismo del siglo XIX , si se entiende que este último se centra en la encarnación del significado dentro de una representación naturalista. Al mismo tiempo, algunos modernistas aspiran a un realismo más "real", descentrado. La pintura protocubista de Picasso, Les Demoiselles d'Avignon de 1907 (ver imagen arriba) no presenta a sus sujetos desde un solo punto de vista (el de un solo espectador), sino que presenta un plano pictórico plano y bidimensional . 'El poeta' de 1911 está igualmente descentrado, presentando el cuerpo desde todos los puntos de vista. Como dice el sitio web de las Colecciones Peggy Guggenheim, "Picasso presenta múltiples vistas de cada objeto, como si se hubiera movido alrededor de él, y las sintetiza en una única imagen compuesta". [20]
El modernismo, con su sensación de que "las cosas se desmoronan", puede verse como la apoteosis del romanticismo , si el romanticismo es la búsqueda (a menudo frustrada) de verdades metafísicas sobre el carácter, la naturaleza, Dios y el significado del mundo. [21] El modernismo a menudo anhela un centro romántico o metafísico, pero sólo encuentra su colapso.
Esta distinción entre modernismo y romanticismo se extiende a sus respectivos tratamientos del "símbolo". Los románticos a veces ven una relación esencial (el "fundamento") entre el símbolo (el "vehículo", en términos de IA Richards ) [22] y su "tenor" (su significado), por ejemplo en la descripción de la naturaleza de Coleridge. como 'ese lenguaje eterno que tu Dios / pronuncia'. [23] Pero si bien la naturaleza y sus símbolos pueden ser el lenguaje de Dios, para algunos teóricos románticos sigue siendo inescrutable. Como dijo Goethe (no del todo romántico), "la idea [o significado] permanece eterna e infinitamente activa e inaccesible en la imagen". [24] Esto se amplió en la teoría modernista que, basándose en sus precursores simbolistas , a menudo enfatiza la inescrutabilidad y el fracaso del símbolo y la metáfora; por ejemplo, en Stevens, quien busca y no logra encontrar significado en la naturaleza, incluso si a veces parece sentirlo. tal significado. Como tal, los simbolistas y modernistas a veces adoptan un enfoque místico para sugerir un sentido no racional del significado. [25]
Por estas razones, las metáforas modernistas son a menudo antinaturales, como por ejemplo en la descripción que hace TS Eliot de una tarde "desplegada contra el cielo / como un paciente eterizado sobre una mesa". [26] De manera similar, en muchos poetas modernistas posteriores la naturaleza no está naturalizada y en ocasiones está mecanizada, como por ejemplo en la imagen de Stephen Oliver de la luna ocupada 'elevándose' a sí misma hacia la conciencia. [27]
Según un crítico, el modernismo surgió de la revuelta del romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores burgueses : "El motivo fundamental del modernismo, afirma Graff , fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo [. ..] los modernistas, llevando la antorcha del romanticismo." [a] [2] [3] Mientras que JMW Turner (1775–1851), uno de los más grandes paisajistas del siglo XIX, fue miembro del movimiento romántico , como "pionero en el estudio de la luz, el color y atmósfera", "se anticipó a los impresionistas franceses " y, por lo tanto, al modernismo "al romper las fórmulas convencionales de representación; [aunque] a diferencia de ellos, creía que sus obras siempre debían expresar importantes temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos". [29]
A las tendencias dominantes de la Inglaterra industrial victoriana se opusieron, aproximadamente desde 1850, los poetas y pintores ingleses que constituían la Hermandad Prerrafaelita , debido a su "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". [30] : 815 Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar las vidas de las clases trabajadoras urbanas en las ciudades industriales en rápida expansión. de Gran Bretaña. [30] : 816 El crítico de arte Clement Greenberg describe a la Hermandad Prerrafaelita como protomodernistas: "Allí los protomodernistas eran, entre todos, los prerrafaelitas (e incluso antes que ellos, como protoprotomodernistas, los Nazarenos alemanes ). Los prerrafaelitas en realidad presagiaron a Manet (1832-1883), con quien definitivamente comienza la pintura modernista. Actuaron basándose en una insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su tiempo, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz." [31] El racionalismo también ha tenido oponentes en los filósofos Søren Kierkegaard (1813-1855) [32] y más tarde Friedrich Nietzsche (1844-1900), quienes tuvieron una influencia significativa en el existencialismo y el nihilismo . [33] : 120
Sin embargo, la Revolución Industrial continuó. Las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por vapor y, especialmente, el desarrollo de los ferrocarriles, que comenzó en Gran Bretaña en la década de 1830, [34] y los avances posteriores en física, ingeniería y arquitectura asociados con esto. Un logro importante de la ingeniería del siglo XIX fue el Palacio de Cristal , la enorme sala de exposiciones de hierro fundido y vidrio construida para la Gran Exposición de 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de Londres , como la estación de Paddington (1854) [35] y la estación de King's Cross (1852). [36] Estos avances tecnológicos llevaron a la construcción de estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889). Este último rompió todas las limitaciones anteriores sobre la altura que podían tener los objetos hechos por el hombre. Estas maravillas de la ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas. La propia experiencia humana del tiempo se vio alterada con el desarrollo del telégrafo eléctrico a partir de 1837, [37] y la adopción de la hora estándar por las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845, y en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años. [38]
A pesar de los continuos avances tecnológicos, la idea de que la historia y la civilización eran intrínsecamente progresistas y que el progreso siempre era bueno fue objeto de ataques cada vez mayores en el siglo XIX. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no eran simplemente diferentes, sino que la sociedad era la antítesis del Progreso y no podía avanzar en su forma actual. A principios de siglo, el filósofo Schopenhauer (1788-1860) ( El mundo como voluntad y representación , 1819) había puesto en duda el optimismo anterior, y sus ideas tuvieron una influencia importante en pensadores posteriores, incluido Nietzsche. [32] Dos de los pensadores más importantes de mediados del siglo XIX fueron el biólogo Charles Darwin (1809–1882), autor de Sobre el origen de las especies mediante la selección natural (1859), y el politólogo Karl Marx (1818–1883). , autor de El capital (1867). La teoría de la evolución por selección natural de Darwin socavó la certeza religiosa y la idea de la unicidad humana. En particular, la idea de que los seres humanos estaban impulsados por los mismos impulsos que los "animales inferiores" resultó difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora. [39] Karl Marx argumentó que había contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista y que los trabajadores eran todo menos libres. [40]
Historiadores y escritores de diferentes disciplinas han sugerido varias fechas como puntos de partida del modernismo. El historiador William Everdell , por ejemplo, ha argumentado que el modernismo comenzó en la década de 1870, cuando la continuidad metafórica (u ontológica ) comenzó a ceder ante lo discreto con el corte de Dedekind del matemático Richard Dedekind (1831-1916) y el de Ludwig Boltzmann (1844). –1906) termodinámica estadística . [12] Everdell también cree que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-1886 con el divisionismo de Seurat , los "puntos" utilizados para pintar Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte . Por otro lado, el crítico de arte visual Clement Greenberg llamó a Immanuel Kant (1724-1804) "el primer modernista real", [41] aunque también escribió: "Lo que se puede llamar con seguridad modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y más bien localmente, en Francia, con Baudelaire en la literatura y Manet en la pintura, y quizás también con Flaubert , en la ficción en prosa (fue un tiempo después, y no tan localmente, que el modernismo apareció en la música y la arquitectura ). [31] Les Fleurs du mal ( Las flores del mal ) del poeta Baudelaire y la novela Madame Bovary de Flaubert se publicaron en 1857. El ensayo de Baudelaire " El pintor de la vida moderna " (1863) inspiró a los artistas jóvenes a romper con la tradición e innovar. nuevas formas de representar su mundo en el arte.
En las artes y las letras, dos enfoques importantes se desarrollaron por separado en Francia a partir de la década de 1860. La primera fue el Impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas intentaron transmitir que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la exposición comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, programándolas para que coincidieran con el Salón oficial. Un acontecimiento significativo de 1863 fue el Salón de los Rechazados , creado por el emperador Napoleón III para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría eran de estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo una enorme atención y abrió puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el Simbolismo , que los historiadores literarios ven comenzando con Charles Baudelaire (1821-1867), e incluyendo a los poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854-1891), Une Saison en Enfer ( Una temporada en el infierno , 1873), Paul Verlaine ( 1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) y Paul Valéry (1871–1945). Los simbolistas "destacaron la prioridad de la sugestión y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita", y estaban especialmente interesados en "las propiedades musicales del lenguaje". [42]
Se puede decir que el cabaret , que dio origen a tantas artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con el estreno de El Gato Negro en Montmartre , el comienzo del monólogo irónico y la fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes. [43]
Las teorías de Sigmund Freud (1856-1939) influyeron en los primeros días del modernismo . La primera obra importante de Freud fue Estudios sobre la histeria (con Josef Breuer , 1895). Central para el pensamiento de Freud es la idea "de la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", de modo que toda la realidad subjetiva se basaba en el juego de impulsos e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción que hace Freud de los estados subjetivos implicaba una mente inconsciente llena de impulsos primarios y que contrarrestaba las restricciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales. [30] : 538
Friedrich Nietzsche (1844-1900) fue otro importante precursor del modernismo, [45] con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la " voluntad de poder " ( Wille zur Macht ), eran de importancia central: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con "voluntad de poder", es decir, con instinto de crecimiento y durabilidad". [46] [47] Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo científico y la experiencia humana directa y subjetiva del tiempo. [33] : 131 Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX", especialmente en aquellos modernistas que utilizaron la técnica de la corriente de la conciencia , como Dorothy Richardson , James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). . [48] También fue importante en la filosofía de Bergson la idea de élan vital , la fuerza vital, que "provoca la evolución creativa de todo". [33] : 132 Su filosofía también otorgaba un gran valor a la intuición , aunque sin rechazar la importancia del intelecto. [33] : 132
Importantes precursores literarios del modernismo fueron Fyodor Dostoievski (1821-1881), quien escribió las novelas Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); [49] Walt Whitman (1819–1892), que publicó la colección de poesía Leaves of Grass (1855–1891); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus obras posteriores, incluida la trilogía To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) y The Ghost Sonata (1907). Henry James también ha sido sugerido como un precursor importante, en una obra tan temprana como El retrato de una dama (1881). [50]
Del choque de ideales derivados del romanticismo y del intento de encontrar una manera de que el conocimiento explicara lo que aún era desconocido, surgió la primera oleada de obras en la primera década del siglo XX que, si bien sus autores las consideraban extensiones de las tendencias existentes en el arte, rompieron el contrato implícito con el público en general de que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura y las ideas burguesas. Estos hitos "modernistas" incluyen el final atonal del Segundo Cuarteto de Cuerda de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky que comenzaron en 1903 y culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo Blue Rider en Munich en 1911. y el surgimiento del fauvismo y las invenciones del cubismo de los estudios de Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque y otros, en los años comprendidos entre 1900 y 1910.
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Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición a través de la adopción de técnicas como la repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia en nuevas formas. [antes de Cristo ]
TS Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, entre ellos: "A menudo encontraremos que no sólo las mejores, sino las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos , sus antepasados, afirman con más fuerza su inmortalidad." [53] Sin embargo, la relación del modernismo con la tradición era compleja, como indica el estudioso de la literatura Peter Childs: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y deleite por la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación." [4]
Un ejemplo de cómo el arte modernista puede ser revolucionario y, al mismo tiempo, estar relacionado con la tradición pasada es la música del compositor Arnold Schoenberg . Por un lado, Schoenberg rechazó la armonía tonal tradicional , el sistema jerárquico de organización de las obras musicales que había guiado la creación musical durante al menos un siglo y medio. Creía haber descubierto una forma completamente nueva de organizar el sonido, basada en el uso de filas de doce notas . Sin embargo, si bien esto era completamente nuevo, sus orígenes se remontan al trabajo de compositores anteriores, como Franz Liszt , [54] Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss y Max Reger . [55] [56] Schoenberg también escribió música tonal a lo largo de su carrera.
En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, pintores jóvenes como Pablo Picasso y Henri Matisse estaban causando conmoción con su rechazo de la perspectiva tradicional como medio para estructurar la pintura, [57] [58] aunque el impresionista Monet ya había sido innovador en el uso de la perspectiva. [59] En 1907, mientras Picasso pintaba Las señoritas de Aviñón , Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen ( El asesino, la esperanza de las mujeres ), la primera obra expresionista (producida con escándalo en 1909), y Arnold Schoenberg componía su Cuarteto de cuerda n.º 2 en fa sostenido menor (1908), su primera composición sin centro tonal.
Una influencia principal que condujo al cubismo fue la representación de formas tridimensionales en las últimas obras de Paul Cézanne , que se exhibieron en una retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 . [60] En la obra de arte cubista, los objetos se analizan, se dividen y se vuelven a ensamblar en una forma abstracta; en lugar de representar objetos desde un punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representarlo en un contexto más amplio. [61] El cubismo llamó la atención del público en general por primera vez en 1911 en el Salón de los Independientes de París (celebrado del 21 de abril al 13 de junio). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye aparecieron juntos en la Sala 41, provocando un "escándalo" del que surgió el cubismo y se extendió por todo París y más allá. También en 1911, Kandinsky pintó Bild mit Kreis ( Cuadro con un círculo ), que más tarde llamó la primera pintura abstracta. [62] : 167 En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) manifiesto cubista importante, Du "Cubisme" , publicado a tiempo para el Salón de la Sección de Oro , la exposición cubista más grande hasta la fecha. En 1912 Metzinger pintó y exhibió sus encantadoras La Femme au Cheval (Mujer con caballo) y Danseuse au Café ( Bailarina en un café ) . Albert Gleizes pintó y expuso sus Baigneuses (Los bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons ( La trilla de la cosecha ) . Esta obra, junto con La Ville de Paris ( Ciudad de París ) de Robert Delaunay , fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista de antes de la guerra. [63]
En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, liderados por Ernst Ludwig Kirchner , formaron Die Brücke (el Puente) en la ciudad de Dresde . Podría decirse que esta fue la organización fundadora del movimiento expresionista alemán , aunque no usaron la palabra en sí. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas con ideas afines formó Der Blaue Reiter (El jinete azul) en Munich. El nombre proviene del cuadro Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky de 1903. Entre sus miembros se encontraban Kandinsky, Franz Marc , Paul Klee y August Macke . Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. [62] : 274 Aunque inicialmente fue principalmente un movimiento artístico alemán, [f] más predominante en la pintura, la poesía y el teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no eran alemanes. Además, ha habido escritores expresionistas de ficción en prosa, así como escritores expresionistas de habla no alemana y, si bien el movimiento había declinado en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo obras expresionistas posteriores.
El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpuso con otros 'ismos' importantes del período modernista: con el futurismo , el vorticismo , el cubismo , el surrealismo y el dadaísmo ". [66] Richard Murphy también comenta: "la búsqueda de una definición que lo incluya todo es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes" como el novelista Franz Kafka , el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin fueron simultáneamente los más vociferantes anti- expresionistas. [67] : 43 Lo que sí se puede decir, sin embargo, es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania como reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los principales El medio por el cual el expresionismo se identifica como un movimiento de vanguardia y por el cual marca su distancia con las tradiciones y la institución cultural en su conjunto es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de representación. [67] : 43 Más explícitamente: que los expresionistas rechazaron la ideología del realismo. [67] : 43–48 [68] Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables incluyeron a Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen . Recordaron al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos . El asesino, la esperanza de las mujeres de Oskar Kokoschka fue la primera obra totalmente expresionista para el teatro, estrenada el 4 de julio de 1909 en Viena . [69] La simplificación extrema de los personajes a tipos míticos , los efectos corales, el diálogo declamatorio y la mayor intensidad se volverían característicos de las obras expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue El hijo de Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se representó por primera vez en 1916. [70]
El futurismo es otro movimiento modernista. [71] En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de FT Marinetti . Poco después, un grupo de pintores ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo y Gino Severini ) firmaron conjuntamente el Manifiesto futurista . Siguiendo el modelo del famoso " Manifiesto Comunista " (1848) de Marx y Engels , dichos manifiestos presentaban ideas destinadas a provocar y reunir seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta se limitaban en gran medida a las "pequeñas revistas" que tenían tiradas reducidas. El primitivismo y el pesimismo modernistas eran controvertidos, y la corriente principal de la primera década del siglo XX todavía se inclinaba hacia la fe en el progreso y el optimismo liberal.
Los artistas abstractos , tomando como ejemplo a los impresionistas , así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), comenzaron con la suposición de que el color y la forma , no la representación del mundo natural, constituían las características esenciales. de arte. [73] El arte occidental , desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se había sustentado en la lógica de la perspectiva y en un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas a la europea se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental de esa época. [74] Wassily Kandinsky , Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en redefinir el arte como la disposición del color puro. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta gran parte de la función representativa del arte visual, afectó fuertemente este aspecto del modernismo. [75]
Los arquitectos y diseñadores modernistas , como Frank Lloyd Wright [76] y Le Corbusier , [77] creían que la nueva tecnología hacía obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensaba que los edificios deberían funcionar como "máquinas para vivir", análogas a los automóviles, a los que consideraba máquinas para viajar. [78] Así como los automóviles habían reemplazado al caballo, el diseño modernista debería rechazar los viejos estilos y estructuras heredados. de la Antigua Grecia o de la Edad Media . Siguiendo esta estética de la máquina, los diseñadores modernistas normalmente rechazaron los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales utilizados y las formas geométricas puras. [79] El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el edificio Wainwright , un edificio de oficinas de 10 pisos construido entre 1890 y 1891, en St. Louis, Missouri , Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. [80] El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) se considera a menudo como el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. [81] Muchos aspectos del diseño modernista aún persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea , aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, las citas históricas y el drama espacial.
En 1913, que fue el año de las Ideas del filósofo Edmund Husserl , del átomo cuantificado del físico Niels Bohr , de la fundación del imagismo por Ezra Pound , del Armory Show de Nueva York y de la "primera ópera futurista" de San Petersburgo , Mikhail La victoria sobre el sol de Matyushin . Otro compositor ruso, Igor Stravinsky , compuso La consagración de la primavera , un ballet que representa el sacrificio humano y tiene una partitura musical llena de disonancia y ritmo primitivo. Esto causó revuelo en su primera actuación en París. En esta época, aunque el modernismo todavía era "progresista", veía cada vez más que las formas tradicionales y los arreglos sociales tradicionales obstaculizaban el progreso, y estaba reformulando al artista como un revolucionario, comprometido con derrocar a la sociedad en lugar de iluminarla. También en 1913 se produjo un hecho menos violento en Francia con la publicación del primer volumen de la importante secuencia de novelas de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913-1927) ( En busca del tiempo perdido ). Esto se presenta a menudo como un ejemplo temprano de un escritor que utiliza la técnica de la corriente de conciencia , pero Robert Humphrey comenta que a Proust "sólo le preocupa el aspecto reminiscente de la conciencia" y que "estaba deliberadamente recuperando el pasado con el propósito de comunicarse; por lo tanto, no escribió una novela sobre el flujo de la conciencia". [82]
La corriente de conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en hacer pleno uso de ella en su cuento "Leutnant Gustl" ("Nadie más que los valientes") (1900). ). [83] Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarlo, en los primeros volúmenes de su secuencia de novelas Pilgrimage (1915-1967). [g] Los otros novelistas modernistas que están asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulises (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923). [85]
Sin embargo, con la llegada de la Gran Guerra de 1914-1918 y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y se cuestionó las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del status quo anterior parecía evidente para una generación que había visto morir a millones luchando por pedazos de tierra: antes de 1914 se había argumentado que nadie libraría una guerra así, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de las máquinas que había introducido cambios importantes en las condiciones de la vida cotidiana en el siglo XIX había cambiado ahora radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró los supuestos básicos, y la descripción realista de la vida en las artes parecía inadecuada frente a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras . La opinión de que la humanidad estaba logrando un progreso moral constante parecía ahora ridícula frente a la matanza sin sentido, descrita en obras como la novela Todo tranquilo en el frente occidental (1929) de Erich Maria Remarque . Por lo tanto, la visión modernista de la realidad, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, llegó a ser más generalmente aceptada en la década de 1920.
En la literatura y las artes visuales, algunos modernistas intentaron desafiar las expectativas principalmente para hacer su arte más vívido o para obligar al público a tomarse la molestia de cuestionar sus propias ideas preconcebidas. Este aspecto del modernismo ha parecido a menudo una reacción a la cultura de consumo , que se desarrolló en Europa y América del Norte a finales del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan fabricar productos que sean comercializables apelando a preferencias y prejuicios, los altos modernistas rechazaron tales actitudes consumistas para socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch . [86] Greenberg etiquetó los productos de la cultura de consumo como " kitsch ", porque su diseño pretendía simplemente tener el máximo atractivo, eliminando cualquier característica difícil. Para Greenberg, el modernismo constituyó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de cultura de consumo moderna como la música popular comercial , Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.
Algunos modernistas se veían a sí mismos como parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, después de la Revolución de 1917 , hubo inicialmente un florecimiento de la actividad cultural de vanguardia, que incluía el futurismo ruso . Sin embargo, otros rechazaron la política convencional y las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía mayor importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se consideraban apolíticos. Otros, como TS Eliot , rechazaron la cultura popular de masas desde una posición conservadora. Algunos incluso sostienen que el modernismo en la literatura y el arte funcionó para sostener una cultura de élite que excluía a la mayoría de la población. [86]
El surrealismo , que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema de modernismo, o "la vanguardia del modernismo". [87] La palabra "surrealista" fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias , que fue escrita en 1903 y representada por primera vez en 1917. Los principales surrealistas incluyen a Paul Éluard , Robert Desnos , [88] Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró y Marcel Duchamp . [89]
En 1930, el modernismo se había ganado un lugar en el establishment, incluido el establishment político y artístico, aunque para entonces el propio modernismo había cambiado.
El modernismo continuó evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932 el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron , una de las primeras óperas que hizo uso de la técnica dodecafónica , [90] Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica , su condena cubista del fascismo , mientras que en 1939 James Joyce impulsó Los límites de la novela moderna se amplían con Finnegans Wake . También en 1930 el modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar trabajos, influenciados por el modernismo, de escritores y humoristas jóvenes como Dorothy Parker , [91] Robert Benchley , EB White , SJ Perelman y James Thurber , entre otros. [92] Perelman es muy apreciado por sus cuentos humorísticos que publicó en revistas en las décadas de 1930 y 1940, principalmente en The New Yorker , que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. [93] Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en anuncios y logotipos, uno de los primeros ejemplos de los cuales, de 1916, es el famoso logotipo del metro de Londres diseñado por Edward Johnston . [94]
Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida cotidiana de la gente corriente en Europa occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil (y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos) crearon cambios sociales. El tipo de momento disruptivo que sólo unos pocos conocieron en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada a los corredores de bolsa de 1890 pasó a formar parte de la vida familiar, al menos en la clase media norteamericana. Asociados con la urbanización y el cambio de costumbres sociales, también surgieron familias más pequeñas y cambiaron las relaciones entre padres e hijos.
Otra fuerte influencia en esta época fue el marxismo . Después del aspecto generalmente primitivista/irracionalista del modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial (que para muchos modernistas excluía cualquier apego a soluciones meramente políticas) y el neoclasicismo de la década de 1920 (representado de manera más famosa por TS Eliot e Igor Stravinsky , que rechazaban soluciones populares a problemas modernos), el ascenso del fascismo , la Gran Depresión y la marcha hacia la guerra ayudaron a radicalizar a una generación. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista de marxismo. Sin embargo, también hubo modernistas explícitamente de "derecha", incluidos Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , el autor holandés Menno ter Braak y otros. [95]
En las décadas de 1920 y 1930 se siguieron creando importantes obras literarias modernistas, incluidas otras novelas de Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil y Dorothy Richardson . La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus principales obras aparecieron en las décadas de 1920, 1930 y principios de 1940. Otros dos dramaturgos modernistas importantes que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca . El amante de Lady Chatterley, de DH Lawrence , se publicó de forma privada en 1928, mientras que otro hito importante para la historia de la novela moderna se produjo con la publicación de El sonido y la furia, de William Faulkner , en 1929. En la década de 1930, además de otras importantes obras de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce . Está escrito en un lenguaje en gran medida idiosincrásico , que consiste en una mezcla de elementos léxicos en inglés estándar y juegos de palabras neologistas multilingües y palabras combinadas , que intenta recrear la experiencia del sueño y los sueños. [96] En poesía, TS Eliot, EE Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista en inglés a menudo se considera un fenómeno estadounidense, con exponentes destacados como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , HD y Louis Zukofsky , hubo importantes poetas modernistas británicos, entre ellos David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting y WH Auden . Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca , Anna Akhmatova , Constantine Cavafy y Paul Valéry .
El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética . En 1930 se estrenó la ópera La nariz del compositor Dimitri Shostakovich (1906-1975), en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, entre ellos la música folclórica , la canción popular y la atonalidad . Entre sus influencias se encontraba la ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1885-1935), que "causó una tremenda impresión en Shostakovich cuando se representó en Leningrado". [97] Sin embargo, a partir de 1932 el realismo socialista comenzó a desbancar al modernismo en la Unión Soviética, [98] y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su cuarta sinfonía. [99] Alban Berg escribió otra ópera modernista significativa, aunque incompleta, Lulu , que se estrenó en 1937. El Concierto para violín de Berg se estrenó por primera vez en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores enfrentaron dificultades en este período.
En Alemania, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a Estados Unidos cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista y a su ascendencia judía. [100] Sus principales obras de este período son un Concierto para violín , op. 36 (1934/36) y un Concierto para piano , op. 42 (1942). Schoenberg también escribió música tonal en este período con la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n.° 2 en mi ♭ menor, op. 38 (iniciado en 1906, terminado en 1939). [100] Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) produjo una serie de obras importantes, entre ellas Música para cuerdas, percusión y celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), Cuarteto de cuerda n.º 5 (1934). ), y No. 6 (el último, 1939). Pero él también se fue a Estados Unidos en 1940, debido al ascenso del fascismo en Hungría. [100] Igor Stravinsky (1882-1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), la Sinfonía en do (1940) y la Sinfonía en tres movimientos (1945). También emigró a Estados Unidos a causa de la Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y los alemanes lo encarcelaron en el Stalag VIII-A , donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps ("Cuarteto para el fin de los tiempos"). ). El cuarteto se interpretó por primera vez en enero de 1941 ante un público de prisioneros y guardias de prisión. [101]
En pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , el modernismo fue definido por el surrealismo , el cubismo tardío , la Bauhaus , De Stijl , el dadaísmo , el expresionismo alemán y pintores modernistas y magistrales del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como las abstracciones. de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Estados Unidos, el modernismo se ve en la forma de la pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían tanto y los comentarios sociales dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. El modernismo está definido en América Latina por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado , y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo , Comenzó un renacimiento de las artes en la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera y el trabajo inacabado finalmente fue destruido por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo a menudo se caracterizan por sus crudas representaciones del dolor. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo que es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. En su obra también se representan a menudo temas cristianos y judíos; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y el movimiento del realismo mágico en la literatura.
El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros y frecuentemente lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estuvo profundamente arraigado en la Revolución Mexicana . El período comprendido entre los años 1920 y 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros participó activamente en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso . [102] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense , en el trabajo de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No es sólo el cuadro más famoso de Hopper, sino también uno de los más reconocibles del arte americano. La escena se inspiró en un restaurante de Greenwich Village . Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este suceso hubo un gran sentimiento de tristeza sobre el país, sentimiento que se retrata en el cuadro. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retrata a un granjero con una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic , es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX . Los críticos de arte tuvieron opiniones favorables sobre la pintura; Al igual que Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron que la pintura pretendía ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de 1919 de Sherwood Anderson , Main Street de 1920 de Sinclair Lewis y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. [103] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que aumentaba el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este. Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno . Ese tipo de arte fue prohibido por considerarlo de naturaleza no alemana o bolchevique judía , y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sometidos a sanciones. Estos incluían el despido de puestos docentes, la prohibición de exhibir o vender su arte y, en algunos casos, la prohibición total de producir arte. Arte Degenerado fue también el título de una exposición organizada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos emigraron a América. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de pintores modernistas jóvenes y apasionantes, liderados por Arshile Gorky , Willem de Kooning y otros, apenas comenzaba a alcanzar la mayoría de edad.
El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham , Gorky creó composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que en la década de 1940 evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando líneas y colores para expresar sentimientos y naturaleza.
Mientras que la Enciclopedia de Literatura Británica de Oxford afirma que el modernismo terminó hacia c. 1939 [104] con respecto a la literatura británica y estadounidense, "Cuando (si) el modernismo se extinguió y comenzó el posmodernismo ha sido cuestionado casi tan acaloradamente como cuando ocurrió la transición del victorianismo al modernismo". [105] Clement Greenberg considera que el modernismo terminará en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, [31] pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, si bien el modernismo "parecía ser una fuerza agotada" a fines de la década de 1920 , después de la Segunda Guerra Mundial , "una nueva generación de compositores: Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " revivieron el modernismo". [106] De hecho, muchos modernistas literarios vivieron hasta las décadas de 1950 y 1960, aunque en general ya no lo eran. El término " modernismo tardío " también se aplica a veces a obras modernistas publicadas después de 1930. [107] [108] Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que todavía publicaban después de 1945 se encontraban Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova . , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys y Ezra Pound . Basil Bunting , nacido en 1901, publicó su poema modernista más importante, Briggflatts , en 1965. Además, La muerte de Virgilio de Hermann Broch se publicó en 1945 y Thomas Mann 's Doctor Faustus en 1947. Samuel Beckett , fallecido en 1989, ha sido descrito como un "modernista posterior". [109] Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la de 1980, entre ellas Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Happy Days (1961) y Rockaby (1981). . Los términos " minimalista " y " posmodernista " también se han aplicado a sus obras posteriores. [110] Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos. [111]
Más recientemente, el término "modernismo tardío" ha sido redefinido por al menos un crítico y utilizado para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue remodelada significativamente por los acontecimientos de La Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica. [112]
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa sumidas en la agitación, con la urgencia de reconstruirse económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París (antiguo centro de la cultura europea y antigua capital del mundo del arte) el clima para el arte era un desastre. Importantes coleccionistas, marchantes y artistas, escritores y poetas modernistas habían huido de Europa hacia Nueva York y Estados Unidos. Los surrealistas y artistas modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido del ataque de los nazis en busca de refugio en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Unos pocos artistas, en particular Pablo Picasso , Henri Matisse y Pierre Bonnard , permanecieron en Francia y sobrevivieron.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York presagió el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense , un movimiento modernista que combinó lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró , el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John. D. Graham . Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo André Breton , de la galería de Pierre Matisse y de la galería El arte de este siglo de Peggy Guggenheim , entre otros factores.
París, además, recuperó gran parte de su brillo en las décadas de 1950 y 1960 como centro de un florecimiento del arte de las máquinas, donde los dos principales escultores del arte de las máquinas, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer , se mudaron allí para lanzar sus carreras, y cuyo florecimiento, a la luz del carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera. [113]
El término " Teatro del Absurdo " se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene significado ni propósito y, por lo tanto, toda comunicación se rompe. La construcción y el argumento lógicos dan paso al discurso irracional e ilógico y a su conclusión última, el silencio. [114] Si bien existen precursores importantes, incluido Alfred Jarry (1873-1907), generalmente se considera que el Teatro del Absurdo comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett .
El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 "Teatro del Absurdo". Relató estas obras basándose en un tema amplio del Absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo . [115] Lo Absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre ante un mundo aparentemente sin significado, y/o el hombre como un títere controlado o amenazado por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de ellas: comedia amplia, a menudo similar al vodevil , mezclada con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas obligados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; diálogos llenos de clichés, juegos de palabras y tonterías; tramas cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o un rechazo del realismo y del concepto de " obra bien hecha ".
Los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo incluyen a Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936–2011) y Edward Albee (1928– 2016).
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida , Pollock redefinió la forma en que se hace arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y de los convencionalismos fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock: colocar lienzos en bruto sin estirar en el suelo, donde podían ser atacados por los cuatro lados utilizando materiales artísticos e industriales; gotear y arrojar madejas lineales de pintura; dibujar, teñir y cepillar; utilizando imágenes y no imágenes: esencialmente una creación artística arruinada más allá de cualquier límite previo. El expresionismo abstracto generalmente amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte. Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió. Sin embargo , las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadores del arte como Linda Nochlin , [116] Griselda Pollock [117] y Catherine de Zegher [118] muestran críticamente que las artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de es historia.
Henry Moore (1898-1986) surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el principal escultor británico . Era mejor conocido por sus monumentales esculturas de bronce semiabstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, representando típicamente a una madre y su hijo o figuras reclinadas, que generalmente sugieren el cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas generalmente están perforadas o contienen espacios huecos.
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes, incluida una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. [119] Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes en todo el mundo, en particular una destacada exposición en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . A finales de la década de 1970, se realizaban unas 40 exposiciones al año en las que se presentaba su obra. En el campus de la Universidad de Chicago , en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se dio a conocer la Energía Nuclear de Moore. [120] [121] También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente Man Enters the Cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial . [122]
La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928-1995), han recibió un amplio reconocimiento internacional. [123]
Francis Bacon fue un pintor figurativo británico nacido en Irlanda conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. [124] Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero sobre fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar cuando tenía poco más de 20 años, pero trabajó sólo esporádicamente hasta mediados de los 30. Su gran avance se produjo con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión, que selló su reputación como un cronista singularmente sombrío de la condición humana. [125] Su producción puede describirse crudamente como consistente en secuencias o variaciones de un solo motivo; comenzando con las cabezas masculinas de la década de 1940 aisladas en habitaciones, los papas gritando de principios de la década de 1950 y, de mediados a finales de la década de 1950, animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas. A estos les siguieron sus variaciones modernas de la crucifixión de principios de la década de 1960 en formato tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, Bacon produjo principalmente retratos sorprendentemente compasivos de amigos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y preocupado por temas y motivos de la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente vilipendiado y aclamado. [126]
Lucian Freud fue un pintor británico nacido en Alemania, conocido principalmente por sus retratos y pinturas de figuras densamente empastadas , que fue ampliamente considerado el artista británico más destacado de su tiempo. [127] [128] [129] [130] Sus obras se destacan por su penetración psicológica y por su examen, a menudo incómodo, de la relación entre artista y modelo. [131] Según William Grimes de The New York Times , "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como La muchacha del perro blanco (1951-1952), [132] Freud puso el lenguaje pictórico de pintura tradicional europea al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que desnudó la fachada social del modelo. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista ". [127]
En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, varias direcciones nuevas, como la pintura de vanguardia y otras formas de abstracción geométrica , comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en círculos de vanguardia radical como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica cuando fue curador de una influyente exposición de nueva pintura que recorrió importantes museos de arte de todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de vanguardia y la abstracción lírica [133] surgieron como nuevas direcciones radicales. .
Sin embargo, a finales de la década de 1960, el posminimalismo , el arte procesual y el arte povera [134] también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaban tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista, y en el arte conceptual temprano . [134] El arte procesual inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Pat Lipsky , Sam Gilliam , Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de finales de los años sesenta. [135]
En 1962, la Galería Sidney Janis montó The New Realists , la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería. El espectáculo conmocionó a la Escuela de Nueva York y resonó en todo el mundo. Anteriormente, en Inglaterra, en 1958 , Lawrence Alloway utilizó el término "arte pop" para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico en favor de un arte que representaba y a menudo celebraba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (que crearon el innovador Yo era el juguete de un hombre rico , 1947) se consideran ejemplos fundamentales del movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de la ciudad, en las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York , los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tuvo su escaparate y la Green Gallery de la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist . Posteriormente Leo Castelli expuso las obras de otros artistas estadounidenses, incluidas las de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes con sentido del humor, y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas reproducen el aspecto de los puntos de Ben-Day , un Técnica utilizada en la reproducción comercial.
El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente arte visual y música , en los que los artistas intentan exponer la esencia o identidad de un tema eliminando todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que se utilizan la menor cantidad y la menor cantidad de elementos para crear el máximo efecto.
Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses de los años sesenta y principios de los setenta. Entre los artistas destacados asociados con este movimiento se incluyen Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt y Frank Stella . [136] Se deriva de los aspectos reduccionistas del modernismo y a menudo se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas . A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich , [137] la Bauhaus y Piet Mondrian ) que rechazaba la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y El espíritu emocional de la época y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo sostenía que la simplicidad extrema podía capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas formas, ya sea como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. En esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento antiforma .
Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism , [138] examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas del minimalismo. [138] Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy". [138]
Los términos se han ampliado para abarcar un movimiento musical que presenta repeticiones e iteraciones como las de las composiciones de La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass y John Adams . Las composiciones minimalistas a veces se conocen como música de sistemas . El término "música minimalista" se utiliza generalmente para describir un estilo de música que se desarrolló en Estados Unidos a finales de los años 1960 y 1970; y eso inicialmente estaba relacionado con los compositores. [139] El movimiento minimalista originalmente involucró a algunos compositores, y otros pioneros menos conocidos incluyeron a Pauline Oliveros , Phill Niblock y Richard Maxfield . En Europa, la música de Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Eliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt y John Tavener .
A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten [134] acuñó el término " postminimalismo " para describir el arte de origen minimalista que tenía contenidos y connotaciones contextuales que el minimalismo rechazaba. El término fue aplicado por Pincus-Whitten al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va y otros. Otros minimalistas, incluidos Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros, continuaron produciendo pinturas y esculturas del modernismo tardío durante el resto de sus carreras.
Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos minimalistas o posminimals, y se les ha asignado la etiqueta de "posmodernos".
Relacionado con el expresionismo abstracto estuvo el surgimiento de la combinación de artículos manufacturados con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia. Sus "combinaciones" de la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de instalación , y utilizaron ensamblajes de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine y Edward Kienholz estuvieron entre importantes pioneros tanto de la abstracción como del arte pop. Al crear nuevas convenciones en la creación artística, hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical en sus obras de materiales improbables. Otro pionero del collage fue Joseph Cornell , cuyas obras de escala más íntima fueron consideradas radicales tanto por su iconografía personal como por su uso de objetos encontrados .
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó para exposición un urinario a modo de escultura. [140] Profesó su intención de que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como " readymades ". La fuente era un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", cuya exposición conmocionó al mundo del arte en 1917. Ésta y otras obras de Duchamp suelen etiquetarse como dadaístas. Duchamp puede ser visto como un precursor del arte conceptual, siendo otros ejemplos famosos 4′33″ de John Cage , que son cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg . Muchas obras conceptuales adoptan la posición de que el arte es el resultado de que el espectador vea un objeto o actúe como arte, no de las cualidades intrínsecas de la obra en sí. Al elegir "un artículo ordinario de la vida" y crear "un nuevo pensamiento para ese objeto", Duchamp invitó a los espectadores a ver la Fuente como una escultura. [141]
Marcel Duchamp abandonó el "arte" en favor del ajedrez . El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunión (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez en el que cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. Duchamp y Cage jugaron el juego en el estreno de la obra. [142]
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Duchamp, entre el modernismo y el posmodernismo. Ambos utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o de los objetos mismos, en su trabajo, conservando al mismo tiempo la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo. [143]
A finales de los años cincuenta y sesenta, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York, y Joseph Beuys , Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania fueron pioneros de las obras de arte basadas en la performance. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando ambientes, cambiando radicalmente la relación entre público e intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now . El Judson Dance Theatre , ubicado en la Judson Memorial Church , Nueva York; y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton y otros; Colaboró con los artistas Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver . Park Place Gallery fue un centro para actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich , Philip Glass y otros artistas notables como Joan Jonas .
Estas representaciones estaban concebidas como obras de una nueva forma de arte que combinaba escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Se caracterizaron por las filosofías reduccionistas del minimalismo y la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto. Ocasionalmente se utilizan imágenes de las representaciones de Schneeman de piezas destinadas a impactar para ilustrar este tipo de arte, y a menudo se la ve fotografiada mientras interpreta su pieza Interior Scroll . Sin embargo, de acuerdo con la filosofía modernista que rodea el arte de performance, publicar imágenes de ella interpretando esta pieza tiene propósitos contradictorios, ya que los artistas de performance rechazan la publicación por completo: la performance en sí es el medio. Por tanto, otros medios no pueden ilustrar el arte escénico; la actuación es momentánea, evanescente y personal, no para capturar; Las representaciones de artes escénicas en otros medios, ya sea mediante imágenes, videos, narrativas o de otro modo, seleccionan ciertos puntos de vista en el espacio o el tiempo o involucran de otro modo las limitaciones inherentes de cada medio. Los artistas niegan que las grabaciones ilustren el medio de la performance como arte.
Durante el mismo período, varios artistas de vanguardia crearon Happenings , reuniones misteriosas y a menudo espontáneas y sin guión de artistas y sus amigos y familiares en varios lugares específicos, incorporando a menudo ejercicios de absurdo, fisicalidad, vestuario, desnudez espontánea y diversos ejercicios aleatorios o aparentemente actos desconectados. Entre los creadores notables de acontecimientos se encuentran Allan Kaprow , quien utilizó el término por primera vez en 1958, [145] Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms y Robert Whitman . [146]
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso conjunto de varios medios diferentes. Intermedia es un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte como Fluxus , poesía concreta , objetos encontrados , arte escénico y arte por computadora . Higgins era el editor de Something Else Press , un poeta concreto casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp . Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de características del arte posmoderno . [147] Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de vídeo y monitores CRT, denominado videoarte . Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte de performance, donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o la declaración conceptual de su acción.
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus tiene sus inicios en las clases de composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research de la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus, Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht y Dick Higgins .
Fluxus fomentó una estética del "hágalo usted mismo" y valoró la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad anti-arte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.
Andreas Huyssen critica los intentos de reivindicar Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable; por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". [148] En cambio, ve a Fluxus como un importante fenómeno neodadaísta dentro de la tradición de vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como puntal ideológico de la Guerra Fría ". [148]
El modernismo tuvo una relación incómoda con las formas populares de música (tanto en forma como en estética) al tiempo que rechazaba la cultura popular . [149] A pesar de esto, Stravinsky utilizó modismos del jazz en sus piezas como "Ragtime" de su obra teatral de 1918 Histoire du Soldat y el Concierto para ébano de 1945 . [150]
En la década de 1960, cuando la música popular comenzó a ganar importancia cultural y a cuestionar su estatus como entretenimiento comercial, los músicos comenzaron a buscar inspiración en la vanguardia de la posguerra . [151] En 1959, el productor musical Joe Meek grabó I Hear a New World (1960), que Jonathan Patrick de Tiny Mix Tapes llama un "momento fundamental tanto en la música electrónica como en la historia del avant-pop [...] viñetas pop, adornadas con ecos dubby y zarcillos sónicos deformados en cinta" que serían en gran medida ignorados en ese momento. [152] Otras producciones tempranas de pop de vanguardia incluyeron la canción de 1966 de los Beatles " Tomorrow Never Knows ", que incorporó técnicas de la música concreta , la composición de vanguardia, la música india y la manipulación del sonido electroacústico en un formato pop de 3 minutos. y la integración de Velvet Underground de las ideas musicales minimalistas y drones de La Monte Young , la poesía beat y el arte pop de los años 60. [151]
La continuación del expresionismo abstracto , la pintura de campos de color , la abstracción lírica , la abstracción geométrica , el minimalismo , el ilusionismo abstracto , el arte procesual , el arte pop , el posminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX, tanto en pintura como en escultura, continuaron durante la primera década del siglo XXI. siglo y constituyen nuevas direcciones radicales en esos medios. [153] [154] [155]
A principios del siglo XXI, artistas consagrados como Sir Anthony Caro , Lucian Freud , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Agnes Martin , Al Held , Ellsworth Kelly , Helen Frankenthaler , Frank Stella , Kenneth Noland , Jules Olitski , Claes Oldenburg , Jim Dine , James Rosenquist , Alex Katz , Philip Pearlstein y artistas más jóvenes como Brice Marden , Chuck Close , Sam Gilliam , Isaac Witkin , Sean Scully , Mahirwan Mamtani , Joseph Nechvatal , Elizabeth Murray , Larry Poons , Richard Serra , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Pat Lipsky , Joel Shapiro , Tom Otterness , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile y otros continuaron produciendo pinturas y esculturas vitales e influyentes.
Muchos rascacielos de Hong Kong y Frankfurt se han inspirado en Le Corbusier y la arquitectura modernista , y su estilo todavía se utiliza como influencia para edificios de todo el mundo. [156]
Peter Kalliney sugiere que "los conceptos modernistas, especialmente la autonomía estética, fueron fundamentales para la literatura sobre la descolonización en el África anglófona". [157] En su opinión, Rajat Neogy , Christopher Okigbo y Wole Soyinka estuvieron entre los escritores que "reutilizaron las versiones modernistas de la autonomía estética para declarar su libertad de la esclavitud colonial, de los sistemas de discriminación racial e incluso del nuevo estado poscolonial". ". [158]
Los términos "modernismo" y "modernista", según el académico William J. Tyler, "sólo recientemente se han convertido en parte del discurso estándar en inglés sobre la literatura japonesa moderna y persisten dudas sobre su autenticidad frente al modernismo de Europa occidental". Tyler encuentra esto extraño, dada "la prosa decididamente moderna" de "escritores japoneses tan conocidos como Kawabata Yasunari , Nagai Kafu y Jun'ichirō Tanizaki ". Sin embargo, "los estudiosos de las artes visuales y bellas artes, la arquitectura y la poesía adoptaron fácilmente" modanizumu "como un concepto clave para describir y analizar la cultura japonesa en las décadas de 1920 y 1930". [159] En 1924, varios jóvenes escritores japoneses, incluidos Kawabata y Riichi Yokomitsu, iniciaron una revista literaria Bungei Jidai ("La era artística"). Esta revista era "parte de un movimiento de ' arte por el arte ', influenciado por el cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otros estilos modernistas". [160]
El arquitecto modernista japonés Kenzō Tange (1913-2005) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, combinó los estilos tradicionales japoneses con el modernismo y diseñó importantes edificios en los cinco continentes. Tange fue también un mecenas influyente del movimiento metabolista . Dijo: "Creo que fue alrededor de 1959 o principios de los años sesenta cuando comencé a pensar en lo que más tarde llamaría estructuralismo ", [161] Fue influenciado desde temprana edad por el modernista suizo Le Corbusier , Tange obtuvo reconocimiento internacional en 1949 cuando ganó el concurso para el diseño del Parque Conmemorativo de la Paz de Hiroshima .
En China, los " nuevos sensacionistas " (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) fueron un grupo de escritores radicados en Shanghai que en las décadas de 1930 y 1940 fueron influenciados, en diversos grados, por el modernismo occidental y japonés. Escribieron ficción más preocupada por el inconsciente y la estética que por la política o los problemas sociales. Entre estos escritores se encontraban Mu Shiying y Shi Zhecun .
En India, el Grupo de Artistas Progresistas era un grupo de artistas modernos , principalmente con sede en Mumbai , India , formado en 1947. Aunque carecía de un estilo particular, sintetizaba el arte indio con influencias europeas y norteamericanas de la primera mitad del siglo XX. , incluidos el postimpresionismo, el cubismo y el expresionismo.
A principios de la década de 1980, el movimiento posmoderno en arte y arquitectura comenzó a establecer su posición a través de varios formatos conceptuales e intermedios . El posmodernismo en la música y la literatura comenzó a afianzarse antes. En música, el posmodernismo se describe en una obra de referencia como un "término introducido en la década de 1970", [162] mientras que en la literatura británica, The Oxford Encyclopedia of British Literature considera que el modernismo "cede su predominio al posmodernismo" ya en 1939. [104 ] Sin embargo, las fechas son muy discutibles, sobre todo porque, según Andreas Huyssen : "el posmodernismo de un crítico es el modernismo de otro". [163] Esto incluye a aquellos que critican la división entre los dos y los ven como dos aspectos del mismo movimiento, y creen que el Modernismo tardío continúa. [163]
El modernismo es una etiqueta que abarca una amplia variedad de movimientos culturales. El posmodernismo es esencialmente un movimiento centralizado que se nombró a sí mismo, basado en la teoría sociopolítica, aunque el término ahora se usa en un sentido más amplio para referirse a actividades del siglo XX en adelante que exhiben conciencia y reinterpretan lo moderno. [164] [165] [166]
La teoría posmoderna afirma que el intento de canonizar el modernismo "a posteriori" está condenado a contradicciones indiscutibles. [167]
En un sentido más estricto, lo que era modernista no era necesariamente también posmoderno. Aquellos elementos del modernismo que acentuaban los beneficios de la racionalidad y el progreso sociotecnológico eran sólo modernistas. [168]
Las reacciones modernistas contra el posmodernismo incluyen el remodernismo , que rechaza el cinismo y la deconstrucción del arte posmoderno en favor de revivir las primeras corrientes estéticas modernistas. [169] [170]
El énfasis del modernismo en la libertad de expresión , la experimentación, el radicalismo y el primitivismo ignora las expectativas convencionales. En muchas formas de arte, esto a menudo significaba sorprender y alienar al público con efectos extraños e impredecibles, como en las extrañas e inquietantes combinaciones de motivos en el surrealismo o el uso de extrema disonancia y atonalidad en la música modernista. En la literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas o caracterizaciones inteligibles en las novelas, o la creación de poesía que desafiaba una interpretación clara. Dentro de la Iglesia católica , el espectro del protestantismo y de Martín Lutero estaba en juego en las ansiedades sobre el modernismo y la noción de que la doctrina se desarrolla y cambia con el tiempo. [171]
A partir de 1932, el realismo socialista comenzó a desbancar al modernismo en la Unión Soviética; [98] anteriormente había respaldado el futurismo y el constructivismo . El gobierno nazi de Alemania consideró el modernismo narcisista y sin sentido, así como "judío" (ver Antisemitismo ) y "negro". [172] Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de enfermos mentales en una exposición titulada " Arte degenerado ". Las acusaciones de "formalismo" podrían provocar el fin de una carrera, o algo peor. Por esta razón muchos modernistas de la generación de posguerra sintieron que eran el baluarte más importante contra el totalitarismo, el " canario en la mina de carbón ", cuya represión por parte de un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que las libertades individuales estaban siendo amenazadas. Louis A. Sass comparó la locura, específicamente la esquizofrenia , y el modernismo de una manera menos fascista al notar sus narrativas disyuntivas compartidas, imágenes surrealistas e incoherencia. [173]
De hecho, el modernismo floreció principalmente en sociedades de consumo/capitalistas, a pesar de que sus defensores a menudo rechazaban el consumismo mismo. Sin embargo, el alto modernismo comenzó a fusionarse con la cultura de consumo después de la Segunda Guerra Mundial, especialmente durante la década de 1960. Los dispositivos modernistas también empezaron a aparecer en el cine popular y, más tarde, en los vídeos musicales. El diseño modernista también comenzó a ingresar a la corriente principal de la cultura popular, a medida que las formas simplificadas y estilizadas se hicieron populares, a menudo asociadas con los sueños de un futuro de alta tecnología en la era espacial . [174] [175]
En 2008, Janet Bennett publicó Modernity and Its Critics a través del Oxford Handbook of Political Theory. [176] La fusión de las versiones de consumo y altas de la cultura modernista condujo a una transformación radical del significado de "modernismo". En primer lugar, implicaba que un movimiento basado en el rechazo de la tradición se había convertido en una tradición en sí mismo. En segundo lugar, demostró que la distinción entre la cultura modernista de élite y la cultura consumista de masas había perdido su precisión. El modernismo se había institucionalizado tanto que ahora era "postvanguardia", lo que indica que había perdido su poder como movimiento revolucionario. Muchos han interpretado esta transformación como el inicio de la fase que se conoció como posmodernismo . Para otros, como el crítico de arte Robert Hughes , el posmodernismo representa una extensión del modernismo.
Los movimientos "antimodernos" o "contramodernos" buscan enfatizar el holismo , la conexión y la espiritualidad como remedios o antídotos contra el modernismo. Dichos movimientos ven el modernismo como reduccionista y, por lo tanto, sujeto a una incapacidad para ver efectos sistémicos y emergentes .
Algunos artistas tradicionalistas como Alexander Stoddart rechazan el modernismo en general como producto de "una época de dinero falso aliado con una cultura falsa". [177]
En algunos campos, los efectos del modernismo han seguido siendo más fuertes y persistentes que en otros. El arte visual ha hecho la ruptura más completa con su pasado. La mayoría de las capitales importantes tienen museos dedicados al arte moderno a diferencia del arte posrenacentista ( c. 1400 a c. 1900 ). Los ejemplos incluyen el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París. Estas galerías no hacen distinción entre las fases modernista y posmodernista, considerando ambas como desarrollos dentro del arte moderno.
Mies van der Rohe, una de las grandes figuras de la arquitectura del siglo XX.
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