El expresionismo abstracto en los Estados Unidos surgió como un movimiento artístico distinto inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y obtuvo aceptación generalizada en la década de 1950, un cambio con respecto al realismo social estadounidense de la década de 1930 influenciado por la Gran Depresión y los muralistas mexicanos . [1] El término fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates . Entre las figuras clave de la Escuela de Nueva York , que fue el epicentro de este movimiento, se encontraban artistas como Jackson Pollock , Franz Kline , Mark Rothko , Norman Lewis , Willem de Kooning y Theodoros Stamos , entre otros.
El movimiento no se limitó a la pintura, sino que incluyó a influyentes colagistas y escultores, como David Smith , Louise Nevelson y otros. El expresionismo abstracto estuvo notablemente influenciado por los métodos de creación espontánea y subconsciente de artistas surrealistas como André Masson y Max Ernst . Los artistas asociados con el movimiento combinaron la intensidad emocional del expresionismo alemán con los vocabularios visuales radicales de las escuelas de vanguardia europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético .
El expresionismo abstracto fue visto como rebelde e idiosincrásico, abarcaba varios estilos artísticos y fue el primer movimiento específicamente estadounidense que logró influencia internacional y colocó a la ciudad de Nueva York en el centro del mundo del arte occidental , un papel que antes desempeñaba París . Los críticos de arte contemporáneo jugaron un papel importante en su desarrollo. Críticos como Clement Greenberg y Harold Rosenberg promovieron el trabajo de artistas asociados con el expresionismo abstracto, en particular Jackson Pollock, a través de sus escritos. El concepto de Rosenberg del lienzo como un "escenario en el que actuar" fue fundamental para definir el enfoque de los pintores de acción . El expresionismo abstracto condujo al desarrollo de varios movimientos y estilos artísticos de posguerra, incluidos el arte pop , el minimalismo y el neoexpresionismo , que influyeron en una amplia gama de artistas europeos y estadounidenses que le siguieron.
Se cree que el término " expresionismo abstracto " se utilizó por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm en referencia al expresionismo alemán. Alfred Barr utilizó este término en 1929 para describir las obras de Wassily Kandinsky . [2]
Técnicamente, un predecesor importante es el surrealismo , con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en el trabajo de André Masson , Max Ernst y David Alfaro Siqueiros . Las investigaciones más recientes tienden a situar al surrealista exiliado Wolfgang Paalen en la posición del artista y teórico que fomentó la teoría del espacio de posibilidades dependiente del espectador a través de sus pinturas y su revista DYN . Paalen consideró ideas de la mecánica cuántica , así como interpretaciones idiosincrásicas de la visión totémica y la estructura espacial de la pintura india nativa de la Columbia Británica y preparó el terreno para la nueva visión espacial de los jóvenes abstractos estadounidenses. Su largo ensayo Totem Art (1943) tuvo una influencia considerable en artistas como Martha Graham , Isamu Noguchi , Pollock , Mark Rothko y Barnett Newman . [3] Alrededor de 1944, Barnett Newman intentó explicar el movimiento artístico más nuevo de Estados Unidos e incluyó una lista de "los hombres del nuevo movimiento". Paalen se menciona dos veces; otros artistas mencionados son Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky y otros. Robert Motherwell se menciona con un signo de interrogación. [4] Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey , especialmente sus lienzos de "escritura en blanco", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "completo" de Las pinturas de goteo de Pollock.
El nombre del movimiento deriva de la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético . Además, tiene una imagen de rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos lo sienten, nihilista. [5] En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. El expresionista abstracto de California Jay Meuser , que normalmente pintaba con un estilo no objetivo, escribió sobre su pintura Mare Nostrum : "Es mucho mejor capturar el glorioso espíritu del mar que pintar todas sus pequeñas ondas". Las enérgicas " pinturas de acción " de Pollock , con su sensación de "ocupación", son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la serie violenta y grotesca de Mujeres de pinturas figurativas de Willem de Kooning y de los rectángulos de color de las pinturas Color Field de Rothko (que son (no lo que normalmente se llamaría expresionista, y que Rothko negó que fuera abstracto). Sin embargo, los cuatro artistas están clasificados como expresionistas abstractos.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky . Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estas pinturas requirieron una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño así lo exigía. Con artistas como Paul Klee , Kandinsky, Emma Kunz y más tarde Rothko, Newman y Agnes Martin , el arte abstracto implicaba claramente la expresión de ideas relativas a lo espiritual, el inconsciente y la mente. [6]
Por qué este estilo ganó aceptación generalizada en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no sólo por la Gran Depresión , sino también por los muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El clima político posterior a la Segunda Guerra Mundial no toleró por mucho tiempo las protestas sociales de estos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la guerra y comenzó a exhibirse a principios de los años cuarenta en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery . La era McCarthy de la posguerra fue una época de censura artística en Estados Unidos, pero si el tema fuera totalmente abstracto entonces sería visto como apolítico y, por lo tanto, seguro. O si el arte era político, el mensaje estaba dirigido en gran medida a quienes estaban dentro. [7]
Si bien el movimiento está estrechamente asociado con la pintura, la collagista Anne Ryan y ciertos escultores en particular también fueron parte integral del expresionismo abstracto. [8] David Smith y su esposa Dorothy Dehner , Herbert Ferber , Isamu Noguchi , Ibram Lassaw , Theodore Roszak , Phillip Pavia , Mary Callery , Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson en particular fueron algunos de los escultores considerados importantes. miembros del movimiento. Además, los artistas David Hare , John Chamberlain , James Rosati , Mark di Suvero y los escultores Richard Lippold , Raoul Hague, George Rickey , Reuben Nakian e incluso Tony Smith , Seymour Lipton , Joseph Cornell y varios otros [9] fueron Partes integrales del movimiento expresionista abstracto. Muchos de los escultores enumerados participaron en el Ninth Street Show , [9] una famosa exposición comisariada por Leo Castelli en East Ninth Street en la ciudad de Nueva York en 1951. Además de los pintores y escultores de la época, la Escuela de expresionismo abstracto de Nueva York también generó varios poetas que lo apoyaron, incluido Frank O'Hara y fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah (cuyo libro The Artist's World in Pictures documentó la Escuela de Nueva York durante la década de 1950), y también cineastas, en particular Robert Frank .
Aunque la escuela expresionista abstracta se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los epicentros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco en California .
En un momento dado, el lienzo empezó a parecerle a un pintor americano tras otro un escenario en el que actuar. Lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento.
—Harold Rosenberg [10]
En la década de 1940 no sólo había unas pocas galerías ( The Art of This Century , Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery y algunas otras) sino también pocos críticos dispuestos a seguir el trabajo de la Vanguardia neoyorquina. También hubo algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman , que también actuaron como críticos.
Si bien la vanguardia neoyorquina era todavía relativamente desconocida a finales de la década de 1940, la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres conocidos hoy en día tenían sus críticos mecenas bien establecidos: Clement Greenberg defendió a Jackson Pollock y a los pintores de campos de color como Clyfford Still , Mark Rothko. , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y Hans Hofmann ; Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline , así como las pinturas fundamentales de Arshile Gorky ; Thomas B. Hess, editor jefe de ARTnews , defendió a Willem de Kooning .
Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos al considerar a otros artistas como "seguidores" [11] o ignorando a aquellos que no cumplían su objetivo promocional.
En 1958, Mark Tobey se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia . [12]
Barnett Newman , miembro fallecido del Uptown Group , escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a finales de la década de 1940, se convirtió en artista expositor en la Galería Betty Parsons . Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". [13] Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su imagen recién establecida como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta del 9 de abril de 1955, "Carta a Sidney Janis : — Es cierto que Rothko habla de luchador. Él lucha, sin embargo, para someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de él." [14]
Curiosamente, la persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York: Clement Greenberg. Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation , se convirtió en uno de los primeros y alfabetizados defensores del expresionismo abstracto. El artista adinerado Robert Motherwell se unió a Greenberg para promover un estilo que se adaptaba al clima político y la rebelión intelectual de la época.
Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y a Pollock en particular como el epítome del valor estético. Apoyó la obra de Pollock sobre bases formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remontaba al cubismo y a Cézanne hasta Monet , en la que la pintura se volvió cada vez más "pura" y más concentrada en lo que era "esencial" para la vida. eso, la realización de marcas en una superficie plana. [15]
El trabajo de Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en el que "lo que iba a aparecer en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación de valores políticos, estéticos y morales". [dieciséis]
Uno de los críticos más acérrimos del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte del New York Times, John Canaday . Meyer Schapiro y Leo Steinberg , junto con Greenberg y Rosenberg, fueron importantes historiadores del arte de la posguerra que expresaron su apoyo al expresionismo abstracto. Entre principios y mediados de los años sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried , Rosalind Krauss y Robert Hughes aportaron ideas considerables a la dialéctica crítica que continúa creciendo en torno al expresionismo abstracto.
Durante el período previo a la Segunda Guerra Mundial y durante ella, artistas, escritores y poetas modernistas, así como importantes coleccionistas y comerciantes, huyeron de Europa y del ataque de los nazis en busca de refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos con la ayuda de Varian Fry ) estaban Hans Namuth , Yves Tanguy , Kay Sage , Max Ernst , Jimmy Ernst , Peggy Guggenheim , Leo Castelli , Marcel Duchamp , André Masson , Roberto . Matta , André Breton , Marc Chagall , Jacques Lipchitz , Fernand Léger y Piet Mondrian . Algunos artistas, en particular Picasso , Matisse y Pierre Bonnard , permanecieron en Francia y sobrevivieron.
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa sumidas en la agitación, con la urgencia de reconstruirse económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París, antiguo centro de la cultura europea y capital del mundo del arte, el clima para el arte era un desastre y Nueva York reemplazó a París como nuevo centro del mundo del arte. La Europa de la posguerra vio la continuación del surrealismo , el cubismo , el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el Art brut , [17] y la Abstracción Lírica o Taquismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) se apoderaron de la nueva generación. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein , Pierre Soulages y Jean Messagier , entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra. [18] En Estados Unidos, una nueva generación de artistas estadounidenses comenzó a surgir y a dominar el escenario mundial, y fueron llamados expresionistas abstractos .
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó lecciones aprendidas de Matisse, Picasso, el surrealismo, Miró , el cubismo , el fauvismo y el modernismo temprano a través de eminentes educadores en los Estados Unidos, incluido Hans Hofmann de Alemania. y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte estadounidense a principios de la década de 1940 fue particularmente visible en el trabajo de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart, entre otros. Es difícil sobreestimar las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial. Su obra como abstracción lírica [20] [21] [22] [23] [24] fue un "nuevo lenguaje". [20] "Iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses". [20] La espontaneidad pictórica de la madurez Obras como El hígado es la cresta del gallo , Los esponsales II y Un año, el algodoncillo prefiguraron inmediatamente el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorky. Los primeros trabajos de Hyman Bloom también fueron influyentes. Los artistas americanos también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y del grupo André Breton , de la galería Pierre Matisse y de la galería El arte de este siglo de Peggy Guggenheim , entre otros factores, en particular Hans Hofmann y maestro, mentor y artista fue importante e influyente para el desarrollo y éxito del expresionismo abstracto en los Estados Unidos. Entre los protegidos de Hofmann estaba Clement Greenberg , quien se convirtió en una voz enormemente influyente para la pintura estadounidense, y entre sus alumnos estaba Lee Krasner , quien presentó a su maestra, Hofmann, a su esposo, Jackson Pollock. [26]
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Picasso a principios de siglo a través del cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como las pinturas de arena navajo , el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano, [27] Pollock redefinió lo que era producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y de los convencionalismos fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock (la colocación de lienzos en bruto sin estirar en el suelo, donde se podía atacar desde los cuatro lados utilizando materiales de artista y materiales industriales); madejas lineales de pintura goteadas y arrojadas; dibujar, teñir, cepillar; imágenes y no imágenes—esencialmente llevó la creación de arte más allá de cualquier límite previo. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte.
Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Pollock, de Kooning , Franz Kline , Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Richard Pousette-Dart , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad. y alcance de todo el arte que les siguió. Los movimientos radicales antiformalistas de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Fluxus , Neo-Dada , el arte conceptual y el movimiento artístico feminista , se remontan a las innovaciones del expresionismo abstracto. Las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadores del arte como Linda Nochlin , [28] Griselda Pollock [29] y Catherine de Zegher [30] muestran críticamente, sin embargo, que las artistas pioneras que han producido importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia, pero finalmente comenzó a lograr un reconocimiento largamente esperado a raíz del movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. El expresionismo abstracto surgió como un movimiento artístico importante en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950 y, a partir de entonces, varias galerías de arte importantes comenzaron a incluir a los expresionistas abstractos en exposiciones y como habituales en sus listas. Algunas de esas galerías prominentes de la zona alta incluyeron: la Galería Charles Egan , [31] la Galería Sidney Janis , [32] la Galería Betty Parsons , [33] la Galería Kootz , [34] la Galería Tibor de Nagy , la Galería Stable , la Galería Leo Castelli entre otras; y varias galerías del centro conocidas en ese momento como las galerías de la Calle Décima exhibieron a muchos artistas jóvenes emergentes que trabajaban en la vena expresionista abstracta.
La pintura de acción fue un estilo muy extendido desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960, y está estrechamente asociada con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos pintura de acción y expresionismo abstracto indistintamente). A menudo se hace una comparación entre la pintura de acción estadounidense y el tachismo francés .
El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 [35] y marcó un cambio importante en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York . Según Rosenberg, el lienzo era "un escenario en el que actuar". Mientras que expresionistas abstractos como Jackson Pollock , Franz Kline y Willem de Kooning habían expresado abiertamente durante mucho tiempo su visión de la pintura como un escenario dentro del cual aceptar el acto de creación, críticos anteriores simpatizaban con su causa, como Clement Greenberg , centrado en la "objetividad" de sus obras. Para Greenberg, la clave para entenderlas como documentos de la lucha existencial de los artistas era la fisicalidad de las superficies coaguladas y cubiertas de aceite de las pinturas .
La crítica de Rosenberg desplazó el énfasis del objeto a la lucha misma, siendo la pintura terminada sólo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que se encontraba en el acto o proceso de creación de la pintura. Esta actividad espontánea fue la "acción" del pintor, a través del movimiento de brazos y muñecas, gestos pictóricos , pinceladas, pintura arrojada, salpicada, manchada, revuelta y goteada. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo, mientras bailaba rítmicamente, o incluso estaba de pie sobre el lienzo, a veces dejando que la pintura cayera según la mente subconsciente, dejando así que la parte inconsciente de la psique se afirmara y se expresara. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar porque es una supuesta manifestación inconsciente del acto de pura creación. [36]
En la práctica, el término expresionismo abstracto se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas. Las enérgicas pinturas de acción de Pollock , con su sensación de "ocupación", son diferentes tanto técnica como estéticamente de la violenta y grotesca serie Mujeres de De Kooning . Mujer V forma parte de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I , en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura poco después en el estudio de De Kooning y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II , Mujer III y Mujer IV . Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton , de Kooning exploró más a fondo el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado su trabajo en Mujer I a finales de junio, o posiblemente en noviembre de 1952, y probablemente los otros tres cuadros de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. [37] La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas .
Otro artista importante es Franz Kline . [38] [39] Al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue etiquetado como un " pintor de acción " debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada, en figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales. y uso de lienzos; como lo demuestra su cuadro Número 2 (1954). [40] [41] [42]
La escritura automática fue un vehículo importante para pintores de acción como Kline (en sus pinturas en blanco y negro), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly , quienes utilizaron gestos, superficies y líneas para crear símbolos y madejas caligráficas y lineales que se asemejan al lenguaje, y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo . [43] [44] Robert Motherwell en su serie Elegía a la República Española pintó poderosas pinturas en blanco y negro utilizando gestos, superficies y símbolos que evocaban poderosas cargas emocionales. [45] [46]
Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular De Kooning, Gorky, Norman Bluhm , Joan Mitchell y James Brooks , utilizaron imágenes a través de paisajes abstractos o como visiones expresionistas de la figura para articular sus poderosas evocaciones altamente personales. Las pinturas de James Brooks fueron particularmente poéticas y muy proféticas en relación con la abstracción lírica que se hizo prominente a finales de los años sesenta y setenta. [47]
Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente brillantes en la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), están clasificados como expresionistas abstractos, aunque de lo que Clement Greenberg denominada dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color. En la década de 1940, las imágenes estrechamente construidas de Richard Pousette-Dart dependían a menudo de temas de mitología y misticismo; al igual que las pinturas de Gottlieb y Pollock en esa década también.
La pintura Color Field se refería inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente a la obra de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró . Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada pero diferente de la pintura de acción. Los pintores de Color Field buscaron librar su arte de la retórica superflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann , Helen Frankenthaler , Sam Francis , Mark Tobey y especialmente Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir heroicus sublimis se encuentra en la colección del MoMA , utilizaron referencias muy reducidas a la naturaleza, y Pintaron con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles; en el caso de Rothko y Gottlieb, a veces utilizaron símbolos y signos como reemplazo de las imágenes. [48] Ciertos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica.
A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales de expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, los pintores de Color Field inicialmente parecían ser fríos y austeros, borrando la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que estos artistas consideraban ser la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real del lienzo, que más tarde, en la década de 1960, Frank Stella en particular logró de manera inusual con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura Color Field ha demostrado ser a la vez sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.
Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York , y el área de la Bahía de San Francisco . Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un enfoque "completo", en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro sea más interesante que los bordes). El lienzo como escenario se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano pictórico se convirtió en un credo de los pintores de campos de color. Artistas más jóvenes comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, entre ellos Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Grace Hartigan , Friedel Dzubas y Robert Goodnough , entre otros. .
Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica y su toque pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campos de color. Otra visión crítica propuesta por Greenberg conecta los lienzos integrales de Pollock con los nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Críticos de arte como Michael Fried , Greenberg y otros han observado que el sentimiento general en las obras más famosas de Pollock (sus pinturas de goteo ) se interpreta como vastos campos de elementos lineales construidos. Señalan que estas obras a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar y campos de color y dibujo por todas partes, y están relacionadas con los Monet del tamaño de un mural que están construidos de manera similar con marcas cepilladas y esparcidas de valor similar que también dicen como campos de color y dibujo. El uso que hace Pollock de la composición integral brinda una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies continuas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su clásico período de pintura por goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura de casas en lienzos en bruto. Durante 1951 produjo una serie de tintes negros semifigurativos y en 1952 produjo tintes utilizando el color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis de la ciudad de Nueva York, Pollock mostró Número 12, 1952 , una pintura de manchas grande y magistral que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una capa de pintura oscura ampliamente goteada); la pintura fue adquirida de la exposición de Nelson Rockefeller para su colección personal. [49]
Si bien Arshile Gorky es considerado uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista , también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de la tinción. Gorky creó amplios campos de colores vivos, abiertos e ininterrumpidos que utilizó como base en muchas de sus pinturas. En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941 y 1948, utilizó consistentemente campos de color intensos y teñidos, a menudo dejando que la pintura corriera y goteara, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras de la década de 1940 recuerdan las pinturas sobre manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks . Brooks utilizó regularmente la tinción como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y teñir el lienzo en su mayoría crudo que usaba. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo de expresionismo abstracto brillante a gran escala de Sam Francis estuvo estrechamente asociado con la pintura de campos de color. Sus pinturas abarcaron ambos campos dentro de la rúbrica expresionista abstracta, la pintura de acción y la pintura de campo de color.
Después de ver las pinturas de Pollock de 1951 de pintura al óleo negra diluida teñida sobre lienzo en bruto, Frankenthaler comenzó a producir pinturas al óleo en variados colores sobre lienzo en bruto en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y mar . Es una de las creadoras del movimiento Color Field que surgió a finales de los años cincuenta. [50] Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann .
Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate, 1959-1960. Fue reconocido no sólo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en Estados Unidos. Hofmann, que llegó a Estados Unidos procedente de Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del modernismo . Como joven artista en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Hofmann trabajó con Robert Delaunay y conoció de primera mano el trabajo innovador de Picasso y Matisse. La obra de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color, y sus teorías influyeron en artistas y críticos, en particular en Clement Greenberg, así como en otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland quedaron profundamente influenciados por las pinturas sobre manchas de Helen Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a finales de la década de 1950. [51]
En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:
Clement Greenberg incluyó el trabajo de Morris Louis y Kenneth Noland en una exposición que realizó en la Galería Kootz a principios de la década de 1950. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen para ver un cuadro que ella acababa de pintar llamado Montañas y mar, un cuadro muy, muy hermoso, que en cierto sentido estaba fuera de Pollock y fuera de de Gorki. También fue uno de los primeros cuadros de mancha, uno de los primeros cuadros de gran campo en los que se utilizó la técnica de la mancha, quizás el primero. Louis y Noland vieron el cuadro desenrollado en el suelo de su estudio y regresaron a Washington, DC, y trabajaron juntos durante un tiempo, analizando las implicaciones de este tipo de pintura. [52] [53]
En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, surgieron varias direcciones nuevas, como la pintura Hard-edge ejemplificada por John McLaughlin . Mientras tanto, como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos radicales de vanguardia . Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica; curando una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte de los Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica [54] surgieron como nuevas direcciones radicales.
Desde mediados de la década de 1970 se ha argumentado que el estilo atrajo la atención, a principios de la década de 1950, de la CIA , que lo veía como representativo de Estados Unidos como un refugio para el libre pensamiento y el libre mercado, así como un desafío para ambos. los estilos realistas socialistas prevalecientes en las naciones comunistas y el dominio de los mercados del arte europeos. [55] El libro de Frances Stonor Saunders , [ cita necesaria ] La Guerra Fría Cultural: La CIA y el mundo de las artes y las letras , [56] (publicado en el Reino Unido como ¿ Quién pagó al flautista?: La CIA y la Guerra Fría Cultural ) detalla cómo la CIA financió y organizó la promoción de los expresionistas abstractos estadounidenses como parte del imperialismo cultural a través del Congreso para la Libertad Cultural de 1950 a 1967. En particular, la serie Elegía a la República Española de Robert Motherwell abordó algunas de esas cuestiones políticas. Tom Braden , jefe fundador de la División de Organizaciones Internacionales (IOD) de la CIA y ex secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno dijo en una entrevista: "Creo que era la división más importante que tenía la agencia, y creo que jugó un papel enorme en la Guerra Fría." [57]
Contra esta tradición revisionista, un ensayo de Michael Kimmelman , crítico de arte jefe de The New York Times , titulado Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War , afirma que gran parte de esa información relativa a lo que estaba sucediendo en la escena artística estadounidense durante las décadas de 1940 y 1950, así como la interpretación que de ella hicieron los revisionistas, es falsa o descontextualizada. [58] Otros libros sobre el tema incluyen Art in the Cold War , de Christine Lindey, que también describe el arte de la Unión Soviética en la misma época, y Pollock and After , editado por Francis Frascina, que reimprimió el artículo de Kimmelman.
El pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), miembro del grupo de inspiración surrealista Les Automatistes, con sede en Montreal , ayudó a introducir un estilo similar de impresionismo abstracto en el mundo del arte parisino a partir de 1949. El innovador libro de Michel Tapié , Un Art Autre (1952), también tuvo una enorme influencia en este sentido. Tapié también fue curador y organizador de exposiciones que promovió las obras de Pollock y Hans Hofmann en Europa. En la década de 1960, el efecto inicial del movimiento se había asimilado, pero sus métodos y defensores siguieron siendo muy influyentes en el arte, afectando profundamente el trabajo de muchos artistas posteriores. El expresionismo abstracto precedió al tachismo , la pintura de campo de color , la abstracción lírica , Fluxus , el arte pop , el minimalismo , el posminimalismo , el neoexpresionismo y los demás movimientos de los años sesenta y setenta e influyó en todos los movimientos posteriores que evolucionaron. Los movimientos que fueron respuestas directas y rebeliones contra el expresionismo abstracto comenzaron con la pintura Hard-edge ( Frank Stella , Robert Indiana y otros) y los artistas pop , en particular Andy Warhol , Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein , que alcanzaron prominencia en los EE. UU., acompañados por Richard Hamilton en Gran Bretaña. Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Estados Unidos formaron un puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop. El minimalismo fue ejemplificado por artistas como Donald Judd , Robert Mangold y Agnes Martin .
Sin embargo, muchos pintores, como Jules Olitski , Joan Mitchell y Antoni Tàpies continuaron trabajando en el estilo expresionista abstracto durante muchos años, extendiendo y ampliando sus implicaciones visuales y filosóficas, como continúan haciendo muchos artistas abstractos en la actualidad, en estilos descritos como líricos . Abstracción , Neoexpresionista y otros.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas de Nueva York iniciaron una de las primeras verdaderas escuelas de artistas en Estados Unidos, provocando una nueva era en el arte estadounidense: el expresionismo abstracto. Esto dio lugar al boom del arte americano que trajo consigo estilos como el Pop Art . Esto también ayudó a hacer de Nueva York un centro cultural y artístico. [59]
Los expresionistas abstractos valoran el organismo por encima del todo estático, el devenir por encima del ser, la expresión por encima de la perfección, la vitalidad por encima del acabado, la fluctuación por encima del reposo, el sentimiento por encima de la formulación, lo desconocido por encima de lo conocido, lo velado por encima de lo claro, el individuo por encima de la sociedad y lo interior por encima de lo conocido. el exterior. [60]
— William C. Seitz, artista e historiador del arte estadounidense
[Thomas] El pintor favorito de Hess, Willem de Kooning... me dejó muy claro en una conversación en 1954 que él y Jackson Pollock consideraban a Bloom, a quien habían descubierto en
Americans 1942
, 'el primer abstracto'. Artista expresionista en América'".
Este conjunto de su trabajo no se ha visto en profundidad durante muchos años y confirma su condición de abstraccionista de primer rango de la Escuela de Nueva York. Rara vez lo hace. un pintor tiene tal control sobre el color intenso, por ejemplo en 'No.6 (Montauk)', en el que la nitidez de los contrastes complementarios se silencia y armoniza sutilmente. Las complejas capas interactivas animan las superficies pintadas, que a menudo ocultan tanto como revelan. Las formas orgánicas y caligráficas compiten por una posición, pero se mantienen firmemente en su lugar mediante una estructura implícita. Sin embargo, estos no son meros ejercicios formales virtuosos; sus corrientes emocionales subyacentes son tan fuertes como sus cualidades técnicas.
