El impresionismo fue un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequeñas, finas pero visibles, composición abierta , énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), temas ordinarios, inusuales. ángulos visuales e inclusión del movimiento como elemento crucial de la percepción y experiencia humana. El impresionismo se originó con un grupo de artistas radicados en París cuyas exposiciones independientes los llevaron a la fama durante las décadas de 1870 y 1880.
Los impresionistas enfrentaron una dura oposición de la comunidad artística convencional en Francia . El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impresión, amanecer ), que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una reseña satírica de 1874 de la Primera Exposición Impresionista publicada en el periódico parisino. Le Charivari . El desarrollo del impresionismo en las artes visuales pronto fue seguido por estilos análogos en otros medios que llegaron a ser conocidos como música impresionista y literatura impresionista .
Radicales en su época, los primeros impresionistas violaron las reglas de la pintura académica. Construyeron sus cuadros a partir de colores pincelados libremente que primaban sobre las líneas y los contornos, siguiendo el ejemplo de pintores como Eugène Delacroix y JMW Turner . También pintaron escenas realistas de la vida moderna y, a menudo, pintaron al aire libre. Anteriormente, las naturalezas muertas y los retratos , así como los paisajes, se pintaban habitualmente en un estudio. [1] Los impresionistas descubrieron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar pintando al aire libre o al aire libre . Representaron efectos visuales generales en lugar de detalles, y utilizaron pinceladas cortas "interrumpidas" de colores mezclados y puros sin mezclar, no mezclados suavemente ni sombreados, como era habitual, para lograr un efecto de intensa vibración de color. [2]
El impresionismo surgió en Francia al mismo tiempo que otros pintores, incluidos los artistas italianos conocidos como Macchiaioli y Winslow Homer en los Estados Unidos, también exploraban la pintura al aire libre . Los impresionistas, sin embargo, desarrollaron nuevas técnicas específicas para este estilo. Abarcando lo que sus seguidores argumentaban que era una forma diferente de ver, es un arte de inmediatez y movimiento, de poses y composiciones espontáneas, del juego de luces expresado en un uso brillante y variado del color. [2]
El público, al principio hostil, poco a poco llegó a creer que los impresionistas habían capturado una visión fresca y original, incluso si los críticos de arte y el establishment artístico desaprobaban el nuevo estilo. Al recrear la sensación en el ojo que mira al sujeto, en lugar de delinear los detalles del sujeto, y al crear una maraña de técnicas y formas, el impresionismo es un precursor de varios estilos de pintura, incluido el neoimpresionismo , el postimpresionismo y el fauvismo. y el cubismo . [ cita necesaria ]
A mediados del siglo XIX, una época de rápida industrialización y cambios sociales inquietantes en Francia, cuando el emperador Napoleón III reconstruía París y libraba la guerra, la Academia de Bellas Artes dominaba el arte francés. [4] La Academia fue la conservadora de los estándares de contenido y estilo de la pintura tradicional francesa. Se valoraron temas históricos, religiosos y retratos; el paisaje y la naturaleza muerta no lo eran. La Academia prefería imágenes cuidadosamente terminadas que parecieran realistas cuando se examinaban de cerca. Las pinturas de este estilo se componían de pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra. [5] El color era restringido y, a menudo, atenuado aún más mediante la aplicación de un barniz dorado. [6]
La Academia tenía una exposición de arte anual con jurado, el Salón de París , y los artistas cuyo trabajo se exhibía en la exposición ganaron premios, obtuvieron encargos y mejoraron su prestigio. Los estándares de los jurados representaron los valores de la Academia, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel . Utilizando una mezcla ecléctica de técnicas y fórmulas establecidas en la pintura occidental desde el Renacimiento (como la perspectiva lineal y tipos de figuras derivados del arte griego clásico ), estos artistas produjeron visiones escapistas de un mundo tranquilizadormente ordenado. [7] En la década de 1850, algunos artistas, en particular el pintor realista Gustave Courbet , habían ganado la atención del público y la censura crítica al representar las realidades contemporáneas sin la idealización exigida por la Academia. [8]
A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores: Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley y Frédéric Bazille , se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre . Descubrieron que compartían un interés por pintar paisajes y la vida contemporánea más que escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica iniciada por artistas como el inglés John Constable [9] que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos en el campo para pintar al aire libre. [10] Su propósito no era realizar bocetos para desarrollarlos en obras cuidadosamente terminadas en el estudio, como era costumbre, sino completar sus pinturas al aire libre. [11] Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una manera de pintar más ligera y brillante que extendió aún más el realismo de Courbet y la escuela de Barbizon . Un lugar de encuentro favorito de los artistas era el Café Guerbois en la Avenue de Clichy en París, donde a menudo las discusiones las dirigía Édouard Manet , a quien los artistas más jóvenes admiraban mucho. Pronto se les unieron Camille Pissarro , Paul Cézanne y Armand Guillaumin . [12]
Durante la década de 1860, el jurado del Salón rechazaba habitualmente aproximadamente la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos en favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. [2] En 1863, el jurado del Salón rechazó El almuerzo sobre la hierba ( Le déjeuner sur l'herbe ) de Manet principalmente porque representaba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Si bien el jurado del Salón aceptaba habitualmente desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenaba a Manet por colocar un desnudo realista en un entorno contemporáneo. [13] El severo rechazo del jurado a la pintura de Manet horrorizó a sus admiradores, y el número inusualmente grande de obras rechazadas ese año perturbó a muchos artistas franceses.
Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que se permitiera al público juzgar las obras por sí mismo y se organizó el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados). Mientras muchos espectadores acudían sólo para reírse, el Salón de los Rechazados llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo a más visitantes que el Salón habitual. [14]
Las peticiones de los artistas que solicitaban un nuevo Salon des Refusés en 1867 y nuevamente en 1872 fueron denegadas. En diciembre de 1873, Monet , Renoir , Pissarro , Sisley , Cézanne , Berthe Morisot , Edgar Degas y varios otros artistas fundaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Compañía de pintores, escultores y grabadores") para exhibir sus obras de arte de forma independiente. [15] Se esperaba que los miembros de la asociación renunciaran a participar en el Salón. [16] Los organizadores invitaron a varios otros artistas progresistas a unirse a ellos en su exposición inaugural, incluido el anciano Eugène Boudin , cuyo ejemplo había persuadido por primera vez a Monet a adoptar la pintura al aire libre años antes. [17] Otro pintor que influyó mucho en Monet y sus amigos, Johan Jongkind , declinó participar, al igual que Édouard Manet. En total, treinta artistas participaron en su primera exposición, celebrada en abril de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar .
La respuesta crítica fue mixta. Monet y Cézanne recibieron los ataques más duros. El crítico y humorista Louis Leroy escribió una mordaz reseña en el periódico Le Charivari en la que, haciendo un juego de palabras con el título de Impression, Sunrise (Impresión, soleil levant) de Claude Monet , daba a los artistas el nombre por el que se hicieron conocidos. Titulando burlonamente su artículo "La exposición de los impresionistas", Leroy declaró que la pintura de Monet era, como mucho, un boceto y difícilmente podría considerarse una obra terminada.
Escribió, en forma de diálogo entre espectadores,
El término impresionista rápidamente ganó popularidad entre el público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso en estilo y temperamento, unificados principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Expusieron juntos, aunque con miembros cambiantes, ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna. [6]
Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden considerarse los impresionistas "más puros", en su constante búsqueda de un arte de la espontaneidad, la luz del sol y el color. Degas rechazó gran parte de esto, ya que creía en la primacía del dibujo sobre el color y menospreciaba la práctica de pintar al aire libre. [19] Renoir se alejó del impresionismo durante un tiempo durante la década de 1880 y nunca recuperó por completo su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder, [20] nunca abandonó su uso liberal del negro como color (mientras que los impresionistas evitaban su uso y preferían obtener colores más oscuros mediante la mezcla), y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó presentando sus obras al Salón, donde su cuadro Cantante español había ganado una medalla de 2ª clase en 1861, e instó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que "el Salón es el verdadero campo de batalla" donde se puede ganar reputación. hecho. [21]
Entre los artistas del grupo central (menos Bazille, que había muerto en la guerra franco-prusiana en 1870), se produjeron deserciones cuando Cézanne, seguido más tarde por Renoir, Sisley y Monet, se abstuvieron de las exposiciones colectivas para poder presentar sus obras. al Salón. Los desacuerdos surgieron por cuestiones como la pertenencia de Guillaumin al grupo, defendido por Pissarro y Cézanne contra la oposición de Monet y Degas, que lo consideraban indigno. [22] Degas invitó a Mary Cassatt a exhibir su obra en la exposición de 1879, pero también insistió en la inclusión de Jean-François Raffaëlli , Ludovic Lepic y otros realistas que no representaban las prácticas impresionistas, lo que provocó que Monet en 1880 acusara a los impresionistas de "abriendo puertas a los embadurnadores que llegan por primera vez". [23] En este sentido, la séptima exposición impresionista de París en 1882 fue la más selectiva de todas, incluyendo las obras de sólo nueve "verdaderos" impresionistas, a saber, Gustave Caillebotte , Paul Gauguin , Armand Guillaumin , Claude Monet , Berthe Morisot , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley y Victor Vignon . Luego, el grupo se dividió nuevamente por las invitaciones a Paul Signac y Georges Seurat para exponer con ellos en la octava exposición impresionista en 1886. Pissarro fue el único artista que expuso en las ocho exposiciones impresionistas de París.
Los artistas individuales obtuvieron pocas recompensas financieras de las exposiciones impresionistas, pero su arte gradualmente ganó cierto grado de aceptación y apoyo del público. Su marchante, Durand-Ruel , jugó un papel importante en esto, ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito en el Salón de 1879. [24] Monet se aseguró financieramente a principios de la década de 1880 y lo mismo hizo Pissarro a principios de la década de 1890. En esa época, los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en algo común en el arte de salón. [25]
Entre los pintores franceses que prepararon el camino para el impresionismo se encuentran el colorista romántico Eugène Delacroix ; el líder de los realistas, Gustave Courbet ; y pintores de la escuela de Barbizon como Théodore Rousseau . Los impresionistas aprendieron mucho del trabajo de Johan Barthold Jongkind , Jean-Baptiste-Camille Corot y Eugène Boudin , quienes pintaron a partir de la naturaleza en un estilo directo y espontáneo que prefiguraba el impresionismo, y que trabaron amistad y aconsejaron a los artistas más jóvenes.
Varias técnicas y hábitos de trabajo identificables contribuyeron al estilo innovador de los impresionistas. Aunque estos métodos habían sido utilizados por artistas anteriores (y a menudo son notorios en el trabajo de artistas como Frans Hals , Diego Velázquez , Peter Paul Rubens , John Constable y J. M. W. Turner ), los impresionistas fueron los primeros en usarlos todos juntos, y con tanta coherencia. Estas técnicas incluyen:
La nueva tecnología jugó un papel en el desarrollo del estilo. Los impresionistas aprovecharon la introducción a mediados de siglo de pinturas premezcladas en tubos de hojalata (que se asemejan a los tubos de pasta de dientes modernos), lo que permitió a los artistas trabajar de forma más espontánea, tanto en exteriores como en interiores. [26] Anteriormente, los pintores hacían sus propias pinturas individualmente, moliendo y mezclando polvos de pigmentos secos con aceite de linaza, que luego se almacenaban en vejigas de animales. [27]
Muchos pigmentos sintéticos vívidos estuvieron disponibles comercialmente para los artistas por primera vez durante el siglo XIX. Estos incluían el azul cobalto , el viridiano , el amarillo cadmio y el azul ultramar sintético , todos los cuales estaban en uso en la década de 1840, antes del impresionismo. [28] La forma de pintar de los impresionistas hizo un uso audaz de estos pigmentos, e incluso de colores más nuevos, como el azul cerúleo , [6] que estuvo disponible comercialmente para los artistas en la década de 1860. [28]
El progreso de los impresionistas hacia un estilo de pintura más brillante fue gradual. Durante la década de 1860, Monet y Renoir a veces pintaban sobre lienzos preparados con el tradicional fondo marrón rojizo o gris. [29] En la década de 1870, Monet, Renoir y Pissarro solían optar por pintar sobre bases de un color gris más claro o beige, que funcionaba como un tono medio en la pintura terminada. [29] En la década de 1880, algunos de los impresionistas habían llegado a preferir fondos blancos o ligeramente blanquecinos, y ya no permitían que el color de fondo desempeñara un papel importante en la pintura terminada. [30]
Los impresionistas reaccionaron a la modernidad explorando "una amplia gama de temas artísticos no académicos", como actividades de ocio de la clase media y "temas urbanos, incluidas estaciones de tren, cafés, burdeles, teatro y danza". [31] Encontraron inspiración en las avenidas recientemente ampliadas de París, delimitadas por nuevos edificios altos que ofrecían oportunidades para representar multitudes bulliciosas, entretenimientos populares e iluminación nocturna en espacios artificialmente cerrados. [32] Una pintura como Paris Street de Caillebotte; Rainy Day (1877) da un toque moderno al enfatizar el aislamiento de los individuos en medio de los enormes edificios y espacios del entorno urbano. [33] A la hora de pintar paisajes, los impresionistas no dudaban en incluir las fábricas que proliferaban en el campo. Los primeros pintores de paisajes habían evitado convencionalmente las chimeneas y otros signos de industrialización, considerándolos plagas del orden de la naturaleza e indignos de arte. [34]
Antes de los impresionistas, otros pintores, en particular los holandeses del siglo XVII como Jan Steen , habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Dispusieron sus composiciones de modo que el tema principal captara la atención del espectador. JMW Turner , si bien fue un artista de la época romántica , anticipó el estilo del impresionismo con su obra de arte. [35] Los impresionistas relajaron el límite entre el tema y el fondo, de modo que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeja a una instantánea, una parte de una realidad más amplia capturada como por casualidad. [36] La fotografía estaba ganando popularidad y, a medida que las cámaras se volvieron más portátiles, las fotografías se volvieron más sinceras. La fotografía inspiró a los impresionistas a representar la acción momentánea, no sólo en las luces fugaces de un paisaje, sino en la vida cotidiana de las personas. [37] [38]
El desarrollo del impresionismo puede considerarse en parte como una reacción de los artistas al desafío que presentaba la fotografía, que parecía devaluar la habilidad del artista para reproducir la realidad. Tanto los retratos como los paisajes se consideraron algo deficientes y carentes de veracidad, ya que la fotografía "produjo imágenes realistas de manera mucho más eficiente y confiable". [39]
A pesar de esto, la fotografía en realidad inspiró a los artistas a buscar otros medios de expresión creativa y, en lugar de competir con la fotografía para emular la realidad, los artistas se centraron "en lo único que inevitablemente podían hacer mejor que la fotografía: desarrollarse aún más hasta convertirse en una forma de arte". su misma subjetividad en la concepción de la imagen, la misma subjetividad que la fotografía eliminó". [39] Los impresionistas buscaron expresar sus percepciones de la naturaleza, en lugar de crear representaciones exactas. Esto permitió a los artistas representar subjetivamente lo que veían con sus "imperativos tácitos de gusto y conciencia". [40] La fotografía animó a los pintores a explotar aspectos del medio pictórico, como el color, de los que carecía entonces la fotografía: "Los impresionistas fueron los primeros en ofrecer conscientemente una alternativa subjetiva a la fotografía". [39]
Otra influencia importante fueron las impresiones artísticas japonesas ukiyo-e ( japonismo ). El arte de estos grabados contribuyó significativamente a los ángulos de "instantáneas" y las composiciones poco convencionales que se volvieron características del impresionismo. Un ejemplo es el Jardin à Sainte-Adresse de Monet , 1867, con sus audaces bloques de color y composición en una fuerte inclinación diagonal que muestra la influencia de los grabados japoneses. [42]
Edgar Degas fue a la vez un ávido fotógrafo y un coleccionista de grabados japoneses. [43] Su La clase de danza (La classe de danse) de 1874 muestra ambas influencias en su composición asimétrica. Los bailarines aparentemente son tomados con la guardia baja en varias poses incómodas, dejando una extensión de espacio vacío en el cuadrante inferior derecho. También plasmó en esculturas a sus bailarines, como la Pequeña Bailarina de Catorce Años .
Los impresionistas, en diversos grados, buscaban formas de representar la experiencia visual y los temas contemporáneos. [44] Las mujeres impresionistas estaban interesadas en estos mismos ideales, pero tenían muchas limitaciones sociales y profesionales en comparación con los hombres impresionistas. Estaban particularmente excluidos de las imágenes de la esfera social burguesa del bulevar, el café y el salón de baile. [45] Además de las imágenes, las mujeres fueron excluidas de las discusiones formativas que resultaron en reuniones en esos lugares; Allí fue donde los impresionistas masculinos pudieron formarse y compartir ideas sobre el impresionismo. [45] En el ámbito académico, se creía que las mujeres eran incapaces de manejar temas complejos, lo que llevó a los maestros a restringir lo que enseñaban a las estudiantes. [46] También se consideraba poco femenino sobresalir en el arte, ya que entonces se creía que los verdaderos talentos de las mujeres se centraban en las tareas del hogar y la maternidad. [46]
Sin embargo, varias mujeres lograron alcanzar el éxito durante su vida, a pesar de que sus carreras se vieron afectadas por circunstancias personales: Bracquemond, por ejemplo, tenía un marido resentido con su trabajo, lo que la llevó a dejar la pintura. [47] Las cuatro más conocidas, a saber, Mary Cassatt , Eva Gonzalès , Marie Bracquemond y Berthe Morisot , son, y fueron, a menudo denominadas "mujeres impresionistas". Su participación en la serie de ocho exposiciones impresionistas que tuvieron lugar en París de 1874 a 1886 fue variada: Morisot participó en siete, Cassatt en cuatro, Bracquemond en tres y Gonzalès no participó. [47] [48]
Los críticos de la época agruparon a estos cuatro sin tener en cuenta sus estilos, técnicas o temas personales. [49] Los críticos que vieron sus obras en las exposiciones a menudo intentaron reconocer los talentos de las mujeres artistas, pero los circunscribieron dentro de una noción limitada de feminidad. [50] Argumentando la idoneidad de la técnica impresionista a la forma de percepción de las mujeres, el crítico parisino SC de Soissons escribió:
Se puede comprender que las mujeres no tengan originalidad de pensamiento y que la literatura y la música no tengan carácter femenino; pero seguramente las mujeres saben observar, y lo que ven es muy diferente de lo que ven los hombres, y el arte que ponen en sus gestos, en su vestimenta, en la decoración de su entorno es suficiente para dar la idea de una instintivo, de un genio peculiar que reside en cada uno de ellos. [51]
Si bien el impresionismo legitimó la vida social doméstica como un tema del que las mujeres tenían un conocimiento íntimo, también tendió a limitarlas a ese tema. En las exposiciones predominaron las representaciones de modelos a menudo identificables en entornos domésticos (que podían ofrecer encargos). [52] Los temas de las pinturas eran a menudo mujeres que interactuaban con su entorno mediante la mirada o el movimiento. Cassatt, en particular, era consciente de la ubicación de sus sujetos: mantuvo sus figuras predominantemente femeninas alejadas de la objetivación y los clichés; cuando no leen, conversan, cosen, beben té y cuando están inactivos, parecen perdidos en sus pensamientos. [53]
Las mujeres impresionistas, al igual que sus homólogos masculinos, luchaban por alcanzar la "verdad", nuevas formas de ver y nuevas técnicas de pintura; Cada artista tenía un estilo de pintura individual. [54] Las mujeres impresionistas (particularmente Morisot y Cassatt) eran conscientes del equilibrio de poder entre las mujeres y los objetos en sus pinturas: las mujeres burguesas representadas no se definen por los objetos decorativos, sino que interactúan y dominan las cosas con las que viven. . [55] Hay muchas similitudes en sus representaciones de mujeres que parecen a la vez cómodas y sutilmente confinadas. [56] El palco de Gonzalès en la Ópera Italiana muestra a una mujer mirando a lo lejos, cómoda en una esfera social pero confinada por el palco y el hombre que está a su lado. El cuadro de Cassatt, Jovencita ante una ventana, tiene un color más brillante, pero permanece limitado por el borde del lienzo mientras mira por la ventana.
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A pesar de su éxito en su capacidad de tener una carrera y la desaparición del impresionismo atribuida a sus características supuestamente femeninas (su sensualidad, dependencia de las sensaciones, fisicalidad y fluidez), las cuatro mujeres artistas (y otras mujeres impresionistas menos conocidas) fueron en gran medida omitidas de libros de texto de historia del arte que cubren a artistas impresionistas hasta que Mujeres impresionistas de Tamar Garb se publicó en 1986. [57] Por ejemplo, Impresionismo de Jean Leymarie, publicado en 1955, no incluía información sobre ninguna mujer impresionista.
Al pintor Androniqi Zengo Antoniu se le atribuye la introducción del impresionismo en Albania. [58]
Las figuras centrales en el desarrollo del impresionismo en Francia, [59] [60] enumeradas alfabéticamente, fueron:
Los impresionistas
Entre los colaboradores cercanos de los impresionistas, Victor Vignon es el único artista fuera del grupo de nombres destacados que participaron en la más exclusiva Séptima Exposición Impresionista de París en 1882, que fue de hecho un rechazo a las exposiciones anteriores, menos restringidas, organizadas principalmente por Degas. Originario de la escuela de Corot , Vignon era amigo de Camille Pissarro , cuya influencia es evidente en su estilo impresionista posterior a finales de la década de 1870, y amigo del postimpresionista Vincent van Gogh .
Hubo varios otros colaboradores cercanos de los impresionistas que adoptaron sus métodos hasta cierto punto. Entre ellos se encuentran Jean-Louis Forain (que participó en exposiciones impresionistas en 1879, 1880, 1881 y 1886) [64] y Giuseppe De Nittis , un artista italiano residente en París que participó en la primera exposición impresionista por invitación de Degas, aunque el otros impresionistas menospreciaron su trabajo. [65] Federico Zandomeneghi fue otro amigo italiano de Degas que expuso con los impresionistas. Eva Gonzalès era una seguidora de Manet que no expuso con el grupo. James Abbott McNeill Whistler fue un pintor nacido en Estados Unidos que participó en el impresionismo, aunque no se unió al grupo y prefirió los colores grisáceos. Walter Sickert , artista inglés, fue inicialmente seguidor de Whistler, y más tarde un importante discípulo de Degas; no expuso con los impresionistas. En 1904, el artista y escritor Wynford Dewhurst escribió el primer estudio importante sobre los pintores franceses publicado en inglés, Impressionist Painting: its genesis and development , que contribuyó en gran medida a popularizar el impresionismo en Gran Bretaña.
A principios de la década de 1880, los métodos impresionistas estaban afectando, al menos superficialmente, el arte del Salón. Pintores de moda como Jean Béraud y Henri Gervex encontraron éxito crítico y financiero al iluminar sus paletas y al mismo tiempo conservar el acabado suave que se espera del arte de salón. [66] Las obras de estos artistas a veces se denominan casualmente impresionismo, a pesar de su lejanía de la práctica impresionista.
La influencia de los impresionistas franceses duró mucho después de la muerte de la mayoría de ellos. Artistas como JD Kirszenbaum tomaron prestadas técnicas impresionistas a lo largo del siglo XX.
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A medida que la influencia del impresionismo se extendió más allá de Francia, los artistas, demasiado numerosos para enumerarlos, fueron identificados como practicantes del nuevo estilo. Algunos de los ejemplos más importantes son:
Al escultor Auguste Rodin a veces se le llama impresionista por la forma en que utilizó superficies toscamente modeladas para sugerir efectos de luz transitorios. [70]
Los fotógrafos pictorialistas cuyo trabajo se caracteriza por el enfoque suave y los efectos atmosféricos también han sido llamados impresionistas.
Cine impresionista francés es un término aplicado a un grupo vagamente definido de películas y cineastas en Francia de 1919 a 1929, aunque estos años son discutibles. Los cineastas impresionistas franceses incluyen a Abel Gance , Jean Epstein , Germaine Dulac , Marcel L'Herbier, Louis Delluc y Dmitry Kirsanoff.
Impresionismo musical es el nombre que recibe un movimiento de la música clásica europea que surgió a finales del siglo XIX y continuó hasta mediados del siglo XX. Originario de Francia, el impresionismo musical se caracteriza por la sugestión y la atmósfera, y evita los excesos emocionales de la época romántica. Los compositores impresionistas preferían formas cortas como el nocturno , el arabesco y el preludio , y a menudo exploraban escalas poco comunes, como la escala tonal completa . Quizás las innovaciones más notables de los compositores impresionistas fueron la introducción de acordes de séptima mayor y la extensión de las estructuras de acordes de tercera a armonías de cinco y seis partes.
La influencia del impresionismo visual en su contraparte musical es discutible. Claude Debussy y Maurice Ravel son generalmente considerados los más grandes compositores impresionistas, pero Debussy rechazó el término, calificándolo de invención de los críticos. Erik Satie también fue considerado en esta categoría, aunque su enfoque se consideró menos serio y más novedoso por naturaleza. Paul Dukas es otro compositor francés considerado a veces impresionista, pero su estilo quizás esté más estrechamente alineado con los románticos tardíos. El impresionismo musical más allá de Francia incluye el trabajo de compositores como Ottorino Respighi (Italia), Ralph Vaughan Williams , Cyril Scott y John Ireland (Inglaterra), Manuel De Falla e Isaac Albeniz (España) y Charles Griffes (Estados Unidos).
El término impresionismo también se ha utilizado para describir obras literarias en las que unos pocos detalles seleccionados son suficientes para transmitir las impresiones sensoriales de un incidente o escena. La literatura impresionista está estrechamente relacionada con el simbolismo , siendo sus principales ejemplos Baudelaire , Mallarmé , Rimbaud y Verlaine . Autores como Virginia Woolf , DH Lawrence , Henry James y Joseph Conrad han escrito obras que son impresionistas en la forma en que describen, en lugar de interpretar, las impresiones, sensaciones y emociones que constituyen la vida mental de un personaje.
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Durante la década de 1880, varios artistas comenzaron a desarrollar diferentes preceptos para el uso del color, el patrón, la forma y la línea, derivados del ejemplo impresionista: Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec . Estos artistas eran un poco más jóvenes que los impresionistas y su trabajo se conoce como postimpresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también se aventuraron en este nuevo territorio; Camille Pissarro pintó brevemente en estilo puntillista , e incluso Monet abandonó la estricta pintura al aire libre . Paul Cézanne , que participó en la primera y tercera exposiciones impresionistas, desarrolló una visión muy individual que enfatizaba la estructura pictórica, y más a menudo se le llama postimpresionista. Aunque estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, el trabajo de los pintores impresionistas originales puede, por definición, clasificarse como impresionismo.
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