Eugène Henri Paul Gauguin ( Reino Unido : / ˈ ɡ oʊ ɡ æ̃ / , EE. UU .: / ɡ oʊ ˈ ɡ æ̃ / , francés: [øʒɛn ɑ̃ʁi pɔl ɡoɡɛ̃] ; 7 de junio de 1848 - 8 de mayo de 1903) fue un pintor, escultor y grabador francés. , ceramista y escritor, cuyo trabajo se ha asociado principalmente con los movimientos postimpresionista y simbolista . También fue un practicante influyente del grabado en madera y las xilografías como formas de arte. [1] [2] Aunque sólo tuvo un éxito moderado durante su vida, Gauguin ha sido reconocido desde entonces por su uso experimental del color y su estilo sintetista que eran distintos del impresionismo .
Gauguin nació en París en 1848 , en medio del tumulto del año revolucionario de Europa. En 1850, la familia de Gauguin se instaló en Perú , donde vivió una infancia privilegiada que le dejó una huella duradera. Más tarde, las dificultades financieras los llevaron de regreso a Francia, donde Gauguin recibió educación formal. Inicialmente trabajó como corredor de bolsa , Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre y su interés por el arte se despertó con visitas a galerías y exposiciones. La crisis financiera de 1882 afectó significativamente su carrera de corretaje, lo que provocó que se dedicara a tiempo completo a la pintura. La educación artística de Gauguin fue en gran medida autodidacta e informal, moldeada significativamente por sus asociaciones con otros artistas más que por su formación académica . Su entrada en el mundo del arte se vio facilitada por su relación con Camille Pissarro , un destacado impresionista . Pissarro asumió el papel de mentor de Gauguin, presentándole otros artistas y técnicas impresionistas.
Expuso con los impresionistas a principios de la década de 1880, pero pronto comenzó a desarrollar su estilo distintivo, caracterizado por un uso más atrevido del color y temas menos tradicionales. Su trabajo en Bretaña y Martinica mostró su inclinación por representar la vida y los paisajes nativos. En la década de 1890, el arte de Gauguin dio un giro significativo durante su estancia en Tahití , entonces colonia francesa , donde buscó refugio de la civilización occidental , impulsado por los tropos colonialistas de exotismo prevalecientes en ese momento. Durante ese tiempo, se casó de manera controvertida con tres adolescentes tahitianas con las que más tarde tuvo hijos. [3] Los últimos años de Gauguin en Tahití y las Islas Marquesas estuvieron marcados por problemas de salud y luchas financieras.
Sus pinturas de ese período, caracterizadas por colores vivos y temas simbolistas, tendrían un gran éxito entre los espectadores europeos por su exploración de las relaciones entre las personas, la naturaleza y el mundo espiritual. El arte de Gauguin se hizo popular después de su muerte, en parte gracias a los esfuerzos del marchante Ambroise Vollard , quien organizó exposiciones de su obra al final de su carrera y ayudó a organizar dos importantes exposiciones póstumas en París. [4] [5] Su trabajo influyó en la vanguardia francesa y en muchos artistas modernos, como Pablo Picasso y Henri Matisse , y es bien conocido por su relación con Vincent y Theo van Gogh.
Gauguin nació en París, hijo de Clovis Gauguin y Aline Chazal, el 7 de junio de 1848, el año de los levantamientos revolucionarios en toda Europa. Su padre, un periodista liberal de 34 años procedente de una familia de empresarios de Orleans, [6] se vio obligado a huir de Francia cuando el periódico para el que escribía fue suprimido por las autoridades francesas. [7] [8] La madre de Gauguin era hija de 22 años de André Chazal, un grabador, y Flora Tristan , autora y activista de los primeros movimientos socialistas. Su unión terminó cuando André agredió a su esposa Flora y fue condenado a prisión por intento de asesinato. [9]
La abuela materna de Paul Gauguin, Flora Tristan, era hija ilegítima de Thérèse Laisnay y Don Mariano de Tristan Moscoso. Se desconocen los detalles sobre los antecedentes familiares de Thérèse; Don Mariano provenía de una familia aristocrática española de la ciudad peruana de Arequipa . Era un oficial de los Dragones . [10] Los miembros de la rica familia Tristán Moscoso ocupaban posiciones poderosas en Perú. [11] Sin embargo, la inesperada muerte de Don Mariano sumió a su amante y a su hija Flora en la pobreza. [12] Cuando el matrimonio de Flora con André fracasó, ella solicitó y obtuvo un pequeño acuerdo monetario de los parientes peruanos de su padre. Navegó hacia Perú con la esperanza de ampliar su parte de la fortuna de la familia Tristán Moscoso. Esto nunca se materializó; pero publicó con éxito un diario de viaje popular sobre sus experiencias en Perú que lanzó su carrera literaria en 1838. Partidaria activa de las primeras sociedades socialistas, la abuela materna de Gauguin ayudó a sentar las bases de los movimientos revolucionarios de 1848. Sometida a vigilancia por la policía francesa y sufriendo exceso de trabajo, murió en 1844. [13] Su nieto Paul "idolatraba a su abuela y guardó copias de sus libros con él hasta el final de su vida". [14]
En 1850, Clovis Gauguin partió hacia Perú con su esposa Aline y sus hijos pequeños con la esperanza de continuar su carrera periodística bajo los auspicios de las relaciones sudamericanas de su esposa. [15] Murió de un ataque cardíaco en el camino, y Aline llegó a Perú como viuda con Paul, de 18 meses, y su hermana Marie, de 2 1 ⁄ 2 años. La madre de Gauguin fue recibida por su tío abuelo paterno, cuyo yerno, José Rufino Echenique , asumiría en breve la presidencia del Perú. [16] Hasta la edad de seis años, Pablo disfrutó de una educación privilegiada, atendida por niñeras y sirvientes. Conservó un vívido recuerdo de ese período de su infancia que le inculcó "impresiones imborrables del Perú que lo persiguieron por el resto de su vida". [17] [18]
La idílica infancia de Gauguin terminó abruptamente cuando los mentores de su familia cayeron del poder político durante los conflictos civiles peruanos en 1854. Aline regresó a Francia con sus hijos, dejando a Paul con su abuelo paterno, Guillaume Gauguin, en Orleans. Privada por el clan peruano Tristán Moscoso de una generosa anualidad dispuesta por su tío abuelo, Aline se instaló en París para trabajar como modista. [19]
Después de asistir a un par de escuelas locales, Gauguin fue enviado al prestigioso internado católico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin . [20] Pasó tres años en la escuela. A los 14 años ingresó en el Instituto Loriol de París, una escuela preparatoria naval, antes de regresar a Orleans para realizar su último año en el Lycée Jeanne D'Arc. Gauguin se incorporó como ayudante de piloto en la marina mercante . Tres años más tarde se incorporó a la marina francesa, en la que sirvió durante dos años. [21] Su madre murió el 7 de julio de 1867, pero no se enteró durante varios meses hasta que una carta de su hermana Marie lo encontró en la India. [22] [23]
En 1871, Gauguin regresó a París, donde consiguió un trabajo como corredor de bolsa. Un amigo cercano de la familia, Gustave Arosa , le consiguió un trabajo en la Bolsa de París ; Gauguin tenía 23 años. Se convirtió en un exitoso hombre de negocios parisino y siguió siéndolo durante los siguientes 11 años. En 1879 ganaba 30.000 francos al año (unos 145.000 dólares estadounidenses de 2019) como corredor de bolsa, y la misma cantidad en sus negocios en el mercado del arte. [24] [25] Pero en 1882 la bolsa de valores de París se desplomó y el mercado del arte se contrajo. Los ingresos de Gauguin se deterioraron drásticamente y finalmente decidió dedicarse a la pintura a tiempo completo. [26] [27]
En 1873 se casó con una mujer danesa , Mette-Sophie Gad (1850-1920). Durante los siguientes diez años, tuvieron cinco hijos: Émile (1874-1955); Alina (1877–1897); Clovis (1879-1900); Jean René (1881-1961); y Paul Rollon (1883-1961). En 1884, Gauguin se había mudado con su familia a Copenhague , Dinamarca , donde siguió una carrera empresarial como vendedor de lonas . No fue un éxito: no hablaba danés y los daneses no querían lonas francesas. Mette se convirtió en el principal sostén de la familia y daba lecciones de francés a diplomáticos en formación. [28]
Su familia de clase media y su matrimonio se desmoronaron después de 11 años cuando Gauguin se vio obligado a pintar a tiempo completo. Regresó a París en 1885, después de que su esposa y su familia le pidieran que se fuera porque había renunciado a los valores que compartían. [ se necesita aclaración ] [29] [30] El último contacto físico de Gauguin con ellos fue en 1891, y Mette finalmente rompió con él decisivamente en 1894. [31] [32] [33] [34]
En 1873, cuando se convirtió en corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre. Su vida parisina se centró en el distrito 9 de París . Gauguin vivía en el número 15 de la rue la Bruyère. [35] [36] Cerca estaban los cafés frecuentados por los impresionistas. Gauguin también visitó galerías con frecuencia y compró obras de artistas emergentes. Trabó amistad con Camille Pissarro [37] y lo visitaba los domingos para pintar en su jardín. Pissarro le presentó a varios otros artistas. En 1877, Gauguin "se mudó al otro lado del río hacia las zonas urbanas más pobres y nuevas" de Vaugirard. Aquí, en el tercer piso del número 8 de la calle Carcel, tuvo su primera casa con estudio . [36]
Cerca vivía su amigo íntimo Émile Schuffenecker , un ex corredor de bolsa que también aspiraba a convertirse en artista. Gauguin mostró pinturas en exposiciones impresionistas celebradas en 1881 y 1882 (anteriormente, una escultura de su hijo Émile había sido la única escultura en la cuarta exposición impresionista de 1879). Sus pinturas recibieron críticas despectivas, aunque varias de ellas, como Los jardines del mercado de Vaugirard , gozan ahora de gran prestigio. [38] [39]
En 1882, la bolsa de valores se desplomó y el mercado del arte se contrajo. Paul Durand-Ruel , el principal comerciante de arte de los impresionistas, se vio especialmente afectado por la crisis y durante un tiempo dejó de comprar cuadros de pintores como Gauguin. Los ingresos de Gauguin se contrajeron drásticamente y durante los dos años siguientes fue formulando lentamente sus planes para convertirse en artista a tiempo completo. [37] Los dos veranos siguientes, pintó con Pissarro y ocasionalmente con Paul Cézanne .
En octubre de 1883, escribió a Pissarro diciéndole que había decidido ganarse la vida con la pintura a toda costa y le pidió ayuda, que al principio Pissarro le brindó de buena gana. En enero siguiente, Gauguin se trasladó con su familia a Rouen , donde podían vivir más económicamente y donde creía haber vislumbrado oportunidades cuando visitó a Pissarro el verano anterior. Sin embargo, la empresa no tuvo éxito y, a finales de año, Mette y los niños se mudaron a Copenhague , seguido poco después por Gauguin, en noviembre de 1884, trayendo consigo su colección de arte, que posteriormente permaneció en Copenhague. [40] [41]
La vida en Copenhague resultó igualmente difícil y su matrimonio se volvió tenso. A instancias de Mette y con el apoyo de su familia, Gauguin regresó a París al año siguiente. [42] [43]
Después de un breve período en Italia, pasado en las pequeñas ciudades de San Salvo y Ururi, Gauguin regresó a París en junio de 1885, acompañado de su hijo Clovis, de seis años. Los otros niños permanecieron con Mette en Copenhague, donde contaron con el apoyo de familiares y amigos, mientras que Mette pudo conseguir trabajo como traductora y profesora de francés. Al principio, a Gauguin le resultó difícil volver a entrar en el mundo del arte en París y pasó su primer invierno en la pobreza real, obligado a realizar una serie de trabajos de baja categoría. Clovis finalmente enfermó y fue enviado a un internado, y la hermana de Gauguin, Marie, proporcionó los fondos. [44] [45] Durante este primer año, Gauguin produjo muy poco arte. Expuso 19 pinturas y un relieve en madera en la octava (y última) exposición impresionista en mayo de 1886. [46]
La mayoría de estas pinturas eran obras anteriores de Rouen o Copenhague y no había nada realmente novedoso en las pocas nuevas, aunque sus Baigneuses à Dieppe ("Mujeres bañándose") introdujeron lo que se convertiría en un motivo recurrente: la mujer en las olas. Sin embargo, Félix Bracquemond sí compró uno de sus cuadros. Esta exposición también consagró a Georges Seurat como líder del movimiento de vanguardia en París. Gauguin rechazó desdeñosamente la técnica puntillista neoimpresionista de Seurat y más tarde ese mismo año rompió decisivamente con Pissarro, quien a partir de ese momento se mostró bastante antagónico hacia Gauguin. [47] [48]
Gauguin pasó el verano de 1886 en la colonia de artistas de Pont-Aven, en Bretaña. En primer lugar, se sintió atraído porque era barato vivir allí. Sin embargo, tuvo un éxito inesperado entre los jóvenes estudiantes de arte que acudían allí en verano. Su temperamento pugilístico natural (era un consumado boxeador y esgrimista) no fue ningún impedimento en este balneario socialmente relajado. Fue recordado durante ese período tanto por su apariencia extravagante como por su arte. Entre estos nuevos asociados se encontraba Charles Laval , que acompañaría a Gauguin el año siguiente a Panamá y Martinica . [49] [50]
Ese verano, ejecutó algunos dibujos al pastel de figuras desnudas a la manera de Pissarro y los de Degas exhibidos en la octava exposición impresionista de 1886. Pintó principalmente paisajes como La Bergère Bretonne ("La pastora bretona"), en los que la figura juega un papel subordinado. Su Jeunes Bretons au bain ("Jóvenes bretones bañándose"), que presenta un tema al que volvía cada vez que visitaba Pont-Aven, está claramente en deuda con Degas por su diseño y su audaz uso del color puro. Los ingenuos dibujos del ilustrador inglés Randolph Caldecott , utilizados para ilustrar una popular guía sobre Bretaña, habían cautivado la imaginación de los estudiantes de arte de vanguardia de Pont-Aven, deseosos de liberarse del conservadurismo de sus academias, y de Gauguin. Las imitó conscientemente en sus bocetos de muchachas bretonas. [51] Estos bocetos se convirtieron más tarde en pinturas en su estudio de París. El más importante de ellos es Cuatro mujeres bretonas , que muestra un marcado alejamiento de su estilo impresionista anterior, además de incorporar algo de la calidad ingenua de la ilustración de Caldecott, exagerando los rasgos hasta el punto de la caricatura. [50] [52]
Gauguin, junto con Émile Bernard , Charles Laval, Émile Schuffenecker y muchos otros, volvió a visitar Pont-Aven después de sus viajes por Panamá y Martinica. El uso audaz del color puro y la elección simbolista del tema distinguen lo que ahora se llama la Escuela Pont-Aven . Decepcionado con el impresionismo , Gauguin consideró que la pintura tradicional europea se había vuelto demasiado imitativa y carecía de profundidad simbólica. Por el contrario, el arte de África y Asia le parecía lleno de simbolismo y vigor místicos. En aquella época estaba de moda en Europa el arte de otras culturas, especialmente la japonesa ( japonismo ). Fue invitado a participar en la exposición de 1889 organizada por Les XX .
Bajo la influencia del arte popular y los grabados japoneses , la obra de Gauguin evolucionó hacia el cloisonnismo , estilo que recibió su nombre del crítico Édouard Dujardin para describir el método de pintura de Émile Bernard con áreas planas de color y contornos atrevidos, que le recordaban a Dujardin la época medieval. Técnica de esmaltado cloisonné . Gauguin apreciaba mucho el arte de Bernard y su audacia al emplear un estilo que convenía a Gauguin en su búsqueda de expresar la esencia de los objetos de su arte. [53]
En El Cristo amarillo (1889) de Gauguin, citada a menudo como obra cloisonnista por excelencia, la imagen se redujo a áreas de color puro separadas por gruesos contornos negros. En tales obras, Gauguin prestó poca atención a la perspectiva clásica y eliminó audazmente sutiles gradaciones de color, prescindiendo así de los dos principios más característicos de la pintura posrenacentista . Su pintura evolucionó posteriormente hacia el sintetismo en el que no predominan ni la forma ni el color sino que cada uno tiene el mismo papel.
En 1887, Gauguin abandonó Francia junto con su amigo, otro joven pintor, Charles Laval . Su sueño era comprar un terreno propio en la pequeña isla panameña de Taboga , donde afirmó que deseaba vivir "de pescado y frutas y de nada... sin ansiedad por el día ni por el mañana". Cuando llegó a la ciudad portuaria de Colón , Gauguin se había quedado sin dinero y encontró trabajo como obrero en la construcción francesa del Canal de Panamá . Durante este tiempo, Gauguin escribió cartas a su esposa, Mette, lamentando las arduas condiciones: "Tengo que cavar... desde las cinco y media de la mañana hasta las seis de la tarde, bajo el sol tropical y la lluvia", escribió. "Por la noche soy devorado por los mosquitos." Mientras tanto, Laval había estado ganando dinero dibujando retratos de funcionarios del canal, trabajo que Gauguin detestaba ya que sólo los retratos hechos de manera lasciva se venderían. [54]
Gauguin sentía un profundo desprecio por Panamá y en un momento fue arrestado en la ciudad de Panamá por orinar en público. A Gauguin lo hicieron cruzar la ciudad a punta de pistola y se le ordenó pagar una multa de cuatro francos. Después de descubrir que el precio de la tierra en Taboga estaba fuera de su alcance (y después de caer mortalmente enfermo en la isla donde posteriormente fue internado en un sanatorio contra la fiebre amarilla y la malaria), [55] decidió abandonar Panamá. [54]
Más tarde, ese mismo año, Gauguin y Laval pasaron el tiempo de junio a noviembre cerca de Saint Pierre en la isla caribeña de Martinica , una colonia francesa. Sus pensamientos y experiencias durante este tiempo están registrados en sus cartas a su esposa y a su amigo artista Emile Schuffenecker. [56] En ese momento, Francia tenía una política de repatriación según la cual, si un ciudadano se arruinaba o quedaba varado en una colonia francesa, el estado pagaba el viaje de regreso en barco. Al salir de Panamá, amparados por la política de repatriación, Gauguin y Laval decidieron desembarcar en el puerto martiniqués de St. Pierre. Los estudiosos no están de acuerdo sobre si Gauguin decidió intencionada o espontáneamente quedarse en la isla.
Al principio, la "cabaña de negros" en la que vivían le convenía y le gustaba observar a la gente en sus actividades diarias. [57] Sin embargo, el clima en el verano era caluroso y la cabaña goteaba bajo la lluvia. Gauguin también sufrió disentería y fiebre de los pantanos . Mientras estuvo en Martinica, produjo entre 10 y 20 obras (siendo 12 la estimación más común), viajó mucho y aparentemente entró en contacto con una pequeña comunidad de inmigrantes indios ; contacto que luego influiría en su arte mediante la incorporación de símbolos indios. Durante su estancia también estuvo en la isla el escritor Lafcadio Hearn . [58] Su relato proporciona una comparación histórica para acompañar las imágenes de Gauguin.
Gauguin terminó 11 pinturas conocidas durante su estancia en Martinica, muchas de las cuales parecen derivar de su cabaña. Sus cartas a Schuffenecker expresan entusiasmo por el lugar exótico y los nativos representados en sus pinturas. Gauguin afirmó que cuatro de sus cuadros en la isla eran mejores que el resto. [59] Las obras en su conjunto son escenas figurativas al aire libre, pintadas de forma suelta y de colores brillantes. Si bien su estancia en la isla fue corta, seguramente fue influyente. Recicló algunas de sus figuras y bocetos en pinturas posteriores, como el motivo de Entre los mangos , [60] que se replica en sus abanicos. Las poblaciones rurales e indígenas siguieron siendo un tema popular en la obra de Gauguin después de que abandonó la isla.
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Las pinturas de Gauguin en Martinica se exhibieron en la galería de su comerciante de colores, Arsène Poitier. Allí fueron vistos y admirados por Vincent van Gogh y su hermano comerciante de arte Theo , cuya firma Goupil & Cie tenía tratos con Portier. Theo compró tres cuadros de Gauguin por 900 francos y dispuso que los colgaran en Goupil's, presentando así a Gauguin a clientes adinerados. Este acuerdo con Goupil continuó después de la muerte de Theo en 1891. Al mismo tiempo, Vincent y Gauguin se hicieron amigos íntimos (por parte de Vincent equivalía a algo parecido a la adulación) y mantuvieron correspondencia sobre arte, correspondencia que fue fundamental para que Gauguin formulara su filosofía del arte . [61] [62]
En 1888, por instigación de Theo, Gauguin y Vincent pasaron nueve semanas pintando juntos en la Casa Amarilla de Vincent en Arles , en el sur de Francia. La relación de Gauguin con Vincent resultó tensa. Su relación se deterioró y finalmente Gauguin decidió irse. En la tarde del 23 de diciembre de 1888, según un relato mucho posterior de Gauguin, Vincent enfrentó a Gauguin con una navaja de afeitar . Más tarde, esa misma noche, se cortó la oreja izquierda. Envolvió el pañuelo cortado en periódico y se lo entregó a una mujer que trabajaba en un burdel que Gauguin y Vincent habían visitado, y le pidió que "guardara este objeto con cuidado, en memoria de mí". Vincent fue hospitalizado al día siguiente y Gauguin abandonó Arlés. [63] Nunca volvieron a verse, pero continuaron manteniendo correspondencia, y en 1890 Gauguin llegó a proponer que formaran un estudio de artista en Amberes . [64] Un autorretrato escultórico de 1889 , Jarra en forma de cabeza, parece hacer referencia a la traumática relación de Gauguin con Vincent.
Más tarde, Gauguin afirmó haber contribuido decisivamente a influir en el desarrollo de Vincent van Gogh como pintor en Arles. Si bien Vincent experimentó brevemente con la teoría de Gauguin de "pintar desde la imaginación" en pinturas como Memoria del jardín de Etten , no le convenía y rápidamente volvió a pintar desde la naturaleza. [65] [66]
Aunque Gauguin dio algunos de sus primeros avances en el mundo del arte con Pissarro, Edgar Degas fue el artista contemporáneo más admirado de Gauguin y tuvo una gran influencia en su obra desde el principio, con sus figuras e interiores, así como un medallón de cantante tallado y pintado. Valérie Roumi. [67] Tenía una profunda reverencia por la dignidad artística y el tacto de Degas. [68] Fue la amistad más sana y duradera de Gauguin, que abarcó toda su carrera artística hasta su muerte.
Además de ser uno de sus primeros partidarios, incluida la compra de la obra de Gauguin y la persuasión del comerciante Paul Durand-Ruel para que hiciera lo mismo, nunca hubo un apoyo público para Gauguin más inquebrantable que el de Degas. [69] Gauguin también compró obras de Degas a principios y mediados de la década de 1870 y su propia predilección por el monotipado probablemente estuvo influenciada por los avances de Degas en el medio. [70]
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La exposición Durand-Ruel de Gauguin en noviembre de 1893, organizada principalmente por Degas, recibió críticas mixtas. Entre los burlones se encontraban Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y su antiguo amigo Pissarro. Degas, sin embargo, elogió su trabajo, compró Te faaturuma y admiró la suntuosidad exótica del folclore conjurado de Gauguin. [71] [72] [73] En agradecimiento, Gauguin obsequió a Degas La Luna y la Tierra , una de las pinturas expuestas que había atraído las críticas más hostiles. [74] El último lienzo de Gauguin, Jinetes en la playa (dos versiones), recuerda los cuadros de caballos que Degas comenzó en la década de 1860, específicamente Hipódromo y Antes de la carrera , lo que atestigua su efecto duradero en Gauguin. [75] Más tarde, Degas compró dos pinturas en la subasta de Gauguin de 1895 para recaudar fondos para su último viaje a Tahití. Se trataba de Vahine no te vi (Mujer con mango) y la versión que Gauguin pintó de la Olimpia de Édouard Manet . [74] [76]
En 1890, Gauguin había concebido el proyecto de hacer de Tahití su próximo destino artístico. Una exitosa subasta de pinturas en París en el Hôtel Drouot en febrero de 1891, junto con otros eventos como un banquete y un concierto benéfico, proporcionaron los fondos necesarios. [77] La subasta se vio muy favorecida por una reseña halagadora de Octave Mirbeau , cortejada por Gauguin a través de Camille Pissarro . [78] Después de visitar a su esposa e hijos en Copenhague, lo que resultó ser la última vez, Gauguin zarpó hacia Tahití el 1 de abril de 1891, prometiendo regresar como un hombre rico y comenzar de nuevo. [79] Su intención declarada era escapar de la civilización europea y "de todo lo que es artificial y convencional". [80] [81] Sin embargo, tuvo cuidado de llevar consigo una colección de estímulos visuales en forma de fotografías, dibujos y grabados. [82] [un]
Pasó los tres primeros meses en Papeete , capital de la colonia y ya muy influida por la cultura francesa y europea. Su biógrafa Belinda Thomson observa que debió sentirse decepcionado por su visión de un idilio primitivo. No podía permitirse el estilo de vida de búsqueda de placeres en Papeete, y un primer intento de retrato, Suzanne Bambridge , no fue del agrado. [84] Decidió instalar su estudio en Mataiea, Papeari , a unos 45 kilómetros (28 millas) de Papeete, instalándose en una cabaña de bambú de estilo nativo. Aquí ejecutó pinturas que representan la vida tahitiana, como Fatata te Miti (Junto al mar) y Ia Orana Maria (Ave María) , esta última se convirtió en su pintura tahitiana más preciada. [85]
Muchas de sus mejores pinturas datan de este período. Se cree que su primer retrato de una modelo tahitiana fue Vahine no te tiare ( Mujer con una flor ). La pintura destaca por el cuidado con el que delinea los rasgos polinesios . Envió el cuadro a su mecenas George-Daniel de Monfreid , amigo de Schuffenecker, que se convertiría en el devoto defensor de Gauguin en Tahití. A finales del verano de 1892, esta pintura se exhibía en la galería Goupil de París. [86] La historiadora de arte Nancy Mowll Mathews cree que el encuentro de Gauguin con la sensualidad exótica en Tahití, tan evidente en la pintura, fue, con diferencia, el aspecto más importante de su estancia allí. [87]
A Gauguin le prestaron copias del Voyage aux îles du Grand Océan de Jacques-Antoine Moerenhout 1837 y del État de la société tahitienne à l'arrivée des Européens de Edmond de Bovis de 1855 , que contienen relatos completos de la cultura y religión olvidadas de Tahití. Gauguin quedó fascinado por los relatos de la sociedad Arioi y su dios 'Oro . Como estos relatos no contenían ilustraciones y, en cualquier caso, los modelos tahitianos habían desaparecido hacía mucho tiempo, pudo dar rienda suelta a su imaginación. Ejecutó una veintena de pinturas y una docena de tallas en madera durante el año siguiente. El primero de ellos fue Te aa no areois (La semilla de los Areoi) , que representa a la esposa terrestre de Oro, Vairaumati, ahora en poder del Museo Metropolitano de Arte . Su cuaderno ilustrado de la época, Ancien Culte Mahorie , se conserva en el Louvre y fue publicado en forma facsímil en 1951. [88] [89] [90]
En total, Gauguin envió nueve de sus cuadros a Monfreid en París. Finalmente se exhibieron en Copenhague en una exposición conjunta con el fallecido Vincent van Gogh. Los informes de que habían sido bien recibidos (aunque en realidad sólo se vendieron dos de las pinturas tahitianas y sus pinturas anteriores fueron comparadas desfavorablemente con las de Van Gogh) fueron lo suficientemente alentadoras para que Gauguin contemplara regresar con otras setenta que había completado. [91] [92] En cualquier caso, se había quedado sin fondos en gran medida, dependiendo de una subvención estatal para un pasaje gratuito a casa. Además, el médico local le diagnosticó algunos problemas de salud como problemas cardíacos, lo que Mathews sugiere que pueden haber sido los primeros signos de sífilis cardiovascular . [93]
Más tarde, Gauguin escribió un diario de viaje (publicado por primera vez en 1901) titulado Noa Noa , originalmente concebido como un comentario sobre sus pinturas y una descripción de sus experiencias en Tahití. Los críticos modernos han sugerido que el contenido del libro fue en parte fantaseado y plagiado. [94] [95] En él reveló que en ese momento había tomado a una niña de 13 años como esposa nativa o vahine (la palabra tahitiana para "mujer"), un matrimonio contraído en el transcurso de una sola tarde. Se trataba de Teha'amana , llamada Tehura en el diario de viaje, que estaba embarazada de él a finales del verano de 1892. [96] [97] [98] [99] Teha'amana fue el tema de varias de las pinturas de Gauguin, incluida Merahi. metua no Tehamana y el célebre Espíritu de los muertos observando , así como una notable talla en madera de Tehura ahora en el Museo de Orsay . [100] A finales de julio de 1893, Gauguin había decidido abandonar Tahití y nunca volvería a ver a Teha'amana ni a su hijo, incluso después de regresar a la isla varios años después. [101] El Instituto Wildenstein Plattner publicó un catálogo digital razonado de las pinturas de este período en 2021. [102]
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En agosto de 1893, Gauguin regresó a Francia, donde continuó pintando temas tahitianos como Mahana no atua (Día del Dios) y Nave nave moe (Manantial sagrado, dulces sueños) . [105] [101] Una exposición en la galería Durand-Ruel en noviembre de 1894 fue un éxito moderado, vendiéndose a precios bastante elevados 11 de las 40 pinturas expuestas. Instaló un apartamento en el número 6 de la rue Vercingétorix, en el límite del barrio de Montparnasse , frecuentado por artistas, y comenzó a organizar un salón semanal . Adoptaba una personalidad exótica , se vestía con trajes polinesios y mantenía una relación pública con una joven todavía adolescente, "mitad india, mitad malaya", conocida como Annah la javanesa . [106] [107]
A pesar del éxito moderado de su exposición de noviembre, posteriormente perdió el patrocinio de Durand-Ruel en circunstancias que no están claras. Mathews caracteriza esto como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas, perdió la oportunidad de introducirse en el mercado americano. [108] A principios de 1894, preparó grabados en madera utilizando una técnica experimental para su propuesta de diario de viaje Noa Noa . Regresó a Pont-Aven para pasar el verano. En febrero de 1895 intentó una subasta de sus cuadros en el Hôtel Drouot de París, similar a la de 1891, pero no tuvo éxito. El marchante Ambroise Vollard , sin embargo, expuso sus cuadros en su galería en marzo de 1895, pero lamentablemente no llegaron a un acuerdo en esa fecha. [109]
Presentó una gran escultura de cerámica a la que llamó Oviri (que había despedido el invierno anterior) para la inauguración del salón de la Société Nationale des Beaux-Arts de 1895 en abril. [103] Hay versiones contradictorias sobre cómo fue recibida: su biógrafo y colaborador de Noa Noa , el poeta simbolista Charles Morice , sostuvo (1920) que la obra fue "literalmente expulsada" de la exposición, mientras que Vollard dijo (1937 ) que la obra fue admitida sólo cuando Chaplet amenazó con retirar toda su propia obra. [110] En cualquier caso, Gauguin aprovechó la oportunidad para aumentar su exposición pública escribiendo una carta indignada sobre el estado de la cerámica moderna a Le Soir . [111]
En ese momento quedó claro que él y su esposa Mette estaban irrevocablemente separados. Aunque había esperanzas de una reconciliación, rápidamente se pelearon por cuestiones de dinero y ninguno visitó al otro. Gauguin inicialmente se negó a compartir parte alguna de una herencia de 13.000 francos de su tío Isidoro, que había recibido poco después de regresar. Mette finalmente recibió 1.500 francos, pero se indignó y a partir de ese momento se mantuvo en contacto con él sólo a través de Schuffenecker, lo que fue doblemente irritante para Gauguin, ya que su amigo conocía así el verdadero alcance de su traición. [112] [34]
A mediados de 1895, los intentos de recaudar fondos para el regreso de Gauguin a Tahití habían fracasado y comenzó a aceptar caridad de amigos. En junio de 1895, Eugène Carrière consiguió un pasaje barato de regreso a Tahití y Gauguin nunca volvió a ver Europa. [113]
Gauguin partió nuevamente hacia Tahití el 28 de junio de 1895. Thomson caracteriza su regreso como esencialmente negativo; su desilusión con la escena artística de París se vio agravada por dos ataques contra él en el mismo número del Mercure de France ; [116] [117] uno de Emile Bernard , el otro de Camille Mauclair . Mathews comenta que su aislamiento en París se había vuelto tan amargo que no tuvo más remedio que intentar recuperar su lugar en la sociedad tahití. [118] [119]
Llegó en septiembre de 1895 y pasó los siguientes seis años viviendo, en su mayor parte, una vida aparentemente cómoda como artista colono cerca de Papeete o, a veces, en ella. Durante este tiempo pudo mantenerse con un flujo cada vez más constante de ventas y el apoyo de amigos y simpatizantes, aunque hubo un período (1898-1899) en el que se sintió obligado a aceptar un trabajo de oficina en Papeete, del cual no hay mucho registro. Construyó una espaciosa casa de caña y paja en Puna'auia , una zona próspera a diez millas al este de Papeete, habitada por familias adineradas, en la que instaló un gran estudio, sin reparar en gastos. Jules Agostini, un conocido de Gauguin y consumado fotógrafo aficionado, fotografió la casa en 1896. [120] [121] [122] Posteriormente, una venta de un terreno le obligó a construir uno nuevo en el mismo barrio. [123] [124]
Mantenía un caballo y una trampa , por lo que estaba en condiciones de viajar diariamente a Papeete para participar en la vida social de la colonia si así lo deseaba. Se suscribió al Mercure de France (de hecho era accionista), que entonces era la revista crítica más importante de Francia, y mantuvo una correspondencia activa con otros artistas, marchantes, críticos y mecenas en París. [125] Durante su año en Papeete y posteriormente, desempeñó un papel cada vez más importante en la política local, contribuyendo de manera abrasiva a una revista local opuesta al gobierno colonial, Les Guêpes (Las Avispas) , que se había formado recientemente, y finalmente editó su propia publicación mensual Le Sourire: Journal sérieux (La sonrisa: un periódico serio) , posteriormente titulada simplemente Journal méchant (Un periódico malvado) . [126] Sobreviven una cierta cantidad de obras de arte y grabados en madera de su periódico. [127] En febrero de 1900 se convirtió en editor del propio Les Guêpes , por el que cobraba un salario, y continuó como editor hasta que abandonó Tahití en septiembre de 1901. El periódico bajo su dirección se destacó por sus ataques difamatorios contra el gobernador y burocracia en general, pero en realidad no era un defensor de las causas nativas, aunque de todos modos se lo percibía como tal. [128] [129]
Al menos durante el primer año no pintó, e informó a Monfreid que en adelante se proponía concentrarse en la escultura. Pocas de sus tallas de madera de este período sobreviven, la mayoría de ellas recopiladas por Monfreid. Thomson cita Oyez Hui Iesu (Cristo en la cruz) , un cilindro de madera de medio metro (20") de alto que presenta un curioso híbrido de motivos religiosos. El cilindro puede haberse inspirado en tallas simbólicas similares en Bretaña, como en Pleumeur-Bodou. , donde los antiguos menhires han sido cristianizados por artesanos locales. [130] Cuando reanudó la pintura, fue para continuar su larga serie de desnudos con carga sexual en pinturas como Te tamari no atua (Hijo de Dios) y O Taiti (Nunca más ) . Thomson observa una progresión en la complejidad. [131] Mathews observa un retorno al simbolismo cristiano que le habría granjeado el cariño de los colonos de la época, ahora ansiosos por preservar lo que quedaba de la cultura nativa enfatizando la universalidad de los principios religiosos. En estas pinturas, Gauguin se dirigía a un público entre sus compañeros colonos en Papeete, no a su antiguo público vanguardista en París. [132] [133]
Su salud empeoró decididamente y fue hospitalizado varias veces por diversas dolencias. Mientras estaba en Francia, le rompieron el tobillo en una pelea de borrachos durante una visita a la playa de Concarneau . [134] La lesión, una fractura abierta , nunca sanó adecuadamente. Luego, llagas dolorosas y debilitantes que restringían su movimiento comenzaron a aparecer en sus piernas. Estos fueron tratados con arsénico. Gauguin culpó al clima tropical y describió las llagas como "eccema", pero sus biógrafos coinciden en que debe haber sido el progreso de la sífilis. [93] [135] [b]
En abril de 1897 recibió la noticia de que su hija favorita, Aline, había muerto de neumonía. Este fue también el mes en que se enteró que tenía que desalojar su casa porque el terreno había sido vendido. Pidió un préstamo bancario para construir una casa de madera mucho más extravagante con hermosas vistas a la montaña y al mar. Pero se excedió al hacerlo y, a finales de año, se enfrentó a la posibilidad real de que su banco le embargara la hipoteca. [137] La mala salud y las deudas apremiantes lo llevaron al borde de la desesperación. A finales de año completó su monumental ¿ De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? , que consideraba su obra maestra y su último testamento artístico (en una carta a Monfreid le explicaba que intentó suicidarse tras terminarla). [138] [139] [140] La pintura se exhibió en la galería de Vollard en noviembre del año siguiente, junto con ocho pinturas temáticamente relacionadas que había completado en julio. [141] Esta fue su primera gran exposición en París desde su exposición Durand-Ruel en 1893 y fue un éxito rotundo, y los críticos elogiaron su nueva serenidad. ¿De dónde venimos? , sin embargo, recibió críticas mixtas y Vollard tuvo dificultades para venderlo. Finalmente lo vendió en 1901 por 2.500 francos (unos 10.000 dólares en dólares estadounidenses del año 2000) a Gabriel Frizeau , de los cuales la comisión de Vollard tal vez ascendiera a 500 francos.
Georges Chaudet, marchante de Gauguin en París, murió en el otoño de 1899. Vollard había estado comprando pinturas de Gauguin a través de Chaudet y ahora llegó a un acuerdo directamente con Gauguin. [142] [143] El acuerdo proporcionó a Gauguin un anticipo mensual regular de 300 francos contra una compra garantizada de al menos 25 pinturas invisibles al año a 200 francos cada una, y además Vollard se comprometió a proporcionarle sus materiales de arte. Hubo algunos problemas iniciales en ambos lados, pero Gauguin finalmente pudo realizar su plan largamente acariciado de reasentarse en las Islas Marquesas en busca de una sociedad aún más primitiva . Pasó sus últimos meses en Tahití viviendo con considerable comodidad, como lo atestigua la liberalidad con la que recibía a sus amigos en ese momento. [144] [145] [146]
Gauguin no pudo continuar su trabajo en cerámica en las islas por la sencilla razón de que no había arcilla adecuada disponible. [147] Del mismo modo, sin acceso a una imprenta ( Le Sourire fue hectografiado ), [148] se vio obligado a recurrir al proceso monotipo en su obra gráfica. [149] Los ejemplos supervivientes de estas impresiones son bastante raros y alcanzan precios muy altos en la sala de ventas. [150]
Durante este tiempo Gauguin mantuvo una relación con Pahura (Pau'ura) a Tai, la hija de unos vecinos de Puna'auia. Gauguin comenzó esta relación cuando Pau'ura tenía 14 años.+1 ⁄ 2 años. [151] Tuvo dos hijos con ella, de los cuales una hija murió en la infancia. Al otro, un niño, lo crió ella misma. Sus descendientes todavía habitaban Tahití en el momento de la biografía de Mathews. Pahura se negó a acompañar a Gauguin a las Marquesas lejos de su familia en Puna'auia (antes lo había dejado cuando él empezó a trabajar en Papeete, a sólo 10 millas de distancia). [152] Cuando el escritor inglés Willam Somerset Maugham la visitó en 1917, ella no pudo ofrecerle ningún recuerdo útil de Gauguin y lo reprendió por visitarla sin traer dinero de la familia de Gauguin. [153]
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Gauguin había alimentado su plan de establecerse en las Marquesas desde que vio una colección de cuencos y armas marquesanas intrincadamente talladas en Papeete durante sus primeros meses en Tahití. [154] Sin embargo, encontró una sociedad que, como en Tahití, había perdido su identidad cultural. De todos los grupos de islas del Pacífico, las Marquesas fueron las más afectadas por la importación de enfermedades occidentales (especialmente la tuberculosis ). [155] Una población del siglo XVIII de unos 80.000 habitantes se había reducido a sólo 4.000. [156] Los misioneros católicos dominaron y, en su esfuerzo por controlar la embriaguez y la promiscuidad, obligaron a todos los niños nativos a asistir a escuelas misioneras hasta la adolescencia. El dominio colonial francés fue impuesto por una gendarmería conocida por su malevolencia y estupidez, mientras que los comerciantes, tanto occidentales como chinos, explotaban atrozmente a los nativos. [157] [158]
Gauguin se instaló en Atuona, en la isla de Hiva-Oa , y llegó el 16 de septiembre de 1901. [c] Esta era la capital administrativa del grupo de islas, pero considerablemente menos desarrollada que Papeete, aunque había un servicio de vapor eficiente y regular entre las dos. Había un médico militar pero no había hospital. El médico fue trasladado a Papeete en febrero siguiente y a partir de entonces Gauguin tuvo que depender de los dos trabajadores sanitarios de la isla, el exiliado vietnamita Nguyen Van Cam (Ky Dong), que se había establecido en la isla pero no tenía formación médica formal, y el protestante el pastor Paul Vernier, que había estudiado medicina además de teología. [159] [160] Ambos se convertirían en amigos cercanos. [161]
Compró un terreno en el centro de la ciudad a la misión católica, habiéndose congraciado primero con el obispo local asistiendo a misa con regularidad. Este obispo era monseñor Joseph Martin, inicialmente bien dispuesto hacia Gauguin porque sabía que Gauguin se había puesto del lado del partido católico de Tahití en su periodismo. [162]
Gauguin construyó una casa de dos pisos en su terreno, lo suficientemente resistente como para sobrevivir a un ciclón posterior que arrasó con la mayoría de las demás viviendas de la ciudad. En la tarea lo ayudaron los dos mejores carpinteros marquesanos de la isla, uno de ellos llamado Tioka, tatuado de pies a cabeza al estilo tradicional marquesano (tradición suprimida por los misioneros). Tioka era diácono en la congregación de Vernier y se convirtió en vecino de Gauguin después del ciclón cuando Gauguin le regaló un rincón de su terreno. La planta baja estaba al aire libre y se utilizaba para comer y vivir, mientras que la planta superior se utilizaba para dormir y como estudio. La puerta de acceso al último piso estaba decorada con un dintel de madera tallada policromada y jambas que aún se conservan en los museos. El dintel nombraba a la casa Maison du Jouir (es decir, Casa del Placer ), mientras que las jambas hacían eco de su anterior talla en madera de 1889, Soyez amoureuses vous serez heureuses (es decir, Enamórate, serás feliz ). Las paredes estaban decoradas, entre otras cosas, con su preciada colección de cuarenta y cinco fotografías pornográficas que había comprado en Port Said al salir de Francia. [163]
Al menos en los primeros días, hasta que Gauguin encontró una vahine , la casa atraía por las noches multitudes apreciativas de los nativos, que venían a contemplar los cuadros y a divertirse durante media noche. [164] No hace falta decir que todo esto no hizo que Gauguin fuera querido por el obispo, y menos aún cuando Gauguin erigió dos esculturas que colocó al pie de sus escaleras satirizando al obispo y a una sirvienta que tenía fama de ser la amante del obispo, [165] y sin embargo menos aún cuando Gauguin atacó más tarde el impopular sistema de escuelas misioneras. [166] La escultura del obispo, Père Paillard , se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, mientras que su pieza colgante Thérèse obtuvo un récord de 30.965.000 dólares por una escultura de Gauguin en una venta de Christie's en Nueva York en 2015. [167] [168] Estas se encontraban entre al menos ocho esculturas que adornaban la casa según un inventario póstumo, la mayoría de las cuales se han perdido hoy. Juntos representaron un ataque muy público a la hipocresía de la iglesia en materia sexual. [169] [170]
La financiación estatal para las escuelas misioneras había cesado como resultado del Proyecto de Ley de Asociaciones de 1901 promulgado en todo el imperio francés. [155] [162] [171] Las escuelas continuaron con dificultad como instituciones privadas, pero estas dificultades se agravaron cuando Gauguin estableció que la asistencia a cualquier escuela determinada sólo era obligatoria dentro de un área de influencia de unas dos millas y media a la redonda. Esto llevó a que numerosas hijas adolescentes fueran retiradas de las escuelas (Gauguin llamó a este proceso "rescate"). Tomó como vahine a una de esas niñas, Vaeoho (también llamada Marie-Rose), la hija de 14 años de una pareja nativa que vivía en un valle contiguo a seis millas de distancia. [172] Esta difícilmente pudo haber sido una tarea agradable para ella, ya que las llagas de Gauguin eran para entonces extremadamente nocivas y requerían vendajes diarios. [160] Sin embargo, ella vivió voluntariamente con él y al año siguiente dio a luz a una hija sana cuyos descendientes continúan viviendo en la isla. [173] [174]
En noviembre se había instalado en su nuevo hogar con Vaeoho, un cocinero (Kahui), otros dos sirvientes (sobrinos de Tioka), su perro, Pegau (un juego de palabras con sus iniciales PG ) y un gato. La casa en sí, aunque estaba en el centro de la ciudad, estaba situada entre árboles y apartada de la vista. La fiesta cesó y comenzó un período de trabajo productivo, enviando veinte lienzos a Vollard en abril siguiente. [175] Había pensado que encontraría nuevos motivos en las Marquesas, escribiendo a Monfreid: [176] [177]
Creo que en las Marquesas, donde es fácil encontrar modelos (cosa que cada vez es más difícil en Tahití), y con un nuevo país que explorar –con temas nuevos y más salvajes en breve–, haré cosas hermosas. . Aquí mi imaginación empezó a enfriarse y además el público se ha acostumbrado tanto a Tahití. El mundo es tan estúpido que si le mostramos lienzos que contengan elementos nuevos y terribles , Tahití se volverá comprensible y encantador. Mis fotografías de Bretaña son ahora agua de rosas gracias a Tahití; Tahití se convertirá en agua de colonia gracias a las Marquesas.
— Paul Gauguin, Carta LII a George Daniel de Monfreid, junio de 1901
De hecho, su obra en las Marquesas en su mayor parte sólo puede distinguirse de su obra en Tahití por expertos o por sus fechas, [178] pinturas como Dos mujeres siguen siendo inciertas en su ubicación. [179] Para Anna Szech, lo que los distingue es su reposo y melancolía, aunque contienen elementos de inquietud. Así, en la segunda de dos versiones de Cavaliers sur la Plage (Jinetes en la playa) , las nubes que se acumulan y las rompientes espumosas sugieren una tormenta inminente, mientras que las dos figuras distantes a lomos de caballos grises hacen eco de figuras similares en otras pinturas que se consideran como símbolos de la muerte. [176]
Gauguin optó por pintar paisajes, naturalezas muertas y estudios de figuras en esta época, teniendo en cuenta la clientela de Vollard, evitando los temas primitivos y del paraíso perdido de sus pinturas de Tahití. [180] Pero hay un trío significativo de imágenes de este último período que sugieren preocupaciones más profundas. Los dos primeros son Jeune fille à l'éventail (Joven con abanico) y Le Sorcier d'Hiva Oa (Marquesano con capa roja) . El modelo de Jeune fille fue la pelirroja Tohotaua, hija de un cacique de una isla vecina. El retrato parece haber sido tomado de una fotografía que Vernier envió más tarde a Vollard. El modelo de Le sorcier pudo haber sido Haapuani, una consumada bailarina y también una temida maga, que era amiga íntima de Gauguin y, según Bengt Danielsson , casada con Tohotau. [181] Szech señala que el color blanco del vestido de Tohotau es un símbolo de poder y muerte en la cultura polinesia, ya que el modelo cumple con su deber para una cultura maohi en su conjunto amenazada de extinción. [176] Le Sorcier parece haber sido ejecutado al mismo tiempo y representa a un joven de pelo largo que lleva una exótica capa roja. La naturaleza andrógina de la imagen ha atraído la atención de la crítica, dando lugar a especulaciones de que Gauguin pretendía representar a un māhū (es decir, una persona del tercer género ) en lugar de un taua o un sacerdote. [178] [182] [183] La tercera imagen del trío es la misteriosa y hermosa Contes barbares (Cuentos primitivos) con Tohotau nuevamente a la derecha. La figura de la izquierda es Jacob Meyer de Haan , un pintor amigo de Gauguin de su época en Pont-Aven que había muerto unos años antes, mientras que la figura del medio es nuevamente andrógina, identificada por algunos como Haapuani. La pose de Buda y las flores de loto le sugieren a Elizabeth Childs que la imagen es una meditación sobre el ciclo perpetuo de la vida y la posibilidad de renacer. [180] Como estas pinturas llegaron a Vollard después de la repentina muerte de Gauguin, no se sabe nada sobre las intenciones de Gauguin en su ejecución. [184]
En marzo de 1902, el gobernador de la Polinesia Francesa, Édouard Petit , llegó a las Marquesas para realizar una inspección. Lo acompañaba Édouard Charlier como jefe del sistema judicial. Charlier era un pintor aficionado que se había hecho amigo de Gauguin cuando llegó por primera vez como magistrado a Papeete en 1895. [185] Sin embargo, su relación se convirtió en enemistad cuando Charlier se negó a procesar al entonces vahine Pau'ura de Gauguin por una serie de delitos triviales. presuntamente allanamiento de morada y robo, lo había cometido en Puna'auia mientras Gauguin estaba trabajando en Papeete. Gauguin había llegado incluso a publicar una carta abierta atacando a Charlier por el asunto en Les Guêpes . [186] [187] [188] Petit, presumiblemente adecuadamente advertido, se negó a ver a Gauguin para expresar las protestas de los colonos (Gauguin su portavoz) sobre el odioso sistema tributario, que hacía que la mayor parte de los ingresos de las Marquesas se gastaran en Papeete. Gauguin respondió en abril negándose a pagar sus impuestos y alentando a los colonos, comerciantes y plantadores a hacer lo mismo. [189]
Aproximadamente al mismo tiempo, la salud de Gauguin comenzó a deteriorarse nuevamente, reaparecida por la misma constelación familiar de síntomas que incluían dolor en las piernas, palpitaciones del corazón y debilidad general. El dolor en su tobillo lesionado se volvió insoportable y en julio se vio obligado a encargar una trampa a Papeete para poder desplazarse por la ciudad. [159] En septiembre el dolor era tan extremo que recurrió a inyecciones de morfina . Sin embargo, el hábito que estaba adquiriendo le preocupó lo suficiente como para entregarle la jeringuilla a un vecino y utilizar láudano . Su vista también empezaba a fallarle, como lo atestiguan las gafas que lleva en su último autorretrato conocido. En realidad, este fue un retrato iniciado por su amigo Ky Dong y que él mismo completó, lo que explica su estilo poco característico. [190] Muestra a un hombre cansado y envejecido, pero no del todo derrotado. [191] Durante un tiempo consideró regresar a Europa, a España, para recibir tratamiento. Monfreid le aconsejó: [192] [193]
Al regresar, correrá el riesgo de dañar ese proceso de incubación que está teniendo lugar en la apreciación que el público tiene de usted. Actualmente eres un artista único y legendario, que nos envías desde los remotos mares del Sur obras desconcertantes e inimitables que son creaciones definitivas de un gran hombre que, en cierto modo, ya se ha ido de este mundo. Tus enemigos –y como todos los que trastornan las mediocridades, tú tienes muchos enemigos– guardan silencio; pero no se atreven a atacarte, ni se te ocurra. Estás tan lejos. No deberías regresar... Ya eres tan inexpugnable como todos los grandes muertos; ya perteneces a la historia del arte .
— George Daniel Monfreid, Carta a Paul Gauguin alrededor de octubre de 1902
En julio de 1902, Vaeoho, que entonces estaba embarazada de siete meses, dejó Gauguin para regresar a su hogar en el valle vecino de Hekeani para tener a su bebé entre familiares y amigos. Dio a luz en septiembre pero no regresó. Posteriormente, Gauguin no tomó otra vahine . Fue en ese momento cuando su disputa con el obispo Martin sobre las escuelas misioneras alcanzó su punto máximo. El gendarme local, Désiré Charpillet, al principio amigo de Gauguin, escribió un informe al administrador del grupo de islas, que residía en la vecina isla de Nuku Hiva , criticando a Gauguin por alentar a los nativos a retirar a sus hijos de la escuela, así como a los colonos. retener el pago de sus impuestos. Quiso la suerte que el puesto de administrador lo hubiera ocupado recientemente François Picquenot, un viejo amigo de Gauguin de Tahití y esencialmente comprensivo con él. Picquenot aconsejó a Charpillet que no tomara ninguna medida sobre la cuestión de las escuelas, ya que Gauguin tenía la ley de su lado, pero autorizó a Charpillet a confiscar bienes de Gauguin en lugar del pago de impuestos si todo lo demás fallaba. [194] Posiblemente impulsado por la soledad y, en ocasiones, incapaz de pintar, Gauguin se dedicó a escribir. [195] [196]
En 1901, el manuscrito de Noa Noa que Gauguin había preparado junto con grabados en madera durante su interludio en Francia se publicó finalmente con los poemas de Morice en forma de libro en la edición La Plume (el manuscrito en sí se encuentra ahora en el museo del Louvre). Secciones del mismo (incluido su relato de Teha'amana) se habían publicado previamente sin grabados en madera en 1897 en La Revue Blanche , mientras que él mismo había publicado extractos en Les Guêpes mientras era editor. Se planeó que la edición de La Plume incluyera sus grabados en madera, pero no permitió que se imprimieran en papel liso como deseaban los editores. [197] En verdad, se había desinteresado en la empresa con Morice y nunca vio una copia, rechazando una oferta de cien copias gratuitas. [198] Sin embargo, su publicación lo inspiró a considerar escribir otros libros. [199] A principios de año (1902), había revisado un antiguo manuscrito de 1896-1897, L'Esprit Moderne et le Catholicisme ( El espíritu moderno y el catolicismo ), sobre la Iglesia católica romana, añadiendo unas veinte páginas que contenían ideas. extraído de sus tratos con el obispo Martin. Envió este texto al obispo Martín, quien respondió enviándole una historia ilustrada de la Iglesia. Gauguin devolvió el libro con comentarios críticos que luego publicó en sus memorias autobiográficas. [200] [201] A continuación preparó un ensayo ingenioso y bien documentado, Racontars de Rapin ( Cuentos de un aficionado ) sobre críticos y crítica de arte, que envió para su publicación a André Fontainas , crítico de arte del Mercure de France cuyo favorable Reseña de ¿ De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? había hecho mucho para restaurar su reputación. Fontainas, sin embargo, respondió que no se atrevía a publicarlo. No se publicó posteriormente hasta 1951. [199] [202] [203] [204] [205]
El 27 de mayo de ese año, el vapor Croix du Sud naufragó frente al atolón de Apataki y durante tres meses la isla quedó sin correo ni suministros. [206] [207] Cuando se reanudó el servicio de correo, Gauguin escribió un airado ataque contra el gobernador Petit en una carta abierta, quejándose, entre otras cosas, de la forma en que habían sido abandonados tras el naufragio. La carta fue publicada por L'Indepéndant , el periódico sucesor de Les Guêpes , aquel noviembre en Papeete. De hecho, Petit había seguido una política independiente y pronativa, para decepción del Partido Católico Romano, y el periódico estaba preparando un ataque contra él. Gauguin también envió la carta al Mercure de France , que publicó una versión redactada después de su muerte. [202] Siguió esto con una carta privada al jefe de la gendarmería en Papeete, quejándose de los excesos de su propio gendarme local Charpillet al hacer que los prisioneros trabajaran para él. Danielsson señala que, si bien estas y otras quejas similares estaban bien fundadas, la motivación de todas ellas era una vanidad herida y una simple animosidad. Dio la casualidad de que Charpillet, que lo apoyaba relativamente, fue reemplazado en diciembre por otro gendarme, Jean-Paul Claverie, de Tahití, mucho menos bien dispuesto hacia Gauguin y que de hecho lo había multado en sus primeros días en Mataiea por indecencia pública, después de haberlo sorprendido bañándose. desnudo en un arroyo local tras las quejas de los misioneros allí. [208]
Su salud se deterioró aún más en diciembre, hasta el punto de que apenas podía pintar. Comenzó una memoria autobiográfica que llamó Avant et après (Antes y después) (publicada traducida en Estados Unidos como Intimate Journals ), que completó durante los dos meses siguientes. [66] Se suponía que el título reflejaría sus experiencias antes y después de llegar a Tahití y como tributo a las memorias inéditas de su propia abuela, Pasado y futuro . Sus memorias resultaron ser una colección fragmentada de observaciones sobre la vida en la Polinesia, su propia vida y comentarios sobre literatura y pintura. Incluyó en él ataques a temas tan diversos como la gendarmería local , el obispo Martin, su esposa Mette y los daneses en general, y concluyó con una descripción de su filosofía personal concibiendo la vida como una lucha existencial para reconciliar binarios opuestos. [209] [d] Mathews señala dos comentarios finales como una síntesis de su filosofía:
Nadie es bueno; nadie es malo; todos son ambas cosas, de la misma manera y de diferentes maneras. …
Es una cosa tan pequeña, la vida de un hombre, y sin embargo hay tiempo para hacer grandes cosas, fragmentos de la tarea común.— Paul Gauguin, Diarios íntimos , 1903 [212]
Envió el manuscrito a Fontainas para su edición, pero los derechos volvieron a Mette después de la muerte de Gauguin, y no se publicó hasta 1918 (en una edición facsímil); la traducción americana apareció en 1921. [213]
A principios de 1903, Gauguin emprendió una campaña destinada a denunciar la incompetencia de los gendarmes de la isla, en particular de Jean-Paul Claverie, al ponerse directamente del lado de los nativos en un caso relacionado con la presunta embriaguez de un grupo de ellos. [214] Claverie, sin embargo, escapó a la censura. A principios de febrero, Gauguin escribió al administrador, François Picquenot, alegando corrupción por parte de uno de los subordinados de Claverie. Picquenot investigó las acusaciones pero no pudo fundamentarlas. Claverie respondió presentando una acusación contra Gauguin por difamar a un gendarme. Posteriormente, el magistrado local le impuso una multa de 500 francos y lo condenó a tres meses de prisión el 27 de marzo de 1903. Gauguin inmediatamente presentó un recurso de apelación en Papeete y se dedicó a recaudar fondos para viajar a Papeete para escuchar su apelación. [215]
En ese momento Gauguin estaba muy débil y sufría mucho dolor y recurrió una vez más al uso de morfina. Murió repentinamente la mañana del 8 de mayo de 1903. [216] [217] [e]
Anteriormente había llamado a su pastor, Paul Vernier, quejándose de desmayos. Habían conversado y Vernier se había marchado creyéndole estable. Sin embargo, el vecino de Gauguin, Tioka, lo encontró muerto a las 11 en punto, confirmando el hecho a la manera tradicional de las Marquesas, mordiéndole la cabeza en un intento de reanimarlo. Junto a su cama había una botella vacía de láudano , lo que ha dado lugar a especulaciones de que fue víctima de una sobredosis. [218] [219] Vernier creía que murió de un ataque cardíaco. [220]
Gauguin fue enterrado en el cementerio católico del Calvario (Cimetière Calvaire), Atuona , Hiva 'Oa, a las 2 de la tarde del día siguiente. En 1973, se colocó sobre su tumba un molde de bronce de su figura de Oviri , como había indicado que era su deseo. [221] Irónicamente, su vecino más cercano en el cementerio es el obispo Martín, y su tumba está coronada por una gran cruz blanca. Vernier escribió un relato de los últimos días y el entierro de Gauguin, reproducido en la edición de O'Brien de las cartas de Gauguin a Monfreid. [222]
La noticia de la muerte de Gauguin no llegó a Francia (a Monfreid) hasta el 23 de agosto de 1903. A falta de testamento, sus efectos menos valiosos se subastaron en Atuona, mientras que sus cartas, manuscritos y pinturas se subastaron en Papeete el 5 de septiembre de 1903. Mathews señala que esta rápida dispersión de sus efectos provocó la pérdida de mucha información valiosa sobre sus últimos años. Thomson señala que el inventario de subasta de sus efectos (algunos de los cuales fueron quemados como pornografía) reveló una vida que no era tan empobrecida o primitiva como le hubiera gustado llevar. [223] Mette Gauguin recibió a su debido tiempo el producto de la subasta, unos 4.000 francos. [224] Una de las pinturas subastadas en Papeete fue Maternité II , una versión más pequeña de Maternité I en el Museo del Hermitage. El original fue pintado en el momento en que su entonces vahine, Pau'ura, en Puna'auia, dio a luz a su hijo Emile. No se sabe por qué pintó la copia más pequeña. Se vendió por 150 francos a un oficial naval francés, el comandante Cochin, quien dijo que el propio gobernador Petit había ofertado hasta 135 francos por la pintura. Se vendió en Sotheby's por 39.208.000 dólares EE.UU. en 2004. [225]
El Centro Cultural Paul Gauguin de Atuona tiene una reconstrucción de la Maison du Jouir . La casa original estuvo vacía durante algunos años y la puerta todavía lleva el dintel tallado de Gauguin. Finalmente se recuperaron cuatro de las cinco piezas que se conservan en el Museo de Orsay y la quinta en el Museo Paul Gauguin de Tahití. [226]
En 2014, un examen forense de cuatro dientes encontrados en un frasco de vidrio en un pozo cerca de la casa de Gauguin puso en duda la creencia convencional de que Gauguin había padecido sífilis. El examen de ADN estableció que los dientes eran casi con certeza los de Gauguin, pero no se encontraron rastros del mercurio que se usaba para tratar la sífilis en ese momento, lo que sugiere que Gauguin no padecía sífilis o que no estaba siendo tratado por ella. [227] [228] En 2007, cuatro molares podridos , que pueden haber sido de Gauguin, fueron encontrados por arqueólogos en el fondo de un pozo que construyó en la isla de Hiva Oa, en las Islas Marquesas. [229]
Gauguin sobrevivió a tres de sus hijos; su hija favorita, Aline, murió de neumonía, su hijo Clovis murió de una infección en la sangre tras una operación de cadera, [230] y una hija, cuyo nacimiento fue retratado en el cuadro de Gauguin de 1896 Te tamari no atua , hija de la joven amante tahitiana de Gauguin, Pau'ura, murió pocos días después de su nacimiento, el día de Navidad de 1896. [231] Su hijo, Émile Gauguin, trabajó como ingeniero de construcción en los EE. UU. y está enterrado en el cementerio histórico de Lemon Bay, en Florida. Otro hijo, Jean René , se convirtió en un conocido escultor y un acérrimo socialista. Murió el 21 de abril de 1961 en Copenhague. Pola (Paul Rollon) se convirtió en artista y crítico de arte y escribió una memoria, Mi padre, Paul Gauguin (1937).
Gauguin tuvo varios otros hijos con sus amantes: Germaine (nacida en 1891) con Juliette Huais (1866-1955); Émile Marae a Tai (nacido en 1899) con Pau'ura; y una hija (nacida en 1902) con Vaeoho (Marie-Rose). Se especula que la artista belga Germaine Chardon era hija de Gauguin. Emile Marae a Tai, analfabeto y criado en Tahití por Pau'ura, fue traído a Chicago en 1963 por la periodista francesa Josette Giraud y era un artista por derecho propio; sus descendientes aún vivían en Tahití en 2001. [230] [ 232]
El primitivismo fue un movimiento artístico de pintura y escultura de finales del siglo XIX, caracterizado por proporciones corporales exageradas, tótems de animales, diseños geométricos y marcados contrastes. El primer artista que utilizó sistemáticamente estos efectos y logró un gran éxito público fue Paul Gauguin. [233] La élite cultural europea, al descubrir el arte de África, Micronesia y los nativos americanos por primera vez, quedó fascinada, intrigada y educada por la novedad, el salvajismo y el poder absoluto encarnado en el arte de esos lugares lejanos. Al igual que Pablo Picasso en los primeros días del siglo XX, Gauguin se inspiró y motivó por el poder puro y la simplicidad del llamado Arte Primitivo de aquellas culturas extranjeras. [234]
Gauguin también es considerado un pintor postimpresionista . Sus pinturas atrevidas, coloridas y orientadas al diseño influyeron significativamente en el arte moderno . Los artistas y movimientos de principios del siglo XX inspirados en él incluyen Vincent van Gogh , Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , fauvismo , cubismo y orfismo , entre otros. Posteriormente, influyó en Arthur Frank Mathews y en el movimiento American Arts and Crafts .
John Rewald , reconocido como una de las principales autoridades en el arte de finales del siglo XIX, escribió una serie de libros sobre el período posimpresionista, entre ellos Postimpresionismo: de Van Gogh a Gauguin (1956) y un ensayo, Paul Gauguin: Cartas a Ambroise. Vollard y André Fontainas (incluido en Estudios de posimpresionismo de Rewald , 1986), analiza los años de Gauguin en Tahití y las luchas por su supervivencia vistas a través de la correspondencia con el marchante de arte Vollard y otros. [235]
Las exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salón de Otoño de París en 1903, y una aún mayor en 1906, tuvieron una influencia sorprendente y poderosa en la vanguardia francesa y, en particular, en las pinturas de Pablo Picasso . En el otoño de 1906, Picasso realizó pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo . Las pinturas de figuras masivas de Picasso de 1906 fueron influenciadas directamente por la escultura, la pintura y también la escritura de Gauguin. El poder evocado por la obra de Gauguin condujo directamente a Les Demoiselles d'Avignon en 1907. [236]
Según el biógrafo de Gauguin, David Sweetman , Picasso, ya en 1902, se volvió fanático de la obra de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía a mano varias de las obras de Gauguin porque era amigo de Gauguin y agente no remunerado de su obra. Durrio intentó ayudar a su amigo de Tahití, asolado por la pobreza, promocionando su obra en París. Después de conocerse, Durrio le presentó a Picasso el gres de Gauguin, lo ayudó a hacer algunas piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición de La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. [237] Además de ver la obra de Gauguin en casa de Durrio, Picasso también vio la obra en la galería de Ambroise Vollard , donde tanto él como Gauguin estuvieron representados.
Sobre el impacto de Gauguin en Picasso, John Richardson escribió:
La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más esclavizado que nunca por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares (por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más) podían combinarse en una síntesis propia de su época pero atemporal. Un artista también podría confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, uniendo sus demonios a los dioses oscuros (no necesariamente a los tahitianos) y aprovechando una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso restó importancia a su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy estrecho con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No hubiera sido que Picasso hubiera firmado "Paul" en honor de Gauguin? [238]
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan la escultura de Gauguin llamada Oviri (que literalmente significa "salvaje"), la espantosa figura fálica de la diosa tahitiana de la vida y la muerte que estaba destinada a la tumba de Gauguin, exhibida en la exposición retrospectiva de 1906 que aún más directamente condujo a Les Demoiselles. Sweetman escribe: "La estatua Oviri de Gauguin, que se exhibió de manera destacada en 1906, estimularía el interés de Picasso tanto por la escultura como por la cerámica, mientras que los grabados en madera reforzarían su interés por el grabado, aunque era el elemento primitivo en todos ellos. lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en la seminal Les Demoiselles d'Avignon ." [239]
Según Richardson,
El interés de Picasso por el gres se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salón de Otoño . La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso quizás ya haya visto en Vollard's) fue la espantosa Oviri. Hasta 1987, cuando el Museo de Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta sólo una vez desde 1906), nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras que condujeron a Las Señoritas. Aunque mide poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia impresionante, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. Cincuenta años después, se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura íbera ? El encogimiento de hombros de Picasso fue de mala gana. Siempre se mostró reacio a admitir el papel de Gauguin a la hora de encaminarlo hacia el primitivismo. [240]
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La guía artística inicial de Gauguin provino de Pissarro, pero la relación dejó más una huella personal que estilística. Los maestros de Gauguin fueron Giotto , Rafael , Ingres , Eugène Delacroix , Manet , Degas y Cézanne. [241] [69] [75] [242] [243] Sus propias creencias, y en algunos casos la psicología detrás de su trabajo, también fueron influenciadas por el filósofo Arthur Schopenhauer y el poeta Stéphane Mallarmé . [244] [243]
Gauguin, al igual que algunos de sus contemporáneos como Degas y Toulouse-Lautrec, empleó una técnica de pintura sobre lienzo conocida como peinture à l'essence . Para ello, se drena el aceite ( aglutinante ) de la pintura y el lodo restante de pigmento se mezcla con trementina. Es posible que haya utilizado una técnica similar al preparar sus monotipos, utilizando papel en lugar de metal, ya que absorbería aceite y daría a las imágenes finales la apariencia mate que deseaba. [245] También revisó algunos de sus dibujos existentes con la ayuda de vidrio, copiando una imagen debajo sobre la superficie del vidrio con acuarela o gouache para imprimir. Los grabados en madera de Gauguin no fueron menos innovadores, incluso para los artistas de vanguardia responsables del renacimiento del grabado en madera que se estaba produciendo en ese momento. En lugar de tallar sus bloques con la intención de hacer una ilustración detallada, Gauguin inicialmente cinceló sus bloques de una manera similar a la escultura en madera, seguido de herramientas más finas para crear detalles y tonalidades dentro de sus contornos atrevidos. Muchas de sus herramientas y técnicas se consideraron experimentales. Esta metodología y uso del espacio fue paralela a su pintura de relieves planos y decorativos. [246]
A partir de Martinica, Gauguin comenzó a utilizar colores análogos muy próximos para lograr un efecto apagado. [247] Poco después de esto, también hizo sus avances en el color no representacional, creando lienzos que tenían una existencia independiente y una vitalidad propia. [248] Esta brecha entre la realidad superficial y él mismo disgustó a Pissarro y rápidamente llevó al final de su relación. [249] Sus figuras humanas en este momento también son un recordatorio de su historia de amor con los grabados japoneses, particularmente gravitando hacia la ingenuidad de sus figuras y la austeridad compositiva como influencia en su manifiesto primitivo. [247] Por esa misma razón, Gauguin también se inspiró en el arte popular . Buscó una pura pureza emocional de sus sujetos transmitida de manera directa, enfatizando las formas principales y las líneas verticales para definir claramente la forma y el contorno. [250]
Gauguin también utilizó elaborada decoración formal y coloración en patrones de abstracción, intentando armonizar al hombre y la naturaleza. [251] Sus representaciones de los nativos en su entorno natural son con frecuencia evidentes de serenidad y sostenibilidad autónoma. [252] Esto complementó uno de los temas favoritos de Gauguin, que era la intrusión de lo sobrenatural en la vida cotidiana, llegando en un caso a recordar relieves de tumbas del antiguo Egipto con Su nombre es Vairaumati y Ta Matete . [253]
En una entrevista con L'Écho de Paris publicada el 15 de marzo de 1895, Gauguin explica que su enfoque táctico en desarrollo busca la sinestesia . [254] Afirma:
En una carta de 1888 a Schuffenecker, Gauguin explica el enorme paso que había dado desde el impresionismo y que ahora estaba decidido a capturar el alma de la naturaleza, las verdades antiguas y el carácter de sus paisajes y habitantes. Gauguin escribió:
Gauguin comenzó a realizar grabados en 1889, destacando una serie de zincografías encargadas por Theo van Gogh conocidas como la Suite Volpini , que también apareció en la exposición Café des Arts de 1889. Gauguin no se vio obstaculizado por su inexperiencia en impresión, e hizo una serie de Opciones provocativas y poco ortodoxas, como una placa de zinc en lugar de piedra caliza ( litografía ), márgenes amplios y grandes hojas de papel amarillo para carteles. [257] [258] El resultado fue vívido hasta el punto de ser llamativo, pero presagia sus experimentos más elaborados con la impresión en color y su intención de elevar las imágenes monocromáticas.
Sus primeras obras maestras de la imprenta fueron de la Suite Noa Noa de 1893-1894, donde fue uno de varios artistas que reinventaron la técnica del grabado en madera y la llevaron a la era moderna. Comenzó la serie poco después de regresar de Tahití, ansioso por recuperar una posición de liderazgo dentro de la vanguardia y compartir fotografías basadas en su excursión a la Polinesia Francesa. Estos grabados en madera se mostraron en su fallida exposición de 1893 en casa de Paul Durand-Ruel, y la mayoría estaban directamente relacionados con pinturas suyas en las que había revisado la composición original. Se mostraron nuevamente en una pequeña exposición en su estudio en 1894, donde obtuvo raros elogios de la crítica por sus excepcionales efectos pictóricos y escultóricos. La creciente preferencia de Gauguin por el grabado en madera no fue sólo una extensión natural de sus relieves y esculturas en madera, sino que también puede haber sido provocada por su importancia histórica para los artesanos medievales y los japoneses. [259]
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Gauguin comenzó a hacer monotipos en acuarela en 1894, probablemente superponiendo sus grabados en madera de Noa Noa , y tal vez incluso sirviendo como fuente de inspiración para ellos. Sus técnicas siguieron siendo innovadoras y era una técnica adecuada para él, ya que no requería equipos elaborados, como una imprenta. A pesar de ser a menudo una fuente de práctica para pinturas, esculturas o grabados en madera relacionados, su innovación monotipo ofrece una estética claramente etérea; Imágenes fantasmales que pueden expresar su deseo de transmitir las verdades inmemoriales de la naturaleza. Su siguiente gran proyecto de xilografía y monotipo no fue hasta 1898-1899, conocido como la Suite Vollard . Completó esta emprendedora serie de 475 grabados de una veintena de composiciones diferentes y los envió al marchante Ambroise Vollard , a pesar de no ceder a su petición de una obra conformada y vendible. Vollard no estaba satisfecho y no hizo ningún esfuerzo por venderlos. La serie de Gauguin está claramente unificada con la estética en blanco y negro y es posible que haya pretendido que las impresiones fueran similares a un conjunto de tarjetas de myriorama , en las que se pueden colocar en cualquier orden para crear múltiples paisajes panorámicos. [260] Esta actividad de ordenar y reorganizar fue similar a su propio proceso de reutilización de sus imágenes y motivos, así como una tendencia al simbolismo . [261] Imprimió la obra en papel japonés fino como un pañuelo y las múltiples pruebas de gris y negro se podían colocar una encima de la otra, mostrando cada transparencia de color para producir un rico efecto de claroscuro . [262]
En 1899 inició su experimento radical: los dibujos por transferencia al óleo. Al igual que su técnica de monotipo en acuarela, era un híbrido de dibujo y grabado. Las transferencias fueron la gran culminación de su búsqueda de una estética de sugerencia primordial, que parece transmitirse en sus resultados que hacen eco de calcos antiguos, frescos desgastados y pinturas rupestres. El progreso técnico de Gauguin desde los monotipos hasta las transferencias de óleo es bastante notable, avanzando desde pequeños bocetos hasta láminas ambiciosamente grandes y altamente acabadas. Con estas transferencias creó profundidad y textura imprimiendo múltiples capas en la misma hoja, comenzando con lápiz de grafito y tinta negra para delinear, antes de pasar a crayón azul para reforzar la línea y agregar sombreado. A menudo completaba la imagen con un lavado de tinta oliva o marrón aceitada. La práctica consumió a Gauguin hasta su muerte, alimentando su imaginación y concepción de nuevos temas para sus pinturas. Esta colección también fue enviada a Vollard, quien no quedó impresionado.
Gauguin apreciaba las transferencias de óleo por la forma en que transformaban la calidad de la línea dibujada. Su proceso, de naturaleza casi alquímica, tenía elementos de azar por los que periódicamente surgían marcas y texturas inesperadas, algo que le fascinaba. Al metamorfosear un dibujo en una impresión, Gauguin tomó la decisión calculada de renunciar a la legibilidad para ganar misterio y abstracción. [263] [264]
Trabajó la madera a lo largo de su carrera, especialmente durante sus periodos más prolíficos, y es conocido por haber conseguido resultados radicales en la talla antes de hacerlo con la pintura. Incluso en sus primeras exposiciones, Gauguin incluía a menudo esculturas de madera en su exposición, a partir de las cuales construyó su reputación como conocedor de lo llamado primitivo. Varias de sus primeras tallas parecen estar influenciadas por el arte gótico y egipcio . [265] En correspondencia, también afirma su pasión por el arte camboyano y el colorido magistral de las alfombras persas y orientales . [266]
La moda del trabajo de Gauguin comenzó poco después de su muerte. Muchas de sus pinturas posteriores fueron adquiridas por el coleccionista ruso Sergei Shchukin . [267] Una parte sustancial de su colección se exhibe en el Museo Pushkin y el Hermitage . Las pinturas de Gauguin rara vez se ponen a la venta y sus precios alcanzan decenas de millones de dólares estadounidenses en la sala de subasta cuando se ofrecen. Su Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?) de 1892 se convirtió en la tercera obra de arte más cara del mundo cuando su propietario, la familia de Rudolf Staechelin , la vendió de forma privada por 210 millones de dólares en septiembre de 2014. Se cree que el comprador son los Museos de Qatar. . [268]
El Museo Gauguin de estilo japonés, frente al Jardín Botánico de Papeari en Papeari, Tahití, contiene algunas exhibiciones, documentos, fotografías, reproducciones y bocetos originales y grabados en bloque de Gauguin y los tahitianos. En 2003 se inauguró el Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona, en las Islas Marquesas .
En 2014, se descubrió en Italia el cuadro Frutas sobre una mesa (1889), con un valor estimado de entre 10 y 30 millones de euros (entre 8,3 y 24,8 millones de libras esterlinas), que había sido robado en Londres en 1970. La pintura, junto con una obra de Pierre Bonnard , había sido comprada por un empleado de Fiat en 1975, en una venta de objetos perdidos de un ferrocarril, por 45.000 liras (unas 32 libras esterlinas). [269]
Para obtener una lista completa de pinturas de Gauguin, consulte Lista de pinturas de Paul Gauguin .
Autorretratos:
Con el artista Emile Bernard, Gauguin inventó un método de representación del espacio pictórico que utiliza grandes manchas de color plano y líneas gruesas; Estas técnicas influyeron en los artistas de principios del siglo XX. Las obras de Gauguin incluyen Visión después del sermón: Jacob luchando con el ángel (1888), Mahana no atua (Día de Dios) (1814) y Cuentos salvajes (1902).
Les Demoiselles contiene vestigios de Cézanne, El Greco, Gauguin e Ingres, entre otros, a los que se añaden aspectos conceptuales del arte primitivo propiamente representado con la geometría.
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![Cavaliers sur la Plage [II] (Jinetes en la playa), 1902, Colección privada](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Paul_Gauguin_106.jpg/1280px-Paul_Gauguin_106.jpg)
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