El arte gótico fue un estilo de arte medieval que se desarrolló en el norte de Francia a partir del arte románico en el siglo XII d.C., liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica . Se extendió a toda Europa occidental y a gran parte del norte , sur y centro de Europa , sin borrar nunca del todo los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional , que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV. En muchas zonas, especialmente en Alemania, el arte gótico tardío continuó hasta bien entrado el siglo XVI, antes de ser incluido en el arte renacentista . Los medios primarios en el período gótico incluyeron escultura , pintura sobre paneles , vidrieras , frescos y manuscritos iluminados . Los cambios fácilmente reconocibles en la arquitectura del románico al gótico y del gótico al renacentista se utilizan típicamente para definir los períodos del arte en todos los medios, aunque en muchos sentidos el arte figurativo se desarrolló a un ritmo diferente.
El arte gótico más antiguo fue la escultura monumental , en las paredes de catedrales y abadías. El arte cristiano era a menudo de naturaleza tipológica (ver alegoría medieval ), mostrando las historias del Nuevo Testamento y del Antiguo Testamento una al lado de la otra. A menudo se representaban las vidas de los santos. Las imágenes de la Virgen María cambiaron de la forma icónica bizantina a una madre más humana y afectuosa, abrazando a su bebé, balanceándose sobre su cadera y mostrando los modales refinados de una dama cortesana aristocrática de buena cuna.
El arte secular cobró fuerza durante este período con el surgimiento de las ciudades, la fundación de universidades , el aumento del comercio, el establecimiento de una economía basada en el dinero y la creación de una clase burguesa que podía permitirse el lujo de patrocinar las artes y encargar obras, lo que dio como resultado en una proliferación de pinturas y manuscritos iluminados. El aumento de la alfabetización y un creciente cuerpo de literatura vernácula secular alentaron la representación de temas seculares en el arte. Con el crecimiento de las ciudades, se formaron gremios comerciales y a menudo se exigía que los artistas fueran miembros de un gremio de pintores . Como resultado, debido a un mejor mantenimiento de registros, conocemos a más artistas por su nombre en este período que en cualquier anterior; algunos artistas se atrevieron incluso a firmar con sus nombres.
El arte gótico surgió en Île-de-France , Francia, a principios del siglo XII, en la iglesia abacial de St Denis construida por el abad Suger . [1] El estilo se extendió rápidamente más allá de sus orígenes en la arquitectura hacia la escultura, tanto monumental como personal en tamaño, el arte textil y la pintura, que tomó una variedad de formas, incluyendo el fresco , las vidrieras , el manuscrito iluminado y la pintura sobre paneles . [2] Las órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron importantes constructores que difundieron el estilo y desarrollaron variantes distintivas del mismo por toda Europa. Las variaciones regionales de la arquitectura siguieron siendo importantes, incluso cuando, a finales del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como Gótico Internacional , que continuó hasta finales del siglo XV y más allá en muchas áreas.
Aunque hubo mucho más arte gótico secular de lo que se suele pensar hoy en día, ya que en general la tasa de supervivencia del arte religioso ha sido mejor que la de sus equivalentes seculares, una gran proporción del arte producido en el período fue religioso, ya sea por encargo de la iglesia o por los laicos. El arte gótico era a menudo de naturaleza tipológica , reflejando la creencia de que los acontecimientos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que éste era, de hecho, su significado principal. Escenas del Antiguo y Nuevo Testamento se mostraron una al lado de la otra en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María se desarrollaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura holandesa temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales y sus mecenas confiaron mucho más en la iconografía innovadora y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía utilizaban fórmulas copiadas.
La iconografía se vio afectada por cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Varón de Dolores , Cristo pensativo y Piedad , que enfatizaba su sufrimiento y vulnerabilidad humanos, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Incluso en los Juicios Finales se solía mostrar a Cristo exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se mostraban con mayor frecuencia y los retablos mostraban santos relevantes para una iglesia en particular o un donante que asistía a una crucifixión o a la Virgen y el Niño entronizados , o ocupaban el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchos rasgos iconográficos antiguos que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminados gradualmente bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otros estaban demasiado bien establecidos y se consideraban inofensivos. [3]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
La palabra " gótico " para designar arte se utilizó inicialmente como sinónimo de " bárbaro ", por lo que se utilizó de forma peyorativa. [4] Sus críticos vieron este tipo de arte medieval como poco refinado y demasiado alejado de las proporciones y formas estéticas del arte clásico . [5] Los autores del Renacimiento creían que el saqueo de Roma por las tribus góticas en 410 había provocado la desaparición del mundo clásico y de todos los valores que apreciaban. En el siglo XV, varios arquitectos y escritores italianos se quejaron de que los nuevos estilos "bárbaros" que se filtraban desde el norte de los Alpes representaban una amenaza similar al renacimiento clásico promovido por el Renacimiento temprano. [6] El calificativo "gótico" para este arte se utilizó por primera vez en la carta de Rafael al Papa León X c. 1518 y posteriormente fue popularizado por el artista y escritor italiano Giorgio Vasari , [7] quien lo utilizó ya en 1530, calificando el arte gótico como un "desorden" "monstruoso y bárbaro". [8] Rafael afirmó que los arcos apuntados de la arquitectura del norte eran un eco de las chozas primitivas que los habitantes germánicos de los bosques formaban doblando árboles entre sí, un mito que resurgiría mucho más tarde en un sentido más positivo en los escritos del movimiento romántico alemán . El "arte gótico" fue fuertemente criticado por autores franceses como Boileau , La Bruyère , Rousseau , antes de convertirse en una forma de arte reconocida, y la redacción se fijó. [5] Molière haría un famoso comentario sobre el gótico:
El gusto embrutecido de los monumentos góticos,
Estos monstruos odiosos de siglos ignorantes,
Que arrojaron los torrentes de la barbarie. [5]
En sus inicios, el arte gótico fue denominado inicialmente "obra francesa" ( Opus Francigenum ), atestiguando así la prioridad de Francia en la creación de este estilo. [5]
La pintura de estilo gótico no existió hasta alrededor del año 1200, más de 50 años después de los inicios de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no constituye una ruptura clara, y los detalles ornamentales góticos a menudo se introducen antes de que se observen muchos cambios en el estilo de las figuras o las composiciones mismas. Luego las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial, tienden a ser más pequeñas en relación con el fondo de las escenas y se disponen más libremente en el espacio pictórico, donde hay espacio. Esta transición ocurre por primera vez en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 y en Italia alrededor de 1300. La pintura durante el período gótico se practicaba en cuatro medios principales: frescos , pinturas sobre paneles , iluminación de manuscritos y vidrieras .
Los frescos continuaron utilizándose como principal arte narrativo pictórico en las paredes de las iglesias del sur de Europa como continuación de las tradiciones paleocristianas y románicas. Un accidente de supervivencia ha dado a Dinamarca y Suecia los grupos más grandes de pinturas murales de iglesias que se conservan en el estilo Biblia pauperum , que generalmente se extienden hasta bóvedas de crucería construidas recientemente . Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todos fueron cubiertos con cal después de la Reforma , lo que los ha conservado, pero algunos también han permanecido intactos desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca se encuentran los del maestro Elmelunde de la isla danesa de Møn , que decoró las iglesias de Fanefjord , Keldby y Elmelunde . [9] Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido de la época que trabajó en Suecia. Ejemplos de iglesias suecas con frescos bien conservados son las iglesias de Tensta , Gökhem y Anga .
En el norte de Europa, las vidrieras fueron una forma de pintura importante y prestigiosa hasta el siglo XV, cuando fueron suplantadas por la pintura sobre paneles . La arquitectura gótica aumentó considerablemente la cantidad de vidrio en los edificios grandes, en parte para permitir grandes extensiones de vidrio, como en los rosetones . En la primera parte del período se utilizaba principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV el uso de compuestos de plata, pintados sobre vidrio que luego se cocía, permitió una serie de variaciones de color, centradas en amarillos, para utilizar con vidrio transparente de una sola pieza. Al final del período, los diseños utilizaban cada vez más piezas grandes de vidrio pintadas, con el amarillo como color dominante y relativamente pocas piezas más pequeñas de vidrio en otros colores. [10]
Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un registro de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. [11] Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio parisino de San Luis , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones de página completa en pintura al temple y pan de oro. [12]
A finales del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oraciones para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en momentos prescritos del día. [12] Entre los primeros se encuentra un ejemplo de William de Brailes que parece haber sido escrito para una mujer laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza compraba con frecuencia este tipo de textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; entre los creadores más conocidos de estos se encuentra Jean Pucelle , cuyas Horas de Juana de Évreux fueron encargadas por el rey Carlos IV como regalo para su reina, Juana de Évreux . [13] Los elementos del gótico francés presentes en tales obras incluyen el uso de marcos de páginas decorativos que recuerdan la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas. [12] El uso de indicadores espaciales, como elementos de construcción y características naturales como árboles y nubes, también denotan el estilo de iluminación gótico francés. [12]
Desde mediados del siglo XIV, los párrocos de los Países Bajos , donde eran más populares, parecían haber podido adquirir libros en bloque con texto e imágenes grabadas en madera. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles a la clase media próspera, al igual que los grabados de calidad bastante alta realizados por grabadores como Israhel van Meckenem y el maestro ES . En el siglo XV, el La introducción de grabados baratos , principalmente en xilografía , hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en la parte inferior del mercado, a menudo de colores toscos, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras y la mayoría han sido pegadas en las paredes.
La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista . En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de pintura holandesa temprana tiene un estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento del Norte , ya que hubo un largo retraso antes de que el resurgimiento italiano del interés por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck utilizaron la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, correctas en perspectiva, donde el realismo aparente se combinaba con un simbolismo ricamente complejo que surgía precisamente del detalle realista que ahora podían incluir, incluso en obras pequeñas. . En la pintura holandesa temprana, procedente de las ciudades más ricas del norte de Europa, se combinaba un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de escenarios muy detallados de escenas religiosas. El Retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación de Washington Van Eyck o la Virgen del canciller Rolin (ambas de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. [14] Para los ricos, las pinturas sobre paneles pequeños , incluso los polípticos en pintura al óleo se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes al lado, aunque a menudo mucho más pequeños que la Virgen o los santos representados. Por lo general, se exhibían en el hogar.
El período gótico está esencialmente definido por la arquitectura gótica , y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura ni en su inicio ni en su final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes tímpanos, pero también hileras de figuras esculpidas esparcidas a su alrededor.
Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres ( c. 1145 ) muestran una elongación columnar elegante pero exagerada, pero las del portal del crucero sur , de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un creciente desapego de la pared detrás. y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal occidental de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi redondas, como se hizo habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. [15] La catedral de Bamberg tiene quizás el mayor conjunto de esculturas del siglo XIII, que culminó en 1240 con el Jinete de Bamberg , la primera estatua ecuestre de tamaño natural del arte occidental desde el siglo VI.
"En Italia el evangelio del gótico se predicaba desde los púlpitos, no desde los tímpanos, y la unidad del pensamiento del escultor era una obra de arte autónoma y coherente en sí misma" ( John Pope-Hennessy ). [16] Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama protorrenacentista , con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, incluido un manejo comprensivo de la desnudez, en paneles en relieve en su púlpito . de la Catedral de Siena (1265-1268) , el púlpito del Baptisterio de Pisa , la Fontana Maggiore de Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. [17]
Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. [18] La escultura del gótico tardío continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos en madera de gran tamaño con diseños cada vez más virtuosos. tallas y grandes números agitaban figuras expresivas; la mayoría de los ejemplos supervivientes se encuentran en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente influencias del Renacimiento italiano. [19]
Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y evolucionaron las grandes tumbas de varios niveles, siendo las Tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV existía una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles a gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían permitirse retablos de piedra. [20]
Las pequeñas tallas, destinadas a un mercado mayoritariamente laico y a menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y en algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales , figuras individuales, especialmente de la Virgen , espejos, peinetas y cofres elaborados con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. [21] Los muy ricos coleccionaban trabajos en metal esmaltados, enjoyados y extravagantemente elaborados, tanto seculares como religiosos, como el Relicario de la Santa Espina del Duque de Berry , hasta que se quedaron sin dinero, cuando los fundieron nuevamente para obtener dinero en efectivo. [22]
Las esculturas góticas independientes del ornamento arquitectónico se crearon principalmente como objetos devocionales para el hogar o como donaciones para las iglesias locales, [23] aunque pequeños relieves en marfil , hueso y madera cubren temas tanto religiosos como seculares, y eran para uso doméstico y eclesiástico. Estas esculturas fueron creadas por artesanos urbanos y el tema más común para las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con un niño. [24] París era el principal centro de talleres de marfil y exportaba a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tenía una producción considerable. Un ejemplo de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la iglesia abacial de St Denis; la Virgen y el Niño en plata dorada data de 1339 y presenta a María envuelta en un manto suelto sosteniendo una figura infantil de Cristo. [24] Tanto la sencillez del manto como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del XV. [24] Esta escultura muestra una evolución desde un estilo anterior rígido y alargado, todavía en parte románico, hacia una sensación espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. [24] Otros temas escultóricos góticos franceses incluyeron figuras y escenas de la literatura popular de la época. [24] Las imágenes de la poesía de los trovadores eran particularmente populares entre los artesanos de cajas de espejos y pequeñas cajas presumiblemente para uso de mujeres. [24] El ataúd con escenas de romances (Walters 71264) de 1330-1350 es un ejemplo inusualmente grande con espacio para varias escenas de diferentes fuentes literarias.
Los recuerdos de las peregrinaciones a los santuarios, como insignias , medallas y ampollas estampadas con imágenes de arcilla o plomo, también eran populares y baratos. Su equivalente secular, la insignia de librea , mostraba signos de lealtad o alianza feudal y política que llegó a ser considerada una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo . Las formas más baratas a veces se regalaban, como las 13.000 insignias encargadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela de fustán con el emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como Príncipe de Gales, [25] una enorme número dado la población en ese momento. La joya del cisne de Dunstable , modelada íntegramente en redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que habría sido regalada a alguien muy cercano o importante para el donante.
