Jean-Baptiste-Camille Corot ( Reino Unido : / ˈ k ɒr oʊ / KORR -oh , [1] EE. UU .: / k ə ˈ r oʊ , k ɔː ˈ r oʊ / kə- ROH , kor- OH , [2] [3 ] [4] Francés: [ʒɑ̃ batist kamij kɔʁo] ; 16 de julio de 1796 [5] – 22 de febrero de 1875), o simplemente Camille Corot , fue un paisajista y retratista francés, además de grabador en aguafuerte . Una figura fundamental en la pintura de paisajes, su vasta producción hizo referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipó las innovaciones al aire libre del impresionismo .
Jean-Baptiste-Camille Corot nació en París el 16 de julio de 1796, en una casa del 125 de la rue du Bac , hoy demolida. Su familia era gente burguesa —su padre era fabricante de pelucas y su madre, Marie-Françoise Corot , sombrerera— y a diferencia de la experiencia de algunos de sus colegas artísticos, a lo largo de su vida nunca sintió falta de dinero, ya que sus padres hacían buenas inversiones y administraron bien sus negocios. [6] Después de que sus padres se casaron, compraron la sombrerería donde había trabajado su madre y su padre abandonó su carrera como fabricante de pelucas para dirigir el lado comercial de la tienda. La tienda era un destino famoso para los parisinos elegantes y le proporcionó a la familia unos ingresos excelentes. Corot fue el segundo de tres hijos de la familia, que vivió encima de su tienda durante esos años. [7]
Corot recibió una beca para estudiar en el Lycée Pierre-Corneille de Rouen, [8] pero abandonó tras tener dificultades escolares y entró en un internado. Él "no fue un estudiante brillante, y durante toda su carrera escolar no obtuvo una sola nominación para un premio, ni siquiera para las clases de dibujo". [7] A diferencia de muchos maestros que demostraron talento e inclinaciones tempranas hacia el arte, antes de 1815 Corot no mostró tal interés. Durante esos años vivió con la familia Sennegon, cuyo patriarca era amigo del padre de Corot y que pasaba mucho tiempo con el joven Corot en paseos por la naturaleza. Fue en esta región donde Corot realizó sus primeras pinturas sobre la naturaleza. [9] A los diecinueve años, Corot era un "niño grande, tímido y torpe. Se sonrojaba cuando le hablaban. Ante las hermosas damas que frecuentaban el salón de su madre, se avergonzaba y huía como un salvaje... Emocionalmente, era un Hijo afectuoso y de buen comportamiento, que adoraba a su madre y temblaba cuando su padre hablaba." [10] Cuando los padres de Corot se mudaron a una nueva residencia en 1817, Corot, de 21 años, se mudó a la habitación abuhardillada del tercer piso, que también se convirtió en su primer estudio. [11]
Con la ayuda de su padre, Corot fue aprendiz de pañero, pero odiaba la vida comercial y despreciaba lo que llamaba "trucos comerciales", pero permaneció fielmente en el oficio hasta los 26 años, cuando su padre consintió en que adoptara la profesión del arte. Más tarde Corot declaró: "Le dije a mi padre que los negocios y yo éramos simplemente incompatibles y que me iba a divorciar". [12] Sin embargo, la experiencia empresarial resultó beneficiosa al ayudarle a desarrollar un sentido estético a través de su exposición a los colores y texturas de las telas. Quizás por aburrimiento, se dedicó a la pintura al óleo hacia 1821 y comenzó inmediatamente con los paisajes. [11] A partir de 1822, tras la muerte de su hermana, Corot comenzó a recibir una asignación anual de 1.500 francos que financió adecuadamente su nueva carrera, estudio, materiales y viajes durante el resto de su vida. Inmediatamente alquiló un estudio en el quai Voltaire. [13]
Durante el período en que Corot adquirió los medios para dedicarse al arte, la pintura de paisajes estaba en auge y generalmente se dividía en dos campos: uno: el paisaje histórico de los neoclásicos del sur de Europa, que representaba vistas idealizadas de sitios reales y imaginarios poblados de antiguos, mitológicos, y figuras bíblicas; y dos: paisajes realistas, más comunes en el norte de Europa, que eran en gran medida fieles a la topografía, la arquitectura y la flora reales, y que a menudo mostraban figuras de campesinos. En ambos enfoques, los paisajistas normalmente comenzarían con bocetos al aire libre y pintura preliminar, y el trabajo final se realizaría en el interior. Muy influyente en los paisajistas franceses de principios del siglo XIX fue el trabajo de los ingleses John Constable y JMW Turner , quienes reforzaron la tendencia a favor del realismo y alejada del neoclasicismo. [14]
Durante un breve período entre 1821 y 1822, Corot estudió con Achille Etna Michallon , un paisajista de la época de Corot que era protegido del pintor Jacques-Louis David y que ya era un profesor muy respetado. Michallon tuvo una gran influencia en la carrera de Corot. Las lecciones de dibujo de Corot incluyeron calcar litografías , copiar formas tridimensionales y realizar bocetos y pinturas de paisajes al aire libre, especialmente en los bosques de Fontainebleau , los puertos marítimos a lo largo de Normandía y los pueblos al oeste de París como Ville-d'Avray (donde sus padres tenía una casa de campo). [15] Michallon también lo expuso a los principios de la tradición neoclásica francesa, tal como se exponen en el famoso tratado del teórico Pierre-Henri de Valenciennes , y se ejemplifican en las obras de los neoclásicos franceses Claude Lorrain y Nicolas Poussin , cuyo principal objetivo era la representación. de Belleza ideal en la naturaleza, ligada a acontecimientos de la antigüedad.
Aunque esta escuela estaba en declive, todavía dominaba el Salón , la exposición de arte más importante de Francia a la que asistían miles de personas en cada evento. Corot afirmó más tarde: "Hice mi primer paisaje a partir de la naturaleza... bajo la mirada de este pintor, cuyo único consejo fue representar con la mayor escrupulosidad todo lo que veía ante mí. La lección funcionó; desde entonces siempre he atesorado la precisión. " [16] Después de la temprana muerte de Michallon en 1822, Corot estudió con el maestro de Michallon, Jean-Victor Bertin , uno de los paisajistas neoclásicos más conocidos de Francia, quien hizo que Corot dibujara copias de litografías de temas botánicos para aprender formas orgánicas precisas. Aunque tenía en la más alta estima a los neoclásicos, Corot no limitó su formación a su tradición de alegoría ambientada en la naturaleza imaginada. Sus cuadernos revelan representaciones precisas de troncos de árboles, rocas y plantas que muestran la influencia del realismo del Norte. A lo largo de su carrera, Corot demostró una inclinación por aplicar ambas tradiciones en su trabajo, en ocasiones combinándolas. [17]
Con el apoyo de sus padres, Corot siguió el patrón bien establecido de los pintores franceses que fueron a Italia para estudiar a los maestros del Renacimiento italiano y dibujar los monumentos desmoronados de la antigüedad romana. Una condición de sus padres antes de partir fue que les pintara un autorretrato, el primero. La estancia de Corot en Italia de 1825 a 1828 fue muy formativa y productiva, durante la cual completó más de 200 dibujos y 150 pinturas. [18] Trabajó y viajó con varios jóvenes pintores franceses que también estudiaban en el extranjero y que pintaban juntos y socializaban por las noches en los cafés, criticándose unos a otros y cotilleando. Corot aprendió poco de los maestros del Renacimiento (aunque más tarde citó a Leonardo da Vinci como su pintor favorito) y pasó la mayor parte de su tiempo en Roma y en la campiña italiana. [19] Los Jardines Farnese, con sus espléndidas vistas de las ruinas antiguas, eran un destino frecuente, y los pintó en tres momentos diferentes del día. [20] La capacitación fue particularmente valiosa para lograr una comprensión de los desafíos de la perspectiva panorámica y de rango medio, y para colocar de manera efectiva estructuras hechas por el hombre en un entorno natural. [21] También aprendió a dar a los edificios y rocas el efecto de volumen y solidez con luces y sombras adecuadas, utilizando una técnica suave y fina. Además, colocar figuras adecuadas en un entorno secular era una necesidad de una buena pintura de paisaje, para agregar contexto y escala humanos, y era aún más importante en los paisajes alegóricos. Con ese fin, Corot trabajó en estudios de figuras tanto con atuendos nativos como desnudos. [22] Durante el invierno, pasó tiempo en un estudio, pero volvió a trabajar afuera tan pronto como el clima lo permitió. [23] La intensa luz de Italia planteó desafíos considerables: "Este sol emite una luz que me desespera. Me hace sentir la total impotencia de mi paleta". [24] Aprendió a dominar la luz y a pintar las piedras y el cielo con variaciones sutiles y dramáticas.
No fueron sólo la arquitectura y la luz italianas las que captaron la atención de Corot. El tardío Corot también quedó fascinado con las mujeres italianas: "Todavía tienen las mujeres más bellas del mundo que he conocido... sus ojos, sus hombros, sus manos son espectaculares. En eso superan a nuestras mujeres". , pero por otro lado, no son iguales en gracia y amabilidad... Yo, como pintora, prefiero a la mujer italiana, pero me inclino por la francesa en cuanto a emoción se refiere." [24] A pesar de su fuerte atracción por las mujeres, escribió sobre su compromiso con la pintura: "Sólo tengo un objetivo en la vida que quiero perseguir fielmente: hacer paisajes. Esta firme resolución me aleja de un apego serio. es decir, en el matrimonio...pero mi naturaleza independiente y mi gran necesidad de estudio serio me hacen tomar el asunto a la ligera." [24]
Durante los seis años que siguieron a su primera visita a Italia y a la segunda, Corot se centró en preparar grandes paisajes para su presentación en el Salón . Varias de sus pinturas de salón fueron adaptaciones de sus bocetos al óleo italianos reelaborados en el estudio agregando elementos formales imaginados consistentes con los principios neoclásicos. [25] Un ejemplo de esto fue su primera entrada en el Salón, Vista de Narni (1827), donde tomó su estudio rápido y natural de las ruinas de un acueducto romano bajo un sol brillante y polvoriento y lo transformó en un entorno pastoral falsamente idílico con gigantescas árboles de sombra y césped verde, una conversión destinada a atraer a los jurados neoclásicos. [26] Muchos críticos han valorado mucho sus pinturas italianas al aire libre por su "germen de impresionismo", su fidelidad a la luz natural y su evitación de los valores académicos, a pesar de que estaban concebidas como estudios. [27] Varias décadas más tarde, el impresionismo revolucionó el arte adoptando un enfoque similar: pintura rápida y espontánea realizada al aire libre; sin embargo, mientras que los impresionistas usaban colores sin mezclar y aplicados rápidamente para capturar la luz y el estado de ánimo, Corot generalmente mezclaba y combinaba sus colores para obtener sus efectos de ensueño.
Cuando salió del estudio, Corot viajó por toda Francia, reflejando sus métodos italianos y concentrándose en paisajes rústicos. Regresó a la costa de Normandía y a Ruán, ciudad en la que vivió de joven. [28] Corot también hizo algunos retratos de amigos y familiares, y recibió sus primeros encargos. Su sensible retrato de su sobrina, Laure Sennegon, vestida de azul claro, fue uno de los más exitosos y posteriormente fue donado al Louvre . [29] Por lo general, pintaba dos copias de cada retrato familiar, una para el sujeto y otra para la familia, y a menudo también hacía copias de sus paisajes. [30]
En la primavera de 1829, Corot llegó a Barbizon para pintar en el bosque de Fontainebleau ; había pintado por primera vez en el bosque de Chailly en 1822. Regresó a Barbizon en el otoño de 1830 y en el verano de 1831, donde realizó dibujos y estudios al óleo, a partir de los cuales realizó un cuadro destinado al Salón de 1830; su Vista del bosque de Fontainebleau (ahora en la Galería Nacional de Washington) y, para el salón de 1831, otra Vista del bosque de Fontainebleau . Estando allí conoció a los miembros de la escuela de Barbizon ; Théodore Rousseau , Paul Huet , Constant Troyon , Jean-François Millet y el joven Charles-François Daubigny . [31] Corot expuso un retrato y varios paisajes en el Salón en 1831 y 1833. [32] Su recepción por parte de la crítica en el Salón fue fría y Corot decidió regresar a Italia, al no haber podido satisfacerlos con sus temas neoclásicos.
Durante sus dos viajes de regreso a Italia, visitó el norte de Italia, Venecia y nuevamente la campiña romana. En 1835, Corot causó sensación en el Salón con su cuadro bíblico Agar dans le desert (Agar en el desierto), que representaba a Agar, la sierva de Sara, y al niño Ismael, muriendo de sed en el desierto hasta que un ángel los salvó. Los antecedentes probablemente se derivaron de un estudio italiano. [33] Esta vez, la inesperada y audaz y fresca declaración de Corot del ideal neoclásico tuvo éxito con los críticos al demostrar "la armonía entre el escenario y la pasión o el sufrimiento que el pintor elige representar en él". [33] Siguió con otros temas bíblicos y mitológicos, pero esas pinturas no tuvieron tan buen éxito, ya que los críticos del Salón lo encontraron deficiente en comparación con Poussin. [34] En 1837, pintó el primer desnudo que se conserva, La ninfa del Sena . Más tarde aconsejaba a sus alumnos: "El estudio del desnudo, ya veis, es la mejor lección que puede tener un paisajista. Si alguien sabe, sin trucos, plasmar una figura, es capaz de hacer un paisaje; de lo contrario nunca podrá hacerlo." [35]
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Durante la década de 1840, Corot continuó teniendo problemas con los críticos (muchas de sus obras fueron rechazadas rotundamente para la exposición en el Salón), y el público tampoco compró muchas obras. Si bien el reconocimiento y la aceptación por parte del establishment llegaron lentamente, en 1845 Baudelaire encabezó una acusación que declaraba a Corot líder de la "escuela moderna de pintura de paisajes". Mientras que algunos críticos consideraban que los colores de Corot eran "pálidos" y que su obra tenía una "ingenua torpeza", Baudelaire respondió astutamente: "El señor Corot es más un armonista que un colorista, y sus composiciones, siempre libres de pedantería, son seductoras simplemente porque por su sencillez de color." [36] En 1846, el gobierno francés lo condecoró con la cruz de la Legión de Honor y en 1848 recibió una medalla de segunda clase en el Salón, pero como resultado recibió poco patrocinio estatal. [37] Su única obra encargada fue una pintura religiosa para una capilla bautismal pintada en 1847, a la manera de los maestros del Renacimiento. [38] Aunque el establishment siguió conteniéndose, otros pintores reconocieron la creciente estatura de Corot. En 1847, Delacroix anotó en su diario: "Corot es un verdadero artista. Hay que ver a un pintor en su propio lugar para tener una idea de su valor... Corot profundiza en un tema: le vienen ideas y añade mientras trabaja; es el enfoque correcto." [39] Por recomendación de Delacroix, el pintor Constant Dutilleux compró una pintura de Corot y comenzó una relación larga y gratificante con el artista, aportándole amistad y mecenas. [39] El trato público de Corot mejoró dramáticamente después de la Revolución de 1848, cuando fue admitido como miembro del jurado del Salón. [40] Fue ascendido a oficial del Salón en 1867.
Habiendo abandonado cualquier relación a largo plazo con mujeres, Corot permaneció muy cerca de sus padres incluso cuando tenía cincuenta años. Un contemporáneo dijo de él: "Corot es un hombre de principios, inconscientemente cristiano; entrega toda su libertad a su madre... tiene que rogarle repetidamente que le permita salir... a cenar cada dos viernes". [41] Aparte de sus frecuentes viajes, Corot permaneció estrechamente ligado a su familia hasta que sus padres murieron, y finalmente obtuvo la libertad de ir como quisiera. [42] Esa libertad le permitió aceptar estudiantes para sesiones informales, incluidos los artistas judíos Édouard Brandon y la futura impresionista Camille Pissarro , quien estuvo brevemente entre ellos. [39] El vigor y los perspicaces consejos de Corot impresionaron a sus alumnos. Charles Daubigny declaró: "Es un perfecto Viejo Joy, este padre Corot. Es un hombre absolutamente maravilloso, que mezcla bromas con sus muy buenos consejos". [43] Otro estudiante dijo de Corot, "los periódicos habían distorsionado tanto a Corot, poniendo a Teócrito y a Virgilio en sus manos, que me sorprendió bastante encontrarlo sin saber griego ni latín... Su bienvenida es muy abierta, muy libre, muy divertido: habla o te escucha saltando sobre un pie o sobre dos; canta fragmentos de ópera con una voz muy fiel", pero tiene un "lado astuto y mordaz cuidadosamente escondido detrás de su buen carácter". [44]
A mediados de la década de 1850, el estilo cada vez más impresionista de Corot comenzó a obtener el reconocimiento que fijó su lugar en el arte francés. "El señor Corot destaca... en reproducir la vegetación en sus nuevos comienzos; reproduce maravillosamente las primicias del nuevo mundo." [45] A partir de la década de 1850, Corot pintó muchos recuerdos y paysages de paisajes , pinturas imaginadas de ensueño de lugares recordados de visitas anteriores pintadas con trazos ligeros y sueltos. [46]
En la década de 1860, Corot todavía mezclaba figuras campesinas con figuras mitológicas, mezclando neoclasicismo con realismo, lo que provocó que un crítico se lamentara: "Si el señor Corot matara, de una vez por todas, a las ninfas de sus bosques y las reemplazara con campesinos, yo Debería agradarle sin medida." [47] En realidad, en su vida posterior sus figuras humanas aumentaron y las ninfas disminuyeron, pero incluso las figuras humanas a menudo se ambientaban en ensueños idílicos.
Más tarde, el estudio de Corot estaba lleno de estudiantes, modelos, amigos, coleccionistas y comerciantes que iban y venían bajo la mirada tolerante del maestro, lo que le hizo bromear: "¿Por qué hay diez de ustedes a mi alrededor, y A ninguno de vosotros se le ocurre volver a encender mi pipa. [48] Los marchantes se apoderaron de sus obras y sus precios a menudo superaban los 4.000 francos por cuadro. [43] Con su éxito asegurado, Corot donó generosamente su dinero y tiempo. Se convirtió en un anciano de la comunidad de artistas y usaría su influencia para conseguir encargos para otros artistas. En 1871 donó 2.000 libras esterlinas para los pobres de París, sitiada por los prusianos. (ver: Guerra franco-prusiana ) Durante la actual Comuna de París , estuvo en Arras con Alfred Robaut. En 1872 compró una casa en Auvers como regalo para Honoré Daumier , que por entonces era ciego, sin recursos y sin hogar. En 1875 donó 10.000 francos a la viuda de Millet para ayudar a sus hijos. Su caridad era casi proverbial. También apoyó financieramente el mantenimiento de un centro de día para niños en la rue Vandrezanne de París. Más adelante siguió siendo un hombre humilde y modesto, apolítico y feliz con su suerte en la vida, y mantuvo firme la creencia de que "los hombres no deben enorgullecerse, ya sean emperadores que añaden tal o cual provincia a sus imperios o pintor que gana reputación." [49]
A pesar del gran éxito y reconocimiento entre artistas, coleccionistas y críticos más generosos, sus numerosos amigos consideraron, sin embargo, que estaba oficialmente olvidado, y en 1874, poco tiempo antes de su muerte, le entregaron una medalla de oro. [50] Murió en París de un trastorno estomacal a los 78 años y fue enterrado en el cementerio Père Lachaise .
Varios seguidores se autodenominaron alumnos de Corot. Los más conocidos son Camille Pissarro , Eugène Boudin , Berthe Morisot , Stanislas Lépine , Antoine Chintreuil , François-Louis Français , Charles Le Roux y Alexandre Defaux .
Corot es una figura fundamental en la pintura de paisajes. Su obra hace referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y anticipa las innovaciones al aire libre del impresionismo . De él, Claude Monet exclamó en 1897: "Aquí sólo hay un maestro: Corot. No somos nada comparados con él, nada". [51] Sus contribuciones a la pintura de figuras no son menos importantes; Degas prefería sus figuras a sus paisajes , y las figuras clásicas de Picasso rinden abierto homenaje a la influencia de Corot.
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Los historiadores han dividido su obra en períodos, pero los puntos de división suelen ser vagos, ya que a menudo completó un cuadro años después de haberlo comenzado. En su período inicial, pintó de manera tradicional y "rigurosa", con minuciosa exactitud, contornos claros, pincelada fina y con absoluta definición de los objetos en todas partes, con una pintura base monocromática o ébauche . [52] Después de cumplir 50 años, sus métodos cambiaron para centrarse en la amplitud del tono y un acercamiento al poder poético transmitido con una aplicación más espesa de pintura; y unos 20 años después, aproximadamente a partir de 1865, su manera de pintar se volvió más lírica, afectada por un toque más impresionista, con pinceladas cada vez más evidentes junto con un mayor enfoque en el tono. En parte, se puede considerar que esta evolución en la expresión marca la transición de las pinturas al aire libre de su juventud, atravesadas por una cálida luz natural, a los paisajes creados en estudio de su madurez tardía, envueltos en tonos uniformes de plata. En sus últimos 10 años se convirtió en el "Père (Padre) Corot" de los círculos artísticos parisinos, donde era considerado con afecto personal y reconocido como uno de los cinco o seis más grandes paisajistas que el mundo había visto, junto con Meindert Hobbema . Claude Lorrain , JMW Turner y John Constable . En su larga y productiva vida, pintó más de 3.000 cuadros. [53]
Aunque a menudo se le atribuye el mérito de ser un precursor de la práctica impresionista, Corot abordó sus paisajes de forma más tradicional de lo que suele creerse. En comparación con los impresionistas posteriores, la paleta de Corot es sobria, dominada por marrones y negros ("colores prohibidos" entre los impresionistas), junto con el verde oscuro y plateado. Aunque a veces parecía rápido y espontáneo, por lo general sus trazos eran controlados y cuidadosos, y sus composiciones estaban bien pensadas y, en general, representadas de la manera más simple y concisa posible, realzando el efecto poético de las imágenes. Según afirma: "Me di cuenta de que todo lo que se hacía correctamente en el primer intento era más fiel y las formas más hermosas". [54]
El enfoque de Corot hacia sus súbditos era igualmente tradicional. Aunque fue un importante defensor de los estudios al aire libre, era esencialmente un pintor de estudio y pocos de sus paisajes terminados se completaron antes del motivo. Durante la mayor parte de su vida, Corot pasó los veranos viajando y recopilando estudios y bocetos, y los inviernos terminando obras más pulidas y listas para el mercado. [55] Por ejemplo, el título de su Bañistas de las islas Borromeas (1865-1870) se refiere al lago Maggiore en Italia, a pesar de que Corot no había estado en Italia en 20 años. [56] Su énfasis en dibujar imágenes de la imaginación y la memoria en lugar de la observación directa estaba en consonancia con los gustos de los jurados del Salón, del que era miembro. [57]
En la década de 1860, Corot se interesó por la fotografía, tomó fotografías él mismo y conoció a muchos de los primeros fotógrafos, lo que tuvo el efecto de suprimir aún más su paleta pictórica en simpatía con los tonos monocromáticos de las fotografías. Esto tuvo como resultado que sus pinturas fueran aún menos dramáticas pero algo más poéticas, un resultado que provocó que algunos críticos citaran una monotonía en su trabajo posterior. Théophile Thoré escribió que Corot "tiene una sola octava, extremadamente limitada y en tono menor, diría un músico. Conoce apenas más de una hora del día, la mañana, y un solo color, el gris pálido". [58] Corot respondió:
Lo que hay que ver en la pintura, o mejor dicho lo que busco, es la forma, el todo, el valor de los tonos... Por eso para mí el color viene después, porque amo más que nada el conjunto. efecto, la armonía de los tonos, mientras que el color te da una especie de shock que no me gusta. Quizás sea el exceso de este principio lo que hace que se diga que tengo tonos plomizos. [47]
En su aversión al color impactante, Corot se apartó marcadamente de los prometedores impresionistas, que abrazaron la experimentación con tonos vivos.
Además de sus paisajes (el estilo tardío era tan popular que existen numerosas falsificaciones), Corot produjo varios cuadros de figuras preciadas. Si bien los temas a veces se ubicaban en entornos pastorales , en su mayoría eran piezas de estudio, extraídas del modelo en vivo con especificidad y sutileza. Al igual que sus paisajes, se caracterizan por un lirismo contemplativo, siendo sus últimas pinturas L'Algérienne (Mujer argelina) y La Jeune Grecque (La niña griega) buenos ejemplos. [59] Corot pintó unos cincuenta retratos, en su mayoría de familiares y amigos. [60] También pintó trece desnudos reclinados, con Les Repos (1860) sorprendentemente similar en pose a la famosa Le Grande Odalisque (1814) de Ingres , pero la mujer de Corot es en cambio una bacante rústica. Quizás en su última pintura de figuras, La dama de azul (1874), Corot logra un efecto que recuerda a Degas , suave pero expresivo. En todos los casos de su pintura de figuras, el color es sobrio y destaca por su fuerza y pureza. Corot también ejecutó numerosos aguafuertes y bocetos a lápiz. Algunos de los bocetos utilizaron un sistema de símbolos visuales: círculos que representan áreas de luz y cuadrados que representan sombras. También experimentó con el proceso del cliché verre , un híbrido de fotografía y grabado. [61] A partir de la década de 1830, Corot también pintó paneles decorativos y paredes en casas de amigos, con la ayuda de sus alumnos. [62]
Corot resumió su acercamiento al arte hacia 1860: "Interpreto tanto con mi arte como con mis ojos". [63]
Las obras de Corot se encuentran en museos de Francia y los Países Bajos, Gran Bretaña, América del Norte [64] y Rusia.
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El fuerte mercado para las obras de Corot y su estilo pictórico tardío relativamente fácil de imitar dieron como resultado una enorme producción de falsificaciones de Corot entre 1870 y 1939. René Huyghe bromeó diciendo que "Corot pintó tres mil lienzos, diez mil de los cuales se han vendido en America". Aunque se trata de una exageración humorística, se han acumulado miles de falsificaciones; sólo la colección Jousseaume contiene 2.414 obras de este tipo. [65] Al problema se sumó la actitud laxa de Corot, que fomentaba la copia y la falsificación. [66] Permitió a sus alumnos copiar sus obras e incluso tomarlas prestadas para devolverlas más tarde, retocaba y firmaba copias de estudiantes y coleccionistas, y prestaba obras a fotocopiadores profesionales y a agencias de alquiler. [67] Según el catalogista de Corot, Etienne Moreau-Nélaton, en un taller de copia: "El pincel complaciente del maestro autentificó estas réplicas con algunos retoques personales y decisivos. Cuando ya no estaba allí para terminar sus "dobles", continuaron produciéndolos. sin él." [68] La catalogación de las obras de Corot en un intento de separar las copias de los originales fracasó cuando los falsificadores utilizaron las publicaciones como guías para ampliar y refinar sus pinturas falsas. [69]
Dos de las obras de Corot aparecen y juegan un papel importante en la trama de la película francesa de 2008 L'Heure d'été (título en inglés Summer Hour ). La película fue producida por el Museo de Orsay , y las dos obras fueron prestadas por el museo para la realización de la película.
Hay una calle llamada Rue Corot en Île des Sœurs , Quebec , que lleva el nombre del artista.
En la novela de Arthur Conan Doyle de 1890 El signo de los cuatro, Thaddeus Sholto exhibe una obra desconocida de Corot.
![Mañana en Venecia [ru]. 1834, Museo Pushkin](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Corot_-_Morning_in_Venice_-_Pushkin.jpeg/1280px-Corot_-_Morning_in_Venice_-_Pushkin.jpeg)
![Reposo. Galería Nacional de Arte, Galería Nacional de Arte[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/91/Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot,_1860,_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG/1280px-Repose_by_Jean-Baptiste-Camille_Corot,_1860,_reworked_c._1865-1870_-_Corcoran_Gallery_of_Art_-_DSC01293.JPG)
