La historia de la pintura occidental representa una tradición continua, aunque interrumpida, desde la antigüedad hasta la actualidad. [1] Hasta mediados del siglo XIX se centró principalmente en los modos de producción tradicionales y representacionales , después de lo cual ganaron popularidad las formas más modernas , abstractas y conceptuales . [2]
Inicialmente sirviendo al patrocinio imperial, privado, cívico y religioso, la pintura occidental luego encontró audiencias en la aristocracia y la clase media. Desde la Edad Media hasta el Renacimiento, los pintores trabajaron para la iglesia y una aristocracia rica. [3] A partir de la época barroca , los artistas recibieron encargos privados de una clase media más educada y próspera. [4] La idea del " arte por el arte " [5] comenzó a encontrar expresión en la obra de pintores románticos como Francisco de Goya , John Constable y JMW Turner . [6] Durante el siglo XIX se establecieron galerías comerciales que continuaron brindando patrocinio en el siglo XX. [7] [8]
La pintura occidental alcanzó su cenit en Europa durante el Renacimiento, junto con el refinamiento del dibujo, el uso de la perspectiva , la arquitectura ambiciosa, los tapices , las vidrieras , la escultura y el período anterior y posterior a la llegada de la imprenta . [9] Tras la profundidad de los descubrimientos y la complejidad de las innovaciones del Renacimiento, la rica herencia de la pintura occidental continuó desde el período Barroco hasta el arte contemporáneo . [10]
La historia de la pintura se remonta a los artefactos de artistas prehistóricos y abarca todas las culturas. Las pinturas más antiguas conocidas se encuentran en la Grotte Chauvet en Francia y, según algunos historiadores, tienen unos 32.000 años. Están grabados y pintados con ocre rojo y pigmento negro y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts o humanos cazando a menudo.
Las pinturas rupestres prehistóricas europeas comparten temas comunes con otras pinturas prehistóricas que se han encontrado en todo el mundo; lo que implica la universalidad del propósito y la similitud de los impulsos que podrían haber inspirado a los artistas a crear las imágenes. [ cita necesaria ] Se han hecho varias conjeturas sobre el significado que tenían estas pinturas para los artistas que las hicieron. Los hombres prehistóricos pueden haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu con el fin de cazarlos más fácilmente, o las pinturas pueden representar una visión animista y un homenaje a la naturaleza circundante , o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innatos al ser humano, o pueden ser grabaciones de las experiencias de vida de los artistas e historias relacionadas de los miembros de su círculo.
La pintura minoica es el arte producido por la civilización minoica del Egeo de la Edad del Bronce desde aproximadamente el 3000 al 1100 a. C., aunque los restos más extensos y mejores se remontan aproximadamente al 2300 al 1400 a. Forma parte de un grupo más amplio de arte del Egeo y en períodos posteriores llegó a tener durante un tiempo una influencia dominante sobre el arte de las Cícladas . Dado que la madera y los textiles se han descompuesto, los ejemplos mejor conservados (y más instructivos) del arte minoico son su cerámica , la arquitectura palaciega (con frescos que incluyen "los primeros paisajes puros que existen"), [12] pequeñas esculturas en diversos materiales, joyas, vasijas de metal y sellos intrincadamente tallados .
Fue influenciado por las culturas vecinas del Antiguo Egipto y el antiguo Cercano Oriente , que habían producido arte urbano sofisticado durante mucho más tiempo, pero el carácter de las pequeñas pero ricas ciudades mercantiles minoicas era muy diferente, con poca evidencia de una religión basada en grandes templos. , monarcas o guerras, y "todo el poder imaginativo y la frescura infantil de una cultura muy joven". [13] Todos estos aspectos de la cultura minoica siguen siendo bastante misteriosos. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida siguiendo un conjunto de convenciones altamente formales". [14]
La mayor y mejor colección de arte minoico se encuentra en el Museo Arqueológico de Heraklion ("AMH") cerca de Knossos , en la costa norte de Creta. Los arqueólogos han utilizado el arte minoico y otros restos de la cultura material , especialmente la secuencia de estilos cerámicos, para definir las tres fases principales de la cultura minoica (EM, MM, LM) y sus numerosas subfases. Las fechas que se adjuntarán a estos siguen siendo muy discutidas, aunque dentro de rangos cada vez más estrechos. [15]
Se ha debatido mucho la relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y, posteriormente, con el arte griego antiguo . Dominó claramente el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, [16] incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero sólo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Media griega después del colapso de la Grecia micénica . [17]
Alrededor del año 1100 a. C., las tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y su arte tomó una nueva dirección. La cultura de la antigua Grecia se destaca por sus destacadas contribuciones a las artes visuales. La pintura sobre cerámica y cerámica de la antigua Grecia ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. Todavía existen muchos buenos ejemplos de pintura de jarrones de figuras negras y de figuras rojas .
Algunos pintores griegos famosos que trabajaron sobre paneles de madera y que se mencionan en los textos son Apeles , Zeuxis y Parrasio ; sin embargo, con la única excepción de los paneles de Pitsa , no sobrevive ningún ejemplo de pintura sobre paneles de la antigua Grecia, sólo descripciones escritas de sus contemporáneos o romanos posteriores. Zeuxis vivió en el siglo V a. C. y se dice que fue el primero en utilizar sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus cuadros era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apeles es descrito como el pintor más grande de la antigüedad y se destaca por su perfecta técnica en el dibujo, colores brillantes y modelado.
El arte romano recibió influencia de Grecia y, en parte, puede considerarse descendiente de la pintura griega antigua. Sin embargo, la pintura romana sí tiene importantes características singulares. Las pinturas romanas que se conservan incluyen pinturas murales y frescos , muchos de ellos procedentes de villas de Campania , en el sur de Italia, en sitios como Pompeya y Herculano . Esta pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales [18] y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'œil , pseudoperspectiva y paisaje puro. [19]
Casi los únicos retratos pintados que se conservan del mundo antiguo son un gran número de retratos de ataúdes en forma de busto encontrados en el cementerio egipcio de Al-Fayum . Aunque no fueron ni de la mejor época ni de la más alta calidad, son impresionantes en sí mismos y dan una idea de la calidad que debió tener la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano.
El surgimiento del cristianismo impartió un espíritu y un objetivo diferentes a los estilos de pintura. El arte bizantino , una vez establecido su estilo en el siglo VI, puso gran énfasis en conservar la iconografía y el estilo tradicionales, y evolucionó gradualmente durante los mil años del Imperio Bizantino y las tradiciones vivas de la pintura de iconos ortodoxa griega y rusa . La pintura bizantina tiene un sentimiento hierático y los iconos eran y todavía son vistos como una representación de la revelación divina. Había muchos frescos , pero han sobrevivido menos que los mosaicos . El arte bizantino ha sido comparado con la abstracción contemporánea , por su planitud y sus representaciones muy estilizadas de figuras y paisajes. Algunos períodos del arte bizantino, especialmente el llamado arte macedonio de alrededor del siglo X, tienen un enfoque más flexible. En la iglesia de Chora de Estambul sobreviven frescos del Renacimiento paleólogo de principios del siglo XIV .
En la Europa católica post-antigua, el primer estilo artístico distintivo que surgió que incluía la pintura fue el arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos supervivientes son miniaturas de manuscritos iluminados como el Libro de Kells . [20] Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque también se representaron figuras y, a veces, escenas, especialmente en retratos de evangelistas . El arte carolingio y otoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque quedan algunas pinturas murales y hay más documentadas. El arte de este período combina influencias insulares y "bárbaras" con una fuerte influencia bizantina y una aspiración a recuperar la monumentalidad y el aplomo clásicos.
Los muros de las iglesias románicas y góticas fueron decorados con frescos además de esculturas y muchos de los pocos murales que quedan tienen gran intensidad, y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. De la época sobreviven muchas más miniaturas en manuscritos iluminados , que muestran las mismas características, que continúan hasta el período gótico .
La pintura sobre paneles se vuelve más común durante el período románico , bajo la fuerte influencia de los iconos bizantinos. Hacia mediados del siglo XIII, el arte medieval y la pintura gótica se volvieron más realistas, con el inicio del interés por la representación del volumen y la perspectiva en Italia con Cimabue y luego con su alumno Giotto . A partir de Giotto, el tratamiento de la composición por parte de los mejores pintores también se volvió mucho más libre e innovador. Se les considera los dos grandes maestros de la pintura medieval en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utilizó un enfoque más realista y dramático en su arte. Su alumno, Giotto, llevó estas innovaciones a un nivel superior que a su vez sentó las bases de la tradición pictórica occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el avance hacia el naturalismo.
Las iglesias se construyeron con cada vez más ventanas y el uso de vidrieras de colores se convirtió en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto lo encontramos en la catedral de Notre Dame de París . En el siglo XIV las sociedades occidentales eran más ricas y más cultas y los pintores encontraron nuevos mecenas en la nobleza e incluso en la burguesía . Los manuscritos iluminados adquirieron un nuevo carácter y en sus paisajes aparecían mujeres de la corte esbeltas y vestidas a la moda. Este estilo pronto se conoció como estilo gótico internacional y fue dominante desde 1375 hasta 1425, y las pinturas al temple y los retablos ganaron importancia.
El Renacimiento (en francés, "renacimiento"), un movimiento cultural que abarcó aproximadamente desde el siglo XIV hasta mediados del siglo XVII, fue impulsado por el humanismo renacentista y el estudio de las fuentes clásicas. En pintura, en las décadas de 1420 y 1430, los principales pintores de Italia y los Países Bajos desarrollaron por separado nuevas formas de pintar que permitieron que las pinturas parecieran más realistas que las obras de pintores consagrados, cuyo estilo se conoce como gótico internacional , o en algunos casos como el Protorrenacimiento (principalmente en Italia). Este período, que duró aproximadamente hasta 1495, se conoció como el Renacimiento Temprano .
En la zona de Flandes de los Países Bajos, tras los avances en la iluminación de manuscritos , especialmente por los hermanos Limbourg , que murieron en 1416, los artistas quedaron fascinados por lo tangible del mundo visible y comenzaron a representar objetos de una manera extremadamente naturalista. [21] La adopción de la pintura al óleo , cuyo primer uso en pinturas sobre tabla se atribuyó tradicionalmente, pero erróneamente, a Jan van Eyck , hizo posible una nueva verosimilitud en la representación de este naturalismo. El medio de pintura al óleo ya estaba presente en la obra de Melchior Broederlam (que murió en 1409), pero Robert Campin (anteriormente conocido como el Maestro de Flémalle ) y van Eyck llevaron su uso a nuevas alturas y lo emplearon para representar el naturalismo para que apuntaban. Con este nuevo medio, los pintores de este período fueron capaces de crear colores más ricos con una tonalidad profunda e intensa. La ilusión de una luz brillante con un acabado similar a la porcelana caracterizó la pintura holandesa temprana y fue una gran diferencia con la superficie mate de la pintura al temple utilizada en Italia. [21]
A diferencia de los italianos, cuyo trabajo se basó en gran medida en el arte de la antigua Roma, los norteños conservaron un residuo estilístico de la escultura y los manuscritos iluminados de la Edad Media (especialmente su naturalismo). Otro pintor holandés importante de este período fue Rogier van der Weyden , alumno de Campin, cuyas composiciones enfatizaban las emociones y el drama humanos, como lo demostró, por ejemplo, en su Descendimiento de la Cruz , que se encuentra entre las obras más famosas del siglo XV y fue la Pintura holandesa más influyente de la crucifixión de Cristo. Otros artistas importantes fueron Hugo van der Goes (cuya obra fue muy influyente en Italia), Dieric Bouts (que estuvo entre los primeros pintores del norte en demostrar el uso de un único punto de fuga), [21] Petrus Christus , Hans Memling y Gerard David. . En conjunto, los avances de la pintura en la Europa al norte de los Alpes se conocen como Renacimiento del Norte .
En la pintura del Renacimiento italiano , el arte de la antigüedad clásica inspiró un estilo de pintura que enfatizaba el ideal. A Masaccio se le atribuyen avances en la perspectiva lineal, la representación del volumen en sus figuras y la representación de emociones en los rostros de sus figuras en la década de 1420. Luego, artistas como Paolo Uccello , Fra Angelico , Piero della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi y Sandro Botticelli , en el período del Renacimiento temprano que duró aproximadamente hasta 1495, y luego Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti y Rafael durante el Alto Renacimiento. aproximadamente entre 1495 y 1520, llevaron la pintura a un nivel superior mediante el uso de la perspectiva , el estudio de la anatomía humana y las proporciones, y mediante el desarrollo de un refinamiento sin precedentes en las técnicas de dibujo y pintura. En Venecia surgió un estilo del Alto Renacimiento algo más naturalista . Los pintores de la escuela veneciana , como Giovanni Bellini , Giorgione , Tiziano y Veronés , estaban menos preocupados por la precisión en sus dibujos que por la riqueza del color y la unidad de efecto que se podía lograr mediante un enfoque más espontáneo de la pintura.
Los pintores flamencos, holandeses y alemanes del Alto Renacimiento del Norte, como Alberto Durero , Lucas Cranach , Matthias Grünewald y Hans Holbein el Joven, tuvieron un enfoque diferente al de sus homólogos italianos, más realista y menos idealizado. Algunos pintores del norte, comenzando con Durero en la década de 1490, viajaron a Italia para ver obras del Alto Renacimiento italiano e incorporaron las características del arte italiano en diversos grados. Una generación más tarde, el inicio de la pintura de género como tema de grandes obras comenzó con Peter Aertsen y Pieter Bruegel . Una generación posterior de pintores del Renacimiento del Norte que viajaron a Roma y adoptaron gran parte del enfoque idealizado del Renacimiento italiano llegaron a ser conocidos como romanistas .
La pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y de las ciencias ( astronomía , geografía ) que se produjo en este período, la Reforma y la invención de la imprenta . El grabado adquirió cada vez más importancia y fue practicado por muchos pintores. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, afirma que los pintores no son meros artesanos sino también pensadores . Con el desarrollo de la pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Las pinturas de caballete (cuadros móviles que se podían colgar fácilmente en las paredes) se convirtieron en una alternativa popular a las pinturas fijadas a muebles, paredes u otras estructuras. Después de siglos dominados por la imaginería religiosa, los temas seculares regresaron lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluían visiones del mundo que los rodeaba o productos de su propia imaginación en sus pinturas. Aquellos que pudieran afrontar el gasto podrían convertirse en mecenas y encargar retratos de ellos mismos o de sus familias.
El Alto Renacimiento en Italia dio lugar a un arte estilizado conocido como Manierismo después de 1520, aunque algunos pintores, como Tiziano y Paolo Veronese , continuaron pintando en un estilo del Alto Renacimiento hasta finales de siglo. En lugar de las composiciones equilibradas y el enfoque racional de la perspectiva que caracterizaron el arte de principios del siglo XVI, los manieristas buscaron la inestabilidad, el artificio y la duda. Las tranquilas Vírgenes de Rafael y las expresiones serenas de los súbditos de Leonardo son reemplazadas por las expresiones preocupadas de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco . Las composiciones inquietas e inestables, a menudo efectos de perspectiva extremos o disyuntivos y poses estilizadas son características de manieristas italianos como Tintoretto , Pontormo y Bronzino , y aparecieron más tarde en la obra de manieristas del norte como Hendrick Goltzius , Bartholomeus Spranger y Joachim Wtewael. .
La pintura barroca está asociada con el movimiento cultural barroco , movimiento a menudo identificado con el absolutismo y la Contrarreforma o Renacimiento católico; [22] [23] Sin embargo, la existencia de importante pintura barroca en estados no absolutistas y protestantes también subraya su popularidad, ya que el estilo se extendió por toda Europa occidental. [24]
La pintura barroca se caracteriza por un gran dramatismo, colores ricos y profundos e intensas luces y sombras oscuras con el propósito de que el arte evoque emoción y pasión en lugar de la racionalidad tranquila que había sido apreciada durante el Renacimiento. Los primeros pintores barrocos incluyeron a los hermanos Caracci, Annibale y Agostino , en la última parte del siglo XVI, y Caravaggio en la última década del siglo. Caravaggio es reconocido como uno de los más grandes pintores barrocos y heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento . Su aproximación realista a la figura humana, pintada directamente del natural y dramáticamente iluminada sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. El barroco fue el estilo de pintura dominante a partir de 1600 y continuó durante todo el siglo XVII. Entre los más grandes pintores del Barroco se encuentran Rubens , Velázquez , Rembrandt , Frans Hals , Johannes Vermeer , Le Nain , Jusepe de Ribera , Poussin , Tour y Claude Lorraine , que se centró en la pintura de paisajes. Poussin, Claude y La Tour, todos franceses, adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos atención a la emoción y mayor atención al contorno de las figuras del cuadro que al color. La mayoría de estos pintores viajaron a Italia como parte de su formación y luego llevaron el estilo barroco a sus países de origen, aunque en algunos casos permanecieron en Italia gran parte de su carrera (Claude y Poussin). En Italia, el estilo barroco está personificado por las pinturas religiosas y mitológicas a la gran manera de artistas como Carracci , Guido Reni y Luca Giordano . Los frescos ilusionistas del techo de la iglesia de Pietro da Cortona parecían abrirse al cielo.
Un tipo de barroco mucho más tranquilo surgió en la República Holandesa , donde las pinturas de caballete de temas cotidianos eran populares entre los coleccionistas de clase media, y muchos pintores se convirtieron en especialistas en el género , otros en paisajes, marinas o naturalezas muertas. Vermeer, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch aportaron un gran refinamiento técnico a la pintura de escenas domésticas, al igual que Willem Claesz. Heda a la naturaleza muerta. Por el contrario, Rembrandt destacó pintando todo tipo de temas y desarrolló un estilo pictórico individual en el que los claroscuros y los fondos oscuros derivados de Caravaggio y los caravaggistas de Utrecht pierden su calidad teatral. La pintura barroca holandesa a menudo se conoce como pintura holandesa del Siglo de Oro .
Durante el siglo XVIII, la pintura rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívola y erótica y utilizando colores pastel claros. El rococó se desarrolló por primera vez en las artes decorativas y el diseño de interiores en Francia. La sucesión de Luis XV supuso un cambio en los artistas de la corte y en la moda artística en general. La década de 1730 representó el apogeo del desarrollo rococó en Francia, ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher . El rococó todavía mantenía el gusto barroco por las formas complejas y los patrones intrincados, pero en ese momento había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluido el gusto por los diseños orientales y las composiciones asimétricas.
El estilo rococó se difundió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue bien recibido en las partes católicas de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusionó con las animadas tradiciones barrocas alemanas. El rococó alemán se aplicó con entusiasmo a iglesias y palacios, particularmente en el sur, mientras que el rococó frederiano se desarrolló en el Reino de Prusia .
Los maestros franceses Watteau , Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin , considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo XVIII: el antirococó . El retrato fue un componente importante de la pintura en todos los países, pero especialmente en Inglaterra, donde los líderes fueron William Hogarth , en un estilo realista contundente, y Francis Hayman , Angelica Kauffman (que era suiza), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores. influenciado por Anthony van Dyck . En Francia, durante la época rococó, Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot ), [25] se destacó en retratos y pinturas históricas , y Maurice Quentin de La Tour y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron retratistas de gran éxito . La Tour se especializó en pintura al pastel , que se convirtió en un medio popular durante este período.
William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no hizo referencia intencional al movimiento, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo ). . El principio del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760, cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas a la superficialidad y degeneración del arte. Blondel denunció la "ridícula mezcla de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [26]
En 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David , cuyas imponentes pinturas históricas que representaban acontecimientos históricos y contemporáneos encarnaban los ideales de la Revolución Francesa .
Después del rococó surgió a finales del siglo XVIII, en la arquitectura y luego en la pintura, un neoclasicismo severo , mejor representado por artistas como David y su heredero Ingres . La obra de Ingres ya contiene gran parte de la sensualidad, pero nada de la espontaneidad, que caracterizaría al romanticismo .
A mediados del siglo XIX, los pintores se liberaron de las exigencias de su mecenazgo y sólo representaron escenas de religión, mitología, retratos o historia. El arte se convirtió más puramente en un medio de expresión personal en la obra de pintores como Francisco de Goya , John Constable y JMW Turner . Los pintores románticos convirtieron la pintura de paisajes en un género mayor, considerado hasta entonces como un género menor o como fondo decorativo para composiciones de figuras. Algunos de los pintores más importantes de este período son Eugène Delacroix , Théodore Géricault , JMW Turner, Caspar David Friedrich y John Constable. La última obra de Francisco Goya demuestra el interés romántico por lo irracional, la obra de Arnold Böcklin evoca misterio, la obra de la Hermandad Prerrafaelita en Inglaterra combina una asidua devoción por la naturaleza con la nostalgia por la cultura medieval, y las pinturas del artista del movimiento estético James Abbott. McNeill Whistler evoca la sofisticación, la decadencia y la filosofía del "arte por el arte". En los Estados Unidos, la tradición romántica de la pintura de paisajes se conocía como la Escuela del Río Hudson : [27] sus exponentes incluyen a Thomas Cole , Frederic Edwin Church , Albert Bierstadt , Thomas Moran y John Frederick Kensett . El luminismo fue un movimiento en la pintura de paisajes estadounidense relacionado con la Escuela del Río Hudson.
Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo fue Gustave Courbet , cuyas pinturas no idealizadas de gente común ofendieron a los espectadores acostumbrados al tema convencional y lamieron el acabado del arte académico , pero inspiraron a muchos artistas más jóvenes. El destacado pintor de la Escuela de Barbizon, Jean-François Millet, también pintó paisajes y escenas de la vida campesina. Camille Corot estuvo vagamente asociada con la Escuela de Barbizon , quien pintó en una vena tanto romántica como realista ; su obra prefigura el impresionismo , al igual que las pinturas de Johan Jongkind y Eugène Boudin (quien fue uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre). Boudin fue una influencia importante para el joven Claude Monet , a quien en 1857 introdujo en la pintura al aire libre .
En el último tercio del siglo, impresionistas como Édouard Manet , Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Mary Cassatt y Edgar Degas trabajaron con un enfoque más directo que el que se había exhibido públicamente anteriormente. Evitaron la alegoría y la narrativa en favor de respuestas individualizadas al mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, confiando en la destreza del dibujo y una paleta altamente cromática. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima desempeñaron un papel importante en su trabajo. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos en el campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito tradicional de hacer bocetos que luego desarrollarían en trabajos cuidadosamente terminados en el estudio. [28] Al pintar bajo la luz del sol directamente de la naturaleza y haciendo un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, desarrollaron una manera de pintar más ligera y brillante.
Manet, Degas, Renoir, Morisot y Cassatt se concentraron principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones tuvieron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, y Renoir se centró en el desnudo femenino. Mientras que Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, lo que culminó con su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny .
Postimpresionistas como Paul Cézanne y Vincent van Gogh , Paul Gauguin y Georges-Pierre Seurat, un poco más jóvenes, llevaron el arte al borde del modernismo . Para Gauguin, el impresionismo dio paso a un simbolismo personal. Seurat transformó el color roto del impresionismo en un estudio óptico científico, estructurado sobre composiciones a modo de frisos. La técnica de pintura que desarrolló, llamada divisionismo , atrajo a muchos seguidores como Paul Signac , y durante algunos años, a finales de la década de 1880, Pissarro adoptó algunos de sus métodos. El turbulento método de aplicación de la pintura de Van Gogh, junto con un uso sonoro del color, predijo el expresionismo y el fauvismo , y Cézanne, que deseaba unir la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, llegaría a ser visto como un precursor del arte del siglo XX. .
El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en los Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de impresionistas estadounidenses como Childe Hassam , John Henry Twachtman y Theodore Robinson . También ejerció influencia en pintores que no eran principalmente impresionistas en teoría, como el retratista y paisajista John Singer Sargent . Al mismo tiempo, en Estados Unidos, a principios del siglo XX, existía un realismo nativo y casi insular, ricamente encarnado en la obra figurativa de Thomas Eakins , la Escuela Ashcan y los paisajes marinos y paisajísticos de Winslow Homer , todas cuyas pinturas Estaban profundamente comprometidos con la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, motivo en gran medida dependiente de la ambigüedad del nocturno, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock .
A finales del siglo XIX también hubo varios grupos, bastante diferentes, de pintores simbolistas cuyas obras resonaron entre los artistas más jóvenes del siglo XX, especialmente entre los fauvistas y los surrealistas . Entre ellos se encontraban Gustave Moreau , Odilon Redon , Pierre Puvis de Chavannes , Henri Fantin-Latour , Arnold Böcklin , Ferdinand Hodler , Edvard Munch , Félicien Rops , Jan Toorop y Gustav Klimt , y los simbolistas rusos como Mikhail Vrubel .
Los pintores simbolistas explotaron la mitología y las imágenes oníricas en busca de un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que evocaran un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el Simbolismo no son los emblemas familiares de la iconografía dominante sino referencias intensamente personales, privadas, oscuras y ambiguas. Más una filosofía que un estilo de arte real, los pintores simbolistas influyeron en el movimiento Art Nouveau contemporáneo y en Les Nabis . En su exploración de temas oníricos, los pintores simbolistas se encuentran a lo largo de siglos y culturas, como lo hacen todavía hoy; Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como "Simbolismo más Freud ". [29]
La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin y Seurat fue fundamental para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, entre ellos el precubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo del arte de París con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos. que los críticos denominaron fauvismo . La segunda versión de La danza de Henri Matisse marca un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. [30] Refleja la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo : los intensos colores cálidos contra el frío fondo azul verdoso y la sucesión rítmica de desnudos danzantes transmiten sentimientos de liberación emocional y hedonismo . Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono . Con el cuadro Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso creó un cuadro nuevo y radical que representa una escena de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerda a las máscaras tribales africanas y sus propios inventos cubistas. El cubismo fue desarrollado conjuntamente aproximadamente entre 1908 y 1912 por Pablo Picasso y Georges Braque , cuyo Violín y candelabro, París (1910) se muestra aquí. La primera manifestación clara del cubismo la practicaron Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Henri Le Fauconnier y Robert Delaunay . Pronto se unieron Juan Gris , Marcel Duchamp , Alexander Archipenko , Joseph Csaky y otros. [31] El cubismo sintético , practicado por Braque y Picasso, se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage , papel collé y una gran variedad de temas fusionados. [31]
El Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y al fauvismo . El grupo obtuvo su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las fieras"), [32] contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la habitación con ellos. [33] La escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope , de Henri Rousseau (que no era fauve), colgaba cerca de las obras de Matisse y puede haber inspirado el término sarcástico utilizado en la prensa. [34] El comentario de Vauxcelles se imprimió el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó a ser de uso popular. [33] [35]
En las dos primeras décadas del siglo XX y después del cubismo, surgieron varios otros movimientos importantes; Futurismo ( Balla ), Arte abstracto ( Kandinsky ) Der Blaue Reiter (Kandinsky y Franz Marc ), Bauhaus (Kandinsky y Klee ), Orfismo , ( Delaunay y Kupka ), Sincromismo ( Russell ), De Stijl ( van Doesburg y Mondrian ), Suprematismo ( Malevich ), el constructivismo ( Tatlin ), el dadaísmo ( Duchamp , Picabia y Arp ), y el surrealismo ( de Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí y Ernst ). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas hasta el cine de vanguardia , el teatro y la danza moderna , y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda.
El fauvismo fue un grupo informal de artistas de principios del siglo XX cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo por encima de los valores representativos. Los líderes del movimiento eran Henri Matisse y André Derain , una especie de rivales amistosos, cada uno con sus propios seguidores. Al final, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Los pintores fauvistas incluyeron a Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , el pintor holandés Kees van Dongen y el socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros. [36]
El fauvismo no tuvo teorías concretas y duró poco, comenzando en 1905 y terminando en 1907. Sólo tuvieron tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad en edad y su previo autoestablecimiento en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Mme. Matisse, La raya verde , causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar, y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard , André Derain viajó a Londres y produjo una serie de pinturas, entre ellas el Puente de Charing Cross, Londres, en estilo fauvista , parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet .
En 1907, el fauvismo ya no era un nuevo movimiento impactante, y Appolinaire dijo de Matisse en un artículo publicado en La Falange : "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". [37]
Die Brücke fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores fueron Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff . Los miembros posteriores incluyeron a Max Pechstein y Otto Mueller . Este grupo fundamental tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo . [38]
Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró desde 1911 hasta 1914, fundamental para el expresionismo. Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff (1909) se puede ver aquí, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta a la Rechazo del cuadro de Kandinsky El juicio final de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, sino que se centraba en Kandinsky y Marc. También participaron los artistas Gabriele Münter y Paul Klee . El nombre del movimiento proviene de una pintura de 1903 de Kandinsky . Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno. [39]
El expresionismo y el simbolismo son rúbricas amplias que involucran varios movimientos relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia realizado en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron principalmente entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. El fauvismo , Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos de pintores expresionistas y simbolistas más conocidos. El cuadro de Marc Chagall Yo y el pueblo cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de simbolismo artístico. Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann , Franz Marc , Georges Rouault , Amedeo Modigliani y algunos estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley y Stuart Davis , fueron Considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque Alberto Giacometti es considerado principalmente un escultor surrealista, también realizó intensas pinturas expresionistas.
Los pintores estadounidenses durante el período comprendido entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Artistas modernistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy y Stuart Davis crearon reputaciones en el extranjero. Mientras que Patrick Henry Bruce [40] creó pinturas relacionadas con el cubismo en Europa, tanto Stuart Davis como Gerald Murphy hicieron pinturas que fueron las primeras inspiraciones del arte pop estadounidense [41] [42] [43] y Marsden Hartley experimentó con el expresionismo. Durante la década de 1920, el fotógrafo Alfred Stieglitz expuso a Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin y otros artistas, incluidos los maestros europeos Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne y Picasso, en su ciudad de Nueva York. galería el 291 . [44] En Europa maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento.
Wassily Kandinsky es generalmente considerado uno de los primeros pintores importantes del arte abstracto moderno . Como uno de los primeros modernistas , teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos , que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones fueron generalmente tituladas como el ejemplo de la Composición VII , estableciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro Sobre lo espiritual en el arte . Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen a la pintora sueca Hilma af Klint , el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee . Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz del color y su experimentación tanto con la profundidad como con el tono.
Marcel Duchamp saltó a la fama internacional a raíz del Armory Show de la ciudad de Nueva York en 1913, donde su Desnudo bajando una escalera, nº 2 se convirtió en una causa célebre. Posteriormente creó La novia desnudada por sus solteros, Incluso , Vidrio grande . El Gran Vidrio llevó el arte de la pintura a límites radicalmente nuevos, siendo en parte pintura, en parte collage y en parte construcción. Duchamp (que pronto renunciaría a la creación artística por el ajedrez) se asoció estrechamente con el movimiento dadaísta que comenzó en la neutral Zürich, Suiza , durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo entre 1916 y 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos de arte , teoría del arte), teatro y diseño gráfico para promover su política pacifista y el rechazo de los estándares predominantes en el arte a través de obras culturales antiarte . Otros artistas asociados con el movimiento dadaísta incluyen a Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Hannah Höch , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp y Sophie Taeuber-Arp . Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en las décadas de 1920 y 1930.
En 1924 André Breton publicó el Manifiesto Surrealista . El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de vanguardia y contó con artistas cuyas obras variaban desde lo abstracto hasta lo súper realista. Con obras sobre papel como Machine Turn Quickly , Francis Picabia continuó su implicación en el movimiento dadaísta durante 1919 en Zúrich y París, antes de separarse de él tras desarrollar un interés por el arte surrealista. Yves Tanguy , René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por sus representaciones realistas de imágenes oníricas y manifestaciones fantásticas de la imaginación. Durante la década de 1920 la obra de André Masson fue decisiva para ayudar al joven artista Joan Miró a encontrar sus raíces en la pintura surrealista. El campo labrado (1923-1924) de Miró roza la abstracción al tiempo que sugiere un complejo de objetos, figuras y disposiciones de personajes sexualmente activos; fue la primera obra maestra surrealista de Miró . [45] Joan Miró, Jean Arp, André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.
Max Ernst, cuyo cuadro de 1920 El avión asesino se puede ver aquí, estudió filosofía y psicología en Bonn y estaba interesado en las realidades alternativas que experimentan los locos. Es posible que sus pinturas se hayan inspirado en el estudio del psicoanalista Sigmund Freud sobre los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en mujer como un complejo de castración . La imagen central de dos pares de piernas hace referencia a los deseos hermafroditas de Schreber. La inscripción de Ernst en el reverso del cuadro dice: El cuadro es curioso por su simetría. Los dos sexos se equilibran. [46]
A lo largo de la década de 1930, el surrealismo siguió haciéndose más visible para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Gran Bretaña y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue un hito del período y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Grupos surrealistas de Japón, y especialmente de América Latina, el Caribe y México, produjeron obras innovadoras y originales. Otros artistas surrealistas destacados incluyen a Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning y Leonor Fini .
Durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , la escena artística europea se caracterizó por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus , De Stijl , el dadaísmo, la Neue Sachlichkeit y el expresionismo; y fue ocupada por maestros pintores modernistas en color como Henri Matisse y Pierre Bonnard .
,_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg/1280px-Max_Beckmann,_1918-19,_The_Night_(Die_Nacht),_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg)
En Alemania, Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetividad") surgió cuando Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros politizaron sus pinturas. El trabajo de estos artistas surgió del expresionismo, fue una respuesta a las tensiones políticas de la República de Weimar y, a menudo, fue marcadamente satírico.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso . [47] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la localidad vasca de Gernika fue escenario del " Bombardeo de Gernika " por parte de la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al Gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su mural Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.
Guernica es un inmenso mural en blanco y negro, pintado al óleo, de 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (23 pies) de ancho. El mural presenta una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia sin retratar sus causas inmediatas. La elección de pintar en blanco y negro evoca la inmediatez de una fotografía de periódico. [48] La pintura se exhibió por primera vez en París en 1937, luego en Escandinavia y Londres, y en 1939, a petición de Picasso, la pintura fue enviada a los Estados Unidos en un préstamo ampliado (para custodia) en el MoMA . Finalmente, de acuerdo con el deseo de Picasso de regalar el cuadro al pueblo español, fue enviado a España en 1981.
Desde la Gran Depresión de la década de 1930 hasta los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense . Los movimientos de regionalismo que contenían comentarios tanto políticos como sociales dominaron el mundo del arte en Estados Unidos. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retrata a un granjero con una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic , es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte asumieron que tenía una intención satírica; se pensaba que era parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, ejemplificada en Winesburg, Ohio (1919) de Sherwood Anderson ,Main Street (1920) de Sinclair Lewis y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. [49] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión , la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
Un renacimiento de las artes en América Latina incluyó al pintor uruguayo Joaquín Torres García , el pintor mexicano Rufino Tamayo , artistas del movimiento muralista mexicano como Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado , y los simbolistas. pintora Frida Kahlo . Los muralistas transmitieron mensajes históricos y políticos. Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera y el trabajo inacabado finalmente fue destruido por el personal de Rockefeller.
Las obras de Frida Kahlo se relacionan con el surrealismo y el movimiento del realismo mágico en la literatura. Sus obras se caracterizan a menudo por sus crudas representaciones del dolor. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos, que frecuentemente incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. [50]
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense , un movimiento que combinaba lecciones aprendidas de los modernistas europeos a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham . Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo André Breton , de la galería de Pierre Matisse y de la galería El arte de este siglo de Peggy Guggenheim , entre otros factores.
La pintura estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial llamada expresionismo abstracto incluyó a artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , Esteban Vicente , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin y Theodoros Stamos , entre otros. El expresionismo abstracto estadounidense recibió su nombre en 1946 del crítico de arte Robert Coates . [51] [52] El expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campo de color son sinónimos de la Escuela de Nueva York . [53]
Técnicamente, el surrealismo fue un predecesor importante del expresionismo abstracto con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson . Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey , especialmente sus lienzos de "escritura en blanco", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "completo" de las pinturas de Pollock.
Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos lo sienten, bastante nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. Las enérgicas " pinturas de acción " de Pollock , con su sensación de "ocupación", son diferentes tanto técnica como estéticamente de la violenta y grotesca serie Mujeres de Willem de Kooning . Mujer V forma parte de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador del arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II, Mujer III y Mujer IV. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton , de Kooning exploró más a fondo el tema a través de dibujos y pasteles. Terminó de trabajar en Mujer I en noviembre de 1952, y probablemente los otros tres cuadros de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. [54] La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas . Otro artista importante es Franz Kline , como lo demuestra su cuadro High Street (1950), quien fue etiquetado como pintor de acción por su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada, en figuras o imágenes, sino en lo real. pinceladas y uso del lienzo.
Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente brillantes de la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), están clasificados como expresionistas abstractos, aunque según Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campos de color.
Durante la década de 1950, la pintura Color Field se refería inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto , especialmente a la obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. Básicamente se trataba de pinturas abstractas con grandes y planas extensiones de color que expresaban los sentimientos y propiedades sensuales y visuales de grandes áreas de superficie matizada. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada pero diferente de la pintura de acción. La extensión general y la gestalt del trabajo de los primeros pintores de campos de color hablan de una experiencia casi religiosa, asombrada ante un universo en expansión de sensualidad, color y superficie. Desde principios hasta mediados de la década de 1960, la pintura Color Field pasó a referirse a los estilos de artistas como Jules Olitski , Kenneth Noland y Helen Frankenthaler , cuyas obras estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación, y con artistas más jóvenes como Larry Zox . y Frank Stella , todos avanzando en una nueva dirección.
Durante las décadas de 1930 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto , la pintura de campos de color, la abstracción pospictórica , el op art , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzos con formas y la abstracción lírica . Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, permitiendo que las imágenes continuaran a través de varios contextos nuevos, como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la de 1960. A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas en la pintura paisajística y figurativa con temas contemporáneos. Incluyen artistas tan variados como Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro, Sr. y Elaine de Kooning .
En Italia durante esta época, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más destacado y exploró una amplia variedad de enfoques para representar botellas e utensilios de cocina cotidianos. [55]
.jpg/1280px-Frida_Kahlo_(self_portrait).jpg)
El retrato de Willem de Kooning realizado por Arshile Gorky es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo . Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham Gorky crearon composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que en la década de 1940 evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando líneas y colores para expresar sentimientos y naturaleza. [56] [57]
Estudio según el Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez , 1953 es una pintura del artista de origen irlandés Francis Bacon y es un ejemplo del expresionismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. La obra muestra una versión distorsionada del Retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra forma parte de una serie de variantes de la pintura de Velázquez que Bacon ejecutó a lo largo de los años cincuenta y principios de los sesenta, en un total de cuarenta -Cinco obras. [58] Cuando se le preguntó por qué se veía obligado a volver a abordar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que simplemente "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa ordinaria ese color púrpura sin adoptando una especie de actitud falsamente fauve ." [59] El Papa en esta versión hierve de ira y agresión, y los colores oscuros dan a la imagen una apariencia grotesca y de pesadilla. [60] Las cortinas plisadas del fondo se vuelven transparentes y parecen caer a través del rostro del Papa. [61]
El trabajo figurativo de Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto. Nighthawks (1942) es una pintura realista de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No es sólo el cuadro más famoso de Hopper, sino también uno de los más reconocibles del arte americano. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper. Una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX es la pintura al temple de Wyeth, Christina's World , en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York . Representa a una mujer tendida en el suelo en un campo sin árboles, en su mayor parte leonado, mirando hacia una casa gris en el horizonte y arrastrándose hacia ella; Junto a la casa hay un granero y varias otras pequeñas dependencias. [62]
Después de la Segunda Guerra Mundial, el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo , el equivalente europeo del expresionismo abstracto estadounidense, y esos artistas también están relacionados con Cobra . Sus defensores importantes son Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff y Georges Mathieu , entre varios otros. A principios de la década de 1950, Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo) y De Staël abandonaron la abstracción y regresaron a la imaginería a través de la figuración y el paisaje. El regreso de De Staël a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) a principios de la década de 1950 puede verse como un precedente influyente para el movimiento figurativo del Área de la Bahía estadounidense , ya que muchos de esos pintores abstractos como Richard Diebenkorn , David Park , Elmer Bischoff , Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; Volviendo a las imágenes a mediados de la década de 1950. Gran parte de la obra tardía de De Staël, en particular sus paisajes abstractos de mediados de los años 1950, predice la pintura de campo de color y la abstracción lírica de los años 1960 y 1970. Milton Avery también a través de su uso del color y su interés en las pinturas de paisajes marinos y paisajísticos relacionados con el aspecto del campo de color del expresionismo abstracto manifestado por Adolph Gottlieb y Mark Rothko, así como las lecciones que los pintores estadounidenses aprendieron de la obra de Henri Matisse . [63] [64]
El arte pop en Estados Unidos se inspiró inicialmente en gran medida en las obras de Jasper Johns , Larry Rivers y Robert Rauschenberg , aunque las pinturas de Gerald Murphy , Stuart Davis y Charles Demuth durante las décadas de 1920 y 1930 presagian el estilo y la temática del pop. arte.
En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, Rauschenberg y Johns crearon obras de arte que al principio parecían ser continuaciones de la pintura expresionista abstracta . En realidad, sus obras, y la obra de Larry Rivers, fueron desviaciones radicales del expresionismo abstracto, especialmente en el uso de imágenes banales y literales y la inclusión de materiales mundanos en su trabajo. el uso que hace Johns de diversas imágenes y objetos como sillas, números, dianas, latas de cerveza y la bandera estadounidense ; Las pinturas de Rivers de temas extraídos de la cultura popular, como George Washington cruzando el Delaware , y sus inclusiones de imágenes de anuncios como el camello de los cigarrillos Camel ; y las sorprendentes construcciones de Rauschenberg que utilizaban inclusiones de objetos e imágenes tomadas de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, calles de la ciudad y taxidermia , dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte estadounidense. Finalmente, en 1963, el movimiento llegó a ser conocido mundialmente como arte pop.
El arte pop está ejemplificado por los artistas Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna en obras como Drowning Girl (1963; Museo de Arte Moderno, Nueva York ), que se apropió de la historia principal de Secret Hearts #83 de DC Comics . [65] ) Los contornos gruesos, los colores llamativos y los puntos Ben-Day reproducen la apariencia de la impresión comercial. Lichtenstein diría de su propio trabajo: Los expresionistas abstractos "colocaban cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es prácticamente la misma". ; los míos simplemente no parecen caligráficos, como los de Pollock o Kline". [66] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes y contenidos reconocibles a la mezcla. En octubre de 1962, la galería Sidney Janis montó The New Realists , la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. El espectáculo conmocionó a la Escuela de Nueva York y resonó en todo el mundo. Latas de sopa Campbell (a veces denominadas 32 latas de sopa Campbell ) es el título de una obra de arte de Andy Warhol que fue producida en 1962. Consta de treinta y dos lienzos de igual tamaño, cada uno de los cuales consta de una pintura de una lata de sopa Campbell. —uno de cada variedad de sopa enlatada que ofrecía la empresa en ese momento. Las pinturas individuales fueron producidas con un proceso de serigrafía semimecanizado , utilizando un estilo no pictórico . Ayudaron a marcar el comienzo del arte pop como un importante movimiento artístico que se basaba en temas de la cultura popular .
Anteriormente, en Inglaterra, en 1956, Lawrence Alloway utilizó el término arte pop para pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. [67] Las primeras obras del artista inglés David Hockney , como A Bigger Splash , y las obras de Richard Hamilton , Peter Blake y Eduardo Paolozzi , se consideran ejemplos fundamentales del movimiento. En las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tuvo su escaparate y la Green Gallery de la calle 57 empezó a exponer a Tom Wesselmann y James Rosenquist . Hay una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes –con sentido del humor; y artistas pop como Alex Katz , Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y otros.
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura de campo de color , la abstracción pospictórica , el arte óptico , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzos con formas , la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción con el Art brut , [68] como se ve en Court les rues, 1962, de Jean Dubuffet , Fluxus , Neo-Dada , Nuevo Realismo , Fotorrealismo , permitiendo que las imágenes resurgieran a través de varios nuevos contextos como el arte pop , el movimiento figurativo del Área de la Bahía (un excelente ejemplo es Cityscape I, (Paisaje No. 1) (1963) de Diebenkorn, y más tarde, en la década de 1970, el neoexpresionismo . El movimiento figurativo del Área de la Bahía, de quien David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn , cuyo cuadro Cityscape 1 ( 1963) es un ejemplo típico, fueron miembros influyentes que florecieron durante las décadas de 1950 y 1960 en California. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de maneras nuevas y radicales . Raysse , Christo , Niki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl y Vija Celmins fueron algunos de los que se destacaron entre los años 1960 y 1960. Década de 1980. Fairfield Porter fue en gran medida autodidacta y produjo trabajos representativos en medio del movimiento expresionista abstracto. Sus temas fueron principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas.
También durante las décadas de 1960 y 1970 hubo una reacción contra la pintura. Críticos como Douglas Crimp vieron el trabajo de artistas como Ad Reinhardt y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: Fluxus , Happening , Videoarte , Instalación arte Mail art , los situacionistas , Arte conceptual , Postminimalismo , Earth art , arte povera , performance art y body art entre otros. [69] [70]
Neo-Dada es también un movimiento que comenzó en las décadas de 1950 y 1960 y se relacionó con el expresionismo abstracto sólo con imágenes. Esta tendencia, en la que los artículos manufacturados se combinan con materiales de artistas, se ejemplifica en el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg . Las "cosechadoras" de Rauschenberg en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de instalación , e hicieron uso del ensamblaje de objetos físicos de gran tamaño, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine y Edward Kienholz, entre otros, crearon nuevas convenciones de creación artística; hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical de materiales inverosímiles como parte de sus obras de arte. [71] [72]
Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de diversos estilos. La abstracción geométrica , el op art, la pintura de bordes duros , la pintura Color Field y la pintura minimalista fueron algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un importante pionero en la pintura Colorfield avanzada , su trabajo puede servir como puente entre el expresionismo abstracto , la pintura Colorfield y el arte minimalista . Dos influyentes maestros, Josef Albers y Hans Hofmann , introdujeron a una nueva generación de artistas estadounidenses en sus avanzadas teorías del color y el espacio. Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstraccionista geométrico . Los más famosos de todos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie Homenaje a la Plaza . En esta rigurosa serie, iniciada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados planos de colores dispuestos concéntricamente en el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de la pintura de vanguardia como del Op art.
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , [73] Ellsworth Kelly , John McLaughlin , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry Zox , Al Held , Mino Argento [74] son artistas estrechamente asociados con la abstracción geométrica , el op art, la pintura de campos de color y, en el caso de Hofmann y Newman, también con el expresionismo abstracto. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams, David Novros , Paul Mogenson, son ejemplos de artistas asociados al minimalismo y (a excepción de Martin, Baer y Marden) al uso del lienzo moldeado. también durante el período que comenzó a principios de los años sesenta. Muchos artistas abstractos geométricos , minimalistas y pintores de bordes duros optaron por utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo moldeado se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente afiladas o de carácter minimalista. La Galería Bykert y la Galería Park Place fueron importantes escaparates del minimalismo y la pintura sobre lienzos moldeados en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.
La pintura Color Field apuntó hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, alejándose del expresionismo abstracto . Relacionada con la abstracción pospictórica , el suprematismo , el expresionismo abstracto, la pintura de vanguardia y la abstracción lírica , [75] la pintura Color Field buscaba librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox y otros pintaron con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. Ciertos artistas hicieron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , los artistas querían presentar cada pintura como una imagen monolítica y cohesiva. Gene Davis, junto con Kenneth Noland, Morris Louis y varios otros, fue miembro de los pintores de la Washington Color School que comenzaron a crear pinturas Color Field en Washington, DC durante las décadas de 1950 y 1960. Black, Grey, Beat es una gran pintura de rayas verticales y típico del trabajo de Gene Davis. Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman, Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros y Al Loving son ejemplos de artistas asociados con el uso del lienzo moldeado durante el período que comienza en principios de los años 1960.
A partir de 1960, Frank Stella realizó pinturas en pintura de aluminio y cobre y sus primeras obras utilizaron lienzos perfilados (lienzos con una forma distinta a la tradicional rectángulo o cuadrado), a menudo en forma de L, N, U o T. Posteriormente se convirtieron en diseños más elaborados, en la serie Polígono irregular (1967), por ejemplo. Más tarde comenzó su Serie Transportador (1971) de pinturas, en las que arcos , a veces superpuestos, dentro de bordes cuadrados se organizan uno al lado del otro para producir círculos completos y medios círculos pintados en anillos de color concéntrico. Harran II, 1967, es un ejemplo de la Serie Transportador .
La Galería Andre Emmerich, la Galería Leo Castelli , la Galería Richard Feigen y la Galería Park Place fueron importantes escaparates de la pintura Color Field, la pintura sobre lienzos moldeados y la abstracción lírica en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Existe una conexión con la abstracción post-pictórica , que reaccionó contra el misticismo, la hipersubjetividad y el énfasis de los expresionismos abstractos en hacer dramáticamente visible el acto de pintar en sí mismo, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un prerrequisito casi ritual para pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura Color Field y el arte minimalista a menudo estaban estrechamente asociados entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970 ambos movimientos se volvieron decididamente diversos.
La abstracción lírica (término acuñado por Larry Aldrich, fundador del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield Connecticut), abarcaba lo que Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento. [76] También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos de los Estados Unidos entre 1969 y 1971. [77] La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta libre. que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de expresionismo pictórico y pictórico con un enfoque predominante en el proceso, la gestalt y las estrategias compositivas repetitivas en general. [78] [79] En contraste con Action Painting, donde el énfasis está en las pinceladas y el alto drama compositivo, en Lyrical Abstraction, como lo ejemplifica el cuadro de Ronnie Landfield de 1971 Garden of Delight , hay una sensación de aleatoriedad compositiva, drama compositivo relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad general. La abstracción lírica de finales de la década de 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen , Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) . 80] buscó ampliar los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, nuevos materiales y nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalaciones, repeticiones en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse . [80] Abstracción lírica, arte conceptual , posminimalismo, arte de la tierra , vídeo, arte performance , arte de instalación , junto con la continuación de Fluxus, expresionismo abstracto, pintura de campos de color, pintura de bordes duros, arte minimalista, arte óptico, arte pop, El fotorrealismo y el nuevo realismo ampliaron los límites del arte contemporáneo desde mediados de los años sesenta hasta los setenta. [81]
Uno de los primeros artistas específicamente asociado con el minimalismo fue Frank Stella , cuyas primeras pinturas de "rayas" se destacaron en la exposición de 1959, "16 Americans", organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . Los anchos de las rayas en las pinturas de Stella no eran del todo subjetivos, sino que estaban determinados por las dimensiones de la madera utilizada para construir el chasis de soporte sobre el cual se estiraba el lienzo. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló: "El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha considerado necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura". Estas obras reductivas contrastaban marcadamente con las pinturas llenas de energía y aparentemente cargadas de emociones de Willem de Kooning o Franz Kline y se inclinaban más hacia pinturas de campo coloristas menos gestuales de Barnett Newman y Mark Rothko .
Artistas como Larry Poons —cuyo trabajo se relacionaba con el Op Art con su énfasis en puntos, óvalos e imágenes residuales que rebotaban en campos de color— Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell y Robert Ryman también habían comenzado a explorar rayas, monocromáticos y Hard- formatos de borde desde finales de la década de 1950 hasta la de 1960. [82]
Debido a una tendencia en el minimalismo a excluir lo pictórico, ilusionista y ficticio en favor de lo literal, como lo demostró Robert Mangold , quien entendió el concepto de la forma del lienzo y su relación con la objetividad , hubo un movimiento que se alejó de lo pictórico y hacia inquietudes escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor y terminado como creador de objetos. Su ensayo fundamental, "Objetos específicos" (publicado en Arts Yearbook 8, 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló evidencia de este desarrollo en las obras de una variedad de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia "preliminar" para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman [2], quien había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y cargadas de filosofía. Estos Objetos Específicos habitaban un espacio que entonces no podía clasificarse cómodamente como pintura o escultura. Que la identidad categórica de tales objetos estuviera en duda y que evitaran una fácil asociación con convenciones gastadas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd.
En un sentido mucho más general, se podrían encontrar raíces europeas del minimalismo en los pintores de abstracciones geométricas de la Bauhaus , en las obras de Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento DeStijl, en los constructivistas rusos y en la obra del escultor rumano Constantin. Brâncuși . Pintores americanos como Brice Marden y Cy Twombly muestran una clara influencia europea en su pintura puramente abstracta y minimalista de los años 60. Las obras de poliuretano de Ronald Davis de finales de la década de 1960 rinden homenaje a los Vidrios Rotos de Marcel Duchamp . Este movimiento fue duramente criticado por críticos e historiadores de arte formalistas modernistas. Algunos críticos ansiosos pensaron que el arte minimalista representaba una mala comprensión de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura tal como la define el crítico Clement Greenberg , posiblemente el crítico de pintura estadounidense dominante en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue realizada por Michael Fried , un crítico greenbergiano, que objetó la obra por su "teatralidad". En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte minimalista, particularmente la escultura minimalista, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Sostuvo que obras como la de Robert Morris transformaban el acto de mirar en un tipo de espectáculo , en el que se develaba el artificio de la observación del acto y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético interno a un evento externo a la obra de arte como un fracaso del arte minimalista.
Ad Reinhardt , en realidad un artista de la generación expresionista abstracta , pero cuyas reductivas pinturas completamente negras parecían anticipar el minimalismo, dijo lo siguiente sobre el valor de un enfoque reduccionista del arte: "Cuanto más cosas hay en él, más ocupada está la obra". del arte, peor es. Menos es más. El ojo es una amenaza para la vista clara. El despojarse de uno mismo es obsceno. [83]
Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Richard Diebenkorn , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Sam Francis , Gene Davis , Joan Mitchell , Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Sam Gilliam y Sean Scully. , Pat Steir , Elizabeth Murray , Walter Darby Bannard , Dan Christensen , Joan Snyder, Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile y docenas de otros produjeron pinturas vitales e influyentes.
Otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante las décadas de 1960 y 1970, caracterizadas por la pintura monocromática y la pintura de borde duro inspiradas en Ad Reinhardt , Barnett Newman , Milton Resnick y Ellsworth Kelly. Artistas tan diversos como Al Held , Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden y otros exploraron el poder de la simplificación. La convergencia de la pintura Color Field , el arte minimalista, la pintura Hard-edge, la abstracción lírica y el posminimalismo desdibujó la distinción entre movimientos que se hizo más evidente en las décadas de 1980 y 1990. El movimiento neoexpresionista está relacionado con desarrollos anteriores del expresionismo abstracto, el neodadá , la abstracción lírica y la pintura posminimal.
A finales de la década de 1960, el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a liderar una transición del expresionismo abstracto al neoexpresionismo en la pintura, abandonando la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de representaciones más caricaturescas de diversos símbolos y objetos personales. Estas obras sirvieron de inspiración para una nueva generación de pintores interesados en un resurgimiento de las imágenes expresivas. [84] Su pintura Pintar, fumar, comer es un ejemplo del regreso de Guston a la representación.
A finales de los años 1970 y principios de los 1980, también se produjo un retorno a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña . Estos movimientos se denominaron Transavantguardia , Neue Wilde , Figuración Libre , [85] Neoexpresionismo , la escuela de Londres y, a finales de los 80, los Stuckistas respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por los grandes formatos, la libre expresión expresiva, la figuración, el mito y la imaginación. Todo trabajo de este género pasó a ser etiquetado como neoexpresionismo .
El neoexpresionismo fue un estilo de pintura moderna que se hizo popular a finales de los años 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de los años 1980. Se desarrolló en Europa como reacción contra el arte conceptual y minimalista de los años 1960 y 1970. Los neoexpresionistas volvieron a representar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera prácticamente abstracta) de una manera tosca y violentamente emocional utilizando colores vivos y armonías de color banales. Los pintores veteranos Philip Guston, Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck y Georg Baselitz , junto con los artistas un poco más jóvenes Damien Hirst , Anselm Kiefer , los estadounidenses Eric Fischl , Susan Rothenberg , David Salle , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel y Keith Haring , los italianos Francesco Clemente , Mimmo Paladino , Sandro Chia y Enzo Cucchi , y muchos otros se hicieron conocidos por trabajar en esta intensa vena expresionista de la pintura. La reacción crítica estuvo dividida. Algunos críticos consideraron que estaba impulsado por motivaciones de lucro por parte de las grandes galerías comerciales. [84]
Anselm Kiefer es una figura destacada del neoexpresionismo europeo. [86] En la década de 1980, los temas de Kiefer se ampliaron desde un enfoque en el papel de Alemania en la civilización al destino del arte y la cultura en general. Su obra se volvió más escultórica e involucra no sólo la identidad nacional y la memoria colectiva , sino también el simbolismo oculto , la teología y el misticismo . [87] El tema de toda la obra es el trauma experimentado por sociedades enteras y el continuo renacimiento y renovación de la vida.
La pintura todavía ocupa una posición respetada en el arte contemporáneo . El arte es un campo abierto que ya no está dividido por la dicotomía objetivo versus no objetivo. Los artistas pueden lograr un éxito crítico ya sea que sus imágenes sean representativas o abstractas. Lo que tiene vigencia es el contenido, la exploración de los límites del medio y el rechazo a recapitular las obras del pasado como objetivo final. [88] [89] [90]
A lo largo del siglo XX y principios del XXI, con la llegada de las formas de arte moderno y posmoderno , las distinciones entre lo que generalmente se considera bellas artes y artes vulgares han comenzado a desvanecerse, [91] a medida que el arte elevado contemporáneo continúa desafiando estas conceptos mezclándolos con la cultura popular . [92]
La pintura convencional ha sido rechazada por los artistas de la era posmoderna en favor del pluralismo artístico . [93] Según el crítico de arte Arthur Danto, prevalece una actitud de todo vale ; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, "nada pasa"; Esto crea un atasco estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la superautopista artística llenos al máximo. [94]
Sobre los efectos de la imprenta de Gutenberg
_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg/1280px-Telephus_(son_of_Hercules)_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg)
![Vidrio romano con una figura pintada de un gladiador, encontrado en Begram, Afganistán (una vez parte del Reino Greco-Bactriano, luego bajo el Imperio Kushan), 52-125 d.C.[11]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Gladiateur_Begram_Guimet_18117.jpg/1280px-Gladiateur_Begram_Guimet_18117.jpg)
.jpg/1280px-Ascension_from_Vasilyevskiy_chin_(15th_c.,_GTG).jpg)
_Altare_Monforte_-_Adorazione_dei_Magi_(1470_circa)_-_Tecnica_olio_su_tavola_Dimensioni_147%C3%97242_cm_-_Gem%C3%A4ldegalerie,_Berlin.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
.jpg/1280px-Das_J%C3%BCngste_Gericht_(Memling).jpg)
.jpg/1280px-Madonna_and_Child_(Filippo_Lippi).jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sir_Anthony_Van_Dyck_-_Charles_I_(1600-49)_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg/1280px-Giambattista_Tiepolo_-_La_morte_di_Giacinto_(1752-53)_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg)
.jpg/1280px-Fran%C3%A7ois_Boucher,_Ruhendes_M%C3%A4dchen_(1751,_Wallraf-Richartz_Museum).jpg)
.jpg/1280px-JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_(Museo_del_Louvre,_1818-19).jpg)
![Henri Rousseau, 1905, el motivo del término fauvismo] y el original "Bestia salvaje"](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rousseau-Hungry-Lion.jpg/1280px-Rousseau-Hungry-Lion.jpg)
,_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg/1280px-Wassily_Kandinsky,_1903,_The_Blue_Rider_(Der_Blaue_Reiter),_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg)
.jpg/1280px-The_dining_room_in_the_country_by_Pierre_Bonnard_(1913).jpg)
,_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg/1280px-Robert_Delaunay,_1912,_Les_Fen%C3%AAtres_simultan%C3%A9e_sur_la_ville_(Simultaneous_Windows_on_the_City),_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg)
