Jean-Auguste-Dominique Ingres ( / ˈ æ ŋ ɡ r ə , ˈ æ̃ ɡ r ə / ANG -grə , francés: [ʒɑ̃ oɡyst dɔminik ɛ̃ɡʁ] ; 29 de agosto de 1780 - 14 de enero de 1867) fue un pintor neoclásico francés . Ingres estaba profundamente influenciado por las tradiciones artísticas pasadas y aspiraba a convertirse en el guardián de la ortodoxia académica contra el estilo romántico en ascenso . Aunque se consideraba un pintor de historia en la tradición de Nicolas Poussin y Jacques-Louis David , son sus retratos , tanto pintados como dibujados, los que se reconocen como su mayor legado. Sus expresivas distorsiones de la forma y el espacio lo convirtieron en un importante precursor del arte moderno , influyendo en Picasso , Matisse y otros modernistas.
Nacido en el seno de una familia modesta de Montauban , viajó a París para estudiar en el taller de David . En 1802 debutó en el Salón y ganó el Premio de Roma por su cuadro Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Cuando partió en 1806 para su residencia en Roma, su estilo, que revelaba su minucioso estudio de los maestros del Renacimiento italiano y flamenco, estaba completamente desarrollado y cambiaría poco durante el resto de su vida. Mientras trabajaba en Roma y posteriormente en Florencia de 1806 a 1824, envió regularmente pinturas al Salón de París, donde fueron criticadas por los críticos que encontraron su estilo extraño y arcaico. Recibió pocos encargos durante este período para las pinturas de historia que aspiraba pintar, pero pudo mantenerse a sí mismo y a su esposa como retratista y dibujante.
Finalmente fue reconocido en el Salón de 1824, cuando su pintura rafaelesca , El voto de Luis XIII , fue aclamada e Ingres fue reconocido como el líder de la escuela neoclásica en Francia. Aunque los ingresos procedentes de los encargos de cuadros de historia le permitieron pintar menos retratos, su Retrato de Monsieur Bertin marcó su siguiente éxito popular en 1833. Al año siguiente, su indignación por las duras críticas a su ambiciosa composición El martirio de San Sinforiano le llevó a Regresó a Italia, donde asumió la dirección de la Academia Francesa en Roma en 1835. Regresó definitivamente a París en 1841. En sus últimos años pintó nuevas versiones de muchas de sus composiciones anteriores, una serie de diseños para vidrieras, varios retratos importantes de mujeres, y El baño turco , la última de sus varias pinturas orientalistas del desnudo femenino, que terminó a la edad de 83 años.
Ingres nació en Montauban , Tarn-et-Garonne , Francia, el primero de siete hijos (cinco de los cuales sobrevivieron a la infancia) de Jean-Marie-Joseph Ingres (1755-1814) y su esposa Anne Moulet (1758-1817). ). Su padre era un exitoso experto en todas las artes, pintor de miniaturas , escultor, cantero decorativo y músico aficionado; su madre era la hija casi analfabeta de un maestro peluquero. [2] De su padre, el joven Ingres recibió desde temprano estímulo e instrucción en dibujo y música, y su primer dibujo conocido, un estudio a partir de un molde antiguo, lo realizó en 1789. [3] A partir de 1786, asistió a la escuela local École des Frères de l'Éducation Chrétienne, pero su educación se vio interrumpida por la agitación de la Revolución Francesa , y el cierre de la escuela en 1791 marcó el final de su educación convencional. La deficiencia en su escolaridad siempre será para él una fuente de inseguridad. [4]
En 1791, Joseph Ingres llevó a su hijo a Toulouse , donde el joven Jean-Auguste-Dominique se matriculó en la Académie Royale de Peinture, Sculpture et Architecture. Allí estudió con el escultor Jean-Pierre Vigan, el paisajista Jean Briant y el pintor neoclásico Guillaume-Joseph Roques . La veneración de Roques por Rafael fue una influencia decisiva en el joven artista. [5] Ingres ganó premios en varias disciplinas, como composición, "figuras y antigüedades" y estudios de la vida. [6] Su talento musical se desarrolló bajo la tutela del violinista Lejeune, y desde los trece a los dieciséis años tocó el segundo violín en la Orchestre du Capitole de Toulouse. [6]
Desde temprana edad estuvo decidido a ser un pintor de historia, lo que, en la jerarquía de géneros establecida por la Real Academia de Pintura y Escultura de Luis XIV, y que continuó hasta bien entrado el siglo XIX, se consideraba el nivel más alto de la pintura. No quería simplemente hacer retratos o ilustraciones de la vida real como su padre; quería representar a los héroes de la religión, la historia y la mitología, idealizarlos y mostrarlos de manera que explicaran sus acciones, rivalizando con las mejores obras de la literatura y la filosofía. [7]
En marzo de 1797, la Academia concedió a Ingres el primer premio de dibujo, y en agosto viajó a París para estudiar en el estudio de Jacques-Louis David , el principal pintor francés (y europeo) durante el período revolucionario, en cuyo estudio permaneció durante cuatro años. años. Ingres siguió el ejemplo neoclásico de su maestro. [8] En 1797, David estaba trabajando en su enorme obra maestra, La intervención de las sabinas , y fue modificando gradualmente su estilo, alejándose de los modelos romanos de realismo riguroso y adoptando los ideales de pureza, virtud y simplicidad del arte griego. [9]
Uno de los otros estudiantes de David, Étienne-Jean Delécluze , quien más tarde se convirtió en crítico de arte, describió a Ingres como un estudiante:
Se distinguía no sólo por la franqueza de su carácter y su disposición a trabajar solo... era uno de los más estudiosos... participaba poco en todas las locuras turbulentas que le rodeaban, y estudiaba con más perseverancia que la mayoría de sus condiscípulos... Todas las cualidades que caracterizan hoy el talento de este artista, la finura de los contornos, el verdadero y profundo sentimiento de la forma, y un modelado con extraordinaria corrección y firmeza, ya se podían ver en sus primeros estudios. Si bien varios de sus compañeros y el propio David señalaron una tendencia a la exageración en sus estudios, todos quedaron impresionados por sus grandes composiciones y reconocieron su talento. [10]
Fue admitido en el departamento de pintura de la École des Beaux-Arts en octubre de 1799. En 1800 y 1801 ganó el gran premio de pintura de figuras por sus pinturas de torsos masculinos. [11]
En 1800 y 1801 compitió por el Premio de Roma, el premio más alto de la Academia, que daba derecho al ganador a cuatro años de residencia en la Academia Francesa de Roma. Quedó segundo en su primer intento, pero en 1801 se llevó el primer premio con Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Las figuras de los enviados, a la derecha del cuadro, son musculosas y sólidas como estatuas, en el estilo enseñado por David, pero las dos figuras principales de la izquierda, Aquiles y Patroclo, son móviles, vívidas y elegantes, como figuras en un delicado bajorrelieve. [12]
Su residencia en Roma se pospuso hasta 1806 debido a la escasez de fondos estatales. Mientras tanto, trabajó en París junto con varios otros estudiantes de David en un estudio proporcionado por el estado, y desarrolló aún más un estilo que enfatizaba la pureza de los contornos. Encontró inspiración en las obras de Rafael, en las pinturas de vasijas etruscas y en los grabados de contornos del artista inglés John Flaxman . [6] Sus dibujos de Hermafrodita y la ninfa Salmacis mostraban un nuevo ideal estilizado de belleza femenina, que reaparecería más tarde en su Júpiter et Thetis y sus famosos desnudos. [13]
En 1802 debutó en el Salón con Retrato de mujer (cuyo paradero actual se desconoce). Entre 1804 y 1806 pintó una serie de retratos que llamaban la atención por su extrema precisión, especialmente por la riqueza de sus tejidos y los minúsculos detalles. Estos incluyeron el Retrato de Philipbert Riviére (1805), el Retrato de Sabine Rivière (1805–06), el Retrato de Madame Aymon (también conocida como La Belle Zélie ; 1806) y el Retrato de Caroline Rivière (1805–06). Los rostros femeninos no tenían ningún detalle, pero sí estaban suavizados y destacaban por sus grandes ojos ovalados, sus delicados colores de carne y sus expresiones más bien oníricas. Por lo general, sus retratos tenían fondos simples de colores sólidos oscuros o claros, o de cielo. Estos fueron el comienzo de una serie que lo convertiría en uno de los retratistas más célebres del siglo XIX. [14]
Mientras Ingres esperaba para partir hacia Roma, su amigo Lorenzo Bartolini le presentó las pinturas del Renacimiento italiano, en particular las obras de Bronzino y Pontormo , que Napoleón había traído de su campaña en Italia y colocado en el Louvre . Ingres asimiló su claridad y monumentalidad en su propio estilo de retrato. En el Louvre también se encontraban obras maestras del arte flamenco, incluido el Retablo de Gante de Jan van Eyck , que el ejército francés se había apoderado durante su conquista de Flandes. La precisión del arte flamenco del Renacimiento pasó a formar parte del estilo de Ingres. [15] El eclecticismo estilístico de Ingres representó una nueva tendencia en el arte. El Louvre, recientemente lleno del botín capturado por Napoleón en sus campañas en Italia y los Países Bajos , brindó a los artistas franceses de principios del siglo XIX una oportunidad sin precedentes de estudiar, comparar y copiar obras maestras de la antigüedad y de toda la historia de la pintura europea. . [16] Como ha escrito la historiadora del arte Marjorie Cohn: "En ese momento, la historia del arte como investigación académica era completamente nueva. Artistas y críticos se superaron entre sí en sus intentos de identificar, interpretar y explotar lo que apenas comenzaban a percibir". como desarrollos estilísticos históricos." [17] Desde el comienzo de su carrera, Ingres tomó prestado libremente del arte anterior, adoptando el estilo histórico apropiado para su tema, y en consecuencia fue acusado por los críticos de saquear el pasado. [17]
En 1803 recibió un prestigioso encargo, siendo uno de los cinco artistas seleccionados (junto con Jean-Baptiste Greuze , Robert Lefèvre , Charles Meynier y Marie-Guillemine Benoist ) para pintar retratos de cuerpo entero de Napoleón Bonaparte como Primer Cónsul . Estos se distribuirían en las ciudades de la prefectura de Lieja , Amberes , Dunkerque , Bruselas y Gante , todas las cuales fueron cedidas recientemente a Francia en el Tratado de Lunéville de 1801 . [18] No se sabe que Napoleón haya concedido una sesión a los artistas, y el retrato meticulosamente pintado de Ingres de Bonaparte, primer cónsul , parece estar inspirado en una imagen de Napoleón pintada por Antoine-Jean Gros en 1802. [19]
En el verano de 1806, Ingres se comprometió con Marie-Anne-Julie Forestier , pintora y músico, antes de partir hacia Roma en septiembre. Aunque esperaba permanecer en París el tiempo suficiente para presenciar la inauguración del Salón de ese año, en el que expondría varias obras, se marchó de mala gana a Italia pocos días antes de la inauguración. [20]
Ingres pintó un nuevo retrato de Napoleón para su presentación en el Salón de 1806, este muestra a Napoleón en el Trono Imperial para su coronación. Esta pintura era completamente diferente de su retrato anterior de Napoleón como Primer Cónsul; se concentró casi por completo en el lujoso traje imperial que Napoleón había elegido usar y los símbolos de poder que ostentaba. El cetro de Carlos V , la espada de Carlomagno , las ricas telas, pieles y capas, la corona de hojas de oro, las cadenas de oro y los emblemas estaban presentados con extrema precisión; El rostro y las manos del Emperador casi se perdían en el majestuoso traje. [21]
En el Salón, sus pinturas ( Autorretrato , retratos de la familia Rivière y Napoleón I en su trono imperial ) recibieron una acogida muy fría. [22] David pronunció un juicio severo, [3] y los críticos fueron hostiles. Chaussard ( Le Pausanias Français , 1806) elogió "la finura de la pincelada y el acabado de Ingres", pero condenó el estilo de Ingres como gótico y preguntó:
¿Cómo, con tanto talento, una línea tan impecable, una atención al detalle tan minuciosa, el señor Ingres ha logrado pintar un mal cuadro? La respuesta es que quería hacer algo singular, algo extraordinario... La intención del señor Ingres es nada menos que hacer retroceder el arte cuatro siglos, hacernos retroceder a su infancia, revivir el estilo de Jean de Brujas . [23]
Recién llegado a Roma, Ingres leyó con creciente indignación los recortes de prensa implacablemente negativos que le enviaban desde París sus amigos. En cartas a su futuro suegro, expresó su indignación ante los críticos: "Así que el Salón es el escenario de mi desgracia;... Los sinvergüenzas esperaron hasta que yo me fuera para asesinar mi reputación... "Nunca he sido tan infeliz... Sabía que tenía muchos enemigos; nunca estuve de acuerdo con ellos y nunca lo estaré. Mi mayor deseo sería volar al Salón y confundirlos con mis obras, que no se parecerán en nada al de ellos; y cuanto más avance, menos se parecerá su trabajo al mío". [24] Prometió no volver a exponer nunca más en el Salón, y su negativa a regresar a París provocó la ruptura de su compromiso. [25] Julie Forestier, cuando años más tarde se le preguntó por qué nunca se había casado, respondió: "Cuando uno ha tenido el honor de estar comprometido con el señor Ingres, no se casa". [26]
El 23 de noviembre de 1806, le escribió a Jean Forestier, el padre de su ex prometida: "Sí, será necesario reformar el arte y tengo la intención de ser así de revolucionario". [24] Característicamente, encontró un estudio en los terrenos de la Villa Medici , lejos de los otros artistas residentes, y pintó furiosamente. Muchos dibujos de monumentos de Roma de esta época se atribuyen a Ingres, pero según estudios más recientes parece que en realidad fueron obra de sus colaboradores, en particular su amigo el paisajista François-Marius Granet . [27] Como se requería de todo ganador del Premio , envió trabajos a intervalos regulares a París para que se pudiera juzgar su progreso. Tradicionalmente, los becarios enviaban pinturas de héroes griegos o romanos, pero para sus primeras muestras, Ingres envió Baigneuse à mi-corps (1807), una pintura de la espalda de una joven bañándose, basada en un grabado de un jarrón antiguo, y La Grande . Bagneuse (1808), una pintura de mayor tamaño de la espalda de un bañista desnudo, y el primer modelo de Ingres en usar turbante, un detalle que tomó prestado de la Fornarina de su pintor favorito, Rafael . [28] Para satisfacer a la Academia de París, también envió a Edipo y la Esfinge para mostrar su dominio del desnudo masculino. [29] El veredicto de los académicos de París fue que las cifras no estaban suficientemente idealizadas. [30] En años posteriores, Ingres pintó varias variantes de estas composiciones; Otro desnudo iniciado en 1807, la Venus Anadyomene , permaneció inacabado durante décadas, para ser completado cuarenta años después [31] y finalmente exhibido en 1855.
Durante su estancia en Roma también pintó numerosos retratos: Madame Duvaucey (1807), François-Marius Granet (1807), Joseph-Antoine Moltedo (1810), Madame Panckoucke (1811) y Charles-Joseph-Laurent Cordier (1811). [32] En 1812 pintó uno de sus pocos retratos de una mujer mayor, la condesa de Tournon , madre del prefecto de Roma. [33] En 1810 la pensión de Ingres en la Villa Medici terminó, pero decidió quedarse en Roma y buscar el patrocinio del gobierno de ocupación francés.
En 1811 Ingres completó su último ejercicio estudiantil, el inmenso Júpiter y Tetis , una escena de la Ilíada de Homero: la diosa del mar, Tetis, suplica a Zeus que actúe a favor de su hijo Aquiles . El rostro de la ninfa del agua Salmacis que había dibujado años antes reapareció como Tetis. Ingres escribió con entusiasmo que había planeado pintar este tema desde 1806 y que tenía la intención de "desplegar todo el lujo del arte en su belleza". [34] Sin embargo, una vez más, los críticos fueron hostiles, criticando las proporciones exageradas de las figuras y la calidad plana y sin aire de la pintura. [35]
Aunque se enfrentaba a perspectivas inciertas, en 1813 Ingres se casó con una joven, Madeleine Chapelle, recomendada por sus amigos en Roma. Luego de un noviazgo realizado a través de correspondencia, él le propuso matrimonio sin haberla conocido y ella aceptó. [36] Su matrimonio fue feliz; La fe de Madame Ingres era inquebrantable. Continuó sufriendo críticas despectivas, como Don Pedro de Toledo besando la espada de Enrique IV , Rafael y la Fornarina ( Museo de Arte Fogg , Universidad de Harvard ), varios retratos y el Interior de la Capilla Sixtina encontraron una respuesta crítica generalmente hostil en el Salón de París. de 1814. [37]
Después de dejar la Academia, recibió algunos encargos importantes. El gobernador francés de Roma, el general Miollis , rico mecenas de las artes, le encargó decorar las habitaciones del palacio de Monte Cavallo , antigua residencia papal, para una esperada visita de Napoleón. Ingres pintó una victoria a gran escala de Rómulo sobre Acron (1811) para el salón de la emperatriz y El sueño de Ossian (1813), basado en un libro de poemas que admiraba Napoleón, para el techo del dormitorio del emperador. [38] El general Miollis también encargó a Ingres que pintara a Virgilio leyendo La Eneida ante Augusto, Livia y Octavia (1812) para su propia residencia, la villa Aldobrandini. [39] La pintura muestra el momento en que Virgilio, recitando su obra al emperador Augusto , su esposa Livia y su hermana Octavia , menciona el nombre del hijo muerto de Octavia, Marcelo , provocando que Octavia se desmaye. El interior fue representado con precisión, siguiendo los hallazgos arqueológicos de Pompeya . Como es habitual, Ingres realizó varias versiones de una misma escena: un fragmento de tres figuras recortado de una versión abandonada se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas, y en 1825 realizó un dibujo con tiza en formato vertical como modelo para un grabado reproductivo realizado por Pradier en 1832. [40] La versión del General Miollis fue recomprada por Ingres en la década de 1830, reelaborada por asistentes bajo la dirección de Ingres y nunca terminada; El sueño de Ossian también fue recomprado, modificado, pero quedó inacabado. [41]
Viajó a Nápoles en la primavera de 1814 para pintar a la reina Carolina Murat . Joachim Murat , el rey de Nápoles, había comprado anteriormente la Dormeuse de Nápoles , un desnudo dormido [42] (el original se ha perdido, pero existen varios dibujos, e Ingres retomó más tarde el tema en L'Odalisque à l'esclave ). Murat también encargó dos pinturas históricas, Raphael et la Fornarina y Paolo et Francesca , y lo que más tarde se convirtió en una de las obras más famosas de Ingres, La Grande Odalisque , para acompañar a Dormeuse de Nápoles . Ingres nunca recibió pago, debido al colapso del régimen de Murat y la ejecución de Joachim Murat en 1815. [43] Con la caída de la dinastía de Napoleón, se encontró esencialmente varado en Roma sin patrocinio.
Continuó produciendo retratos magistrales, a lápiz y al óleo, de precisión casi fotográfica; pero con la salida de la administración francesa, los encargos de pintura fueron escasos. Durante este punto bajo de su carrera, Ingres aumentó sus ingresos dibujando retratos a lápiz de los numerosos turistas adinerados, en particular ingleses, que pasaban por la Roma de la posguerra. Para un artista que aspiraba a ganarse la reputación de pintor de historia, esto parecía un trabajo de baja categoría, y a los visitantes que llamaban a su puerta y le preguntaban: "¿Es aquí donde vive el hombre que dibuja los pequeños retratos?", respondía con irritación: "¡No, el hombre que vive aquí es pintor!" [44] Los dibujos de retratos que produjo con tanta profusión durante este período se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. [45] Se estima que realizó unos quinientos dibujos de retratos, incluidos retratos de sus amigos famosos. Entre sus amigos se encontraban muchos músicos, incluido Paganini , y tocaba regularmente el violín con otras personas que compartían su entusiasmo por Mozart , Haydn , Gluck y Beethoven . [46]
También produjo una serie de pequeños cuadros en lo que se conoció como estilo trovador , retratos idealizados de acontecimientos de la Edad Media y el Renacimiento. En 1815 pintó a Aretino y al embajador de Carlos V , así como a Aretino y Tintoretto , un cuadro anecdótico cuyo tema, un pintor blandiendo una pistola a su crítico, puede haber resultado especialmente satisfactorio para el asediado Ingres. [47] Otras pinturas del mismo estilo incluyeron Enrique IV jugando con sus hijos (1817) y La muerte de Leonardo .
En 1816 Ingres realizó su único grabado , un retrato del embajador de Francia en Roma, monseñor Gabriel Cortois de Pressigny. [48] Las únicas otras impresiones que se sabe que ejecutó son dos litografías : Los cuatro magistrados de Besançon , realizada como ilustración para Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France del barón Taylor , y una copia de La Grande Odalisque , ambos en 1825. [49]
En 1817, el Conde de Blacas , que era embajador de Francia ante la Santa Sede , encargó a Ingres su primer encargo oficial desde 1814, un cuadro de Cristo entregando las llaves a Pedro . Terminada en 1820, esta imponente obra fue bien recibida en Roma pero, para disgusto del artista, las autoridades eclesiásticas no permitieron que fuera enviada a París para su exposición. [50]
En 1816 o 1817 los descendientes de Fernando Álvarez de Toledo, duque de Alba , encargaron un cuadro del duque recibiendo honores papales por su represión de la Reforma Protestante . Ingres detestaba el tema (consideraba al duque uno de los brutos de la historia) y luchaba por satisfacer tanto el encargo como su conciencia. Después de revisiones que finalmente redujeron al Duque a una pequeña figura en el fondo, Ingres dejó el trabajo sin terminar. [51] Anotó en su diario: "J'etais forcé par la necessité de peindre un pareil tableau; Dieu a voulu qu'il reste en ebauche". ("La necesidad me obligó a pintar un cuadro así; Dios quiso que siguiera siendo un boceto"). [52]
Continuó enviando obras al Salón de París, con la esperanza de lograr allí su gran avance. En 1819 envió su desnudo reclinado, La Grande Odalisca , así como un cuadro histórico, Felipe V y el mariscal de Berwick , y Roger liberando a Angélica , basado en un episodio del poema épico del siglo XVI Orlando Furioso de Ariosto pero su obra Fue nuevamente condenado por los críticos como gótico y antinatural. [53] El crítico Kératy se quejó de que la espalda de la Grande Odalisca tenía tres vértebras demasiado largas. El crítico Charles Landon escribió: "Después de un momento de atención, uno ve que en esta figura no hay huesos, ni músculos, ni sangre, ni vida, ni relieve, ni nada que constituya una imitación...es evidente que el El artista se equivocó deliberadamente, que quiso hacerlo mal, que creía en resucitar el estilo puro y primitivo de los pintores de la Antigüedad; pero tomó como modelo algunos fragmentos de épocas anteriores y una ejecución degenerada, y completamente perdió el rumbo." [54]
En 1820 Ingres y su esposa se trasladaron a Florencia a instancias del escultor florentino Lorenzo Bartolini , un viejo amigo de sus años en París. Todavía tenía que depender de sus retratos y dibujos para obtener ingresos, pero su suerte empezó a cambiar. [55] Su pintura de historia Roger Freeing Angelica fue comprada para la colección privada de Luis XVIII y colgada en el Museo de Luxemburgo en París, que recientemente se dedicó al trabajo de artistas vivos. Esta fue la primera obra de Ingres en ingresar a un museo. [56]
En 1821, terminó un cuadro encargado por un amigo de la infancia, Monsieur de Pastoret, La entrada en París del Delfín, el futuro Carlos V ; de Pastoret también encargó un retrato suyo y una obra religiosa ( Virgen del velo azul ). En agosto de 1820, con la ayuda de Pastoret, recibió el encargo de realizar una importante pintura religiosa para la catedral de Montauban. El tema fue el restablecimiento del vínculo entre la Iglesia y el Estado. La pintura de Ingres, El voto de Luis XIII (1824), inspirada en Rafael, era puramente de estilo renacentista y representaba al rey Luis XIII jurando dedicar su reinado a la Virgen María. Esto estaba en perfecta sintonía con la doctrina del nuevo gobierno de la Restauración. Pasó cuatro años terminando el gran lienzo y lo llevó al Salón de París en octubre de 1824, donde se convirtió en la llave que finalmente abrió las puertas del establecimiento artístico de París y de su carrera como pintor oficial. [57]
El voto de Luis XIII en el Salón de 1824 finalmente trajo a Ingres un éxito crítico. Aunque Stendhal se quejó del "tipo de belleza material que excluye la idea de divinidad", [58] la mayoría de los críticos elogiaron la obra. El periodista y futuro primer ministro y presidente francés, Adolphe Thiers, celebró la irrupción de un nuevo estilo: "No hay nada mejor que esta variedad, el carácter esencial del nuevo estilo". [58] En enero de 1825, Carlos X concedió a Ingres la Cruz de la Legión de Honor , y en junio de 1825 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes. [46] Las litografías de La Grande Odalisca publicadas en 1826 en dos versiones competitivas por Delpech y Sudré encontraron compradores entusiastas; Ingres recibió 24.000 francos por los derechos de reproducción, veinte veces más de lo que le habían pagado por el cuadro original seis años antes. [59] El Salón de 1824 también aportó una contracorriente al neoclasicismo de Ingres: Eugène Delacroix expuso Les Massacres de Scio , en un estilo romántico que contrastaba marcadamente con el de Ingres. [60]
El éxito de la pintura de Ingres llevó en 1826 a un nuevo encargo importante, La Apoteosis de Homero , un lienzo gigante que celebraba a todos los grandes artistas de la historia, destinado a decorar el techo de una de las salas del Museo Carlos X del Louvre. Ingres no pudo terminar el trabajo a tiempo para el Salón de 1827, pero exhibió la pintura en grisalla . [61] El Salón de 1827 se convirtió en un enfrentamiento entre el neoclasicismo de la Apoteosis de Ingres y un nuevo manifiesto del romanticismo de Delacroix, La muerte de Sardanápalo . Ingres se unió a la batalla con entusiasmo; Llamó a Delacroix "el apóstol de la fealdad" y dijo a sus amigos que reconocía "el talento, el carácter honorable y el espíritu distinguido" de Delacroix, pero que "tiene tendencias que creo que son peligrosas y que debo rechazar". [62] [63]
A pesar del considerable patrocinio que disfrutó bajo el gobierno borbónico, Ingres dio la bienvenida a la Revolución de julio de 1830. [64] Que el resultado de la Revolución no fuera una república sino una monarquía constitucional fue satisfactorio para el artista esencialmente conservador y pacifista, quien en una carta a un amigo en agosto de 1830 criticó a los agitadores que "todavía quieren ensuciar y perturbar el orden y la felicidad de una libertad tan gloriosamente y tan divinamente conquistada". [65] La carrera de Ingres se vio poco afectada y continuó recibiendo comisiones y honores oficiales bajo la Monarquía de Julio .
Ingres expuso en el Salón de 1833, donde su retrato de Louis-François Bertin (1832) fue un éxito particular. El público encontró fascinante su realismo, aunque algunos críticos declararon vulgar su naturalismo y su colorido monótono. [66] En 1834 terminó una gran pintura religiosa, El martirio de San Sinforiano , que representaba al primer santo martirizado en la Galia. La pintura fue encargada en 1824 por el Ministerio del Interior para la Catedral de Autun , y la iconografía del cuadro fue especificada por el obispo. Ingres concibió la pintura como la suma de todo su trabajo y habilidad, y trabajó en ella durante diez años antes de exhibirla en el Salón de 1834. Quedó sorprendido, impactado y enojado por la respuesta; La pintura fue atacada tanto por los neoclásicos como por los románticos. Ingres fue acusado de inexactitud histórica, por los colores y por la apariencia femenina de la Santa, que parecía una hermosa estatua. Ingres, enojado, anunció que ya no aceptaría encargos públicos y que ya no participaría en el Salón. Posteriormente participó en algunas exposiciones semipúblicas y en una retrospectiva de su obra en la Exposición Internacional de París de 1855 , pero nunca más participó en el Salón ni presentó su obra para el juicio público. En cambio, a finales de 1834 regresó a Roma para convertirse en director de la Academia de Francia. [67]
Ingres permaneció en Roma durante seis años. Dedicó gran parte de su atención a la formación de los estudiantes de pintura, como lo haría más tarde en la École des Beaux-Arts de París. Reorganizó la Academia, aumentó el tamaño de la biblioteca, añadió muchos moldes de estatuas clásicas a la colección de la Academia y ayudó a los estudiantes a conseguir encargos públicos tanto en Roma como en París. Viajó a Orvieto (1835), Siena (1835), Rávena y Urbino para estudiar los mosaicos paleocristianos, los murales medievales y el arte renacentista. [68] Dedicó considerable atención a la música, una de las materias de la academia; dio la bienvenida a Franz Liszt y Fanny Mendelssohn . Formó una larga amistad con Liszt. [69] El compositor Charles Gounod , que en ese momento era un pensionado en la Academia, describió la apreciación de Ingres por la música moderna, incluidos Weber y Berlioz, y su adoración por Beethoven, Haydn, Mozart y Gluck. Se unió a los estudiantes de música y a su amigo Niccolò Paganini para tocar las obras para violín de Beethoven. [68] Gounod escribió que Ingres "tenía la ternura de un niño y la indignación de un apóstol". Cuando Stendhal visitó la Academia y menospreció a Beethoven, Ingres se volvió hacia el portero, señaló a Stendhal y le dijo: "Si este caballero vuelve a llamar, no estaré aquí". [70]
Su rencor contra el establishment artístico de París por su fracaso en el Salón de 1834 no disminuyó. En 1836 rechazó un importante encargo del ministro francés del Interior, Adolphe Thiers , para decorar el interior de la iglesia de la Madeleine en París, porque el encargo se había ofrecido primero a un rival, Paul Delaroche , quien lo rechazó. [68] Completó un pequeño número de obras que envió a mecenas en París. Uno de ellos fue L'Odalisque et l'esclave , (1839), un retrato de una odalisca rubia, o miembro de un harén, que se reclina lánguidamente mientras un músico con turbante toca. Esto encajaba en el género popular del orientalismo; su rival Eugène Delacroix había creado una pintura sobre un tema similar, Les Femmes d'Alger , para el Salón de 1834. El escenario se inspiró en las miniaturas persas y estaba lleno de detalles exóticos, pero la larga forma reclinada de la mujer era puro Ingres. El crítico Théophile Gautier escribió sobre la obra de Ingres: "Es imposible pintar mejor el misterio, el silencio y la atmósfera sofocante del serrallo". En 1842 pintó una segunda versión, casi idéntica a la primera pero con un fondo paisajístico (pintada por su alumno Paul Flandrin ). [71]
El segundo cuadro que envió, en 1840, fue La enfermedad de Antíoco (1840; también conocido como Aniochus y Stratonice ), un cuadro histórico sobre el tema del amor y el sacrificio, un tema que David pintó en 1800, cuando Ingres estaba en su estudio. . Fue encargado por el duque de Orleans , hijo del rey Luis Felipe I ), y tenía una base arquitectónica muy elaborada diseñada por uno de los estudiantes de la Academia, Victor Baltard , el futuro arquitecto del mercado parisino Les Halles . La figura central era una mujer etérea vestida de blanco, cuya pose contemplativa con la mano en la barbilla se repite en algunos de los retratos femeninos de Ingres. [72]
Su pintura de Aniochius y Stratonice, a pesar de su pequeño tamaño, sólo un metro, fue un gran éxito para Ingres. En agosto se proyectó en el apartamento privado del duque de Orleans en el Pabellón Marsan del Palacio de las Tullerías. [73] El rey lo saludó personalmente en Versalles y le dio un recorrido por el palacio. Le ofrecieron el encargo de pintar un retrato del duque, heredero al trono, y otro del duque de Lunyes para crear dos enormes murales para el castillo de Dampierre . En abril de 1841 regresó definitivamente a París. [74]
Una de las primeras obras ejecutadas tras su regreso a París fue un retrato del duque de Orleans. Después de que el heredero al trono muriera en un accidente de carruaje unos meses después de que se terminara la pintura en 1842, Ingres recibió encargos para hacer copias adicionales. También recibió un encargo para diseñar diecisiete vidrieras para la capilla en el lugar donde ocurrió el accidente, y un encargo para ocho diseños de vidrieras adicionales para la capilla de Orleans en Dreux. [75] Se convirtió en profesor en la Escuela de Bellas Artes de París. Llevaba a sus alumnos con frecuencia al Louvre para ver el arte clásico y renacentista, indicándoles que miraran al frente y evitaran las obras de Rubens , que creía que se desviaban demasiado de los verdaderos valores del arte. [76]
La Revolución de 1848, que derrocó a Luis Felipe y creó la Segunda República Francesa , tuvo poco efecto en su obra o sus ideas. Declaró que los revolucionarios eran "caníbales que se llamaban a sí mismos franceses", [77] pero durante la Revolución completó su Venus Anadyomene , que había iniciado como estudio académico en 1808. Representaba a Venus, surgiendo del mar que había dado origen a ella, rodeada de querubines. Acogió con satisfacción el patrocinio del nuevo gobierno de Luis Napoleón, que en 1852 se convirtió en emperador Napoleón III .
En 1843 Ingres inició la decoración del gran salón del castillo de Dampierre con dos grandes murales, la Edad de Oro y la Edad del Hierro , que ilustran los orígenes del arte. Hizo más de quinientos dibujos preparatorios [78] y trabajó en el enorme proyecto durante seis años. En un intento de imitar el efecto de los frescos renacentistas , optó por pintar los murales al óleo sobre yeso, lo que generó dificultades técnicas. [79] El trabajo sobre la Edad del Hierro nunca avanzó más allá del fondo arquitectónico pintado por un asistente. [80] Mientras tanto, la creciente multitud de desnudos en la Edad de Oro desconcertó al mecenas de Ingres, el duque de Luynes, e Ingres suspendió el trabajo en el mural en 1847. Ingres quedó devastado por la pérdida de su esposa, que murió el 27 de julio de 1849. y finalmente no pudo completar el trabajo. [81] En julio de 1851, anunció la donación de su obra de arte a su ciudad natal de Montauban, y en octubre renunció como profesor en la École des Beaux-Arts. [82]
Sin embargo, en 1852, Ingres, que entonces tenía setenta y un años, se casó con Delphine Ramel, de cuarenta y tres años, pariente de su amigo Marcotte d'Argenteuil. Ingres se rejuveneció y en la década siguiente completó varias obras importantes, incluido el retrato de la princesa Alberto de Broglie , de soltera Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn . En 1853 inició la Apoteosis de Napoleón I , para el techo de una sala del Hôtel de Ville, París . (Fue destruido en mayo de 1871 cuando la Comuna de París prendió fuego al edificio). Con la ayuda de asistentes, en 1854 completó otra pintura de historia, Juana de Arco en la coronación de Carlos VII . Se presentó una retrospectiva de sus obras en la Exposición Universal de París de 1855 , [83] y ese mismo año Napoleón III lo nombró Gran Oficial de la Legión de Honor . En 1862 se le concedió el título de Senador y fue nombrado miembro del Consejo Imperial de Instrucción Pública. Tres de sus obras se exhibieron en la Exposición Internacional de Londres, [84] y su reputación como un importante pintor francés quedó confirmada una vez más. [85]
Continuó reelaborando y perfeccionando sus temas clásicos. En 1856 Ingres completó La fuente (La primavera), una pintura iniciada en 1820 y estrechamente relacionada con su Venus Anadyoméne . [31] Pintó dos versiones de Luis XIV y Molière (1857 y 1860) y produjo copias variantes de varias de sus composiciones anteriores. Entre ellas se encontraban obras religiosas en las que se retomaba la figura de la Virgen de El voto de Luis XIII : La Virgen de la Adopción de 1858 (pintada para Mademoiselle Roland-Gosselin) fue seguida por La Virgen Coronada (pintada para Madame la Baronne de Larinthie) y La Virgen con el Niño . En 1859 realizó nuevas versiones de La Virgen de la Hostia , y en 1862 completó Cristo y los doctores , obra encargada muchos años antes por la reina María Amalie para la capilla de Bizy . [86] Pintó pequeñas réplicas de Paolo y Francesca y Edipo y la Esfinge . [87] En 1862 completó una pequeña versión al óleo sobre papel de La edad de oro . [88] De esta época datan los últimos de sus retratos importantes: Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier sentada (1856), Autorretrato a los setenta y ocho años y Madame J.-A.-D. . Ingres, de soltera Delphine Ramel , ambos terminados en 1859. A petición de la Galería Uffizi de Florencia, hizo su autorretrato en 1858. El único color del cuadro es el rojo de su rosetón de la Legión de Honor. [89]
Cerca del final de su vida, realizó una de sus obras maestras más conocidas, El baño turco . Retomaba una figura y un tema que venía pintando desde 1828, con su Petite Baigneuse . Originalmente completado en formato cuadrado en 1852 y vendido al príncipe Napoleón en 1859, fue devuelto al artista poco después; según una leyenda, la princesa Clotilde quedó impactada por la abundante desnudez. [90] Después de reelaborar la pintura como un tondo , Ingres la firmó y fechó en 1862, aunque hizo revisiones adicionales en 1863. [91] La pintura finalmente fue comprada por un diplomático turco, Khalid Bey, que poseía una gran colección de desnudos. y arte erótico, incluidas varias pinturas de Courbet . La pintura siguió causando un escándalo mucho después de la muerte de Ingres. Inicialmente se ofreció al Louvre en 1907, pero fue rechazado [92] antes de ser entregado al Louvre en 1911. [91]
Ingres murió de neumonía el 14 de enero de 1867, a la edad de ochenta y seis años, en su apartamento del Quai Voltaire de París. Está enterrado en el cementerio Père Lachaise de París con una tumba esculpida por su alumno Jean-Marie Bonnassieux . El artista legó el contenido de su estudio, incluidas varias pinturas importantes, más de 4.000 dibujos y su violín, al museo de la ciudad de Montauban, ahora conocido como Museo Ingres . [93]
El estilo de Ingres se formó temprano en su vida y cambió comparativamente poco. [94] Sus primeros dibujos, como el Retrato de un hombre (o Retrato de un desconocido , 3 de julio de 1797, ahora en el Louvre [95] ) ya muestran una suavidad de contorno y un extraordinario control de los sombreados paralelos que modelan el formas. Desde el principio, sus pinturas se caracterizan por una firmeza de contorno que refleja su convicción frecuentemente citada de que "el dibujo es la probidad del arte". [96] Creía que el color no era más que un accesorio del dibujo, explicando: "Dibujar no es sólo reproducir contornos, no es sólo la línea; el dibujo es también la expresión, la forma interior, la composición, el modelado. Ver "Lo que queda después. El dibujo es siete octavos de lo que constituye la pintura." [97]
El historiador de arte Jean Clay dijo que Ingres "procedió siempre de certeza en certeza, con el resultado de que incluso sus bocetos más libres revelan el mismo tipo de ejecución que la que se encuentra en las obras finales". [98] Al representar el cuerpo humano, ignoró las reglas de la anatomía, que calificó de "una ciencia terrible en la que no puedo pensar sin disgusto", en su búsqueda de un arabesco sinuoso. [98] Aborreciendo la pincelada visible, Ingres no recurrió a los efectos cambiantes de color y luz de los que dependía la escuela romántica ; prefería los colores locales apenas modelados en la luz mediante medios tonos. "Ce que l'on sait", repetía, "il faut le savoir l'épée à la main". ("Todo lo que sabes, debes saberlo con espada en mano"). Ingres se quedó así sin los medios para producir la unidad de efecto necesaria cuando se trata de composiciones abarrotadas, como la Apoteosis de Homero y el Martirio de San Sinforiano . Entre las pinturas históricas y mitológicas de Ingres, las más satisfactorias suelen ser las que representan una o dos figuras, como Edipo , El bañista de medio cuerpo , Odalisca y La primavera , temas animados sólo por la conciencia de un perfecto bienestar físico. [86]
En Roger liberando a Angelica , el desnudo femenino parece simplemente yuxtapuesto con la figura meticulosamente representada pero inerte de Roger volando al rescate en su hipogrifo , [99] porque Ingres rara vez tuvo éxito en la representación del movimiento y el drama. Según Sanford Schwartz, "las imágenes históricas, mitológicas y religiosas denotan enormes cantidades de energía e industria, pero, al transmitir poca sensación palpable de tensión interior, son dramas de época... Los rostros en las imágenes históricas son esencialmente los de modelos que esperan "Para que la sesión termine. Cuando se va a expresar una emoción, se expresa de forma estridente o rígida". [100]
Ingres era reacio a las teorías y su lealtad al clasicismo (con su énfasis en lo ideal, lo generalizado y lo regular) se vio atenuada por su amor por lo particular. [101] Creía que "el secreto de la belleza debe encontrarse a través de la verdad. Los antiguos no crearon, no hicieron; reconocieron". [102] En muchas de las obras de Ingres hay una colisión entre lo idealizado y lo particular que crea lo que Robert Rosenblum denominó una "sensación de agua y aceite". [103] Esta contradicción es vívida en Cherubini y la musa de la poesía lírica (1842), por ejemplo, en la que el compositor de 81 años pintado de manera realista es atendido por una musa idealizada con ropajes clásicos. [104]
La elección de temas de Ingres reflejaba sus gustos literarios, que eran muy limitados: leyó y releyó a Homero , Virgilio , Plutarco , Dante , historias y las vidas de los artistas. [17] A lo largo de su vida revisó un pequeño número de temas favoritos y pintó múltiples versiones de muchas de sus principales composiciones. [105] No compartía el entusiasmo de su época por las escenas de batalla y, en general, prefería representar "momentos de revelación o decisión íntima manifestados por encuentro o confrontación, pero nunca por violencia". [106] Sus numerosas pinturas odaliscas fueron influenciadas en gran medida por los escritos de Mary Wortley Montagu , la esposa del embajador en Turquía cuyos diarios y cartas, cuando se publicaron, fascinaron a la sociedad europea. [107]
Aunque era capaz de pintar rápidamente, a menudo trabajaba durante años en un cuadro. El alumno de Ingres, Amaury-Duval , escribió sobre él: "Con esta facilidad de ejecución, uno tiene problemas para explicar por qué la obra de Ingres no es aún mayor, pero él eliminaba [su trabajo] con frecuencia, sin nunca estar satisfecho... y tal vez esta facilidad misma Le hizo reelaborar lo que no le satisfacía, seguro de que tenía el poder de reparar el fallo, y además rápidamente." [108] La Venus Anadiomene de Ingres se comenzó en 1807, pero no se completó hasta 1848, después de una larga pausa resultante de su indecisión sobre la posición de los brazos. [31] The Source (1856) tuvo una historia similar. Se inició en la década de 1820 como un boceto de "tal simplicidad que uno supondría que había sido pintada de un solo trazo", según Amaury-Duval, quien creía que la reelaboración de la pintura por parte de Ingres en 1855 era una pérdida. [109] [110]
Si bien Ingres creía que la pintura histórica era la forma de arte más elevada, su reputación moderna se basa en gran medida en la calidad excepcional de sus retratos. En el momento de su retrospectiva en la Exposición Universal de 1855, un consenso emergente consideraba sus retratos como sus obras maestras. [111] Su alta calidad constante contradice la queja frecuentemente expresada por Ingres de que las exigencias del retrato le robaron el tiempo que podría haber dedicado a pintar temas históricos. Baudelaire lo llamó "el único hombre en Francia que realmente hace retratos. Los retratos de M. Bertin, M. Molé y Mme d'Haussonville son verdaderos retratos, es decir, la reconstrucción ideal de individuos... Un buen retrato parece Para mí siempre como una biografía dramatizada." [112] Su retrato más famoso es el de Louis-François Bertin, el editor jefe del Journal des Debats , que fue ampliamente admirado cuando se exhibió en el Salón de 1833. Ingres había planeado originalmente pintar a Bertin de pie, pero muchas horas de esfuerzo terminaron en un impasse creativo antes de decidirse por una pose sentada. Édouard Manet describió el retrato resultante como "El Buda de la burguesía". El retrato rápidamente se convirtió en un símbolo del creciente poder económico y político de la clase social de Bertin. [113]
Para sus retratos femeninos, a menudo posaba al sujeto según una estatua clásica; El famoso retrato de la condesa de'Haussonville puede haber sido modelado a partir de una estatua romana llamada "Pudicity" ("modestia") de la colección del Vaticano. [114] Otro truco que utilizó Ingres fue pintar las telas y los detalles de los retratos con extrema precisión y exactitud, pero idealizando el rostro. El ojo del espectador percibiría las telas como realistas y asumiría que el rostro era igualmente real. [115] Sus retratos de mujeres van desde la cálida y sensual Madame de Senonnes (1814) hasta la realista Mademoiselle Jeanne Gonin (1821), la Junoesque Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier (retratada de pie y sentada, 1851 y 1856) , y la fría Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, Princesse de Broglie (1853).
El dibujo fue la base del arte de Ingres. En la Escuela de Bellas Artes destacó en el dibujo de figuras, ganando los principales premios. Durante sus años en Roma y Florencia, realizó cientos de dibujos de familiares, amigos y visitantes, muchos de ellos de muy alta calidad. Nunca comenzaba un cuadro sin antes resolver el dibujo, normalmente con una larga serie de dibujos en los que afinaba la composición. En el caso de sus grandes cuadros de historia, cada figura del cuadro fue objeto de numerosos bocetos y estudios mientras probaba diferentes poses. Exigió que sus alumnos de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes perfeccionaran su dibujo antes que nada; Declaró que "una cosa bien dibujada es siempre una cosa bien pintada". [116]
Sus dibujos de retratos, de los cuales se conservan alrededor de 450, [117] se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. Si bien un número desproporcionado de ellos datan de sus difíciles primeros años en Italia, continuó realizando retratos de sus amigos hasta el final de su vida. Agnes Mongan ha escrito sobre los dibujos de retratos:
Antes de su partida de París a Roma en el otoño de 1806, las características familiares de su estilo de dibujo estaban bien establecidas: el contorno delicado pero firme, las distorsiones de la forma definidas pero discretas, la capacidad casi asombrosa de captar una semejanza de forma precisa pero Delineación animada de características.
Los materiales preferidos también estaban ya establecidos: el lápiz de grafito de punta afilada sobre un papel blanco liso. Nos son tan familiares tanto los materiales como la forma que olvidamos lo extraordinarios que debieron parecer en ese momento... La manera de dibujar de Ingres era tan nueva como el siglo. Inmediatamente fue reconocido como experto y admirable. Si sus pinturas fueron severamente criticadas como "góticas", no hubo críticas comparables a sus dibujos. [118]
Su alumno Raymond Balze describió la rutina de trabajo de Ingres al realizar sus dibujos de retratos, cada uno de los cuales requería cuatro horas, como "una hora y media por la mañana, luego dos horas y media por la tarde, y rara vez lo retocaba". al día siguiente. A menudo me decía que captó la esencia del retrato mientras almorzaba con la modelo que, desprevenida, se volvió más natural." [119] Los dibujos resultantes, según John Canaday , revelaban las personalidades de los modelos por medios tan sutiles (y tan libres de crueldad) que Ingres podía "exponer las vanidades de un petimetre, una mujer tonta o un charlatán, en dibujos que les encantó." [120]
Ingres dibujó sus retratos en papel tramado , que proporcionaba una superficie lisa muy diferente de la superficie acanalada del papel verjurado (que, sin embargo, hoy en día a veces se denomina " papel de Ingres "). [121] Los primeros dibujos se caracterizan por contornos muy tensos dibujados con grafito puntiagudo, mientras que los dibujos posteriores muestran líneas más libres y modelado más enfático, dibujados con un grafito más suave y contundente. [122]
Los dibujos realizados como preparación para las pinturas, como los numerosos estudios para El martirio de San Sinforiano y La Edad de Oro , son más variados en tamaño y tratamiento que los dibujos de retratos. Era su práctica habitual realizar numerosos dibujos de modelos desnudos, en busca del gesto más elocuente, antes de realizar otra serie de dibujos para los cortinajes. En sus primeros años, a veces hacía posar a su modelo detrás de un velo translúcido que suprimía los detalles y enfatizaba el arabesco. [123] A menudo utilizaba modelos femeninos cuando probaba poses para figuras masculinas, como lo hizo en los dibujos de Jesús entre los médicos . [124] Existen estudios de desnudos incluso para algunos de sus retratos encargados, pero fueron dibujados utilizando modelos contratados. [125]
Ingres dibujó varias vistas de paisajes mientras estuvo en Roma, pero pintó sólo un paisaje puro, el pequeño tondo Raphael's Casino (aunque a veces se le atribuyen otros dos pequeños tondos paisajísticos). [126]
Para Ingres, el color desempeñaba un papel totalmente secundario en el arte. Escribió: "El color añade adorno a una pintura; pero no es más que una ayuda, porque lo único que hace es hacer más agradables las verdaderas perfecciones del arte. Rubens y Van Dyck pueden resultar agradables a primera vista, pero engañan". ; son de la pobre escuela de los coloristas, de la escuela del engaño. Nunca uses colores brillantes, son antihistóricos. Es mejor caer en el gris que en los colores brillantes." [127] El Instituto de París se quejó en 1838 de que los estudiantes de Ingres en Roma "tenían una deplorable falta de conocimiento de la verdad y el poder del color, y de conocimiento de los diferentes efectos de la luz. Un efecto opaco y opaco se encuentra en "Todos sus lienzos parecen haber sido iluminados sólo por el crepúsculo." El poeta y crítico Baudelaire observó: "los alumnos del señor Ingres han evitado inútilmente cualquier apariencia de color; creen o fingen creer que no son necesarios en la pintura". [128]
Las propias pinturas de Ingres varían considerablemente en el uso del color y los críticos tendían a tacharlas de demasiado grises o, por el contrario, demasiado discordantes. [129] Baudelaire, que dijo: "El señor Ingres adora el color como una sombrerera de moda", escribió sobre los retratos de Louis-François Bertin y Madame d'Haussonville: "Abre los ojos, nación de tontos, y dinos si alguna vez viste una pintura tan deslumbrante y llamativa, o incluso una mayor elaboración del color". [129] Las pinturas de Ingres se caracterizan a menudo por fuertes colores locales, como los "azules ácidos y verdes botella" que Kenneth Clark profesaba "disfrutar perversamente" en La Grande Odalisca . [130] En otras obras, especialmente en sus retratos menos formales, como el de Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin (1821), el color es restringido. [113]
Ingres y Delacroix se convirtieron, a mediados del siglo XIX, en los representantes más destacados de las dos escuelas de arte en competencia en Francia, el neoclasicismo y el romanticismo . El neoclasicismo se basó en gran parte en la filosofía de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), quien escribió que el arte debe encarnar "noble sencillez y serena grandeza". Muchos pintores siguieron este camino, entre ellos François Gérard , Antoine-Jean Gros , Anne-Louis Girodet y Jacques-Louis David , el maestro de Ingres. Una escuela competidora, el romanticismo, surgió primero en Alemania y rápidamente se trasladó a Francia. Rechazó la idea de la imitación de estilos clásicos, que calificó de "góticos" y "primitivos". Los románticos en la pintura francesa estuvieron liderados por Théodore Géricault y especialmente por Delacroix. La rivalidad surgió por primera vez en el Salón de París de 1824, donde Ingres exhibió El voto de Luis XIII , inspirado en Rafael , mientras que Delacroix mostró La masacre de Quíos , que representa un evento trágico de la Guerra de Independencia griega. La pintura de Ingres era tranquila, estática y cuidadosamente construida, mientras que la obra de Delacroix era turbulenta, llena de movimiento, color y emoción. [131]
La disputa entre los dos pintores y escuelas reapareció en el Salón de 1827, donde Ingres presentó L'Apotheose d'Homer , un ejemplo de equilibrio y armonía clásicos, mientras que Delacroix mostró La muerte de Sardanápalo , otra brillante y tumultuosa escena de violencia. El duelo entre los dos pintores, cada uno considerado el mejor de su escuela, continuó a lo largo de los años. Los artistas e intelectuales parisinos estaban apasionadamente divididos por el conflicto, aunque los historiadores del arte moderno tienden a considerar que Ingres y otros neoclásicos encarnaban el espíritu romántico de su época. [132]
En la Exposición Universal de 1855, tanto Delacroix como Ingres estuvieron bien representados. Los partidarios de Delacroix y los románticos insultaron la obra de Ingres. Los hermanos Goncourt describieron "el talento avaro" de Ingres: "Frente a la historia, el señor Ingres recurre en vano a su ayuda cierta sabiduría, decencia, conveniencia, corrección y una dosis razonable de elevación espiritual que exige un graduado de una universidad. Esparce a las personas en el centro de la acción... lanza aquí y allá un brazo, una pierna, una cabeza perfectamente dibujada, y piensa que su trabajo está hecho..." [133]
Baudelaire también, que antes simpatizaba con Ingres, se volvió hacia Delacroix. "El señor Ingres puede ser considerado un hombre dotado de altas cualidades, un elocuente evocador de la belleza, pero desprovisto del temperamento enérgico que crea la fatalidad del genio." [134]
El propio Delacroix fue despiadado con Ingres. Al describir la exposición de obras de Ingres en la Exposición de 1855, la calificó de "ridícula... presentada, como se sabe, de una manera bastante pomposa... Es la expresión completa de una inteligencia incompleta; el esfuerzo y la pretensión están en todas partes; En ninguna parte se encuentra una chispa de lo natural." [135]
Según Paul Chenavard , alumno de Ingres , más adelante en sus carreras, Ingres y Delacroix se encontraron accidentalmente en las escaleras del Instituto Francés ; Ingres extendió la mano y los dos se estrecharon amistosamente. [136]
Ingres era un profesor concienzudo y era muy admirado por sus alumnos. [137] El más conocido de ellos es Théodore Chassériau , que estudió con él desde 1830, cuando era un precoz niño de once años, hasta que Ingres cerró su estudio en 1834 para regresar a Roma. Ingres consideraba a Chassériau su verdadero discípulo, e incluso predijo, según uno de sus primeros biógrafos, que sería "el Napoleón de la pintura". [138]
Sin embargo, cuando Chassériau visitó a Ingres en Roma en 1840, la creciente lealtad del artista más joven al estilo romántico de Delacroix era evidente, lo que llevó a Ingres a repudiar a su alumno favorito, de quien posteriormente habló raramente y con censura. Ningún otro artista que estudió con Ingres logró establecer una identidad fuerte; entre los más notables se encontraban Jean-Hippolyte Flandrin , Henri Lehmann y Eugène Emmanuel Amaury-Duval . [139]
La influencia de Ingres en las generaciones posteriores de artistas fue considerable. Uno de sus herederos fue Degas , que estudió con Louis Lamothe , un discípulo menor de Ingres. En el siglo XX su influencia fue aún más fuerte. Picasso y Matisse estuvieron entre los que reconocieron una deuda con Ingres; Matisse lo describió como el primer pintor "en utilizar colores puros, delineándolos sin distorsionarlos". [140] Los sorprendentes efectos de las pinturas de Ingres (el colapso de la profundidad y la perspectiva tradicionales y la presentación de figuras "como las figuras de una baraja de cartas") fueron criticados en el siglo XIX, pero bienvenidos por la vanguardia en el XX. siglo. [141] En el Salón de Otoño de París de 1905 se celebró una importante retrospectiva de las obras de Ingres, que fue visitada por Picasso, Matisse y muchos otros artistas. La composición original y sorprendente de "El baño turco", mostrada por primera vez en público, tuvo una influencia visible en la composición y las poses de las figuras de Las señoritas de Aviñón de Picasso en 1907. [141] La exposición también incluyó muchas de sus estudios para el mural inacabado l'Age d'or , incluido un sorprendente dibujo de mujeres bailando con gracia en círculo. Matisse produjo su propia versión de esta composición en su cuadro La Danse en 1909. [141] La pose y el colorido particulares del Retrato de Monsieur Bertin de Ingres también reaparecieron en el Retrato de Gertrude Stein de Picasso (1906). [142]
Barnett Newman atribuyó a Ingres el mérito de ser el progenitor del expresionismo abstracto y explicó: "Ese tipo era un pintor abstracto... Miraba el lienzo más a menudo que el modelo. Kline , de Kooning ... ninguno de nosotros habría existido sin él". [143]
Pierre Barousse, conservador del Museo Ingres, escribió:
... Uno se da cuenta de cuántas maneras una variedad de artistas lo reclaman como su maestro, desde los más claramente convencionales del siglo XIX, como Cabanel o Bouguereau , hasta los más revolucionarios de nuestro siglo, desde Matisse hasta Picasso. ¿Un clasicista? Lo movía, sobre todo, el impulso de penetrar en el secreto de la belleza natural y reinterpretarlo por sus propios medios; una actitud fundamentalmente diferente a la de David... resulta un arte verdaderamente personal y único admirado tanto por los cubistas por su autonomía plástica, como por los surrealistas por sus cualidades visionarias. [144]
La conocida pasión de Ingres por tocar el violín dio lugar a una expresión común en el idioma francés, " violon d'Ingres ", que significa una segunda habilidad más allá de aquella por la que se conoce principalmente a una persona.
Ingres fue un violinista aficionado desde su juventud y tocó durante un tiempo como segundo violinista de la orquesta de Toulouse. Cuando era director de la Academia Francesa en Roma, tocaba frecuentemente con estudiantes de música y artistas invitados. Charles Gounod , que fue alumno de Ingres en la Academia, se limitó a señalar que "no era un profesional, y menos aún un virtuoso". Junto con los estudiantes de música, interpretó cuartetos de cuerda de Beethoven con Niccolò Paganini . En una carta de 1839, Franz Liszt describió su forma de tocar como "encantadora" y planeó tocar todas las sonatas para violín de Mozart y Beethoven con Ingres. Liszt también dedicó sus transcripciones de las sinfonías quinta y sexta de Beethoven a Ingres en su publicación original en 1840. [145]
El artista de vanguardia estadounidense Man Ray utilizó esta expresión como título de una famosa fotografía [146] que retrata a Alice Prin (también conocida como Kiki de Montparnasse) en la pose de la bañista de Valpinçon con dos agujeros en forma de F pintados para que su cuerpo parezca una violín.
