Robert Ryman (30 de mayo de 1930 – 8 de febrero de 2019) fue un pintor estadounidense identificado con los movimientos de la pintura monocromática , el minimalismo y el arte conceptual . [1] Era mejor conocido por sus pinturas abstractas en blanco sobre blanco. [2] Vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York.
Ryman nació en Nashville, Tennessee . Después de estudiar saxofón en el Instituto Politécnico de Tennessee en Cookeville, entre 1948 y 1949, y en el George Peabody College for Teachers entre 1949 y 1950, Ryman se alistó en el cuerpo de reserva del ejército de los Estados Unidos y fue asignado a una banda de reserva del ejército durante la Guerra de Corea. . [3] Ryman se mudó a la ciudad de Nueva York en 1953, con la intención de convertirse en saxofonista de jazz profesional. Recibió lecciones del pianista Lennie Tristano , que más tarde influyeron en su pintura. [4] En ese momento estaba alquilando una habitación en la casa de un violonchelista ruso. [5] Ryman pronto aceptó un trabajo diurno en el Museo de Arte Moderno como guardia de seguridad para llegar a fin de mes, y conoció a los artistas Sol LeWitt y Dan Flavin , que eran compañeros de trabajo con él en el MoMA. [ cita necesaria ] Cautivado por las obras expresionistas abstractas recién adquiridas de Mark Rothko , Willem de Kooning , Clyfford Still , Jackson Pollock y Barnett Newman , Ryman sintió curiosidad por el acto de pintar. De 1953 a 1960 trabajó en el MoMA como guardia para estar más cerca de la pintura. [6] Compró algunos materiales de arte en una tienda local y comenzó a experimentar en su apartamento en 1953. [7]
Ryman tenía una relación cercana con el conservador Orrin Riley, quien frecuentemente le daba consejos sobre materiales de archivo, muchas veces probando la acidez de los medios que el artista estaba interesado en utilizar. Fue entrevistado por la escritora y productora de televisión Barbaralee Diamonstein dos veces, una para la producción del libro y el vídeo Inside New York's Art World en 1979 y otra para Inside the Art World en 1994.
En 2009 participó en el proyecto artístico Find Me , de Gema Alava , en compañía de los artistas Lawrence Weiner , Merrill Wagner y Paul Kos. [8]
Su frase más famosa es "Nunca se trata de qué pintar, sino de cómo pintar". [ cita necesaria ]
En 1961, la artista se casó con la historiadora del arte Lucy Lippard . Tuvieron un hijo juntos, Ethan Ryman, en 1964, que primero fue ingeniero de sonido y ahora artista. El matrimonio terminó en divorcio. En 1969 se casó con el artista Merrill Wagner. [3] Los hijos de Robert Ryman de su segundo matrimonio, Cordy Ryman y Will Ryman , también son artistas y actualmente trabajan en la ciudad de Nueva York. [ cita necesaria ]
Ryman murió el 8 de febrero de 2019, a la edad de 88 años. [1] [9]
Ryman era a menudo clasificado como minimalista , pero prefería ser conocido como "realista", explicando que no estaba interesado en crear ilusiones, sino sólo en presentar los materiales que utilizaba en las composiciones en su valor nominal. Como escribió en una declaración para una exposición de 2010 en Pace Wildenstein , "No soy un pintor de cuadros. Trabajo con luz y espacio reales, y dado que la luz real es un aspecto importante de las pinturas, siempre presenta algunos problemas". [10] La mayoría de sus obras presentan pinceladas de influencia expresionista abstracta en pintura blanca o blanquecina sobre lienzos cuadrados o superficies metálicas. Experimentador de toda la vida con los medios, Ryman pintó y/o dibujó sobre lienzo, lino , acero, aluminio, plexiglás , lumasita, vinilo , fibra de vidrio, papel corrugado, arpillera , papel de periódico, papel tapiz, arpillera de yute , placa de fibra, un material compuesto llamado tablero de cocodrilo, tablero de plumas, papel hecho a mano y acrilivin. Utilizó pinturas y/o dibujos al óleo, acrílico, encáustica, acrílico de Lascaux, caseína , esmalte, pastel, pastel al óleo, grafito , guache y esmalte.
Cuando Ryman comenzó a trabajar, artistas mayores como Barnett Newman , Mark Rothko y Philip Guston ya habían reducido la pintura a sus esencias. [11] En 1955, Ryman comenzó lo que consideraba su primer trabajo profesional, una pintura en gran parte monocromática titulada Pintura naranja (1955-59). [12] En 1968-69 creó su serie Classico de composiciones que consisten en pinturas de varios paneles sobre un tipo específico de papel llamado Classico. Para cada trabajo de la serie, Ryman pegó una configuración de hojas pesadas de papel de color blanco cremoso a una pared con cinta adhesiva, pintó las hojas con una pintura acrílica blanca brillante, quitó la cinta cuando las hojas estaban secas y las montó sobre espuma. , y los volvió a colocar en la pared. El borde de pintura acumulada que traza el contorno de la cinta adhesiva y el papel rasgado que queda dan testimonio del proceso de creación. Las distintas obras de la serie Classico se diferencian por la organización de las hojas de papel, la configuración de las cintas y la forma pintada. [13] Así como las obras de Classico recibieron títulos según el tipo de papel utilizado como medio, las llamadas obras Surface Veil de 1970 recibieron el nombre de la marca de fibra de vidrio sobre la que se pintaron las piezas más pequeñas de este grupo. Algunas de las pinturas de la serie, de 12 pies cuadrados, no fueron ejecutadas sobre fibra de vidrio sino sobre algodón o lino. En cada una de estas obras el pigmento parece formar una membrana sobre el soporte debido a los diferentes grados de opacidad y translucidez de la pintura blanca yuxtapuesta a áreas donde se ha aplicado menos, dejando la tela expuesta. Estas interrupciones en la piel de la pintura a menudo marcan las pausas literales entre las sesiones de trabajo del artista.
Desde aproximadamente 1975 hasta 2003, Ryman solía fijar sus cuadros a la pared con soportes de metal. Diseñaría cada juego de soportes específicamente para cada pieza y haría que un fabricante de metales local los construyera.
Aunque Ryman es más conocido por sus pinturas, también experimentó con el grabado creando aguafuertes, aguatintas , litografías , serigrafías y grabados en relieve. Al igual que sus pinturas, sus grabados son fácilmente identificables por sus superficies monocromáticas predominantemente cuadradas que exploran los valores, texturas y efectos de varios blancos y otros colores impresos en papel y aluminio.
A sus grabados y obras sobre papel aún no se les ha prestado la misma atención, pero su enfoque a la hora de realizar grabados y dibujos es el mismo. Trabajando con las características particulares de cada medio y proceso, Ryman, a partir de 1969, exploró nuevos territorios en la realización de ediciones, todo ello con un mínimo de materiales. En su grabado, Ryman buscó controlar la textura de sus superficies de maneras que continuaría explorando durante el resto de su carrera. Al igual que en sus pinturas, sus grabados requieren que el espectador preste atención, mire de cerca y observe las sutilezas. Las impresiones de Ryman desafían al espectador y recompensan la mirada atenta.
Afirmó que sus títulos no tenían sentido y que sólo existían como una forma de identificación. En realidad, Ryman prefería el término "nombre" para una obra de arte en lugar de título porque no estaba creando una imagen ni haciendo referencia a nada más que a los medios y los materiales. Los "nombres" de sus obras a menudo provienen de nombres de empresas o materiales de arte, o son simplemente palabras generales que no tienen una connotación específica.
Ryman tuvo su primera exposición individual en la Galería Paul Bianchini de la ciudad de Nueva York en 1967, a la edad de 36 años. Su primera exposición en Europa se produjo al año siguiente en la Galerie Heiner Friedrich de Munich. Un año más tarde, Ryman fue incluido en When Attitudes Become Form , una exposición fundamental de obras de artistas minimalistas y conceptuales organizada por la Kunsthalle Bern . [3] Su primera exposición individual en un museo fue en 1972 en el Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York, mostrando treinta y ocho de las obras de Ryman de 1965 a 1971. [12] Las obras de Ryman estuvieron representadas en las documentas 5 (1972), 6 ( 1977), y 7 (1982), en Kassel, en la Bienal de Venecia (1976, 1978, 1980 y 2007), y en la Bienal del Whitney (1977, 1987, 1995). Su primera retrospectiva fue organizada por el Museo Stedelijk de Ámsterdam en 1974. [14] Participó en cinco exposiciones en la Galería Daniel Weinberg, incluidas dos exposiciones individuales: Robert Ryman: Recent Paintings (1984) y Robert Ryman: Recent Painting ( 1994). [15] En 1993-94, la retrospectiva más grande hasta la fecha de las pinturas de Ryman, comisariada por Robert Storr, se exhibió en la Tate Gallery , el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art , y el Walker Art Center en Minneapolis.
Robert Ryman está representado por David Zwirner .
El Hallen für Neue Kunst , un antiguo museo de arte contemporáneo en Schaffhausen , Suiza (cerrado en 2014) tenía la colección pública más grande de la obra de Ryman, exhibiendo permanentemente 29 piezas creadas entre 1959 y 2007. En 2008, Ryman emprendió una importante reinstalación de sus galerías en Hallen für Neue Kunst. Al regresar al museo en 2008, por primera vez en 12 años, para volver a visitar la exposición permanente de su obra que se instaló por primera vez en 1983, decidió transformar las galerías en una “Gesamtkunstwerk”, una síntesis o experiencia total, compuesta de 32 cuadros de 50 años de trabajo.
En 2017, Ryman donó 21 pinturas a la colección permanente de la Dia Art Foundation , lo que la convierte en el único sitio con una agrupación permanente extensa, que incluye obras realizadas desde finales de la década de 1950 y que continúan hasta 2003. [16] Otros museos importantes que coleccionan entre sus obras destacan el Museo de Arte Moderno , Nueva York; la Tate , Londres; el Instituto de Arte de Chicago y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. [dieciséis]
Ryman recibió numerosos honores y recibió una beca de la Fundación John Simon Guggenheim (1973) y la Medalla Skowhegan de la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan (1985). [17] Fue miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras después de 1994, y asumió el cargo de vicepresidente de la organización en 2003. [12]
En 2005, Ryman recibió el Praemium Imperiale .
En 2009 se publicó Robert Ryman: Critical Texts Since 1967 , editado por Vittorio Colaizzi y Karsten Schubert y publicado por Ridinghouse . El libro traza la evolución gradual de la recepción y reacción al arte de Ryman. Se ha recopilado en un solo volumen una selección completa de más de 60 ensayos y reseñas de exposiciones, que incluye textos de algunos de los historiadores y críticos de arte más influyentes de su tiempo; Yve-Alain Bois , Donald B. Kuspit , Lucy R. Lippard , Robert Storr y otros.
El cuadro de Ryman Bridge (1980) se vendió por 20,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2015. [18]
En 2024, Ryman realizó una retrospectiva llamada Robert Ryman: El acto de mirar el Musée de l'Orangerie de París. [19]