Pieter Cornelis Mondriaan ( holandés: [ˈpi:tər kɔrˈneːlɪs ˈmɔndrijaːn] ), después de 1906 conocido como Piet Mondrian ( / p iː t ˈ m ɒ n d r i ɑː n / , también EE. UU .: /- ˈ m ɔː n -/ , holandés : [pit ˈmɔndrijɑn] ; 7 de marzo de 1872 - 1 de febrero de 1944), fue un pintor y teórico del arte holandés considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX , ya que cambió su dirección artística desde la pintura figurativa hacia un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico quedó reducido a simples elementos geométricos.
El arte de Mondrian era muy utópico y estaba preocupado por la búsqueda de valores y estéticas universales. Proclamó en 1914: "El arte es superior a la realidad y no tiene relación directa con la realidad. Para acercarse a lo espiritual en el arte, se hará el menor uso posible de la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual. Nos encontramos en el presencia de un arte abstracto. El arte debe estar por encima de la realidad, de lo contrario no tendría valor para el hombre."
Contribuyó al movimiento y grupo artístico De Stijl , que cofundó con Theo van Doesburg . Desarrolló una forma no representacional a la que denominó neoplasticismo . Éste era el nuevo "arte plástico puro" que creía necesario para crear la "belleza universal". Para expresar esto, Mondrian finalmente decidió limitar su vocabulario formal a los tres colores primarios (rojo, azul y amarillo), los tres valores primarios (negro, blanco y gris) y las dos direcciones primarias (horizontal y vertical). La llegada de Mondrian a París procedente de los Países Bajos en 1911 marcó el comienzo de un período de profundos cambios. Se encontró con experimentos en el cubismo y con la intención de integrarse dentro de la vanguardia parisina eliminó una 'a' de la ortografía holandesa de su nombre (Mondriaan).
La obra de Mondrian tuvo una enorme influencia en el arte del siglo XX , influyendo no sólo en el curso de la pintura abstracta y en numerosos estilos y movimientos artísticos importantes (por ejemplo, pintura de campos de color , expresionismo abstracto y minimalismo ), sino también en campos fuera del dominio de la pintura, como el diseño. , arquitectura y moda . El historiador del diseño Stephen Bayley dijo: "Mondrian ha llegado a significar modernismo . Su nombre y su obra resumen el ideal del alto modernismo. No me gusta la palabra 'icónico', así que digamos que se ha vuelto totémico, un tótem para todo el modernismo. se propuso ser."
Mondrian nació en Amersfoort , provincia de Utrecht en Países Bajos , el segundo de los hijos de sus padres. [1] Descendía de Christian Dirkzoon Monderyan, que vivió en La Haya ya en 1670. [2] La familia se mudó a Winterswijk cuando su padre, Pieter Cornelius Mondriaan, fue nombrado director de una escuela primaria local. [3] Mondrian conoció el arte desde una edad temprana. Su padre era un profesor de dibujo cualificado y, con su tío, Frits Mondriaan (un alumno de Willem Maris de la Escuela de artistas de La Haya), el joven Piet pintaba y dibujaba a menudo a lo largo del río Gein. [4]
Después de una estricta educación protestante , en 1892, Mondrian ingresó en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam . [5] Ya estaba calificado como maestro. [3] Inició su carrera como docente en educación primaria , pero también practicó la pintura . La mayor parte de su obra de este período es naturalista o impresionista y consiste principalmente en paisajes . Estas imágenes pastorales de su país natal representan molinos de viento , campos y ríos , inicialmente al estilo impresionista holandés de la Escuela de La Haya y luego en una variedad de estilos y técnicas que atestiguan su búsqueda de un estilo personal. Estas pinturas son representativas e ilustran la influencia que varios movimientos artísticos tuvieron en Mondrian, incluido el puntillismo y los colores vivos del fauvismo . En 1893 realizó su primera exposición. [6]
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En el Gemeentemuseum Den Haag se exhiben varias pinturas de este período, incluidas obras postimpresionistas como El molino rojo y Árboles al salir la luna . Otro cuadro, Tarde ( Avond ) (1908), que representa un árbol en un campo al anochecer, incluso augura desarrollos futuros al utilizar una paleta compuesta casi exclusivamente de rojo, amarillo y azul. Aunque Avond es sólo limitadamente abstracto , es la primera pintura de Mondrian que enfatiza los colores primarios .
Las primeras pinturas de Mondrian que muestran cierto grado de abstracción son una serie de lienzos de 1905 a 1908 que representan escenas oscuras de árboles y casas confusos reflejados en aguas tranquilas. Aunque el resultado lleva al espectador a empezar a centrarse más en las formas que en el contenido, estas pinturas todavía están firmemente arraigadas en la naturaleza, y es sólo el conocimiento de los logros posteriores de Mondrian lo que lleva a buscar en estas obras las raíces de su futura abstracción. .
El arte de Mondrian estuvo íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908, se interesó por el movimiento teosófico iniciado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX, y en 1909 se unió a la rama holandesa de la Sociedad Teosófica . La obra de Blavatsky y un movimiento espiritual paralelo, la Antroposofía de Rudolf Steiner , influyeron significativamente en el desarrollo posterior de su estética. [7] Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento más profundo de la naturaleza que el proporcionado por medios empíricos , y gran parte del trabajo de Mondrian durante el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual. En 1918 escribió "Lo saqué todo de la Doctrina Secreta", en referencia a un libro escrito por Blavatsky. En 1921, en una carta a Steiner, Mondrian argumentó que su neoplasticismo era "el arte del futuro previsible para todos los verdaderos antropósofos y teósofos". Siguió siendo un teósofo comprometido en los años siguientes, aunque también creía que su propia corriente artística, el neoplasticismo, eventualmente pasaría a formar parte de una espiritualidad ecuménica más amplia. [8]
Mondrian y su obra posterior estuvieron profundamente influenciados por la exposición de cubismo Moderne Kunstkring de 1911 en Ámsterdam . Su búsqueda de la simplificación se muestra en dos versiones de Still Life with Ginger Pot ( Stilleven met Gemberpot ). La versión de 1911, [9] es cubista; en la versión de 1912, [10] los objetos se reducen a una forma redonda con triángulos y rectángulos .
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En 1911, Mondrian se mudó a París y cambió su nombre, eliminando una "a" de "Mondriaan", para enfatizar su salida de los Países Bajos y su integración dentro de la vanguardia parisina . [12] [13] Mientras estuvo en París, la influencia del estilo cubista de Pablo Picasso y Georges Braque apareció casi de inmediato en la obra de Mondrian. [14] Pinturas como El mar (1912) y sus diversos estudios de árboles de ese año todavía contienen cierta representación, pero, cada vez más, están dominadas por formas geométricas y planos entrelazados. Si bien Mondrian estaba ansioso por absorber la influencia cubista en su obra, parece claro que veía el cubismo como un "puerto de escala" en su viaje artístico, más que como un destino. El período cubista de Piet Mondrian duró de 1912 a 1917.
A diferencia de los cubistas, Mondrian todavía intentó reconciliar su pintura con sus búsquedas espirituales, y en 1913 comenzó a fusionar su arte y sus estudios teosóficos en una teoría que marcó su ruptura definitiva con la pintura representacional. Mientras Mondrian visitaba los Países Bajos en 1914, comenzó la Primera Guerra Mundial , lo que lo obligó a permanecer allí mientras duró el conflicto. Durante este período, permaneció en la colonia de artistas de Laren , donde conoció a Bart van der Leck y Theo van Doesburg , quienes estaban emprendiendo sus propios viajes personales hacia la abstracción. El uso que hizo Van der Leck de sólo colores primarios en su arte influyó mucho en Mondrian. Después de un encuentro con Van der Leck en 1916, Mondrian escribió: "Mi técnica, que era más o menos cubista y, por tanto, más o menos pictórica, quedó bajo la influencia de su método preciso". [15] Con Van Doesburg, Mondrian fundó De Stijl ( El estilo ), una revista del Grupo De Stijl , en la que publicó por primera vez ensayos que definían su teoría, a la que llamó neoplasticismo.
Mondrian publicó " De Nieuwe Beelding in de schilderkunst " ("La nueva plástica en la pintura"), [16] en doce entregas durante 1917 y 1918. Este fue su primer gran intento de expresar su teoría artística por escrito. Sin embargo, la mejor expresión de Mondrian y la más citada de esta teoría proviene de una carta que escribió a H. P. Bremmer en 1914:
Construyo líneas y combinaciones de colores sobre una superficie plana, para expresar la belleza general con la máxima conciencia. La naturaleza (o lo que veo) me inspira, me pone, como a cualquier pintor, en un estado emocional que me hace sentir la necesidad de hacer algo, pero quiero acercarme lo más posible a la verdad y abstraer todo de que, hasta alcanzar el fundamento (¡todavía sólo un fundamento externo!) de las cosas... creo que es posible que, a través de líneas horizontales y verticales construidas con conciencia, pero no con cálculo, guiadas por una alta intuición, y llevadas a la armonía y al ritmo , estas formas básicas de belleza, complementadas si es necesario con otras líneas directas o curvas, pueden convertirse en una obra de arte, tan fuerte como verdadera. [17]
Durante las siguientes dos décadas, Mondrian desarrolló metódicamente su estilo característico que abarcaba la cosmovisión clásica, platónica y euclidiana, donde simplemente se centró en sus, ahora icónicas, líneas negras horizontales y verticales que forman cuadrados y rectángulos llenos de tonos primarios. [18]
Cuando terminó la Primera Guerra Mundial en 1918, Mondrian regresó a Francia, donde permanecería hasta 1938. Inmerso en la cultura de innovación artística del París de la posguerra, floreció y abrazó plenamente el arte de la abstracción pura por el resto de su vida. Mondrian comenzó a producir pinturas basadas en cuadrículas a finales de 1919, y en 1920 comenzó a aparecer el estilo por el que llegó a ser famoso.
Mondrian creía que "el arte abstracto puro se emancipa por completo, se libera de las apariencias naturalistas. Ya no es una armonía natural sino que crea relaciones equivalentes. La realización de relaciones equivalentes es de suma importancia para la vida" .
En las primeras pinturas de este estilo, las líneas que delimitan las formas rectangulares son relativamente delgadas y son grises, no negras. Las líneas también tienden a desvanecerse a medida que se acercan al borde de la pintura, en lugar de detenerse abruptamente. Las formas mismas, más pequeñas y numerosas que en pinturas posteriores, están llenas de colores primarios, negro o gris, y casi todas están coloreadas; sólo unos pocos quedan blancos.
A finales de 1920 y 1921, las pinturas de Mondrian alcanzan lo que para los observadores casuales es su forma definitiva y madura. Gruesas líneas negras ahora separan las formas, que son más grandes y menos numerosas, y la mayoría de las formas quedan blancas. Sin embargo, esta no fue la culminación de su evolución artística. Aunque los refinamientos se volvieron más sutiles, el trabajo de Mondrian continuó evolucionando durante sus años en París.
En las pinturas de 1921, muchas, aunque no todas, las líneas negras se detienen a una distancia aparentemente arbitraria del borde del lienzo, aunque las divisiones entre las formas rectangulares permanecen intactas. También aquí las formas rectangulares permanecen en su mayoría coloreadas. A medida que pasaron los años y el trabajo de Mondrian evolucionó, comenzó a extender todas las líneas hasta los bordes del lienzo y comenzó a utilizar cada vez menos formas coloreadas, prefiriendo el blanco.
Estas tendencias son particularmente obvias en las obras en forma de "pastillas" que Mondrian comenzó a producir con regularidad a mediados de los años veinte. Los cuadros en forma de rombo son lienzos cuadrados inclinados 45 grados, de modo que tienen forma de diamante. Un ejemplo típico es Schilderij No. 1: Rombo con dos líneas y azul (1926). Uno de los lienzos más minimalistas de Mondrian, esta pintura consta sólo de dos líneas negras perpendiculares y una pequeña forma triangular azul. Las líneas se extienden hasta los bordes del lienzo, casi dando la impresión de que la pintura es un fragmento de una obra más grande.
Aunque la visión de la pintura se ve obstaculizada por el vidrio que la protege y por el costo que la edad y el manejo obviamente han cobrado en el lienzo, un examen detenido de esta pintura comienza a revelar algo del método del artista. La pintura no está compuesta por planos de color perfectamente planos, como cabría esperar. Las sutiles pinceladas son evidentes en todas partes. El artista parece haber utilizado diferentes técnicas para los distintos elementos. [20] Las líneas negras son los elementos más planos, con menor profundidad. Las formas coloreadas tienen las pinceladas más obvias, todas en una dirección. Lo más interesante, sin embargo, son las formas blancas, que claramente han sido pintadas en capas, usando pinceladas que van en diferentes direcciones. Esto genera una mayor sensación de profundidad en las formas blancas, de modo que parecen abrumar las líneas y los colores, lo que de hecho estaban haciendo, ya que las pinturas de Mondrian de este período llegaron a estar cada vez más dominadas por el espacio en blanco.
En 1926, Katherine Dreier , cofundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de la ciudad de Nueva York (junto con Marcel Duchamp y Man Ray ), visitó el estudio de Piet Mondrian en París y adquirió una de sus composiciones de diamantes, Pintura I. Esta se mostró luego durante una exposición. exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes en el Museo de Brooklyn , la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos desde el Armory Show . Afirmó en el catálogo que "Holanda ha producido tres grandes pintores que, aunque son una expresión lógica de su propio país, se elevaron por encima de él gracias al vigor de su personalidad: el primero fue Rembrandt , el segundo fue Van Gogh y el tercero es Mondrian". ". [21]
A medida que pasaron los años, las líneas empezaron a tener prioridad sobre las formas en las pinturas de Mondrian. En la década de 1930, comenzó a utilizar líneas más finas y líneas dobles con mayor frecuencia, puntuadas con algunas pequeñas formas coloreadas, si es que alguna. Las líneas dobles entusiasmaron particularmente a Mondrian, porque creía que ofrecían a sus pinturas un nuevo dinamismo que estaba ansioso por explorar. La introducción de la doble línea en su obra estuvo influenciada por el trabajo de su amigo y contemporáneo Marlow Moss . [22] [ página necesaria ]
De 1934 a 1935, tres de las pinturas de Mondrian se exhibieron como parte de las exposiciones "Abstract and Concrete" en el Reino Unido en Oxford, Londres y Liverpool. [23]
En septiembre de 1938, Mondrian abandonó París ante el avance del fascismo y se trasladó a Londres. Después de la invasión de los Países Bajos y la caída de París en 1940, dejó Londres para trasladarse a Manhattan en la ciudad de Nueva York, donde permanecería hasta su muerte. Algunas de las obras posteriores de Mondrian son difíciles de ubicar en términos de su desarrollo artístico porque hubo bastantes lienzos que comenzó en París o Londres y solo completó meses o años después en Manhattan. Las obras terminadas de este período posterior son visualmente ricas, con más líneas que cualquiera de sus obras desde la década de 1920, colocadas en una disposición superpuesta que tiene una apariencia casi cartográfica. Pasó muchas horas pintando solo hasta que le salieron ampollas en las manos y, a veces, lloraba o se enfermaba. [ cita necesaria ]
Mondrian produjo Composición de pastilla con cuatro líneas amarillas (1933), una pintura sencilla que innovó con líneas gruesas de colores en lugar de negras. Después de ese cuadro, esta práctica permaneció latente en la obra de Mondrian hasta que llegó a Manhattan, momento en el que comenzó a abrazarla con abandono. En algunos ejemplos de esta nueva dirección, como Composición (1938) / Place de la Concorde (1943), parece haber tomado pinturas de líneas negras inacabadas de París y las completó en Nueva York añadiendo líneas cortas perpendiculares de diferentes colores. corriendo entre las líneas negras más largas, o desde una línea negra hasta el borde del lienzo. Las áreas recién coloreadas son gruesas, casi salvando la brecha entre líneas y formas, y es sorprendente ver color en una pintura de Mondrian que no está limitada por el negro. Otras obras mezclan largas líneas rojas en medio de las familiares líneas negras, creando una nueva sensación de profundidad mediante la adición de una capa de color encima de la negra. Su pintura Composición No. 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente el enfoque radical pero clásico de Mondrian hacia el rectángulo. [ cita necesaria ]
El 23 de septiembre de 1940, Mondrian salió de Europa hacia Nueva York a bordo del barco RMS Samaria (1920) de Cunard White Star Line , con salida de Liverpool. [25] Los nuevos lienzos que Mondrian comenzó en Manhattan son aún más sorprendentes e indican el comienzo de un nuevo lenguaje que quedó truncado con la muerte del artista. La ciudad de Nueva York (1942) es un complejo entramado de líneas rojas, azules y amarillas, que ocasionalmente se entrelazan para crear una mayor sensación de profundidad que sus obras anteriores. [26] Una versión inacabada de 1941 de esta obra, titulada New York City I , utiliza tiras de cinta de papel pintada, que el artista podía reorganizar a voluntad para experimentar con diferentes diseños. En octubre de 2022 se reveló que la obra, que se exhibió por primera vez en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 1945, había estado expuesta al revés, al menos desde 1980, en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen en Alemania, donde ahora se lleva a cabo. La galería explicó que continuaría mostrándolo al revés para evitar dañarlo. [27] [28]
Su pintura Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) en el Museo de Arte Moderno fue muy influyente en la escuela de pintura geométrica abstracta . La pieza se compone de una serie de cuadrados relucientes de colores brillantes que saltan del lienzo y luego parecen brillar, atrayendo al espectador hacia esas luces de neón. En esta pintura y en Victory Boogie Woogie (1942-1944) inacabada , Mondrian reemplazó las antiguas líneas sólidas con líneas creadas a partir de pequeños rectángulos de color contiguos, creados en parte mediante el uso de pequeños trozos de cinta de papel de varios colores. Rectángulos de color más grandes e ilimitados marcan el diseño, algunos con rectángulos concéntricos más pequeños en su interior. Si bien las obras de Mondrian de las décadas de 1920 y 1930 tienden a tener una austeridad casi científica, estas son pinturas brillantes y vivas, que reflejan la música alegre que las inspiró y la ciudad en la que fueron realizadas.
En estos trabajos finales, las formas han usurpado el papel de las líneas, abriendo otra nueva puerta para el desarrollo de Mondrian como abstraccionista. Las pinturas Boogie-Woogie fueron claramente más un cambio revolucionario que evolutivo, y representaron el desarrollo más profundo en la obra de Mondrian desde su abandono del arte representacional en 1913.
En 2008, el programa de televisión holandés Andere Tijden encontró el único metraje conocido de una película con Mondrian. [29] El descubrimiento del metraje de la película se anunció al final de un programa de investigación de dos años sobre el Victory Boogie Woogie . La investigación encontró que el cuadro estaba en muy buenas condiciones y que Mondrian pintó la composición en una sola sesión. También se descubrió que Mondrian cambió radicalmente la composición poco antes de su muerte utilizando pequeños trozos de cinta adhesiva de colores.
Cuando Piet Mondrian, de 47 años, abandonó los Países Bajos para ir a París por segunda y última vez en 1919, se propuso de inmediato hacer de su estudio un entorno propicio para las pinturas que tenía en mente y que expresarían cada vez más los principios del neoplasticismo. sobre el que había estado escribiendo durante dos años. Para ocultar los defectos estructurales del estudio de forma rápida y económica, colocó grandes carteles rectangulares, cada uno de un solo color o tono neutro. Cuadrados y rectángulos de papel de colores más pequeños, compuestos juntos, acentuaban las paredes. Luego vino una intensa etapa de pintura. Nuevamente se dirigió a las paredes, reposicionando los recortes de colores, aumentando su número, alterando la dinámica del color y el espacio, produciendo nuevas tensiones y equilibrios. Al poco tiempo, había establecido un cronograma creativo en el que un período de pintura se alternaba con un período de reagrupación experimental de los papeles más pequeños en las paredes, un proceso que alimentaba directamente el siguiente período de pintura. Fue un patrón que siguió durante el resto de su vida, a través de traslados en tiempos de guerra desde París a Hampstead en Londres en 1938 y 1940, a través del Atlántico hasta Manhattan.
A la edad de 71 años, en el otoño de 1943, Mondrian se mudó a su segundo y último estudio en Manhattan, en el número 15 de la calle 59 Este , y se dedicó a recrear el entorno que había aprendido a lo largo de los años que era más compatible con su modesto modo de vida y estimulante para su arte. Pintó las paredes altas del mismo color blanquecino que usó en su caballete y en los asientos, mesas y cajas de almacenamiento que diseñó y diseñó meticulosamente a partir de cajas de naranjas y manzanas desechadas. Pintó la parte superior de un taburete de metal blanco con el mismo rojo brillante que aplicó a la funda de cartón que hizo para el radiofonógrafo que derramaba su amado jazz de discos muy viajados. Los visitantes de este último estudio rara vez vieron más de uno o dos lienzos nuevos, pero descubrieron, a menudo para su asombro, que ocho grandes composiciones de trozos de papel de colores que había clavado y vuelto a clavar en las paredes en relaciones siempre cambiantes constituían en conjunto un ambiente que, paradójicamente y al mismo tiempo, era a la vez cinético y sereno, estimulante y reparador. Era el mejor espacio, dijo Mondrian, que había habitado. Estuvo allí sólo unos meses, ya que murió en febrero de 1944.
Después de su muerte, el amigo y patrocinador de Mondrian en Manhattan, el artista Harry Holtzman , y otro amigo pintor, Fritz Glarner , documentaron cuidadosamente el estudio en películas y fotografías antes de abrirlo al público para una exposición de seis semanas. Antes de desmantelar el estudio, Holtzman (que también era heredero de Mondrian) trazó con precisión las composiciones de las paredes, preparó facsímiles portátiles exactos del espacio que cada uno había ocupado y fijó en cada uno de ellos los componentes recortados originales supervivientes. Estas composiciones portátiles de Mondrian se conocen como "The Wall Works". Desde la muerte de Mondrian, se han expuesto dos veces en el Museo de Arte Moderno de Manhattan (1983 y 1995-96), [30] una vez en el SoHo en la Galería Carpenter + Hochman (1984), una vez en la Galerie Tokoro de Tokio, Japón ( 1993), la XXII Bienal de Sao Paulo (1994), la Universidad de Michigan (1995) y –por primera vez en Europa– en la Akademie der Künste (Academia de las Artes), en Berlín (22 de febrero – 22 de abril). 2007). Su trabajo también se mostró en una exposición retrospectiva en la Whitechapel Gallery de Londres, que se desarrolló entre agosto y septiembre de 1955.
Si bien las teorías de la abstracción de Mondrian han sido su legado perdurable, también fue un pintor de flores. Comenzó a pintar flores a principios de siglo, creando retratos de flores individuales que combinaban su estricta formación artística y sus poderes de observación con sus anhelos espirituales y románticos. [31] Mondrian continuó pintando flores de manera secreta hasta la década de 1920, afirmando ante sus amigos que lo hacía únicamente por razones comerciales. [31] Las pinturas de flores fueron creadas bajo el tabú que se impuso sobre el género tradicional y la pintura representacional por toda una época arrastrada por el triunfo de la abstracción. Sin embargo, las flores de Mondrian contribuyen a una visión más amplia de la vida y obra de Mondrian, una visión que diverge marcadamente de la lectura tradicional de su evolución artística. [31]
Piet Mondrian murió de neumonía el 1 de febrero de 1944 y fue enterrado en el cementerio Cypress Hills en Brooklyn, Nueva York .
El 3 de febrero de 1944 se celebró un homenaje a Mondrian en la Capilla Universal en Lexington Avenue y 52nd Street en Manhattan . Al servicio asistieron casi 200 personas, entre ellas Alexander Archipenko , Marc Chagall , Marcel Duchamp , Fernand Léger , Alexander Calder y Robert Motherwell . [32]
Mondrian / Holtzman Trust funciona como el patrimonio oficial de Mondrian y "tiene como objetivo promover el conocimiento de las obras de arte de Mondrian y garantizar la integridad de su trabajo". [33]
Mondrian fue descrito por el crítico Robert Hughes , en su libro de 1980 The Shock of the New , como "uno de los artistas supremos del siglo XX". [34] Asimismo en sus documentales televisivos de The Shock of the New , Hughes se refirió a Mondrian considerado nuevamente como "uno de los más grandes artistas del siglo XX (...) quien fue uno de los últimos pintores que creyó que las condiciones de La vida humana podría cambiarse haciendo fotografías". [35] El historiador de arte holandés Carel Blotkamp , una autoridad en De Stijl , reafirmó la misma creencia de que era "uno de los grandes artistas del siglo XX". [36]
El 14 de noviembre de 2022, la Composición nº II de Mondrian se vendió en la subasta de Sotheby 's por 51 millones de dólares, lo que superó un récord anterior de 50,6 millones de dólares para su obra. La Composición No. II presenta un lienzo de 20 por 20 pulgadas con un gran cuadrado rojo en la esquina superior derecha, un pequeño cuadrado azul en la esquina inferior izquierda y un bloque amarillo con todo delineado en negro. [37]
En octubre de 2020, los herederos de Mondrian presentaron una demanda ante un tribunal estadounidense contra el Museo Kaiser Wilhelm en Krefeld, Alemania, por la devolución de cuatro pinturas de Mondrian. [38]
En diciembre de 2021, los herederos de Mondrian demandaron al Museo de Arte de Filadelfia por la devolución de la Composición con azul (1928) de Mondrian, que había sido confiscada por los nazis y pasó por los marchantes de arte Karl Buchholz y Curt Valentin antes de ser regalada al museo por Albert. E. Gallatin . [39] [40] [41]
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Del 6 de junio al 5 de octubre de 2014, la Tate Liverpool exhibió la colección más grande del Reino Unido de obras de Mondrian, en conmemoración del 70 aniversario de su muerte. Mondrian y sus estudios incluyeron una reconstrucción a tamaño natural de su estudio de París. Charles Darwent, en The Guardian , escribió: "Con su suelo negro y sus paredes blancas adornadas con paneles móviles de rojo, amarillo y azul, el estudio de la Rue du Départ no era sólo un lugar para hacer Mondrians. Era un Mondrian – y un generador de Mondrians." [12] Ha sido descrito como "el mayor geometrista abstracto del mundo". [63]
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