El arte abstracto utiliza un lenguaje visual de formas, colores y líneas para crear una composición que puede existir con cierto grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [1]
El arte occidental , desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se había sustentado en la lógica de la perspectiva y en un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que estaban teniendo lugar en la tecnología , la ciencia y la filosofía . Las fuentes de las que los artistas extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental de esa época. [2]
Arte abstracto, arte no figurativo, arte no objetivo y arte no representacional son términos estrechamente relacionados. Tienen significados similares, pero quizás no idénticos.
La abstracción indica una desviación de la realidad en la representación de imágenes en el arte. Esta desviación de una representación exacta puede ser leve, parcial o completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que aspira a la verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que la representación perfecta es imposible. Se puede decir que las obras de arte que se toman libertades, por ejemplo alterando el color o la forma de manera llamativa, son parcialmente abstractas. La abstracción total no tiene ningún rastro de referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica , por ejemplo, es poco probable encontrar referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes . Pero el arte figurativo y representacional (o realista ) a menudo contiene una abstracción parcial.
Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Entre los numerosos movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial se encuentran, por ejemplo, el fauvismo , en el que el color se altera de manera llamativa y deliberada con respecto a la realidad, y el cubismo , que altera las formas de las entidades de la vida real representadas. [3] [4]
El patrocinio de la iglesia disminuyó y el patrocinio privado del público se volvió más capaz de proporcionar un sustento a los artistas. [7] [8] Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el romanticismo , el impresionismo y el expresionismo . La independencia artística de los artistas avanzó durante el siglo XIX. Un interés objetivo por lo que se ve se puede discernir en las pinturas de John Constable , JMW Turner , Camille Corot y de ellos en los impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon . James McNeill Whistler había dado los primeros indicios de un nuevo arte, quien, en su pintura Nocturno en negro y oro: la caída del cohete (1872), puso mayor énfasis en la sensación visual que en la representación de objetos. Incluso antes, con sus dibujos "espirituales", la elección de Georgiana Houghton de trabajar con formas abstractas se correlaciona con la naturaleza antinatural de su tema, en una época en la que la "abstracción" aún no es un concepto (organizó una exposición en 1871 ).
Los pintores expresionistas exploraron el uso audaz de la superficie de la pintura, dibujando distorsiones y exageraciones y colores intensos. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas de emociones que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del siglo XIX. Los expresionistas cambiaron drásticamente el énfasis en el tema a favor de la representación de estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se inspiraron principalmente en el trabajo de los posimpresionistas, contribuyeron decisivamente al advenimiento de la abstracción en el siglo XX.Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su objetivo –hacer una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un solo punto, [9] con color modulado en áreas planas– se convirtió en la base de un nuevo arte visual, que más tarde se desarrollaría. en el cubismo .
Además, a finales del siglo XIX, en Europa del Este, el misticismo y la filosofía religiosa modernista temprana expresados por la teósofa Mme. Blavatsky tuvo un profundo impacto en artistas geométricos pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky . Las enseñanzas místicas de Georges Gurdjieff y PD Ouspensky también tuvieron una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas a principios del siglo XX. [10] El espiritismo también inspiró el arte abstracto de Kasimir Malevich y František Kupka . [11]
A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, entre ellos el precubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Jean Metzinger, revolucionaron el mundo del arte de París con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos que los críticos lo llamaron fauvismo . El lenguaje crudo del color desarrollado por los fauves influyó directamente en otro pionero de la abstracción, Wassily Kandinsky .
El cubismo , basado en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a un cubo , una esfera y un cono , se convirtió, junto con el fauvismo , en el movimiento artístico que abrió directamente la puerta a la abstracción a principios del siglo XX.
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Durante el Salón de la Sección de Oro de 1912 , donde František Kupka expuso su pintura abstracta Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ) (1912), el poeta Guillaume Apollinaire nombró la obra de varios artistas, entre ellos Robert Delaunay , Orfismo . [12] Lo definió como "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que han sido creados enteramente por el artista... es un arte puro". [13]
Desde principios de siglo, las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas se habían vuelto extremadamente activas mientras se esforzaban por crear una forma de arte a la altura de las altas aspiraciones del modernismo . Las ideas pudieron fertilizarse mutuamente a través de libros de artista, exposiciones y manifiestos , de modo que muchas fuentes quedaron abiertas a la experimentación y el debate, y formaron una base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de El mundo al revés da una idea de la interconexión de la cultura de la época: " El conocimiento de David Burliuk sobre los movimientos artísticos modernos debía estar extremadamente actualizado para la segunda exposición Sota de diamantes , celebrada En enero de 1912 (en Moscú) se incluyeron no sólo pinturas enviadas desde Múnich, sino también algunas de los miembros del grupo alemán Die Brücke , mientras que de París llegaron obras de Robert Delaunay , Henri Matisse y Fernand Léger , además de Picasso. "Dio dos conferencias sobre cubismo y planeó una publicación polémica, que la Sota de Diamantes iba a financiar. Se fue al extranjero en mayo y regresó decidido a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter , que había salido de la imprenta mientras él estaba en Alemania". [14]
De 1909 a 1913, varios artistas crearon muchas obras experimentales en la búsqueda de este "arte puro": Francis Picabia pintó Caoutchouc , c. 1909, [15] La Primavera , 1912, [16] Danzas de la Primavera [17] y La Procesión, Sevilla , 1912; [18] Wassily Kandinsky pintó Sin título (Primera acuarela abstracta) , 1913, [19] Improvisación 21A , la serie Impresión y Cuadro con círculo (1911); [20] František Kupka había pintado las obras orfistas, Discos de Newton (Estudio para fuga en dos colores ), 1912 [21] y Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ), 1912; Robert Delaunay pintó una serie titulada Ventanas y formas circulares simultáneas, Soleil n°2 (1912-13); [22] Léopold Survage creó Colored Rhythm (Estudio para la película), 1913; [23] Piet Mondrian , pintó Cuadro nº 1 y Composición nº 11 , 1913. [24]
Con su uso expresivo del color y su dibujo libre e imaginativo, Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en La ventana francesa de Collioure (1914), Vista de Notre-Dame (1914) y La cortina amarilla de 1915.
Y la búsqueda continuó: Los dibujos Rayistas (Luchizm) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov , utilizaban líneas como rayos de luz para realizar una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra enteramente abstracta, el Suprematista , Black Square , en 1915. Otro miembro del grupo suprematista, Liubov Popova , creó las Construcciones arquitectónicas y las Construcciones de fuerza espacial entre 1916 y 1921. Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de horizontal. y líneas verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl pretendían remodelar el entorno del futuro.
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se volvieron constructivistas creyendo que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en técnico, aprendiendo a utilizar las herramientas y materiales de la producción moderna. ¡Arte en vida! Era el lema de Vladimir Tatlin y el de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desviaron sus energías hacia el diseño teatral y las obras gráficas. Del otro lado estaban Kazimir Malevich , Anton Pevsner y Naum Gabo . Sostuvieron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; crear el lugar del individuo en el mundo, no organizar la vida en un sentido práctico y materialista. Durante esa época, representantes de la vanguardia rusa colaboraron con otros artistas constructivistas de Europa del Este, entre ellos Władysław Strzemiński , Katarzyna Kobro y Henryk Stażewski .
Muchos de los que eran hostiles a la idea materialista de producción artística abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo primero a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Kandinsky estudió en Moscú y luego se trasladó a la Bauhaus . A mediados de la década de 1920, el período revolucionario (1917 a 1921) en el que los artistas habían tenido libertad para experimentar había terminado; y en la década de 1930 sólo se permitía el realismo socialista . [25]
A medida que el arte visual se vuelve más abstracto, desarrolla algunas características de la música [ cita necesaria ] : una forma de arte que utiliza los elementos abstractos del sonido y las divisiones de tiempo. Wassily Kandinsky , él mismo un músico aficionado, [26] [27] [28] se inspiró en la posibilidad de que las marcas y el color asociativo resuenen en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire , de que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados a un nivel estético más profundo.
Estrechamente relacionada con esto, está la idea de que el arte tiene una dimensión espiritual y puede trascender la experiencia 'cotidiana', alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian , Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajaban por un "estado sin objeto" se interesaron por lo oculto como una forma de crear un objeto "interior". Las formas universales y atemporales que se encuentran en la geometría : el círculo, el cuadrado y el triángulo se convierten en elementos espaciales del arte abstracto; son, como el color, sistemas fundamentales que subyacen a la realidad visible.
La Bauhaus en Weimar, Alemania, fue fundada en 1919 por Walter Gropius . [29] La filosofía subyacente al programa de enseñanza era la unidad de todas las artes visuales y plásticas, desde la arquitectura y la pintura hasta el tejido y las vidrieras. Esta filosofía había surgido de las ideas del movimiento Arts and Crafts en Inglaterra y del Deutscher Werkbund . Entre los profesores se encontraban Paul Klee , Wassily Kandinsky , Johannes Itten , Josef Albers , Anni Albers y László Moholy-Nagy . En 1925, la escuela se trasladó a Dessau y, cuando el partido nazi tomó el control en 1932, la Bauhaus se cerró. En 1937 una exposición de arte degenerado , 'Entartete Kunst' contenía todo tipo de arte de vanguardia desaprobado por el partido nazi. Entonces comenzó el éxodo: no sólo de la Bauhaus sino de Europa en general; a París, Londres y América. Paul Klee fue a Suiza pero muchos de los artistas de la Bauhaus se fueron a Estados Unidos.
Durante la década de 1930, París se convirtió en sede de artistas de Rusia, Alemania, Países Bajos y otros países europeos afectados por el ascenso del totalitarismo . Sophie Tauber y Jean Arp colaboraron en pinturas y esculturas utilizando formas orgánicas/geométricas. La polaca Katarzyna Kobro aplicó ideas de base matemática a la escultura. Los numerosos tipos de abstracción que ahora se encuentran muy próximos llevaron a los artistas a intentar analizar los diversos agrupamientos conceptuales y estéticos. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré organizada por Joaquín Torres-García [30] con la asistencia de Michel Seuphor [31] contenía obras de neoplasticistas y abstraccionistas tan variados como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters . . Criticado por Theo van Doesburg por ser una colección demasiado indefinida, publicó la revista Art Concret exponiendo un manifiesto que define un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie sólo son la realidad concreta. [32] Abstraction-Création, fundado en 1931 como un grupo más abierto, proporcionó un punto de referencia para los artistas abstractos, cuando la situación política empeoró en 1935 y los artistas se reagruparon nuevamente, muchos de ellos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se celebró en Inglaterra en 1935. Al año siguiente, Nicolete Gray organizó la exposición más internacional Abstract and Concrete, que incluía obras de Piet Mondrian , Joan Miró , Barbara Hepworth y Ben Nicholson . Hepworth, Nicholson y Gabo se trasladaron al grupo St. Ives en Cornwall para continuar con su trabajo "constructivista". [33]
Durante el ascenso nazi al poder en la década de 1930, muchos artistas huyeron de Europa a Estados Unidos. A principios de la década de 1940, los principales movimientos del arte moderno, el expresionismo, el cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo estaban representados en Nueva York: Marcel Duchamp , Fernand Léger , Piet Mondrian , Jacques Lipchitz , André Masson , Max Ernst y André Breton . sólo algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York. [35] Las ricas influencias culturales aportadas por los artistas europeos fueron destiladas y aprovechadas por los pintores locales de Nueva York. El clima de libertad en Nueva York permitió que florecieran todas estas influencias. Las galerías de arte que se habían centrado principalmente en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de artistas estadounidenses más jóvenes que habían comenzado a madurar. Ciertos artistas de esta época se volvieron claramente abstractos en su obra madura. Durante este período, la pintura de Piet Mondrian Composición No. 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente su enfoque radical pero clásico del rectángulo y del arte abstracto en general. Algunos artistas de la época desafiaron la categorización, como Georgia O'Keeffe , quien, si bien era una abstraccionista modernista, era puramente inconformista porque pintaba formas muy abstractas sin unirse a ningún grupo específico de la época.
Con el tiempo, los artistas estadounidenses que trabajaban en una gran diversidad de estilos comenzaron a fusionarse en grupos estilísticos cohesivos. El grupo de artistas estadounidenses más conocido pasó a ser conocido como los expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York . En la ciudad de Nueva York había una atmósfera que fomentaba el debate y había una nueva oportunidad para aprender y crecer. Los artistas y profesores John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en importantes figuras puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas estadounidenses más jóvenes que alcanzaban la mayoría de edad. Mark Rothko , nacido en Rusia, comenzó con imágenes fuertemente surrealistas que luego se disolvieron en sus poderosas composiciones en color de principios de los años cincuenta. El gesto expresionista y el acto de pintar en sí adquirieron una importancia primordial para Jackson Pollock , Robert Motherwell y Franz Kline . Mientras que durante la década de 1940, la obra figurativa de Arshile Gorky y Willem de Kooning evolucionó hacia la abstracción a finales de la década. La ciudad de Nueva York se convirtió en el centro y artistas de todo el mundo gravitaron hacia ella; También de otros lugares de América. [36]
Arte digital , pintura de vanguardia , abstracción geométrica , minimalismo , abstracción lírica , op art, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura monocromática , ensamblaje , neodadá, pintura sobre lienzo moldeado , son algunas direcciones relacionadas con la abstracción en la segunda mitad. del siglo XX.
En los Estados Unidos, el arte como objeto, tal como se ve en la escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella , se considera hoy como permutaciones más nuevas. Otros ejemplos incluyen la abstracción lírica y el uso sensual del color visto en el trabajo de pintores tan diversos como Robert Motherwell , Patrick Heron , Kenneth Noland , Sam Francis , Cy Twombly , Richard Diebenkorn , Helen Frankenthaler , Joan Mitchell y Verónica Ruiz de Velasco .
Una explicación sociohistórica que se ha ofrecido para la creciente prevalencia de lo abstracto en el arte moderno –una explicación vinculada al nombre de Theodor W. Adorno– es que dicha abstracción es una respuesta y un reflejo de la creciente abstracción del arte moderno. Relaciones sociales en la sociedad industrial . [37]
Frederic Jameson ve de manera similar la abstracción modernista como una función del poder abstracto del dinero, equiparando todas las cosas por igual con valores de cambio. [38] El contenido social del arte abstracto es entonces precisamente la naturaleza abstracta de la existencia social –formalidades legales, impersonalización burocrática, información/poder– en el mundo de la modernidad tardía . [39]
Los posjungianos, por el contrario, considerarían que las teorías cuánticas, con su desintegración de las ideas convencionales de forma y materia, subyacen al divorcio entre lo concreto y lo abstracto en el arte moderno. [40]
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