Oskar Kokoschka CBE (1 de marzo de 1886 – 22 de febrero de 1980) fue un artista , poeta , dramaturgo y profesor austríaco, más conocido por sus intensos retratos y paisajes expresionistas , así como por sus teorías sobre la visión que influyeron en el movimiento expresionista vienés.
Oskar Kokoschka, segundo hijo del orfebre checo Gustav Josef Kokoschka y Maria Romana Kokoschka (de soltera Loidl), nació en Pöchlarn . Tenía una hermana, Berta, nacida en 1889; un hermano, Bohuslav, nacido en 1892; y un hermano mayor que murió en la infancia. Oskar creía firmemente en los presagios, lo que le provocó la historia de un incendio que se produjo en Pöchlarn poco después de que su madre diera a luz. La vida de la familia no fue fácil, en gran parte debido a la falta de estabilidad financiera de su padre. Se mudaban constantemente a pisos más pequeños, cada vez más lejos del próspero centro de la ciudad. Kokoschka concluyó que su padre era inadecuado y se acercó más a su madre; y viéndose a sí mismo como el cabeza de familia, continuó manteniendo a su familia cuando obtuvo la independencia financiera. Kokoschka ingresó en una Realschule en 1897, [1] un tipo de escuela secundaria, donde se ponía énfasis en el estudio de materias modernas como las ciencias y el lenguaje. A pesar de su intención de continuar una educación formal en química, Kokoschka no estaba interesado en tales temas, ya que solo sobresalía en el arte y pasaba la mayor parte de su tiempo leyendo literatura clásica durante sus lecciones. Como muchos de los contemporáneos franceses y alemanes de Kokoschka, estaba interesado en el arte primitivo y exótico presentado en las exhibiciones etnográficas en toda Europa. [2]
Uno de los profesores de Kokoschka le sugirió que siguiera una carrera en bellas artes después de quedar impresionado por algunos de sus dibujos. [2] Contra la voluntad de su padre, Kokoschka postuló a la Kunstgewerbeschule de Viena, ahora Universidad de Artes Aplicadas de Viena . Recibió una beca y fue uno de los pocos solicitantes aceptados. [2] La Kunstgewerbeschule de Viena era una escuela progresista de artes aplicadas que se centraba principalmente en la arquitectura, el mobiliario, la artesanía y el diseño moderno. A diferencia de la más prestigiosa y tradicional Academia de Bellas Artes de Viena , la Kunstgewerbeschule estaba dominada por instructores de la Secesión de Viena . Kokoschka estudió allí de 1904 a 1909 y fue influenciado por su maestro Carl Otto Czeschka en el desarrollo de un estilo original.
Entre las primeras obras de Kokoschka se encontraban dibujos gestuales de niños, que los retrataban como torpes y cadáveres. Kokoschka no tenía una formación formal en pintura y, por lo tanto, se acercó al medio sin tener en cuenta la forma "tradicional" o "correcta" de pintar. Los profesores de la Kunstgewerbeschule ayudaron a Kokoschka a obtener oportunidades a través de las Wiener Werkstätte o talleres vieneses. Los primeros encargos de Kokoschka fueron postales y dibujos para niños. Posteriormente, Kokoschka dijo que este ejercicio le proporcionó "la base de [su] formación artística". [3] Su carrera temprana estuvo marcada por retratos de celebridades vienesas, pintados en un estilo nerviosamente animado.
Siguiendo su propia formación artística, Kokoschka dedicó años de su vida a enseñar arte y escribir artículos y discursos que documentan sus puntos de vista y prácticas como educador. El humanista y reformador educativo checo del siglo XVII, Jan Amos Comenius , fue la principal influencia de Kokoschka en términos de cómo abordar la educación. A partir de las teorías de Comenius, Kokoschka adoptó la creencia de que los estudiantes se benefician más al utilizar sus cinco sentidos para facilitar el razonamiento. [4] Kokoschka enseñó en Viena de 1911 a 1913 y luego nuevamente en Dresde de 1919 a 1923. [5] Si bien sus esfuerzos como profesor se notaron en varias publicaciones, generalmente se centraron en su personalidad capturada dentro de su propio arte más que en su prácticas en el aula. Kokoschka descuidó las metodologías y teorías estructuradas convencionales asumidas por los educadores artísticos y, en cambio, enseñó a través de narraciones impregnadas de temas mitológicos y emociones dramáticas. [5] En 1912, Kokoschka pronunció su ensayo “Von der Natur der Gesichte” (“Sobre la naturaleza de las visiones”) en la Akademischen Verband für Literatur und Musik de Viena. Este ensayo esbozó la conceptualización artística de Kokoschka sobre la relación entre la visión interior y la vista óptica. [6] Al considerar su propio arte, Kokoschka expresó que la inspiración provenía de observaciones diarias que recopilaba ópticamente mientras interactuaba con su entorno contemporáneo. La capacidad de Kokoschka para reconocer cómo estos estímulos se manifestaban en su imaginación interior dio como resultado obras que recurren al subconsciente en lugar de a la visión óptica. Además, Kokoschka concedió al espectador la tarea de interpretar la imagen en función de cómo experimenta la visión dentro de su propio ámbito de conciencia. [7] Este concepto, en congruencia con la teoría de Wassily Kandinsky sobre la espiritualidad en el arte, se ha convertido en la base sobre la cual los historiadores del arte entienden el expresionismo vienés.
En 1908 se le ofreció a Kokoschka la oportunidad de presentar obras a la primera Kunstschau de Viena. [2] Esta exposición financiada por el gobierno se creó para atraer turistas y afirmar la prominencia de Viena dentro del mundo del arte. Kokoschka recibió el encargo del director de Wiener Werkstätte, Fritz Wärndorfer, de realizar imágenes en color que complementarían un libro infantil y se exhibirían en la exposición. Kokoschka, sin embargo, se tomó la libertad de producir imágenes que sirvieran de ilustración al poema que escribió un año antes, Die träumenden Knaben (Los jóvenes soñadores) , que adoptó la forma de una fantasía adolescente autobiográfica inapropiada para un público joven. . [8] En su autobiografía, Kokoschka explicó los orígenes del poema, que siguen su experiencia personal como un joven estudiante que estaba enamorado de su compañera de clase sueca, Lilith. [9] Die träumenden Knaben consta de páginas introductorias con dos pequeñas litografías en blanco y negro, además de ocho litografías en color más grandes con una columna vertical de texto colocada al lado de cada imagen. Influenciado por las composiciones del arte medieval, Kokoschka representó varios momentos en el tiempo simultáneamente dentro de cada imagen individual. Kokoschka también adoptó las líneas atrevidas y los colores expresivos del arte popular tradicional europeo y los yuxtapuso con la ornamentación estilizada y los cuerpos bidimensionales del Jugendstil . La página final, titulada Das Mädchen Li und ich (la niña Li y yo), presenta las formas angulares del niño (Kokoschka) y la niña (Lilith), adoptando el estilo del escultor belga George Minne . Esta obra, que Kokoschka dedicó a su antiguo maestro Gustav Klimt , demuestra la transición del Jugendstil al Expresionismo. [9]
Die träumenden Knaben, junto con el tapiz hoy perdido Los portadores de sueños , fueron las primeras obras expuestas por Kokoschka. Al igual que las ilustraciones del libro, el tapiz de Kokoschka se consideró inquietante debido a su representación de fantasías juveniles, exóticas y sexualizadas. Al mostrar estas dos obras, Kokoschka fue objeto de una reacción violenta por parte de los funcionarios conservadores y sólo una pequeña proporción de las quinientas copias de Die träumenden Knaben fueron realmente encuadernadas y vendidas. [8] Como resultado, fue expulsado de la Kunstgewerbeschule y encontró su lugar dentro de la vanguardia vienesa. [2] El arquitecto austriaco Adolf Loos se hizo amigo de Kokoschka y le presentó a otros miembros de la vanguardia que luego se convirtieron en sus sujetos en una serie de retratos.
Kokoschka pintó la mayor parte de sus retratos entre 1909 y 1914. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que también recibían encargos de retratos, como Edvard Munch, Kokoschka mantuvo total libertad artística porque generalmente no los ordenaba directamente el retratado. La mayoría de los sujetos de Kokoschka eran clientes del arquitecto Loos, y fue Loos quien encargó los retratos y acordó comprarlos si el modelo decidía no hacerlo. [9] Otros retratos de Kokoschka presentan a amigos y defensores dentro de su círculo que apoyaron el arte moderno de este período. Entre los miembros destacados de este grupo a quienes se les pintaron retratos se encuentran el marchante de arte Herwarth Walden , la defensora del arte Lotte Franzos, el poeta Peter Altenberg y los historiadores del arte Hans y Erica Tietze .
Los retratos de Kokoschka demuestran las convenciones del retrato tradicional, principalmente en lo que respecta a la perspectiva en la que captura a los retratados. Sin embargo, Kokoschka también adoptó elementos del estilo moderno que implicaban incorporar manos dentro de la composición para capturar aún más la emoción expresada a través de los gestos de un individuo. Estos retratos también utilizan la posición inconsciente del cuerpo del modelo, que Kokoschka creía que revelaría las tensiones internas de su subconsciente. [9]
Los retratos de Kokoschka incorporan una paleta de colores expresiva similar a las que aparecen en las obras de los artistas alemanes de Die Brücke de la época. El uso que hace Kokoschka de colores estridentes y ásperos que hacen que los sujetos parezcan cadáveres en descomposición no debe entenderse como un retrato de sus condiciones físicas individuales, sino más bien como una indicación general de una edad en descomposición. [9] Las líneas atrevidas y los parches de colores brillantes yuxtapuestos contra un fondo que de otro modo sería sólido y aburrido eran interpretaciones visuales de las ansiedades sentidas por Kokoschka y aquellos en el círculo. Los retratos de Kokoschka, sin embargo, se diferenciaban de los de sus contemporáneos por su creencia en la importancia simbólica del acto de pintar en sí, que se enfatiza mediante pinceladas visibles y áreas de lienzo expuesto. Kokoschka integró técnicas pictóricas con las utilizadas en el dibujo, como se ve en su uso de colores vibrantes y contrastantes, pinceladas rápidas, marcas de arañazos ansiosas y manejo desigual.
En una carta de 1909, Kokoschka señaló que “le gustaría hacer un retrato nerviosamente trastornado”. [9] Sin elementos adicionales para establecer una narrativa para el modelo, Kokoschka enfatizó que la esencia del individuo surge a través de los medios para crear su imagen. Patrick Werkner, historiador del arte, describe los retratos de Kokoschka sugiriendo que es como si la piel se separara del cuerpo, permitiendo al espectador ver a través de la fisonomía como un velo sólo para hacer visibles los medios de representación. [9] Los retratos de Kokoschka en su conjunto comentan los abrumadores sentimientos de incertidumbre que sentían aquellos que eran conscientes del cambiante entorno cultural que condujo al fin del antiguo orden del Imperio austríaco en 1918.
El retrato de Kokoschka, Hans Tietze y Erica Tietze-Conrat , fue pintado en 1909 en la biblioteca de la casa de la pareja. [9] Además de ser amigos cercanos del artista, la pareja también eran destacados historiadores del arte de la época. Erica Tietze-Conrat explicó que mientras Kokoschka creaba su retrato, los animó a moverse libremente y continuar su trabajo en los dos escritorios que estaban situados uno al lado del otro junto a una ventana. Después de pintar a su marido de perfil, Kokoschka le pidió a Erica que se posicionara de manera que él pudiera pintarla de frente. Poco después de comenzar a pintar, Kokoschka dejó su pincel y comenzó a usar sólo sus dedos. [9] Kokoschka usó sus uñas para trazar líneas finas en la pintura, que aparecen en contornos y áreas de sombreado y sombreado, así como en todo el fondo. Aunque pintadas en su biblioteca, las figuras parecen existir en un espacio subliminal y surrealista. Kokoschka combina tonos vibrantes de azul y rojo sobre un fondo verde apagado. En el retrato, la pareja no está frente a frente, pero sus manos se extienden como si estuvieran a punto de tocarse. Sus manos se convierten entonces en el medio de comunicación, simbolizando el puente por el cual sus energías internas pueden fluir de un lado a otro. La pareja se vio obligada a huir de Austria en 1938 como resultado de su herencia judía, pero pudieron llevarse este retrato que se negaron a exhibir hasta que fue comprado por el Museo de Arte Moderno en 1939. [9]
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Kokoschka se mudó a Berlín en 1910, el mismo año en que se estableció la Neue Secession en Berlín. El grupo, compuesto por artistas y filósofos como Emil Nolde , Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel y Max Pechstein , se formó como una rebelión contra el antiguo grupo de la Secesión . Si bien Kokoschka se abstuvo de adoptar las técnicas e ideologías del grupo, sí admiró el sentido de comunidad establecido entre sus miembros. [2] El marchante de arte berlinés Paul Cassirer vio prometedoras las obras de Kokoschka y lanzó al artista al círculo internacional. Casi al mismo tiempo, Herwarth Walden , editor y crítico de arte que conoció a Kokoschka gracias a Loos , contrató a Kokoschka como ilustrador para su revista Der Sturm . [2] Durante su primer año se publicaron en la revista veintiocho dibujos de Kokoschka; y aunque apareció mucho menos, Kokoschka siguió siendo colaborador del periódico. La primera pieza de Kokoschka para Der Sturm, un dibujo de la serie Menschenköpfe (Cabezas de personas), estuvo dedicada a Karl Kraus . En el vigésimo número de la revista se presentó tanto la primera ilustración de portada de Kokoschka, que complementaba Mörder, Hoffnung der Frauen , como la primera contribución literaria del artista. [9] Kokoschka continuó viajando de ida y vuelta entre Viena y Berlín durante los siguientes cuatro años.
Kokoschka tuvo una relación apasionada, a menudo tormentosa, con Alma Mahler . Comenzó en 1912, cinco años después de la muerte de su hija Maria Mahler, de cuatro años, y dos años antes de su romance con Walter Gropius , más tarde un célebre arquitecto de Berlín. Pero después de dos años juntos, Alma lo rechazó, explicando que tenía miedo de sentirse demasiado abrumada por la pasión. Se casó con Walter Gropius en 1915 y vivió con él hasta su divorcio en 1920. [10] Kokoschka siguió amando a Alma Mahler toda su vida, y una de sus obras más aclamadas, La novia del viento ( La tempestad ; 1913), es expresivo de su relación. [11] El poeta Georg Trakl visitó el estudio mientras Kokoschka pintaba esta obra maestra. El poema Allos Makar de Kokoschka se inspiró en esta relación. [ cita necesaria ]
Se ofreció como voluntario para servir como soldado de caballería en el ejército austríaco en la Primera Guerra Mundial y en 1915 resultó gravemente herido. En el hospital, los médicos decidieron que estaba mentalmente inestable. Sin embargo, siguió desarrollando su carrera como artista, viajando por Europa y pintando paisajes. [ cita necesaria ]
Encargó una muñeca de tamaño natural en 1918. Aunque pretendía simular a Alma y recibir su afecto, la 'muñeca Alma' no satisfizo a Kokoschka y la destruyó durante una fiesta. [12]
En 1919, Kokoschka comenzó a enseñar en la Kunstakademie Dresden . En una carta abierta dirigida a los habitantes de Dresde en 1920, Kokoschka argumentó que las batallas de la guerra civil entre los partidos revolucionarios deberían trasladarse fuera de las fronteras de la ciudad para proteger el arte que no podía escapar del fuego cruzado. Esta carta fue escrita después de un incidente ocurrido el 15 de marzo de 1920, cuando una bala dañó Betsabé en la Fuente , un cuadro de Peter Paul Rubens . [13] Como resultado de su carta, Kokoschka recibió una reacción violenta de los artistas comunistas George Grosz y John Heartfield en lo que se conoció como el debate Kunstlump , o Art Scoundrel Debate. Muchos otros artistas, sin embargo, continuaron apoyando el trabajo de Kokoschka. [14]
En mayo de 1922 asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación de Fundación de la Unión de Artistas Internacionales Progresistas". [15]
Kokoschka regresó a Viena en el otoño de 1931, donde pasó seis meses en la casa que había comprado para sus padres once años antes. Situada en el distrito 16 de Viena, conocido como Liebharstal, la casa, que ahora funcionaba como estudio del artista, ofrecía una vista del Schloss Wilhelminenberg , que el Ayuntamiento había convertido en un Kinderheim u orfanato. Durante este tiempo, Kokoschka aceptó un encargo del Ayuntamiento socialdemócrata, ' Viena Roja ', para un cuadro que se colgaría dentro del Rathaus o Ayuntamiento. A Kokoschka, junto con otros artistas austriacos, se le pidió que creara una obra de arte que representara Viena como contribución a este proyecto gestionado por el Historisches Museum der Stadt ( Museo de Viena ). En honor a los esfuerzos humanitarios del Ayuntamiento, Kokoschka decidió ilustrar a niños jugando fuera del palacio en el primer plano de la composición, que por lo demás consistía en un paisaje urbano. [4] Otra arquitectura vienesa identificable dentro de la pintura incluye el Ayuntamiento y la Catedral de San Esteban .
Considerado un " degenerado " por los nazis , Kokoschka huyó de Austria en 1934 hacia Praga. En Praga, su nombre fue adoptado por un grupo de otros artistas expatriados, el Oskar-Kokoschka-Bund (OKB), aunque Kokoschka declinó participar en su grupo. [16] Obtuvo la ciudadanía checoslovaca en 1935. En 1938, cuando los checos comenzaron a movilizarse para la esperada invasión de la Wehrmacht , huyó al Reino Unido y permaneció allí durante la guerra. Con la ayuda del Comité Británico para los Refugiados de Checoslovaquia (más tarde Fondo Fiduciario Checo para los Refugiados ), todos los miembros del OKB pudieron escapar a través de Polonia y Suecia.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Kokoschka pintó obras antifascistas como la alegoría Por qué luchamos (1943). [11] Kokoschka abandonó el bullicioso centro de la ciudad de Londres y se instaló en Polperro , en Cornualles . Mientras residía en este pueblo costero, Kokoschka realizó pinturas que representan paisajes del puerto, junto con El cangrejo , que inició una serie de obras plagadas de alegorías políticas de resistencia al régimen nazi. [5] El cangrejo de Kokoschka fue pintado entre 1939 y 1940 y captura la vista del puerto desde la casa del artista en Polperro. Esta obra funciona como un autorretrato del artista, donde Kokoschka es el nadador que representa a Checoslovaquia. El gran cangrejo simboliza a Neville Chamberlain , el primer ministro británico en el momento en que se creó la pintura. Al explicar esta pintura, Kokoschka dijo que el cangrejo “sólo tendría que sacar una garra para salvarlo de ahogarse, pero se mantiene al margen”. [17] Además, esta pintura demuestra la inestabilidad que sintió como resultado de la ocupación alemana que lo obligó a buscar refugio en otros países de Europa. Esta pintura de paisaje, entre otras de Kokoschka, se llevó consigo a Londres sin terminar, donde se transformó en alegorías políticas. [17] Mientras estuvo en Londres, Kokoschka también pintó El huevo rojo, otra pintura política que hace referencia a la destrucción de Checoslovaquia. [14] En esta pintura satírica, Kokoschka comenta el Acuerdo de Munich de 1938 con caricaturas grotescas de Benito Mussolini y Adolf Hitler .
Durante varios meses de verano, él y su joven esposa checa, Oldřiška “Olda” Palkovská Kokoschka (1915-2009), vivieron en Ullapool , un pueblo de Wester Ross , Escocia. Allí dibujó con lápices de colores (una técnica que desarrolló en Escocia) y pintó en acuarela muchos paisajes locales. [ cita necesaria ] Mientras estaba en Ullapool, Kokoschka pintó un retrato de su amigo, el rico industrial Ferdinand Bloch-Bauer, tío de Maria Altmann . El cuadro se encuentra en el Museo Kunsthaus de Zúrich. [18] Entre 1941 y 1946, él y Olda pasaron varias semanas cada verano con el profesor checo Emil Korner en su casa, La Casa de Elrig , en Wigtownshire .
Kokoschka se naturalizó como súbdito británico el 21 de febrero de 1947 y sólo recuperaría la ciudadanía austriaca en 1978. [19] Viajó brevemente a los Estados Unidos en 1947 antes de establecerse en Villeneuve , Suiza en 1953, donde vivió el resto de su vida. Kokoschka pasó estos años como educador en la Internationale Sommer Akademie für Bildenden Künste ( Ricarda Jacobi era una de sus alumnas) mientras trabajaba en escenografía y publicaba una colección de sus escritos. En 1962 se exhibió una retrospectiva de la obra de Kokoschka en la Tate Gallery de Londres. [20] Como miembro de la Deutscher Künstlerbund, Oskar Kokoschka participó en sus exposiciones anuales de 1952 a 1955. [16] Participó en la documenta 1 (1955), la documenta II (1959) y también la documenta III en 1964 en Kassel. En 1966 ganó el concurso para el retrato encargado de Konrad Adenauer para el Bundestag alemán frente a su competidor Eugen Denzel. [21]
Kokoschka murió el 22 de febrero de 1980 en Montreux , a la edad de 93 años, ocho días antes de cumplir 94 años, por complicaciones tras contraer gripe. Fue enterrado en el Cementerio Central de Montreux. [1]
Kokoschka tenía mucho en común con su contemporáneo Max Beckmann . Ambos mantuvieron su independencia del expresionismo alemán , pero ahora se los considera ejemplos de libro de texto del estilo. Sin embargo, su individualismo los distinguió de los principales movimientos del modernismo del siglo XX . Ambos escribieron elocuentemente sobre la necesidad de desarrollar el arte de "ver" (Kokoschka enfatizaba la percepción profunda, mientras que Beckmann se preocupaba por la visión mística del reino invisible), y ambos eran maestros de técnicas innovadoras de pintura al óleo ancladas en tradiciones anteriores. [ cita necesaria ]
Kokoschka fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico en los Honores de Año Nuevo de 1959 . [22] También recibió el Premio Erasmus en 1960 junto con Marc Chagall . [23]
Las obras literarias de Kokoschka son tan peculiares e interesantes como su arte. Sus memorias, Un mar rodeado de visiones , detallan sus teorías sobre la visión tanto corporal como visceral y cómo dan forma a la conciencia, el arte y las realidades. [25] Su obra corta Murderer, the Hope of Women (1909, ambientada diez años después por Paul Hindemith como Mörder, Hoffnung der Frauen ) a menudo se considera el primer drama expresionista. Su Orpheus und Eurydike (1918) se convirtió en una ópera de Ernst Krenek , a quien se le acercó por primera vez en busca de música incidental .
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