Edward Hopper (22 de julio de 1882 - 15 de mayo de 1967) fue un pintor y grabador realista estadounidense . Es uno de los artistas más reconocidos de Estados Unidos y conocido por su habilidad para capturar la vida y los paisajes estadounidenses a través de su arte.
Nacido en Nyack, Nueva York , en una familia de clase media, la temprana exposición de Hopper al arte fue impulsada por sus padres. Estudió en la Escuela de Arte de Nueva York con William Merritt Chase y Robert Henri , donde desarrolló su estilo característico, caracterizado por su énfasis en la soledad, la luz y las sombras.
El trabajo de Hopper, que abarca pinturas al óleo , acuarelas y grabados , explora predominantemente temas de soledad y aislamiento dentro de los entornos urbanos y rurales estadounidenses. Su pintura más famosa, " Nighthawks " (1942), personifica su interés por los momentos tranquilos e introspectivos de la vida cotidiana. A pesar de un comienzo lento, Hopper logró un reconocimiento significativo en la década de 1920, y su obra se convirtió en un elemento básico en los principales museos estadounidenses. La técnica de Hopper, marcada por una composición de formas y el uso de la luz para evocar estados de ánimo, ha sido influyente en el mundo del arte y la cultura popular. Sus pinturas, a menudo ambientadas en los paisajes arquitectónicos de Nueva York o en los ambientes serenos de Nueva Inglaterra , transmiten una sensación de profundidad narrativa y resonancia emocional, lo que lo convierte en una figura fundamental del realismo estadounidense. Hopper creó un drama tenue a partir de temas comunes revestidos de un significado poético, invitando a interpretaciones narrativas. Fue elogiado por la "completa veracidad" de los Estados Unidos que retrató.
En 1924, Hopper se casó con Josephine Nivison , también artista, que desempeñó un papel crucial en la gestión de su carrera y sirvió de modelo para muchas de sus figuras. La pareja vivió una vida modesta en la ciudad de Nueva York, pasando los veranos en Cape Cod , lo que influyó en gran parte del trabajo posterior de Hopper. A pesar de su éxito, Hopper siguió siendo una persona reservada e introspectiva, dedicada a explorar las sutilezas de la experiencia humana y el paisaje americano. Su descripción de la escena estadounidense, con su énfasis en el aislamiento y la contemplación, sigue siendo un aspecto definitorio de su atractivo e importancia en la historia del arte estadounidense.
Hopper nació en 1882 en Nyack, Nueva York , un centro de construcción de yates en el río Hudson al norte de la ciudad de Nueva York. [1] [2] Era uno de los dos hijos de una familia cómodamente acomodada. Sus padres, de ascendencia mayoritariamente holandesa , eran Elizabeth Griffiths Smith y Garret Henry Hopper, un comerciante de productos textiles. [3] Aunque no tuvo tanto éxito como sus antepasados, Garret mantuvo bien a sus dos hijos con una considerable ayuda de la herencia de su esposa. Se jubiló a los cuarenta y nueve años. [4] Edward y su hermana, Marion, asistieron a escuelas públicas y privadas. Fueron criados en un estricto hogar bautista . [5] Su padre tenía un carácter apacible y la casa estaba dominada por mujeres: la madre, la abuela, la hermana y la criada de Hopper. [6]
Su lugar de nacimiento y hogar de su infancia figuraron en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2000. Ahora funciona como Edward Hopper House Museum & Study Center, [7] y sirve como un centro cultural comunitario sin fines de lucro que presenta exposiciones, talleres, conferencias, actuaciones. y eventos especiales. [8]
Hopper fue un buen estudiante en la escuela primaria y cuando tenía cinco años su talento para el dibujo ya era evidente. Absorbió fácilmente las tendencias intelectuales de su padre y el amor por las culturas francesa y rusa . También demostró la herencia artística de su madre. [9] Los padres de Hopper alentaron su arte y lo mantuvieron ampliamente provisto de materiales, revistas instructivas y libros ilustrados.
Hopper comenzó a firmar y fechar sus dibujos a la edad de 10 años. Entre los primeros dibujos se encuentran bocetos al carboncillo de formas geométricas, un jarrón, un cuenco, una taza y cajas. [10] El examen detallado de luces y sombras que continuó a lo largo de su carrera ya es visible en estos primeros trabajos. [10] En su adolescencia, trabajaba con pluma y tinta, carboncillo, acuarela y óleo, dibujando a partir de la naturaleza y al mismo tiempo haciendo caricaturas políticas. [11] En 1895, creó su primera pintura al óleo firmada, Rowboat in Rocky Cove , que copió de una reproducción en The Art Interchange , una revista popular para artistas aficionados. Los otros óleos más antiguos de Hopper, como Viejo estanque de hielo en Nyack y su pintura Ships, de 1898, han sido identificados como copias de pinturas de artistas como Bruce Crane y Edward Moran . [12] [13]
En sus primeros autorretratos, Hopper tendía a representarse a sí mismo como flaco, poco elegante y feo. Aunque era un adolescente alto y tranquilo, su travieso sentido del humor encontró salida en su arte, a veces en representaciones de inmigrantes o de mujeres dominando a los hombres en situaciones cómicas. Más adelante en su vida, representó principalmente a mujeres como figuras de sus pinturas. [14] En la escuela secundaria (se graduó de Nyack High School en 1899), [15] soñaba con convertirse en arquitecto naval , pero después de graduarse declaró su intención de seguir una carrera en el arte. Los padres de Hopper insistieron en que estudiara arte comercial para tener una fuente de ingresos confiable. [16] Al desarrollar su autoimagen y su filosofía de vida individualista, Hopper fue influenciado por los escritos de Ralph Waldo Emerson . Más tarde dijo: "Lo admiro mucho... Lo leo una y otra vez". [17]
Hopper comenzó sus estudios de arte con un curso por correspondencia en 1899. Pronto se trasladó a la Escuela de Arte y Diseño de Nueva York, precursora de la Escuela de Diseño Parsons . Allí, estudió durante seis años con profesores como William Merritt Chase , quien le instruyó en pintura al óleo. [16] Al principio, Hopper modeló su estilo a partir de Chase y los maestros impresionistas franceses Édouard Manet y Edgar Degas . [18] Sin embargo, dibujar a partir de modelos reales resultó desafiante y algo impactante para Hopper, de educación conservadora.
Otro de sus maestros, el artista Robert Henri , impartía clases de vida. Henri animó a sus alumnos a utilizar su arte para "causar revuelo en el mundo". También aconsejaba a sus alumnos: "No es la materia lo que cuenta sino lo que sientes al respecto" y "Olvídate del arte y pinta cuadros de lo que te interesa en la vida". [16] De esta manera, Henri influyó en Hopper, así como en los futuros artistas George Bellows y Rockwell Kent . Los animó a imbuir su trabajo de un espíritu moderno. Algunos artistas del círculo de Henri, incluido John Sloan , se convirtieron en miembros de "Los Ocho", también conocida como la Escuela Ashcan de Arte Americano . [19] La primera pintura al óleo de Hopper que se conserva que insinúa su uso de interiores como tema fue Figura solitaria en un teatro (c.1904). [20] Durante sus años de estudiante, también pintó decenas de desnudos, estudios de naturalezas muertas, paisajes y retratos, incluidos autorretratos. [21]
En 1905, Hopper consiguió un trabajo a tiempo parcial en una agencia de publicidad, donde creó diseños de portadas para revistas especializadas. [22] Hopper llegó a detestar la ilustración. Estuvo ligado a ello por necesidades económicas hasta mediados de la década de 1920. [23] Escapó temporalmente haciendo tres viajes a Europa, cada uno centrado en París, aparentemente para estudiar su escena artística. De hecho, trabajó principalmente solo y no parecía afectado por las nuevas corrientes del arte. Más tarde, dijo que "no recordaba haber oído hablar de Picasso en absoluto". [19] Quedó muy impresionado por Rembrandt , particularmente su Ronda de noche , que dijo que era "la cosa más maravillosa que he visto; es más allá de creer en su realidad". [24]
Hopper comenzó a pintar escenas urbanas y arquitectónicas en una paleta oscura. Luego pasó a los tonos más claros de los impresionistas antes de regresar a la paleta más oscura, con la que se sentía más cómodo. Más tarde dijo: "Lo superé y luego las cosas que se hicieron en París fueron más como las que hago ahora". [25] Hopper pasó gran parte de su tiempo dibujando escenas de calles y cafés, e yendo al teatro y a la ópera. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que imitaron los experimentos cubistas abstractos , Hopper se sintió atraído por el arte realista . Más tarde, afirmó tener pocas influencias europeas aparte de Rembrandt , Goya y el grabador francés Charles Meryon, cuyas melancólicas escenas de París imitaba Hopper. [26] [27]
Después de regresar de su último viaje a Europa, Hopper alquiló un estudio en la ciudad de Nueva York, donde luchó por definir su propio estilo. De mala gana, volvió a la ilustración para mantenerse. Como trabajador independiente, Hopper se vio obligado a solicitar proyectos y tuvo que tocar las puertas de las oficinas de revistas y agencias para encontrar negocios. [28] Su pintura languideció: "Me cuesta decidir qué quiero pintar. A veces paso meses sin encontrarlo. Llega lentamente". [29] Su colega ilustrador Walter Tittle describió el estado emocional deprimido de Hopper en términos más agudos, viendo a su amigo "sufriendo... de largos períodos de inercia invencible, sentado durante días ante su caballete en impotente infelicidad, incapaz de levantar una mano". para romper el hechizo." [30]
En 1912 (del 22 de febrero al 5 de marzo) fue incluido en la exposición de Los Independientes, un grupo de artistas por iniciativa de Robert Henri, pero no realizó ninguna venta. [29]
En 1912, Hopper viajó a Gloucester, Massachusetts , para buscar inspiración y realizó sus primeras pinturas al aire libre en Estados Unidos. [29] Pintó Squam Light , la primera de muchas pinturas de faros por venir. [31]
En 1913, en el Armory Show , Hopper ganó 250 dólares cuando vendió su primer cuadro, Navegando (1911), al empresario estadounidense Thomas F. Vietor, que había pintado sobre un autorretrato anterior. [32] Hopper tenía treinta y un años y, aunque esperaba que su primera venta le llevara a otras en poco tiempo, su carrera no se popularizaría hasta dentro de muchos años. [33] Continuó participando en exposiciones colectivas en lugares más pequeños, como el MacDowell Club de Nueva York. [34] Poco después de la muerte de su padre ese mismo año, Hopper se mudó al apartamento 3 Washington Square North en la sección Greenwich Village de Manhattan , donde viviría el resto de su vida.
Al año siguiente recibió el encargo de crear algunos carteles de películas y encargarse de la publicidad de una compañía cinematográfica. [35] Aunque no le gustaba el trabajo de ilustración, Hopper fue un devoto durante toda su vida del cine y el teatro, los cuales trató como temas para sus pinturas. Cada forma influyó en sus métodos compositivos. [36]
En un punto muerto sobre sus pinturas al óleo, en 1915 Hopper se dedicó al grabado. En 1923 había producido la mayoría de sus aproximadamente 70 obras en este medio, muchas de ellas de escenas urbanas tanto de París como de Nueva York. [38] [39] También produjo algunos carteles para el esfuerzo bélico, además de continuar con proyectos comerciales ocasionales. [40] Cuando pudo, Hopper pintó algunas pinturas al óleo al aire libre en sus visitas a Nueva Inglaterra, especialmente en las colonias de arte de Ogunquit y la isla Monhegan . [41]
A principios de la década de 1920, sus grabados comenzaron a recibir reconocimiento público. Expresaron algunos de sus temas posteriores, como en Night on the El Train (parejas en silencio), Evening Wind (mujer solitaria) y The Catboat (simple escena náutica). [42] Dos pinturas al óleo notables de esta época fueron Interior de Nueva York (1921) y Restaurante de Nueva York (1922). [43] También pintó dos de sus muchas pinturas de "ventanas" que están por venir: Chica en la máquina de coser y Interior a la luz de la luna , las cuales muestran una figura (vestida o desnuda) cerca de una ventana de un apartamento vista como mirando hacia afuera o desde el punto. de vista desde el exterior mirando hacia adentro. [44]
Aunque fueron años frustrantes, Hopper obtuvo cierto reconocimiento. En 1918, Hopper recibió el premio de la Junta Naviera de Estados Unidos por su cartel de guerra, "Smash the Hun". Participó en tres exposiciones: en 1917 con la Sociedad de Artistas Independientes, en enero de 1920 (una exposición individual en el Whitney Studio Club, que fue el precursor del Whitney Museum), y en 1922 (nuevamente con el Whitney Studio Club). ). En 1923, Hopper recibió dos premios por sus grabados: el Premio Logan de la Sociedad de Grabadores de Chicago y el Premio W. A. Bryan. [45]
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En 1923, el lento ascenso de Hopper finalmente produjo un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison , una artista y ex alumna de Robert Henri , durante un viaje de verano para pintar en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era baja, abierta, sociable, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, tranquilo, introspectivo y conservador. [40] Con el apoyo de Jo, Hopper recurrió a la acuarela, produciendo numerosas escenas de Gloucester. Se casaron un año después con el artista Guy Pene du Bois como padrino. [3] Nivison comentó una vez: "A veces hablar con Eddie es como dejar caer una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo". [46] Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giró en torno a su apartamento sin ascensor en la ciudad y sus veranos en South Truro en Cape Cod . Ella manejó su carrera y sus entrevistas, fue su principal modelo y su compañera de vida. [46]
Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas de Hopper en Gloucester fueron admitidas en una exhibición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof , fue comprada por el museo para su colección permanente por la suma de 100 dólares. [47] Los críticos en general elogiaron su trabajo; uno afirmó: "¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observe lo que se puede hacer con el tema más sencillo". [47] Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.
El artista había demostrado su capacidad para trasladar su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural americana. Según Carol Troyen, curadora del Museo de Bellas Artes de Boston , "a Hopper realmente le gustó la forma en que estas casas, con sus torreones , torres , porches , techos abuhardillados y adornos, proyectaban sombras maravillosas. Hopper siempre decía que lo que más le gustaba era pintar la luz del sol en el costado de una casa." [48]
A los cuarenta y un años, Hopper recibió un mayor reconocimiento por su trabajo. Continuó albergando amargura por su carrera y luego rechazó apariciones y premios. [46] Con su estabilidad financiera asegurada por ventas constantes, Hopper viviría una vida sencilla y estable y continuaría creando arte en su estilo personal durante cuatro décadas más.
Su Two on the Aisle (1927) se vendió por un récord personal de 1.500 dólares, lo que permitió a Hopper comprar un automóvil, que utilizó para realizar excursiones a zonas remotas de Nueva Inglaterra. [49] En 1929, produjo Chop Suey y Railroad Sunset . Al año siguiente, el mecenas del arte Stephen Clark donó House by the Railroad (1925) al Museo de Arte Moderno , el primer óleo que adquirió para su colección. [50] Hopper pintó su último autorretrato al óleo alrededor de 1930. Aunque Josephine posó para muchas de sus pinturas, sólo posó para un retrato formal al óleo de su marido, Jo Painting (1936). [51]
A Hopper le fue mejor que a muchos otros artistas durante la Gran Depresión . Su estatura aumentó drásticamente en 1931, cuando los principales museos, incluidos el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo Metropolitano de Arte , pagaron miles de dólares por sus obras. Vendió 30 cuadros ese año, incluidas 13 acuarelas. [49] Al año siguiente participó en la primera edición anual del Whitney y continuó exponiendo en todas las ediciones anuales del museo durante el resto de su vida. [49] En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio a Hopper su primera retrospectiva a gran escala. [52]
En 1930, los Hoppers alquilaron una cabaña en South Truro, en Cape Cod. Regresaron cada verano por el resto de sus vidas y construyeron una casa de verano allí en 1934. [53] Desde allí, realizarían viajes en automóvil a otras áreas cuando Hopper necesitaba buscar material fresco para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas estancias en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont , donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del río White. Estas escenas son atípicas entre las obras maduras de Hopper, ya que la mayoría son paisajes "puros", desprovistos de arquitectura o figuras humanas. First Branch of the White River (1938), ahora en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el paisaje más conocido de Hopper en Vermont. [54]
Hopper fue muy productivo durante la década de 1930 y principios de la de 1940, produciendo entre muchas obras importantes New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). Sin embargo, a finales de la década de 1940 sufrió un período de relativa inactividad. Admitió: "Me gustaría poder pintar más. Me canso de leer e ir al cine". [55] Durante las siguientes dos décadas, su salud se deterioró y tuvo varias cirugías de próstata y otros problemas médicos. [55] Pero, en la década de 1950 y principios de la de 1960, creó varias obras más importantes, entre ellas First Row Orchestra (1951); así como Morning Sun y Hotel by a Railroad , ambas de 1952; y intermedio en 1963. [56]
En 1966, Hopper recibió la medalla Edward MacDowell de The MacDowell Colony por sus destacadas contribuciones a la cultura estadounidense. [57]
Hopper murió por causas naturales en su estudio cerca de Washington Square en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días después en la parcela familiar del cementerio Oak Hill en Nyack, Nueva York, su lugar de nacimiento. [58] Su esposa murió diez meses después y está enterrada con él.
La esposa de Edward Hopper, Josephine, legó su colección conjunta de más de tres mil piezas al Museo Whitney . [59] Arthayer Sanborn, un ministro bautista que visitaba con frecuencia su casa para cuidar a la hermana de Edward, Marion, tomó posesión de trescientos dibujos y pinturas de Hopper. La historiadora de arte Gail Levin ha destacado que, si bien el Museo Whitney tiene una extensa documentación sobre cómo Josephine distribuyó las piezas de su pareja, las pinturas adquiridas de Sanborn carecen de procedencia que demuestre que la familia regaló voluntariamente el tesoro de piezas que Sanborn informó haber encontrado en su ático. [60] El Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte de Des Moines y el Instituto de Arte de Chicago tienen importantes colecciones de pinturas de Hopper.
Siempre reacio a hablar de sí mismo y de su arte, Hopper simplemente dijo: "La respuesta completa está ahí, en el lienzo". [52] Hopper era estoico y fatalista: un hombre tranquilo e introvertido con un suave sentido del humor y modales francos. Hopper era alguien atraído por un simbolismo emblemático y antinarrativo , [61] que "pintaba breves momentos aislados de configuración, saturados de sugestión". [62] Sus espacios silenciosos y encuentros incómodos "nos tocan donde somos más vulnerables", [63] y tienen "una sugerencia de melancolía, esa melancolía representada". [64] Su sentido del color lo reveló como un pintor puro [65] ya que "convirtió al puritano en purista, en sus lienzos tranquilos donde las imperfecciones y las bendiciones se equilibran". [66] Según el crítico Lloyd Goodrich , era "un pintor eminentemente nativo, que más que cualquier otro estaba incorporando más calidad de América en sus lienzos". [67] [68]
Conservador en política y en asuntos sociales (Hopper afirmaba, por ejemplo, que "la vida de los artistas debería ser escrita por personas muy cercanas a ellos"), [69] aceptaba las cosas tal como eran y mostraba una falta de idealismo. Culto y sofisticado, era un hombre culto y muchas de sus pinturas muestran figuras leyendo. [70] En general, era una buena compañía y no le molestaban los silencios, aunque a veces era taciturno, gruñón o distante. Siempre se tomaba en serio su arte y el arte de los demás, y cuando se le preguntaba, respondía con sinceridad. [71]
La declaración más sistemática de Hopper sobre su filosofía como artista se hizo en una nota manuscrita, titulada "Declaración", enviada en 1953 a la revista Reality :
El gran arte es la expresión exterior de una vida interior en el artista, y esta vida interior dará como resultado su visión personal del mundo. Ninguna invención hábil puede reemplazar el elemento esencial de la imaginación. Una de las debilidades de gran parte de la pintura abstracta es el intento de sustituir una concepción imaginativa privada por invenciones del intelecto humano.
La vida interior de un ser humano es un ámbito vasto y variado y no se ocupa únicamente de estimulantes combinaciones de color, forma y diseño.
El término vida utilizado en el arte es algo que no debe despreciarse, porque implica toda la existencia y la competencia del arte es reaccionar ante él y no rehuirlo.
La pintura tendrá que abordar de manera más completa y menos indirecta la vida y los fenómenos de la naturaleza antes de que pueda volver a ser grandiosa. [72]
Aunque Hopper afirmó que no incorporó conscientemente un significado psicológico en sus pinturas, estaba profundamente interesado en Freud y el poder de la mente subconsciente. Escribió en 1939: "Gran parte de cada arte es una expresión del subconsciente que me parece que la mayoría de las cualidades importantes se ponen allí de forma inconsciente, y pocas de importancia mediante el intelecto consciente". [73]
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Aunque es más conocido por sus pinturas al óleo, Hopper inicialmente logró reconocimiento por sus acuarelas y también produjo algunos grabados de éxito comercial. Además, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y bolígrafo de alta calidad, que nunca estuvieron destinados a ser vistos por el público.
Hopper prestó especial atención al diseño geométrico y a la cuidadosa colocación de las figuras humanas en equilibrio adecuado con su entorno. Era un artista lento y metódico; como escribió: "Se necesita mucho tiempo para que surja una idea. Luego tengo que pensar en ello durante mucho tiempo. No empiezo a pintar hasta que lo tengo todo resuelto en mi mente. Estoy bien". cuando llego al caballete". [74] A menudo hacía bocetos preparatorios para elaborar sus composiciones cuidadosamente calculadas. Él y su esposa llevaron un libro de contabilidad detallado de sus trabajos, anotando elementos como "rostro triste de mujer apagada", "luz eléctrica del techo" y "refrigerador de muslos". [75]
Para New York Movie (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53 bocetos del interior del teatro y la figura de la pensativa acomodadora. [76]
El uso eficaz de la luz y la sombra para crear un ambiente también es fundamental en los métodos de Hopper. La luz del sol brillante (como emblema de intuición o revelación) y las sombras que proyecta también desempeñan papeles simbólicamente poderosos en pinturas de Hopper como Temprano por la mañana del domingo (1930), Summertime (1943), Seven AM (1948) y Sun in an. Habitación vacía (1963). Su uso de efectos de luces y sombras ha sido comparado con la cinematografía del cine negro . [77]
Aunque era un pintor realista, el realismo "suave" de Hopper simplificó las formas y los detalles. Usó colores saturados para realzar el contraste y crear ambiente.
Hopper derivó su tema de dos fuentes principales: una, las características comunes de la vida estadounidense (gasolineras, moteles, restaurantes, teatros, ferrocarriles y escenas callejeras) y sus habitantes; y dos, paisajes marinos y paisajes rurales. En cuanto a su estilo, Hopper se definió a sí mismo como "una amalgama de muchas razas" y no miembro de ninguna escuela, particularmente de la " Escuela Ashcan ". [78] Una vez que Hopper alcanzó su estilo maduro, su arte se mantuvo consistente y autónomo, a pesar de las numerosas tendencias artísticas que iban y venían durante su larga carrera. [78]
Los paisajes marinos de Hopper se dividen en tres grupos principales: paisajes puros de rocas, mar y hierba de playa; faros y masías; y veleros. A veces combinaba estos elementos. La mayoría de estas pinturas representan una luz intensa y un buen tiempo; Mostró poco interés en escenas de nieve o lluvia, o en cambios de color estacionales. Pintó la mayoría de los paisajes marinos puros en el período comprendido entre 1916 y 1919 en la isla Monhegan . [79] The Long Leg (1935) de Hopper es una imagen de navegación casi completamente azul con los elementos más simples, mientras que Ground Swell (1939) es más compleja y representa a un grupo de jóvenes navegando, un tema que recuerda a Winslow. La icónica Breezing Up de Homero (1876). [80]
La arquitectura urbana y los paisajes urbanos también fueron temas importantes para Hopper. Estaba fascinado con la escena urbana estadounidense, "nuestra arquitectura nativa con su espantosa belleza, sus fantásticos techos, pseudogóticos, mansardas francesas , coloniales, mestizas o lo que sea, con colores deslumbrantes o delicadas armonías de pintura descolorida, cargando con una otro por calles interminables que van disminuyendo hasta convertirse en pantanos o montones de basura. [81]
En 1925 produjo La casa junto al ferrocarril . Esta obra clásica representa una mansión victoriana aislada de madera, parcialmente oscurecida por el terraplén elevado de un ferrocarril. Marcó la madurez artística de Hopper. Lloyd Goodrich elogió la obra como "una de las piezas de realismo más conmovedoras y desoladoras". [82] La obra es la primera de una serie de escenas rurales y urbanas austeras que utilizan líneas nítidas y formas grandes, aprovechadas por una iluminación inusual para capturar el estado de ánimo solitario de sus sujetos. Aunque los críticos y espectadores interpretan el significado y el estado de ánimo de estos paisajes urbanos, Hopper insistió: "Estaba más interesado en la luz del sol sobre los edificios y las figuras que cualquier simbolismo". [83] Como para demostrarlo, su último cuadro Sol en una habitación vacía (1963) es un estudio puro de la luz solar. [84]
La mayoría de las pinturas de figuras de Hopper se centran en la sutil interacción de los seres humanos con su entorno, realizada con figuras solitarias, parejas o grupos. Sus principales temas emocionales son la soledad, el arrepentimiento, el aburrimiento y la resignación. Expresa sus emociones en diversos entornos, incluida la oficina, en lugares públicos, en apartamentos, de viaje o de vacaciones. [85] Como si estuviera creando imágenes fijas para una película o cuadros de una obra de teatro, Hopper posicionó a sus personajes como si fueran capturados justo antes o después del clímax de una escena. [86]
Las figuras solitarias de Hopper son en su mayoría mujeres (vestidas, semidesnudas y desnudas) que a menudo leen o miran por una ventana o en el lugar de trabajo. A principios de la década de 1920, Hopper pintó sus primeras imágenes de este tipo: Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (otra mujer cosiendo) (1921) y Moonlight Interior (un desnudo metiéndose en la cama) (1923). Automat (1927) y Hotel Room (1931), sin embargo, son más representativos de su estilo maduro, enfatizando más abiertamente la soledad. [87]
Como escribió la erudita de Hopper, Gail Levin, sobre Hotel Room :
Las sobrias bandas de color verticales y diagonales y las nítidas sombras eléctricas crean un drama conciso e intenso en la noche... Combinando un tema conmovedor con una disposición formal tan poderosa, la composición de Hopper es lo suficientemente pura como para acercarse a una sensibilidad casi abstracta, pero con capas de un significado poético para el observador. [88]
Hopper's Room en Nueva York (1932) y Cape Cod Evening (1939) son excelentes ejemplos de sus pinturas de "parejas". En el primero, una pareja joven parece alienada y poco comunicativa: él lee el periódico mientras ella holgazanea junto al piano. El espectador asume el papel de voyeur, como si mirara con un telescopio a través de la ventana del apartamento para espiar la falta de intimidad de la pareja. En este último cuadro, una pareja mayor que tiene poco que decirse, juega con su perro, cuya atención se desvía de sus amos. [89] Hopper lleva el tema de la pareja a un nivel más ambicioso con Excursion into Philosophy (1959). Un hombre de mediana edad está sentado abatido al borde de una cama. A su lado hay un libro abierto y una mujer semidesnuda. Un rayo de luz ilumina el suelo frente a él. Jo Hopper anotó en su libro de registro: "[E]l libro abierto es Platón , releído demasiado tarde".
Levin interpreta la pintura:
El filósofo de Platón, en busca de lo real y lo verdadero, debe alejarse de este reino transitorio y contemplar las Formas e Ideas eternas. El hombre pensativo del cuadro de Hopper se sitúa entre el atractivo del dominio terrenal, representado por la mujer, y la llamada del dominio espiritual superior, representado por la luz etérea. El dolor de pensar en esta elección y sus consecuencias, después de leer a Platón toda la noche, es evidente. Está paralizado por el ferviente trabajo interior del melancólico . [90]
En Office at Night (1940), otro cuadro de "pareja", Hopper crea un rompecabezas psicológico. La pintura muestra a un hombre concentrado en sus papeles de trabajo, mientras cerca su atractiva secretaria saca una carpeta. Varios estudios para la pintura muestran cómo Hopper experimentó con la posición de las dos figuras, tal vez para aumentar el erotismo y la tensión. Hopper presenta al espectador la posibilidad de que el hombre realmente no esté interesado en el atractivo de la mujer o que esté trabajando duro para ignorarla. Otro aspecto interesante de la pintura es cómo Hopper emplea tres fuentes de luz, [89] desde una lámpara de escritorio, a través de una ventana y luz indirecta desde arriba. Hopper pasó a hacer varias fotografías de "oficina", pero ninguna otra con un trasfondo sensual.
La más conocida de las pinturas de Hopper, Nighthawks (1942), es una de sus pinturas de grupos. Muestra a los clientes sentados en el mostrador de un restaurante abierto toda la noche. Las formas y diagonales están cuidadosamente construidas. El punto de vista es cinematográfico: desde la acera, como si el espectador se acercara al restaurante. La fuerte luz eléctrica del restaurante lo distingue de la oscura noche exterior, realzando el estado de ánimo y la emoción sutil. [91] Como en muchas pinturas de Hopper, la interacción es mínima. El restaurante representado se inspiró en uno de Greenwich Village. Tanto Hopper como su esposa posaron para las figuras, y Jo Hopper le dio título a la pintura. La inspiración para la imagen puede haber venido del cuento de Ernest Hemingway " The Killers ", que Hopper admiraba mucho, [92] o del más filosófico " A Clean, Well-Lighted Place ". [93] El estado de ánimo de la pintura a veces se ha interpretado como una expresión de ansiedad en tiempos de guerra. [94] De acuerdo con el título de su pintura, Hopper dijo más tarde, Nighthawks tiene más que ver con la posibilidad de que haya depredadores en la noche que con la soledad. [95]
Su segunda pintura más reconocible después de Nighthawks es otra pintura urbana, Early Sunday Morning (originalmente llamada Seventh Avenue Shops ), que muestra una escena de una calle vacía con una luz lateral nítida, con una boca de incendios y un poste de barbero como sustitutos de figuras humanas. Originalmente, Hopper tenía la intención de colocar figuras en las ventanas de arriba, pero las dejó vacías para aumentar la sensación de desolación. [96]
Las escenas rurales de Hopper en Nueva Inglaterra , como Gas (1940), no son menos significativas. Gas representa "un refugio diferente, igualmente limpio y bien iluminado... mantenido abierto para aquellos necesitados mientras navegan por la noche, recorriendo sus propios kilómetros antes de dormir". [97] La obra presenta una fusión de varios temas de Hopper: la figura solitaria, la melancolía del crepúsculo y el camino solitario. [98]
Hopper se acerca al surrealismo con Rooms by the Sea (1951), donde una puerta abierta da una vista del océano, sin una escalera o escalones aparentes y sin indicación de una playa. [99]
Después de sus años de estudiante, los desnudos de Hopper eran todos de mujeres. A diferencia de artistas del pasado que pintaban desnudos femeninos para glorificar la forma femenina y resaltar el erotismo femenino, los desnudos de Hopper son mujeres solitarias psicológicamente expuestas. [100] Una excepción audaz es Girlie Show (1941), donde una reina pelirroja del striptease avanza con confianza por un escenario con el acompañamiento de los músicos en el foso. Girlie Show se inspiró en la visita de Hopper a un espectáculo burlesco unos días antes. La esposa de Hopper, como de costumbre, posó para él para el cuadro y anotó en su diario: "Ed estaba empezando un nuevo lienzo (una reina del burlesque haciendo un striptease) y yo posando sin una puntada frente a la estufa, nada más que alta tacones en una pose de baile de lotería." [101]
Los retratos y autorretratos de Hopper fueron relativamente pocos después de sus años de estudiante. [102] Hopper produjo un "retrato" de una casa por encargo, The MacArthurs' Home (1939), donde detalla fielmente la arquitectura victoriana de la casa de la actriz Helen Hayes . Ella informó más tarde: "Creo que nunca en mi vida conocí a un individuo más misántropo y gruñón". Hopper se quejó durante todo el proyecto y nunca más aceptó un encargo. [103] Hopper también pintó Retrato de Orleans (1950), un "retrato" de la ciudad de Cape Cod desde su calle principal. [104]
Aunque estaba muy interesado en la Guerra Civil estadounidense y en las fotografías del campo de batalla de Mathew Brady , Hopper sólo realizó dos pinturas históricas. Ambos representaban a soldados de camino a Gettysburg . [105] También son raras entre sus temas las pinturas que muestran acción. El mejor ejemplo de pintura de acción es Bridle Path (1939), pero la lucha de Hopper con la anatomía adecuada de los caballos puede haberlo disuadido de intentos similares. [106]
El último óleo de Hopper, Dos comediantes (1966), pintado un año antes de su muerte, se centra en su amor por el teatro. Dos actores de pantomima franceses , un hombre y una mujer, ambos vestidos con trajes blancos brillantes, hacen una reverencia frente a un escenario a oscuras. Jo Hopper confirmó que su esposo pretendía que las cifras sugirieran que están dando los últimos saludos de su vida juntos como marido y mujer. [107]
Otros a menudo han considerado que las pinturas de Hopper tienen un contenido narrativo o temático que el artista tal vez no haya pretendido. Se puede agregar mucho significado a una pintura por su título, pero los títulos de las pinturas de Hopper a veces fueron elegidos por otros, o fueron seleccionados por Hopper y su esposa de una manera que no deja claro si tienen alguna conexión real con el significado del artista. Por ejemplo, Hopper le dijo una vez a un entrevistador que le "gustaba Early Sunday Morning ... pero no era necesariamente domingo. Esa palabra fue añadida más tarde por otra persona". [108]
La tendencia a leer contenidos temáticos o narrativos en las pinturas de Hopper, que Hopper no había pretendido, se extendió incluso a su esposa. Cuando Jo Hopper comentó sobre la figura en Cape Cod Morning : "Es una mujer mirando para ver si el clima es lo suficientemente bueno para tender la ropa", Hopper replicó: "¿Dije eso? Lo estás haciendo Norman Rockwell. De mi Desde este punto de vista ella simplemente está mirando por la ventana". [109] Otro ejemplo del mismo fenómeno se registra en un artículo de 1948 en Time :
Noche de verano de Hopper , una pareja joven que habla a la dura luz del porche de una cabaña, es ineludiblemente romántica, pero a Hopper le dolió la sugerencia de un crítico de que serviría para una ilustración en "cualquier revista femenina". Hopper tuvo la pintura en la parte posterior de su cabeza "durante 20 años y nunca pensé en poner las figuras hasta que comencé el verano pasado. Por qué cualquier director de arte destrozaría la imagen. Las figuras no eran lo que me interesaba; era la luz fluyendo hacia abajo y la noche por todas partes." [110]
Al centrarse principalmente en momentos tranquilos, y rara vez muestra acción, Hopper empleó una forma de realismo adoptada por otro destacado realista estadounidense, Andrew Wyeth , pero la técnica de Hopper era completamente diferente del estilo hiperdetallado de Wyeth. [52] En alianza con algunos de sus contemporáneos, Hopper compartió su sensibilidad urbana con John Sloan y George Bellows , pero evitó su acción abierta y su violencia. Mientras que Joseph Stella y Georgia O'Keeffe embellecieron las estructuras monumentales de la ciudad, Hopper las redujo a geometrías cotidianas y describió el pulso de la ciudad como desolado y peligroso en lugar de "elegante o seductor". [111]
Charles Burchfield , a quien Hopper admiraba y con quien lo comparaban, dijo de Hopper que "alcanza una verdad tan completa que puedes leer en sus interpretaciones de las casas y concepciones de la vida de Nueva York cualquier implicación humana que desees". [112] También atribuyó el éxito de Hopper a su "individualismo audaz... En él hemos recuperado esa sólida independencia estadounidense que nos dio Thomas Eakins , pero que durante un tiempo se perdió". [113] Hopper consideró esto un gran cumplido ya que consideraba a Eakins el mejor pintor estadounidense. [114]
La estudiosa de Hopper, Deborah Lyons, escribe: "Nuestros propios momentos de revelación a menudo se reflejan, son trascendentes, en su trabajo. Una vez vistas, las interpretaciones de Hopper existen en nuestra conciencia junto con nuestra propia experiencia. Siempre vemos cierto tipo de casa como una casa Hopper. , investidos quizás de un misterio que Hopper implantó en nuestra propia visión." Las pinturas de Hopper resaltan las escenas aparentemente mundanas y típicas de nuestra vida cotidiana y les dan motivo de epifanía. De esta manera, el arte de Hopper toma el áspero paisaje americano y las solitarias gasolineras y crea en ellos una sensación de hermosa anticipación. [115]
Aunque comparado con su contemporáneo Norman Rockwell en términos de tema, a Hopper no le gustó la comparación. Hopper se consideraba más sutil, menos ilustrativo y, desde luego, nada sentimental. Hopper también rechazó las comparaciones con Grant Wood y Thomas Hart Benton afirmando: "Creo que los pintores de la escena estadounidense caricaturizaron a Estados Unidos. Siempre quise hacerlo yo mismo". [116]
La influencia de Hopper en el mundo del arte y la cultura pop es innegable; ver § En la cultura popular para numerosos ejemplos. Aunque no tuvo estudiantes formales, muchos artistas lo han citado como una influencia, incluidos Willem de Kooning , Jim Dine y Mark Rothko . [78] Un ejemplo de la influencia de Hopper es la primera obra de Rothko, Composición I (c. 1931), que es una paráfrasis directa del Chop Suey de Hopper . [117]
Las composiciones cinematográficas de Hopper y el uso dramático de la luz y la oscuridad lo han convertido en uno de los favoritos entre los cineastas. Por ejemplo, se informa que House by the Railroad influyó mucho en la casa icónica de la película Psycho de Alfred Hitchcock . [118] La misma pintura también ha sido citada como una influencia en el hogar en la película de Terrence Malick Days of Heaven . La película de 1981 Pennies from Heaven incluye un cuadro vivo de Nighthawks , con los actores principales en los lugares de los comensales. El director alemán Wim Wenders también cita la influencia de Hopper. [78] Su película de 1997 The End of Violence también incorpora un cuadro vivo de Nighthawks , recreado por actores. El destacado director de cine de terror surrealista Dario Argento llegó incluso a recrear el restaurante y los clientes en Nighthawks como parte del decorado de su película de 1976 Deep Red (también conocida como Profondo Rosso ). Ridley Scott ha citado la misma pintura como inspiración visual para Blade Runner . Para establecer la iluminación de las escenas de la película de 2002 Camino a la perdición , el director Sam Mendes se basó en las pinturas de Hopper como fuente de inspiración, particularmente en New York Movie . [119]
Los homenajes a Nighthawks con personajes de dibujos animados o íconos famosos de la cultura pop como James Dean y Marilyn Monroe se encuentran a menudo en tiendas de carteles y tiendas de regalos. El canal de televisión por cable Turner Classic Movies a veces publica clips animados basados en pinturas de Hopper antes de emitir sus películas. Las influencias musicales incluyen el álbum en vivo en el estudio de 1975 del cantautor Tom Waits titulado Nighthawks at the Diner , después de la pintura. En 1993, Madonna se inspiró lo suficiente en la pintura Girlie Show de Hopper de 1941 que le puso el nombre a su gira mundial e incorporó muchos de los elementos teatrales y el ambiente de la pintura en el espectáculo. En 2004, el guitarrista británico John Squire (antes de The Stone Roses ) lanzó un álbum conceptual basado en el trabajo de Hopper titulado Marshall's House . Cada canción del álbum está inspirada en una pintura de Hopper y comparte su título con ella. El grupo de rock canadiense The Weakerthans lanzó su álbum Reunion Tour en 2007 con dos canciones inspiradas en las pinturas de Hopper y que llevan el nombre de ellas, "Sun in an Empty Room" y "Night Windows", y también han hecho referencia a él en canciones como "Hospital Vespers". . Hopper's Compartment C, Car 293 inspiró el Compartiment 2, Car 7 del compositor polaco Paweł Szymański para violín, viola, violonchelo y vibráfono (2003), así como la canción Compartiment C Voiture 293 de Hubert-Félix Thiéfaine Edward Hopper 1938 (2011) . El trabajo de Hopper ha influido en múltiples grabaciones de la banda británica Orchestral Maneuvers in the Dark . Early Sunday Morning fue la inspiración para el manga de Crush (1985). [ cita necesaria ] El sencillo de 2013 de la misma banda, " Night Café ", fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. En la letra se hace referencia a siete de sus pinturas. [120]
En poesía, numerosos poemas se han inspirado en las pinturas de Hopper, típicamente como descripciones y dramatizaciones vívidas; este género se conoce como écfrasis . Además de numerosos poemas individuales inspirados en Hopper, varios poetas han escrito colecciones basadas en las pinturas de Hopper. El poeta francés Claude Esteban escribió una colección de poemas en prosa , Soleil dans une pièce vide ( Sol en una habitación vacía , 1991), basada en cuarenta y siete pinturas de Hopper realizadas entre 1921 y 1963, finalizando con Sol en una habitación vacía (1963) , de ahí el título. [121] Cada uno de los poemas dramatizaba una pintura de Hopper, imaginando una historia detrás de escena; el libro ganó el premio Prix France Culture en 1991. Ocho de los poemas: Ground Swell , Girl at Sewing Machine , Compartment C, Car 293 , Nighthawks , South Carolina Morning , House by the Railroad , People in the Sun y Roofs of Washington. Square : posteriormente fueron musicalizados por la compositora Graciane Finzi y grabados con lectura de la cantante Natalie Dessay en su álbum Portraits of America (2016), donde se complementaron con la selección de diez pinturas adicionales de Hopper y canciones del cancionero estadounidense para llevar. con ellos. [122] Del mismo modo, el poeta español Ernest Farrés escribió una colección de cincuenta y un poemas en catalán , bajo el nombre de Edward Hopper (2006, traducción al inglés 2010 de Lawrence Venuti), y James Hoggard escribió Triángulos de luz: los poemas de Edward Hopper ( Prensa de alas, 2009). Se organizó una colección de varios poetas en The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editora Gail Levin ). Los poemas individuales incluyen Byron Vazakas (1957) y John Stone (1985) inspirados en Early Sunday Morning , y Mary Leader inspirada en Girl at Sewing Machine .
En 1980, la exposición Edward Hopper: The Art and the Artist se inauguró en el Whitney Museum of American Art y visitó Londres, Düsseldorf y Amsterdam, así como San Francisco y Chicago. Por primera vez, esta muestra presentó las pinturas al óleo de Hopper junto con estudios preparatorios para esas obras. Este fue el comienzo de la popularidad de Hopper en Europa y de su gran reputación mundial. [ cita necesaria ]
En 2004, una gran selección de pinturas de Hopper realizó una gira por Europa, visitando el Museo Ludwig de Colonia , Alemania, y la Tate Modern de Londres. La exposición de la Tate se convirtió en la segunda más popular en la historia de la galería, con 420.000 visitantes en los tres meses que estuvo abierta.
En 2007, se presentó en el Museo de Bellas Artes de Boston una exposición centrada en el período de mayores logros de Hopper, desde aproximadamente 1925 hasta mediados de siglo . La exposición comprendía cincuenta pinturas al óleo, treinta acuarelas y doce grabados, incluidos los favoritos Nighthawks , Chop Suey y Lighthouse and Buildings . La exposición fue organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston, la Galería Nacional de Arte de Washington y el Instituto de Arte de Chicago y patrocinada por la firma de consultoría de gestión global Booz Allen Hamilton .
En 2010, el museo Fondation de l'Hermitage en Lausana, Suiza, celebró una exposición que cubrió toda la carrera de Hopper, con obras extraídas en gran parte del Museo Whitney de la ciudad de Nueva York. Incluía pinturas, acuarelas, aguafuertes, cartones, carteles, así como algunos de los estudios preparatorios de pinturas seleccionadas. La exposición ya se había visto anteriormente en Milán y Roma. En 2011, el Museo Whitney de Arte Americano celebró una exposición llamada Edward Hopper and His Times .
En 2012, se inauguró una exposición en el Grand Palais de París que buscaba arrojar luz sobre la complejidad de sus obras maestras, lo que es un indicio de la riqueza de la obra de Hopper. Se dividió cronológicamente en dos partes principales: la primera sección cubrió los años de formación de Hopper (1900-1924), comparando su trabajo con el de sus contemporáneos y el arte que vio en París, que pudo haber influido en él. La segunda sección recorrió el arte de su madurez, desde los primeros cuadros emblemáticos de su estilo personal, como La casa junto al ferrocarril (1924), hasta sus últimas obras.
En 2020, la Fundación Beyeler organizó una exposición que muestra el arte de Hopper. La exposición se centró en las "representaciones icónicas de Hopper de la extensión infinita de los paisajes y paisajes urbanos estadounidenses". [123] Rara vez se ha hecho referencia a este aspecto en las exposiciones, pero es un ingrediente clave para comprender el trabajo de Hopper.
De 2022 a 2023, su trabajo se presentó en el Museo Whitney de la ciudad de Nueva York, en una exposición titulada "Edward Hopper's New York". [124]
Las obras de Hopper rara vez aparecen en el mercado. El artista no fue prolífico, pintando sólo 366 lienzos; Durante la década de 1950, cuando tenía 70 años, produjo aproximadamente cinco pinturas al año. El marchante de toda la vida de Hopper, Frank Rehn, que le ofreció al artista su primera exposición individual en 1924, vendió Hotel Window (1956) a la coleccionista Olga Knoepke por 7.000 dólares (equivalente a 75.938 dólares en 2023) en 1957. En 1999, la Colección Forbes se la vendió al actor. Steve Martin de forma privada por alrededor de 10 millones de dólares. [125] En 2006, Martin lo vendió por 26,89 millones de dólares en Sotheby's de Nueva York, un récord de subasta para el artista. [126]
En 2013, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia puso a la venta East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper , con la esperanza de obtener los 22-28 millones de dólares en que está valorada la pintura, [127] para establecer un fondo para adquirir " arte contemporáneo" que se revalorizaría. [128] Es una escena callejera representada en tonos oscuros y terrosos que representa la casa a dos aguas en 1001 Boulevard East en la esquina de 49th Street en Weehawken, Nueva Jersey , y se considera una de las mejores obras de Hopper. [129] Fue adquirido directamente del marchante que manejaba las pinturas del artista en 1952, quince años antes de la muerte del pintor, a un precio muy bajo. La pintura se vendió por una cifra récord de 36 millones de dólares en Christie's en Nueva York, [128] a un postor telefónico anónimo.
En 2018, tras la muerte del coleccionista de arte Barney A. Ebsworth y la posterior subasta de muchas de las piezas de su colección, Chop Suey (1929) se vendió por 92 millones de dólares, convirtiéndose en la obra de Hopper más cara jamás comprada en una subasta. [130] [131]
Además de su influencia (ver § Influencia), se hace referencia frecuente a Hopper en la cultura popular.
En 1981, Hopper's Silence , un documental de Brian O'Doherty producido por el Whitney Museum of American Art, se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en el Alice Tully Hall . [132]
El director austriaco Gustav Deutsch creó la película de 2013 Shirley – Visions of Reality basada en 13 de las pinturas de Edward Hopper. [133] [134]
Otras obras basadas o inspiradas en las pinturas de Hopper incluyen el álbum Nighthawks at the Diner de Tom Waits de 1975 y una serie de fotografías de 2012 de Gail Albert Halaban . [134] [135]
En el libro (1985, 1998) y la exposición itinerante llamada Hopper's Places , Gail Levin localizó y fotografió los sitios de muchas de las pinturas de Hopper. En su reseña de 1985 de una exposición relacionada organizada por Levin, Vivien Raynor escribió en el New York Times : "Las deducciones de la señorita Levin son invariablemente esclarecedoras, como cuando infiere que la tendencia de Hopper a alargar las estructuras era un reflejo de su gran altura". [136]
El álbum Crush de 1985 de la banda new wave Orchestral Maneuvers in the Dark presenta obras de arte inspiradas en varias pinturas de Hopper, incluidas Early Sunday Morning , Nighthawks y Room in New York . [137] El sencillo de 2013 de la banda, "Night Cafe", fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. En la letra se hace referencia a siete de sus pinturas. [120]
La Ópera de la Ciudad de Nueva York organizó el estreno en la costa este de "Hopper's Wife" de Stewart Wallace , una ópera de cámara de 1997 sobre un matrimonio imaginario entre Edward Hopper y la columnista de chismes Hedda Hopper , en el Harlem Stage en 2016. [138]
La novelista irlandesa Christine Dwyer Hickey publicó una novela, The Narrow Land , en 2019 en la que Edward y Jo Hopper eran personajes centrales. [139]
Paul Weller incluyó una canción llamada 'Hopper' en su álbum de 2017 A Kind Revolution .
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