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Jasper Johns (nacido el 15 de mayo de 1930) es un pintor, escultor, dibujante y grabador estadounidense . Considerado una figura central en el desarrollo del arte estadounidense de posguerra, se le ha asociado de diversas formas con los movimientos del expresionismo abstracto , el neodadá y el arte pop . [1] [2]
Johns nació en Augusta, Georgia y creció en Carolina del Sur. Se graduó con las mejores calificaciones en Edmunds High School en 1947 y estudió brevemente arte en la Universidad de Carolina del Sur antes de mudarse a la ciudad de Nueva York e inscribirse en la Escuela de Diseño Parsons . Su educación fue interrumpida por el servicio militar durante la Guerra de Corea . Después de regresar a Nueva York en 1953, trabajó en Marboro Books y comenzó a asociarse con figuras clave del mundo del arte, incluido Robert Rauschenberg , con quien mantuvo una relación romántica hasta 1961. [3] [4] Los dos también fueron estrechos colaboradores. , y Rauschenberg se convirtió en una profunda influencia artística. [5]
La carrera artística de Johns dio un giro decisivo en 1954 cuando destruyó sus obras de arte existentes y comenzó a crear pinturas de banderas , mapas , objetivos , letras y números por los que se hizo más reconocido. Estas obras, caracterizadas por la incorporación de símbolos familiares, marcaron un alejamiento del individualismo del estilo expresionista abstracto y plantearon preguntas sobre la naturaleza de la representación . Su uso de imágenes familiares, como la bandera estadounidense , jugó con la ambigüedad de los símbolos , y esta exploración temática continuó a lo largo de su carrera en diversos medios, incluida la escultura y el grabado.
Entre otros honores, Johns recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia en 1988, la Medalla Nacional de las Artes en 1990 y la Medalla Presidencial de la Libertad en 2011. [6] Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 1973 y la Sociedad Filosófica Estadounidense en 2007. [7] Ha apoyado a la Merce Cunningham Dance Company y ha contribuido significativamente a la colección de grabados de la Galería Nacional de Arte . Johns también es cofundador de la Fundación para las Artes Contemporáneas . Actualmente vive y trabaja en Connecticut. En 2010, su pintura Bandera de 1958 se vendió por 110 millones de dólares en una transacción privada, convirtiéndose en la obra de arte más cara vendida por un artista vivo . [8] [9]
Nacido en Augusta , Georgia, Jasper Johns pasó sus primeros años de vida en Allendale , Carolina del Sur, con sus abuelos paternos después de que sus padres se divorciaran. Comenzó a dibujar a la edad de tres años y supo desde muy temprano que quería ser artista, a pesar de haber tenido poca exposición a las artes en el lugar donde creció. La primera esposa de su abuelo paterno, Evalina, pintó paisajes que colgaban en las casas de varios miembros de la familia. Estas pinturas fueron las únicas obras de arte que Johns recuerda haber visto en su juventud. [10] Después de la muerte de su abuelo en 1939, Johns pasó un año viviendo con su madre y su padrastro en Columbia , Carolina del Sur, y luego seis años viviendo con su tía Gladys en el lago Murray , Carolina del Sur. Pasó las vacaciones de verano con su padre, Jasper, Sr., y su madrastra, Geraldine Sineath Johns, quienes fomentaron su arte comprándole materiales para dibujar y pintar. Se graduó como mejor estudiante de la promoción de 1947 de Edmunds High School (ahora Sumter High School ) en Sumter , Carolina del Sur, donde una vez más vivió con su madre y su familia. [11]
Johns estudió arte durante un total de tres semestres en la Universidad de Carolina del Sur en Columbia, de 1947 a 1948. [12] Animado por sus profesores, luego se mudó a la ciudad de Nueva York y se matriculó brevemente en la Escuela de Diseño Parsons en 1949. [12] En 1951, Johns fue reclutado en el ejército durante la Guerra de Corea , sirviendo durante dos años, primero en Fort Jackson, Carolina del Sur, y luego en Sendai , Japón. [12]
Al regresar a Nueva York en el verano de 1953, Johns trabajó en Marboro Books y comenzó a conocer a algunos de los artistas que serían formativos al principio de su carrera. Entre ellos se encontraban Sari Dienes , Rachel Rosenthal y Robert Rauschenberg , con quienes Johns inició una relación romántica y artística que duraría hasta 1961. [3] [13] [14] Durante el mismo período, Johns estuvo fuertemente influenciado por el coreógrafo Merce Cunningham y su compañero, el compositor John Cage . [15] [16] Trabajando juntos, exploraron la escena del arte contemporáneo y comenzaron a compartir sus ideas sobre el arte. [12]
En marzo de 1957, mientras visitaba el estudio de Rauschenberg, el galerista Leo Castelli pidió ver el arte de Johns. [12] Como recuerda Castelli: “Así que bajamos. Era sólo el piso de abajo. Hubo un fantástico despliegue de banderas y dianas. Ya conoces el objetivo de los ojos de plástico, el de las caras. El Blanco Verde estaba en el Museo Judío, pero había una bandera blanca grande, una bandera blanca más pequeña, números, el alfabeto, cualquier cosa: todas esas grandes obras maestras". [17] Castelli inmediatamente le ofreció a Johns una exposición. Su primera exposición individual en La Galería Leo Castelli, celebrada a principios de 1958, fue bien recibida: se vendieron todas menos dos de las dieciocho obras expuestas. Alfred H. Barr Jr. , director fundador del Museo de Arte Moderno de Nueva York , compró tres pinturas de la exposición, que fueron las primeras obras de Johns en ingresar a la colección de un museo. [18]
Johns ha vivido y trabajado en varias casas y estudios en la ciudad de Nueva York a lo largo de su carrera y, de 1973 a 1987, mantuvo una casa de campo rústica de los años 30 con un estudio con paredes de vidrio en Stony Point, Nueva York . Comenzó a visitar la isla caribeña de San Martín a finales de la década de 1960, compró una propiedad allí en 1972 y, más tarde, construyó una casa y un estudio, de los cuales Philip Johnson fue el diseñador principal. [19] Johns actualmente vive y trabaja en Sharon, Connecticut.
Tras su muerte, el artista planea transformar su propiedad de 170 acres en Sharon, Connecticut, en una residencia de artistas. Vive allí desde los años 1990. Proporcionará un espacio de trabajo en vivo para entre 18 y 24 artistas a la vez y estará abierto a artistas visuales, poetas, músicos y bailarines. [20] [21]
En 1954, Johns destruyó todas sus obras de arte anteriores que aún estaban en su poder y comenzó las pinturas por las que es más conocido: representaciones de banderas, mapas, objetivos, letras y números. [22] [23] Su uso de tales símbolos diferenciaba sus pinturas de la abstracción gestual de los expresionistas abstractos , cuyas obras a menudo se entendían como expresivas de la personalidad individual o la psicología del artista. [24] [25] Con motivos conocidos importados a su arte, sus pinturas podrían leerse como representativas (una bandera, un objetivo) y abstractas (rayas, círculos). [23] [12] Algunos historiadores del arte y museos caracterizan su elección de temas como algo que lo libera de decisiones sobre composición. [23] Johns ha comentado: "Lo que es interesante para mí es el hecho de que no está diseñado, sino tomado. No es mío", [26] o que estos motivos son "cosas que la mente ya sabe". [12]
Su temprana pintura encáustica Bandera (1954-1955), pintada después de haber soñado con ella, marca el comienzo de este nuevo período. [22] El motivo le permitió a Johns crear una pintura que no era completamente abstracta porque representa un símbolo (la bandera estadounidense), pero llama la atención sobre el diseño del símbolo en sí. La obra evade lo personal porque representa un símbolo nacional y, sin embargo, mantiene un sentido de lo hecho a mano en las pinceladas de cera de Johns; No es ni una bandera literal ni una pintura puramente abstracta. [27] [12] [22] La obra plantea así un conjunto de preguntas complejas sin respuestas claras a través de su combinación de símbolo y medio. [12] [28] [29] De hecho, Alfred H. Barr no pudo convencer a los administradores del Museo de Arte Moderno de adquirir directamente la pintura de la primera exposición individual de Johns, ya que temían que su ambigüedad pudiera llevar a un boicot o ataque por parte de grupos patrióticos durante el clima de Guerra Fría de finales de los años cincuenta. [1] [30] Sin embargo, Barr logró que el arquitecto Philip Johnson comprara la pintura y luego la donara al museo en 1973. [10] La bandera sigue siendo uno de los motivos más duraderos de Johns; La historiadora del arte Roberta Bernstein relata que “entre 1954 y 2002, empleó prácticamente toda su gama de materiales y técnicas en veintisiete pinturas, diez esculturas individuales o editadas, cincuenta dibujos y dieciocho ediciones impresas que representan la bandera como imagen principal. " [10]
Johns también es conocido por incluir objetos tridimensionales en sus pinturas. Estos objetos pueden encontrarse (la regla en Pintura con regla y “Gris”, 1960) o fabricarse específicamente (los relieves en yeso en Blanco con cuatro caras , 1955). Esta práctica desafía la concepción típica de la pintura como un ámbito bidimensional. [31] [32] El uso temprano y duradero de Johns del medio de la encáustica también presentó la oportunidad de experimentar con la textura. La encáustica, una técnica antigua, es un proceso mediante el cual se aplica cera derretida mezclada con pigmento y se "quema" en un soporte. El método permitió a Johns preservar la calidad discreta de las pinceladas individuales, incluso en capas, creando superficies texturizadas pero, a veces, transparentes. [33] [10] El trabajo de Johns de 2020, Slice , reproduce un dibujo de una rodilla de Jéan-Marc Togodgue, un jugador de baloncesto estudiante emigrado camerunés que asistió a la escuela de Salisbury cerca de la finca de Johns en Sharon. [34] El uso que hizo Johns de la obra de arte de Togodgue sin notificarlo primero dio lugar a una disputa que se resolvió amistosamente. [35] [34] [36]
Johns hizo su primera escultura, Linterna I , en 1958. Muchas de sus primeras esculturas son objetos individuales e independientes modelados a partir de un material llamado Sculp-metal, un medio metálico flexible que se puede aplicar y manipular de manera muy similar a la pintura o la arcilla. [37] Durante este período, también empleó técnicas de fundición para hacer objetos de yeso y bronce. Algunos de estos objetos están pintados para sugerir una cierta sensación de verosimilitud; Bronce pintado (1960), por ejemplo, muestra una lata pintada con la etiqueta de Café Savarin. Llena de pinceles fundidos, la obra recuerda un objeto que uno podría encontrar en la mesa del estudio de un artista.
Numbers (2007), que representa su ahora clásico patrón de números estarcidos repetidos en una cuadrícula, y es el bronce más grande que Johns ha hecho hasta la fecha. [38] Otra escultura de este período, un relieve de doble cara titulado Fragmento de una carta (2009), incorpora parte de una carta de Vincent van Gogh a su amigo, el artista Émile Bernard . En un lado del relieve, Johns presionó cada letra de las palabras de Van Gogh en el modelo de cera. Por otro lado, deletreó cada letra del alfabeto del lenguaje de signos americano utilizando sellos que diseñó. Johns firmó el modelo de cera con impresiones de su propia mano y su nombre escrito con los dedos en dos filas verticales. [39]
Johns comenzó a experimentar con técnicas de grabado en 1960, cuando Tatyana Grosman , fundadora de Universal Limited Art Editions, Inc. (ULAE), lo invitó a su estudio de grabado en Long Island. Comenzando con litografías que exploran los objetos y motivos comunes por los que es más conocido, como Target (1960), Johns continuó trabajando estrechamente con ULAE, publicando más de 180 ediciones en una variedad de técnicas de grabado para investigar y desarrollar composiciones existentes. [40] Inicialmente, la litografía se adaptaba a Johns y le permitía crear versiones impresas de representaciones icónicas de banderas, mapas y objetivos que llenaban sus pinturas. En 1971, Johns se convirtió en el primer artista de ULAE en utilizar la prensa litográfica offset manual, lo que dio como resultado Decoy , una imagen realizada como litografía antes de convertirse en dibujo o pintura.
Johns ha trabajado con otros grabadores a lo largo de su carrera, produciendo litografías y relieves en plomo en Gemini GEL en Los Ángeles; [41] serigrafías con Hiroshi Kawanishi en Simca Prints en Nueva York de 1973 a 1975; [42] e intaglios publicados por Petersburg Press en el Atelier Crommelynck de París entre 1975 y 1990, incluida una colaboración con el autor Samuel Beckett que dio lugar a Foirades/Fizzles (1976), un libro de cinco fragmentos de texto de Beckett en francés e inglés y 33 calcografías de Johns. [43] Produjo Cup 2 Picasso como litografía offset para el número de junio de 1973 de la revista XXe siècle y, en 2000, completó una edición de 26 linograbados impresos por Grenfell Press y publicados por Z Press para acompañar a Sun on 6 de Jeff Clark. . [44] [45] Para la edición de mayo de 2014 de Art in America , creó una litografía offset en blanco y negro sin numerar que representa muchos de sus motivos característicos. [46]
En 1995, Johns contrató al maestro grabador John Lund y comenzó a construir su propio estudio de grabado en su propiedad en Sharon, Connecticut. Low Road Studio se fundó oficialmente en 1997 como el sello editorial del propio Johns. [18]
Durante décadas, Johns trabajó con otros para recaudar fondos y atención para la Compañía de Danza de Merce Cunningham . Ayudó a Robert Rauschenberg en algunos de sus diseños de la década de 1950 para los decorados y el vestuario de Cunningham. En la primavera de 1963, Johns y John Cage cofundaron la Fundación para las Artes Escénicas Contemporáneas (ahora Fundación para las Artes Contemporáneas), para recaudar fondos en el campo de la interpretación. [47] Johns continuó apoyando a la Merce Cunningham Dance Company y se desempeñó como asesor artístico de 1967 a 1980. En 1968, Cunningham realizó una pieza teatral inspirada en Duchamp , Walkaround Time , para la cual la escenografía de Johns replica elementos de la obra de Duchamp The Vidrio grande (1915–23). [48] Anteriormente, Johns también escribió letras neo-dada para The Druds , una banda de arte de música noise de vanguardia de corta duración que contó con miembros prominentes del arte protoconceptual y la comunidad de arte minimalista de Nueva York . [49] [50] La Galería Nacional de Arte , Washington, DC, posee el retrato a gran escala de Johns de Chuck Close . [51] A finales de la década de 1960, el trabajo de Johns se publicó en la revista 0 to 9 , una revista de vanguardia que experimentó con el lenguaje y la creación de significado.
En 1963, el arquitecto Philip Johnson encargó a Johns una obra para lo que hoy es el Teatro David H. Koch del Lincoln Center . [10] Numbers (1964), una cuadrícula de números de 9 por 7 pies, debutó en 1964 y, después de presidir el vestíbulo del teatro durante 35 años, se suponía que el centro la vendería por 15 millones de dólares en 1979. Números es históricamente importante porque es la obra más grande del motivo Números del artista, y cada una de sus unidades de escultura-metal y collage está en un lienzo separado . [10] En respuesta a las críticas generalizadas, la junta directiva del Lincoln Center decidió abandonar sus planes de vender la obra, que fue el primer y único encargo público de Johns. [52]
El trabajo de Johns a veces se agrupa con el neodadá y el arte pop : utiliza símbolos de la tradición dadaísta de los readymades de Marcel Duchamp , pero a diferencia de muchos artistas pop como Andy Warhol , no se involucra con la cultura de las celebridades. [53] [30] Otros académicos y museos posicionan a Johns y Rauschenberg como predecesores del arte pop. [54] [30]
En 1980, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York pagó un millón de dólares por Three Flags (1958), el precio más alto jamás pagado por la obra de un artista vivo. [19] En 1988, False Start (1959) de Johns se vendió en una subasta en Sotheby's a Samuel I. Newhouse Jr. por 17,05 millones de dólares, estableciendo un récord en ese momento como el precio más alto pagado por una obra de un artista vivo en una subasta . y el segundo precio más alto pagado por una obra de arte en una subasta en los EE. UU. [55] En 1998, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York compró Bandera Blanca de Johns (1955), la primera pintura del artista que entró en la colección del Met. Si bien el museo no reveló cuánto se pagó, el New York Times informó que "los expertos estiman el valor [de la pintura] en más de 20 millones de dólares". [56] En 2006, False Start (1959) de Johns volvió a hacer historia. Los coleccionistas privados Anne y Kenneth Griffin (fundador del fondo de cobertura Citadel LLC con sede en Chicago ) compraron la obra a David Geffen por 80 millones de dólares, lo que la convierte en la pintura más cara de un artista vivo. [19] En 2010, Flag (1958) se vendió de forma privada al multimillonario de fondos de cobertura Steven A. Cohen por 110 millones de dólares (entonces 73 millones de libras esterlinas; 81,7 millones de euros). El vendedor era Jean-Christophe Castelli, hijo de Leo Castelli, el comerciante de Johns, que había fallecido en 1999. Si bien las partes no revelaron el precio, el New York Times informó que Cohen pagó alrededor de 110 millones de dólares. [57] El 11 de noviembre de 2014, una versión de 1983 de Flag fue subastada en Sotheby's en Nueva York por 36 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para Johns. [58]
Johns ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera. El único título honorífico que ha aceptado es el de Doctor Honoris Causa en Letras Humanitarias, que le otorgó la Universidad de Carolina del Sur en 1969. En 1984, fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias de Boston. [59] En 1988, recibió el más alto honor en la 43ª Bienal de Venecia —el León de Oro— por su exposición en el pabellón de Estados Unidos. Johns fue elegido miembro honorario de la Real Academia de las Artes en 1989. [60] En 1990, recibió la Medalla Nacional de las Artes . [61] Ese año también fue elegido académico nacional asociado de la Academia Nacional de Diseño (ahora Museo y Escuela de la Academia Nacional), ascendiendo a académico nacional en 1994. [62] En 1993, recibió el Praemium Imperiale de pintura, un premio a la trayectoria de la Asociación de Arte de Japón. [63] En 1994 recibió la medalla Edward MacDowell . [64] Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 1973 y de la Sociedad Filosófica Estadounidense en 2007. El 15 de febrero de 2011, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de manos del presidente Barack Obama , convirtiéndose en el primer pintor o escultor en recibirla. una Medalla Presidencial de la Libertad desde Alexander Calder en 1977. [65]
En 2007, la Galería Nacional de Arte adquirió alrededor de 1.700 impresiones de Johns. Esto hizo que la galería albergara la mayor cantidad de obras de Johns en poder de una sola institución.
Rauschenberg, que en 1963 era más conocido que Warhol, y Jasper Johns eran artistas pop prototípicos además de hombres homosexuales; ellos también eran amantes.
Después de que él y Weil se divorciaran en 1953, Rauschenberg tuvo una breve aventura con Twombly, que posteriormente lo llevó a un romance con su colaborador, Jasper Johns, de 1954 a 1961.
Rauschenberg y Jasper Johns fueron amantes durante este período de seis años de colaboración y su relación tuvo un profundo impacto en su arte.
Conoció a Jasper Johns en 1954. Él y el artista más joven, ambos destinados a hacerse mundialmente famosos, se hicieron amantes y se influyeron mutuamente en el trabajo. Según el libro Vidas de los grandes artistas del siglo XX, Rauschenberg le dijo al biógrafo Calvin Tomkins que "Jasper y yo literalmente intercambiamos ideas". Él decía: "Tengo una idea estupenda para ti" y luego tenía que encontrarle una.
Cuando el artista Jasper Johns estaba de luto por el fin de su relación con Robert Rauschenberg, tomó una de sus famosas pinturas de banderas, la hizo negra y colgó un tenedor y una cuchara desde arriba. Los símbolos ocultos en "In Memory of My Feelings" de Johns cuentan parte de la historia, dijeron los curadores. El color de la relación se ha ido. Un tenedor y una cuchara en otras partes de la pintura están separados. Aquí tenemos un vistazo codificado a una relación de seis años que rara vez fue reconocida ni siquiera en el obituario de Rauschenberg de 2008. La Galería Nacional de Retratos del Smithsonian está decodificando esa historia a partir de pinturas y retratos abstractos en la primera gran exposición del museo para mostrar cómo la orientación sexual y la identidad de género han dado forma al arte estadounidense.
Fuente citada: The Prints of Jasper Johns 1960 – 1993, A Catalog Raisonné, introducción
Número de acceso 2008.27.7
El término Neo-Dada, popularizado por primera vez en un grupo de artículos de Barbara Rose a principios de la década de 1960, se ha aplicado a una amplia variedad de obras artísticas, incluidas las Combinaciones pre-Pop y los ensamblajes de Robert Rauschenberg y Jasper Johns...
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