La música minimalista (también llamada minimalismo ) [2] [3] es una forma de música artística u otra práctica compositiva que emplea materiales musicales limitados o mínimos. Las características destacadas de la música minimalista incluyen patrones o pulsos repetitivos , zumbidos constantes , armonía consonante y reiteración de frases musicales o unidades más pequeñas. Puede incluir características como cambio de fase , lo que da como resultado lo que se denomina música de fase , o técnicas de proceso que siguen reglas estrictas, generalmente descritas como música de proceso . El enfoque está marcado por un enfoque no narrativo, no teleológico y no representacional , y llama la atención sobre la actividad de escuchar centrándose en los procesos internos de la música. [4]
El enfoque se originó en la escena del centro de Nueva York de la década de 1960 y fue inicialmente visto como una forma de música experimental llamada Escuela Hipnótica de Nueva York. [5] En la tradición de la música artística occidental , a los compositores estadounidenses Moondog , La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich y Philip Glass se les atribuye el mérito de estar entre los primeros en desarrollar técnicas de composición que explotan un enfoque minimalista. [6] [2] [7] [8] [9] El movimiento originalmente involucró a docenas de compositores, aunque solo cinco (Young, Riley, Reich, Glass y más tarde John Adams ) surgieron para asociarse públicamente con la música minimalista estadounidense; Otros pioneros menos conocidos fueron Dennis Johnson , Terry Jennings , Richard Maxfield , Pauline Oliveros , Phill Niblock y James Tenney . En Europa, la música de Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Éliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt y John Tavener exhibe rasgos minimalistas .
No está claro dónde se origina el término música minimalista . Steve Reich ha sugerido que es atribuible a Michael Nyman, afirmación que también han hecho por escrito dos estudiosos, Jonathan Bernard y Dan Warburton. Philip Glass cree que Tom Johnson acuñó la frase. [10] [11] [12]
La palabra "minimal" tal vez fue utilizada por primera vez en relación con la música en 1968 por Michael Nyman, quien "dedujo una receta para el éxito de la 'música minimalista' a partir del entretenimiento presentado por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el ICA ", que incluyó una actuación de Springen de Henning Christiansen y varias piezas de arte escénicas no identificadas. [13] Nyman más tarde amplió su definición de música minimalista en su libro de 1974 Experimental Music: Cage and Beyond . Tom Johnson, uno de los pocos compositores que se identifica a sí mismo como minimalista, también afirma haber sido el primero en utilizar la palabra como nuevo crítico musical de The Village Voice . Describe el "minimalismo":
La idea del minimalismo es mucho más amplia de lo que mucha gente cree. Incluye, por definición, cualquier música que funcione con materiales limitados o mínimos: piezas que utilicen sólo unas pocas notas, piezas que utilicen sólo unas pocas palabras de texto o piezas escritas para instrumentos muy limitados, como platillos antiguos, ruedas de bicicleta, o vasos de whisky. Incluye piezas que sostienen un estruendo electrónico básico durante mucho tiempo. Incluye piezas realizadas exclusivamente a partir de grabaciones de ríos y arroyos. Incluye piezas que se mueven en círculos infinitos. Incluye piezas que configuran una pared inmóvil de sonido de saxofón. Incluye piezas que tardan mucho tiempo en pasar gradualmente de un tipo de música a otro. Incluye piezas que permiten todos los tonos posibles, siempre que se encuentren entre C y D. Incluye piezas que reducen el tempo a dos o tres notas por minuto. [14]
Ya en 1965, la historiadora del arte Barbara Rose había nombrado Dream Music de La Monte Young , la dinámica suave característica de Morton Feldman y varios compositores anónimos "todos ellos, en mayor o menor grado, deudores de John Cage " como ejemplos de "arte minimalista". , [15] pero no utilizó específicamente la expresión "música minimalista".
Los compositores minimalistas más destacados son John Adams , Louis Andriessen , Philip Glass , Steve Reich , Terry Riley y La Monte Young . [16] Otros que se han asociado con este enfoque compositivo incluyen a Gavin Bryars , Terry Jennings , Tom Johnson , Michael Nyman , Michael Parsons , Howard Skempton , Dave Smith , James Tenney y John White . [17] [18] Entre los compositores afroamericanos, la estética minimalista fue adoptada por figuras como el músico de jazz John Lewis y el artista multidisciplinario Julius Eastman . [19] [20]
Las primeras composiciones de Glass y Reich son algo austeras, con pocos adornos en el tema principal . Se trata de obras para pequeños conjuntos instrumentales, de los que los compositores eran a menudo miembros. En el caso de Glass, estos conjuntos comprenden órganos, vientos (particularmente saxofones) y vocalistas, mientras que las obras de Reich tienen más énfasis en mazos e instrumentos de percusión. La mayoría de las obras de Adams están escritas para instrumentación de música clásica europea más tradicional , incluida orquesta completa , cuarteto de cuerdas y piano solo.
La música de Reich y Glass obtuvo desde el principio el patrocinio de galerías de arte y museos, presentada en conjunto con minimalistas de artes visuales como Robert Morris (en el caso de Glass) y Richard Serra , Bruce Nauman y el cineasta Michael Snow (como intérpretes, en el caso de Reich). caso). [11]
La música de Moondog de las décadas de 1940 y 1950, que se basaba en el contrapunto que se desarrollaba estáticamente sobre pulsos constantes en compases a menudo inusuales, influyó tanto en Philip Glass como en Steve Reich. Glass ha escrito que él y Reich tomaron el trabajo de Moondog "muy en serio y lo entendieron y apreciaron mucho más de lo que estuvimos expuestos en Juilliard". [21]
La composición Trio for Strings de La Monte Young de 1958 consiste casi exclusivamente en tonos y silencios largos . [22] Ha sido descrito como un punto de origen de la música minimalista. [22]
Una de las primeras composiciones minimalistas fue Noviembre de Dennis Johnson, escrita en 1959. Una obra para piano solo que duró alrededor de seis horas y demostró muchas características que llegarían a asociarse con el minimalismo, como la tonalidad diatónica, la repetición de frases y el proceso aditivo. y duración. La Monte Young atribuye esta pieza a la inspiración de su propia obra maestra, The Well-Tuned Piano. [23]
En 1960, Terry Riley escribió un cuarteto de cuerda en do mayor puro y sin inflexiones. [ se necesita aclaración ] En 1963, Riley realizó dos trabajos electrónicos utilizando retardo de cinta, Mescalin Mix y The Gift , que inyectaron la idea de repetición en el minimalismo. En 1964, In C de Riley creó texturas persuasivamente atractivas a partir de la interpretación en capas de frases melódicas repetidas. La obra está compuesta para cualquier grupo de instrumentos y/o voces. Keith Potter escribe "sus cincuenta y tres módulos anotados en una sola página, este trabajo ha sido visto con frecuencia como el comienzo del minimalismo musical". [24] En 1965 y 1966 , Steve Reich produjo tres obras: It's Gonna Rain y Come Out para cinta, y Piano Phase para intérpretes en vivo, que introdujeron la idea del cambio de fase, o permitir dos frases idénticas o muestras de sonido reproducidas a velocidades ligeramente diferentes. repetirse y poco a poco desfasarse entre sí. A partir de 1968 con 1+1 , Philip Glass escribió una serie de obras que incorporaban el proceso aditivo (forma basada en secuencias como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) al repertorio de técnicas minimalistas; estos trabajos incluyeron Dos páginas , Música en quintas , Música en movimiento contrario y otros. Glass fue influenciado por Ravi Shankar y la música india desde el momento en que le asignaron la transcripción de la música de una película de Ravi Shankar en notación occidental. Se dio cuenta de que en Occidente el tiempo se divide como una rebanada de pan ; Los indios y otras culturas toman pequeñas unidades y las unen. [25]
Según Richard E. Rodda, " la música 'minimalista' se basa en la repetición de acordes comunes que cambian lentamente [acordes que son diatónicos en más de una clave, o bien tríadas, ya sean solo mayores o mayores y menores; ver: tono común ] en ritmos constantes, a menudo superpuestos con una melodía lírica en frases largas y arqueadas... [Utiliza] patrones melódicos repetitivos, armonías consonantes, ritmos motores y un esfuerzo deliberado por la belleza auditiva". [26] Timothy Johnson sostiene que, como estilo, la música minimalista tiene una forma principalmente continua, sin secciones disyuntas. Una consecuencia directa de esto es una textura ininterrumpida formada por patrones y pulsos rítmicos entrelazados. Además, se caracteriza por el uso de timbres brillantes y un estilo enérgico. Sus sonoridades armónicas son distintivamente simples, generalmente diatónicas, a menudo consisten en tríadas familiares y acordes de séptima, y se presentan en un ritmo armónico lento. Johnson no está de acuerdo con Rodda, sin embargo, al encontrar que la característica más distintiva de la música minimalista es la ausencia total de líneas melódicas extendidas. En cambio, sólo hay breves segmentos melódicos, que ponen en primer plano la organización, combinación y características individuales de patrones rítmicos cortos y repetitivos. [27]
Leonard B. Meyer describió la música minimalista en 1994:
Debido a que hay poca sensación de movimiento dirigido a un objetivo, la música [mínima] no parece moverse de un lugar a otro. Dentro de cualquier segmento musical, puede haber algún sentido de dirección, pero frecuentemente los segmentos no logran conducirse o implicarse entre sí. Simplemente se suceden unos a otros. [28]
Como dice Kyle Gann , la tonalidad utilizada en la música minimalista carece de "asociaciones europeas orientadas a objetivos". [29]
David Cope enumera las siguientes cualidades como posibles características de la música minimalista: [30]
Piezas famosas que utilizan esta técnica son la sección numérica de Einstein on the Beach de Glass , las piezas en bucle de cinta Come Out and It's Gonna Rain de Reich y Shaker Loops de Adams .
Robert Fink ofrece un resumen de algunas reacciones críticas notables a la música minimalista:
... tal vez pueda entenderse como una especie de patología social, como un signo auditivo de que el público estadounidense es primitivo e inculto ( Pierre Boulez ); que hoy en día los chicos sólo quieren drogarse ( Donal Henahan y Harold Schonberg en el New York Times); que los valores culturales tradicionales occidentales se han erosionado tras la ola liberal de los años 1960 (Samuel Lipman); que la repetición minimalista es propaganda peligrosamente seductora, similar a los discursos y la publicidad de Hitler ( Elliot Carter ); incluso que el fetichismo de las mercancías del capitalismo moderno ha atrapado fatalmente al yo autónomo en un narcisismo minimalista ( Christopher Lasch ). [31]
Elliott Carter mantuvo una postura crítica constante contra el minimalismo y en 1982 llegó a compararlo con el fascismo al afirmar que "también se oyen repeticiones constantes en los discursos de Hitler y en la publicidad. Tiene sus aspectos peligrosos". [32] Cuando se le preguntó en 2001 cómo se sentía acerca de la música minimalista, respondió que "estamos rodeados por un mundo de minimalismo. Todo ese correo basura que recibo todos los días se repite; cuando miro la televisión veo el mismo anuncio, y Intento seguir la película que pasan, pero cada cinco minutos me hablan de comida para gatos . Eso es minimalismo". [33] Fink señala que el odio general de Carter hacia la música es representativo de una forma de esnobismo musical que descarta la repetición de manera más general. Carter incluso ha criticado el uso de la repetición en la música de Edgard Varèse y Charles Ives , afirmando que "no puedo entender la popularidad de ese tipo de música, que se basa en la repetición. En una sociedad civilizada, las cosas no necesitan ser dijo más de tres veces." [32]
Ian MacDonald afirmó que el minimalismo es la "banda sonora desapasionada, asexuada y emocionalmente vacía de la Era de las Máquinas , su egoísmo utópico no es más que una expresión de la pasividad humana frente a la producción en masa y La Bomba ". [34]
Steve Reich ha sostenido que esas críticas están fuera de lugar. En 1987 afirmó que su producción compositiva reflejaba la cultura popular de la sociedad de consumo estadounidense de posguerra porque la " música en serie de élite al estilo europeo " simplemente no era representativa de su experiencia cultural. Reich declaró que
Stockhausen , Berio y Boulez retrataron en términos muy honestos cómo fue recoger los pedazos después de la Segunda Guerra Mundial. Pero para algún estadounidense en 1948, 1958 o 1968 (en el contexto real de los tailfins, Chuck Berry y millones de hamburguesas vendidas) pretender que en lugar de eso realmente vamos a tener el Angst de Viena de color marrón oscuro es una mentira, una mentira musical. [35]
Kyle Gann , él mismo un compositor minimalista, ha argumentado que el minimalismo representaba un regreso predecible a la simplicidad después de que el desarrollo de un estilo anterior había seguido su curso hacia una complejidad extrema e insuperable. [36] Los paralelos incluyen el advenimiento del estilo continuo barroco simple después de una elaborada polifonía renacentista y la sinfonía clásica temprana simple siguiendo los avances monumentales de Bach en el contrapunto barroco . Además, los críticos a menudo han exagerado la simplicidad incluso del minimalismo temprano. Michael Nyman ha señalado que gran parte del encanto de la música antigua de Steve Reich tenía que ver con fenómenos perceptivos que en realidad no se tocaban, sino que eran el resultado de sutilezas en el proceso de cambio de fase. [37] En otras palabras, la música a menudo no suena tan simple como parece.
En un análisis más profundo de Gann, durante la década de 1980 el minimalismo evolucionó hacia estilos menos estrictos y más complejos, como el posminimalismo y el totalismo , rompiendo con la repetición y el estancamiento fuertemente enmarcados del minimalismo temprano y enriqueciéndolo con una confluencia de otras influencias rítmicas y estructurales. [38]
La música minimalista ha tenido cierta influencia en el desarrollo de la música popular. [39] El grupo de rock experimental The Velvet Underground tenía una conexión con la escena del centro de Nueva York de la que surgió la música minimalista, arraigada en la estrecha relación de trabajo de John Cale y La Monte Young , esta última influyó en el trabajo de Cale con la banda. [40] El álbum de Terry Riley A Rainbow in Curved Air (1969) fue lanzado durante la era de la psicodelia y el flower power , convirtiéndose en el primer trabajo minimalista en tener un éxito cruzado, atrayendo al público de rock y jazz. [39] El teórico de la música Daniel Harrison acuñó Smiley Smile (1967) de los Beach Boys como una obra experimental de "rock protominimal", y explicó: "[El álbum] casi puede considerarse una obra de arte musical en la tradición clásica occidental , y su Las innovaciones en el lenguaje musical del rock pueden compararse con aquellas que introdujeron técnicas atonales y otras técnicas no tradicionales en esa tradición clásica". [41] El desarrollo de géneros específicos de rock experimental como el krautrock , el space rock (de la década de 1980), el noise rock y el post-rock estuvo influenciado por la música minimalista. [42] [43] [44] [45]
Philip Sherburne ha sugerido que las similitudes observadas entre las formas mínimas de música electrónica de baile y la música minimalista estadounidense podrían ser fácilmente accidentales. Gran parte de la tecnología musical utilizada en la música de baile se ha diseñado tradicionalmente para adaptarse a métodos de composición basados en bucles, lo que puede explicar por qué ciertas características estilísticas de estilos como el techno minimalista suenan similares a la música artística minimalista. [46] Un grupo que claramente tenía conciencia de la tradición minimalista estadounidense es el grupo ambiental británico The Orb . Su producción de 1990, " Little Fluffy Clouds ", presenta una muestra del trabajo Electric Counterpoint (1987) de Steve Reich. [47] Un mayor reconocimiento de la posible influencia de Steve Reich en la música electrónica de baile se produjo con el lanzamiento en 1999 del álbum tributo Reich Remixed [48] que incluía reinterpretaciones de artistas como DJ Spooky , Mantronik , Ken Ishii y Coldcut , entre otros. [47]
22 Strickland, Edward, Diccionario de música y músicos de New Grove (2001)
35 Strickland, Edward, Compositores estadounidenses: diálogos sobre música contemporánea (Indiana University Press, 1991), pág. 46, citado en Fink (2005), 118.