El vodevil ( / ˈ v ɔː d ( ə ) v ɪ l , ˈ v oʊ -/ ; [1] francés: [vodvil] ) es un género teatral de entretenimiento de variedades que comenzó en Francia a finales del siglo XIX. Un vodevil era originalmente una comedia sin intenciones psicológicas ni morales, basada en una situación cómica: una composición dramática o poesía ligera, intercalada con canciones o ballets. Se hizo popular en los Estados Unidos y Canadá desde principios de la década de 1880 hasta principios de la década de 1930, aunque cambió con el tiempo.
En cierto modo, de forma análoga al music hall de la Gran Bretaña victoriana , [2] una actuación de vodevil típica de América del Norte estaba compuesta por una serie de actos separados y no relacionados agrupados en un cartel común. Los tipos de actos han incluido músicos populares y clásicos, cantantes, bailarines, comediantes, animales adiestrados , magos, ventrílocuos , hombres fuertes , imitadores femeninos y masculinos , acróbatas, payasos, canciones ilustradas , malabaristas, obras de teatro en un acto o escenas de obras de teatro, atletas, dando conferencias a celebridades, juglares y películas. A un intérprete de vodevil a menudo se le llama "vodevil".
El vodevil se desarrolló a partir de muchas fuentes, incluidas las salas de conciertos , los juglares , los espectáculos de fenómenos , los museos de monedas de diez centavos y el burlesque literario estadounidense . Llamado "el corazón del mundo del espectáculo estadounidense", el vodevil fue uno de los tipos de entretenimiento más populares en América del Norte durante varias décadas. [3]
El origen del término es oscuro, pero a menudo se explica como derivado de la expresión francesa voix de ville ("voz de la ciudad"). Una segunda especulación es que proviene de las canciones satíricas del siglo XV del poeta Olivier Basselin , "Vau de Vire". [4] En su serie de televisión Connections , el historiador científico James Burke sostiene que el término es una corrupción del francés "Vau de Vire " ("Vire River Valley", en inglés), una zona conocida por sus canciones obscenas sobre bebidas y donde Basselin vivido. [5] El Oxford English Dictionary también respalda el origen vau de vire , una forma truncada de chanson du Vau de Vire ("canción del Valle del Vire"). Hacia 1610, Jean le Houx recopiló estas obras como {Le Livre des Chants nouveaux de Vaudevire) , que es probablemente el origen directo de la palabra. Algunos, sin embargo, prefirieron el término anterior "variedad" a lo que el gerente Tony Pastor llamó su sucesor "mariquita y afrancesado". Así, el vodevil se comercializó como "variedad" hasta bien entrado el siglo XX.
Con sus primeras apariciones sutiles a principios de la década de 1860, el vodevil no fue inicialmente una forma común de entretenimiento. La forma evolucionó gradualmente desde el salón de conciertos y la sala de variedades hasta su forma madura a lo largo de las décadas de 1870 y 1880. Esta forma más suave se conocía como "Polite Vaudeville". [6]
En los años previos a la Guerra Civil estadounidense , el entretenimiento existía a una escala diferente. Antes de 1860 existían teatros de variedades similares en Europa y otros lugares. En Estados Unidos, ya en las primeras décadas del siglo XIX, los espectadores podían disfrutar de una representación compuesta por obras de Shakespeare , acrobacias, cantos, bailes y comedias. [ cita necesaria ] A medida que pasaban los años, las personas que buscaban diversión diversificada encontraron un número cada vez mayor de formas de entretenerse. El vodevil se caracterizaba por compañías ambulantes que recorrían ciudades y pueblos. [7] Un puñado de circos recorrían regularmente el país; los museos de diez centavos atraían a los curiosos; los parques de diversiones, los barcos fluviales y los ayuntamientos a menudo presentaban presentaciones "más limpias" de entretenimiento variado; en comparación con los salones, salas de música y casas de burlesque , que atendían a aquellos con gusto por lo atrevido . En la década de 1840, el espectáculo de juglares , otro tipo de espectáculo de variedades y "la primera emanación de una cultura de masas omnipresente y puramente estadounidense", alcanzó una enorme popularidad y formó lo que Nick Tosches llamó "el corazón del mundo del espectáculo del siglo XIX". [8] Una influencia significativa también provino de juglares y comediantes "holandeses" (es decir, alemanes o falsos alemanes). [9] Los espectáculos de medicina viajaron por el campo ofreciendo programas de comedia, música, malabaristas y otras novedades junto con exhibiciones de tónicos, ungüentos y elixires milagrosos, mientras que los espectáculos del " Salvaje Oeste " ofrecieron vistas románticas de la frontera en desaparición, completadas con trucos. , música y teatro. El vodevil incorporó estas diversas diversiones itinerantes en una forma estable e institucionalizada centrada en los crecientes centros urbanos de Estados Unidos.
Desde mediados de la década de 1860, el empresario Tony Pastor , un ex payaso de circo cantante que se había convertido en un destacado artista y director de teatro de variedades, aprovechó la sensibilidad y el poder adquisitivo de la clase media cuando comenzó a presentar programas de variedades "educados" en sus teatros de la ciudad de Nueva York. . [10] Pastor abrió su primera "Ópera" en Bowery en 1865, luego trasladó su operación de teatro de variedades a Broadway y, finalmente, a Fourteenth Street cerca de Union Square . Sólo comenzó a utilizar el término "vodevil" en lugar de "variedad" a principios de 1876. [11] Con la esperanza de atraer una audiencia potencial del tráfico de compras femeninas y familiares de la zona alta , Pastor prohibió la venta de licores en sus teatros, eliminó material obsceno de sus espectáculos y ofreció obsequios de carbón y jamones a los asistentes. El experimento de Pastor resultó exitoso y pronto otros gerentes siguieron su ejemplo.
BF Keith dio el siguiente paso, comenzando en Boston , donde construyó un imperio de teatros y llevó el vodevil a Estados Unidos y Canadá. Más tarde, EF Albee , abuelo adoptivo del dramaturgo ganador del Premio Pulitzer Edward Albee , dirigió la cadena hasta su mayor éxito. Circuitos como los gestionados por Keith-Albee proporcionaron la mayor innovación económica del vodevil y la principal fuente de su fuerza industrial. Habilitaron una cadena de casas de vodevil aliadas que remediaron el caos del sistema de reserva de un solo teatro contratando actos para giras regionales y nacionales. Estos podrían ampliarse fácilmente de unas pocas semanas a dos años.
Albee también dio prominencia nacional al entretenimiento "educado" del vodevil, un compromiso con el entretenimiento igualmente inofensivo para hombres, mujeres y niños. Los actos que violaban este espíritu (por ejemplo, aquellos que usaban palabras como "infierno") fueron amonestados y amenazados con la expulsión de las funciones restantes de la semana o fueron cancelados por completo. A pesar de tales amenazas, los artistas rutinariamente burlaban esta censura , a menudo para el deleite de los mismos miembros de la audiencia cuyas sensibilidades supuestamente estaban en peligro. Finalmente, estableció una serie de pautas para ser miembro del público de su espectáculo, que fueron reforzadas por los acomodadores que trabajaban en el teatro. [4]
Este "entretenimiento cortés" también se extendió a los miembros de la compañía de Keith. Tomó medidas extremas para mantener este nivel de modestia. Keith incluso llegó a publicar advertencias detrás del escenario como esta: "No digas 'vago' o 'hijo de pistola' o 'hully gee' en el escenario a menos que quieras que te cancelen perentoriamente... si eres culpable". Si dice algo sacrílego o incluso sugestivo, se le cerrará inmediatamente y nunca más se le permitirá entrar a un teatro donde el Sr. Keith tiene autoridad". Siguiendo estas mismas líneas de disciplina, los directores de teatro de Keith enviaban ocasionalmente sobres azules con órdenes de omitir ciertas líneas sugerentes de canciones y posibles sustituciones de esas palabras. Si los actores optaran por ignorar estas órdenes o renunciar, recibirían "una marca negra" en su nombre y nunca más se les permitiría trabajar en el circuito de Keith. Así, los actores aprendieron a seguir las instrucciones que les daba B. F. Keith por miedo a perder sus carreras para siempre. [4]
A finales de la década de 1890, el vodevil tenía grandes circuitos, casas (pequeñas y grandes) en casi todos los lugares importantes, reservas estandarizadas, amplios grupos de artistas expertos y seguidores nacionales leales. Uno de los circuitos más grandes fue el Circuito Orpheum de Martin Beck . Se incorporó en 1919 y reunió 45 teatros de vodevil en 36 ciudades de Estados Unidos y Canadá y un gran interés en dos circuitos de vodevil. Otro circuito importante fue el de Alexander Pantages . En su apogeo, Pantages poseía más de 30 teatros de vodevil y controlaba, mediante contratos de gestión, quizás 60 más tanto en Estados Unidos como en Canadá.
En su apogeo, el vodevil abarcó múltiples estratos de clase económica y tamaño de auditorio. En el circuito de vodevil, se decía que si un acto tenía éxito en Peoria, Illinois , funcionaría en cualquier lugar. [12] [13] [14] [15] La pregunta "¿Se reproducirá en Peoria?" ahora se ha convertido en una metáfora de si algo atrae al público general estadounidense. Los tres niveles más comunes eran el "tiempo pequeño" (contratos con salarios más bajos para representaciones más frecuentes en teatros más rudos, a menudo reconvertidos), el "tiempo medio" (salarios moderados por dos representaciones cada día en teatros especialmente construidos) y el "a lo grande" (posible remuneración de varios miles de dólares semanales en grandes teatros urbanos frecuentados en gran medida por las clases media y media alta). A medida que los artistas ganaron renombre y establecieron seguidores regionales y nacionales, se abrieron camino hacia condiciones de trabajo menos arduas y mejores salarios de los grandes tiempos. La capital de la gran época fue el Palace Theatre de la ciudad de Nueva York (o simplemente "El Palacio" en la jerga de los vodeviles), construido por Martin Beck en 1913 y operado por Keith. Con un cartel repleto de actos novedosos e inventivos, celebridades nacionales y maestros reconocidos de la interpretación de vodevil (como el comediante y cuerda Will Rogers ), el Palacio proporcionó lo que muchos vodeviles consideraron la apoteosis de carreras notables. El programa de un espectáculo estándar comenzaría con un boceto, seguido por uno único (un artista masculino o femenino individual); lo siguiente sería un alley-oop (un acto acrobático); luego otro sencillo, seguido de otro sketch más, como una comedia de cara negra. Los actos que siguieron durante el resto del espectáculo variarían desde musicales hasta malabaristas y sencillos de canto y baile y terminarían con un espectáculo final, ya sea musical o dramático, con toda la compañía. Estos espectáculos contarían con estrellas como el pianista de ragtime y jazz Eubie Blake , el famoso y mágico Harry Houdini y la estrella infantil Baby Rose Marie . [16] En el artículo del New-York Tribune sobre Vaudeville, se dice que en un momento dado, Vaudeville empleaba a más de doce mil personas diferentes en toda su industria. Cada artista estaría de gira 42 semanas seguidas mientras trabajaba en un "Circuito" particular, o en una cadena de teatros individual de una compañía importante. [17]
Si bien el carácter de barrio de la asistencia al vodevil siempre había promovido una tendencia a adaptar la tarifa a audiencias específicas, el vodevil maduro creció hasta presentar casas y circuitos dirigidos específicamente a ciertos grupos demográficos. Los clientes negros, a menudo segregados en la parte trasera de la segunda galería en los teatros orientados a los blancos, tenían sus propios circuitos más pequeños, al igual que los hablantes de italiano y yiddish (ver más abajo). Esta incorporación extranjera combinada con la comedia produjo actos como "espectáculos de juglares de la América anterior a la guerra" y teatro yiddish. Muchas familias étnicas se unieron a este negocio del entretenimiento y, para ellos, este estilo de vida viajero era simplemente una continuación de las circunstancias que los trajeron a Estados Unidos. A través de estos actos, pudieron asimilarse a su nuevo hogar y al mismo tiempo traer fragmentos de su propia cultura a este nuevo mundo. [18] Los circuitos regionales orientados a los blancos, como el "Peanut Circuit" de Nueva Inglaterra , también proporcionaron campos de entrenamiento esenciales para nuevos artistas al tiempo que permitieron a los artistas establecidos experimentar y pulir material nuevo. En su apogeo, el vodevil sólo rivalizaba con las iglesias y las escuelas públicas entre los principales lugares de reunión pública del país.
Otro aspecto ligeramente diferente del vodevil fue el creciente interés por la figura femenina. La siniestra idea mencionada anteriormente de "los sobres azules" condujo a la frase material "azul", que describía el tema provocativo presente en muchos actos de vodevil de la época. [4] Muchos directivos incluso vieron este material escandaloso como una estrategia de marketing para atraer a muchas audiencias diferentes. Como se afirma en el libro Blue Vaudeville de Andrew Erdman , el escenario de Vaudeville era "un espacio altamente sexualizado... donde cuerpos desnudos, bailarines provocativos y cantantes de letras 'azules' competían por la atención". Tales representaciones resaltaron y objetivaron el cuerpo femenino como un "deleite sexual", pero más que eso, los historiadores piensan que el vodevil marcó una época en la que el cuerpo femenino se convirtió en su propio "espectáculo sexual". Esta imagen sexual comenzó a brotar en todos los lugares a los que iba un estadounidense: las tiendas, un restaurante, el supermercado, etc. [ cita necesaria ] Cuanto más generaba esta imagen mayores ingresos, más vodevil se centraba en actos que involucraban a mujeres. Incluso actos que eran tan inocentes como un acto de hermana se vendían más que un acto de buen hermano. En consecuencia, Erdman agrega que las intérpretes de vodevil como Julie Mackey y Bath Girls de Gibson comenzaron a centrarse menos en el talento y más en el atractivo físico a través de su figura, vestidos ajustados y otros atuendos reveladores. Finalmente, fue una sorpresa para los miembros de la audiencia cuando mujeres tan hermosas realmente poseían talento además de su apariencia atractiva. Este elemento sorpresa influyó en gran parte de la reacción ante el entretenimiento femenino de esta época. [19]
En la década de 1920, aparecieron anuncios que buscaban bandas exclusivamente femeninas para presentaciones de vodevil en publicaciones de la industria como Billboard , Variety y en los periódicos. Bandas como The Ingenues y The Dixie Sweethearts fueron muy publicitadas, mientras que otros grupos fueron descritos simplemente como "Revue exclusivamente femenina". Según la teoría feminista, tendencias similares en el teatro y el cine objetivaban a las mujeres, un ejemplo de mirada masculina , a medida que el papel de las mujeres en la vida pública se iba ampliando. [20] Estas expectativas para las mujeres en el siglo XIX jugaron un papel importante en los aspectos convincentes del vodevil. A través del vodevil, a muchas mujeres se les permitió unirse a sus homólogos masculinos en el escenario y tuvieron éxito en sus actos.
.jpg/1280px-Marie_Dressler_in_%22Tillie_the_Scrub_Lady%22_(SAYRE_23576).jpg)
Leila Marie Koerber, más tarde Marie Dressler , fue una actriz canadiense que se especializó en comedia de vodevil y, finalmente, ganó un Premio de la Academia a la Mejor Actriz más adelante en su carrera. Siendo hija de un músico, se mudó a los Estados Unidos de América en su infancia. Con sólo catorce años abandonó su casa para empezar su carrera, mintiendo sobre su edad y enviándole a su madre la mitad de su sueldo. Dressler tuvo un gran éxito y era conocida por su ritmo cómico y su comedia física, como llevar a sus compañeros de reparto masculinos. Finalmente trabajó en Broadway, donde tenía un gran deseo de convertirse en una actriz seria, pero le aconsejaron que permaneciera en la comedia. [21] Luego protagonizó algunas películas, pero nuevamente regresó al vodevil, su carrera original.
Otra famosa actriz de vodevil fue Trixi Friganza , originalmente nacida como Delia O'Callaghan. Tenía un eslogan famoso; "Ya conoces a Trixi con su bolsa de trucos". [22] Comenzó su carrera en la ópera, actuando para ayudar a mantener a su familia. La mayor de tres hijas, quería ayudar económicamente a su familia, pero tuvo que hacerlo en secreto, ya que en aquella época las artistas femeninas estaban mal vistas. Trabajó principalmente en comedia y obtuvo aclamación y éxito debido a su voluntad de asumir los papeles de otras personas que habían enfermado y que de otro modo no podían actuar. En sus actuaciones, a menudo enfatizaba su figura de talla grande, llamándose a sí misma la "cuarenta y seis perfectas". Friganza fue también poeta y escritor. Utilizó muchas de sus actuaciones como formas de recaudar dinero para apoyar a los pobres o marginados y declaró públicamente en numerosas ocasiones que apoyaba estas causas sociales. Friganza también pasó gran parte de su vida luchando por la igualdad de las mujeres y presionando por la autoaceptación de las mujeres, tanto públicamente como dentro de sí mismas, así como sus derechos en comparación con los hombres.
Otra comediante famosa, que atrajo a miles de espectadores con sus características habilidades de improvisación, fue May Irwin . Trabajó aproximadamente desde 1875 hasta 1914. Originalmente nacida como Ada Campbell, comenzó su vida en el escenario a los trece años tras la muerte de su padre. Ella y su hermana mayor crearon un grupo de canto llamado "Irwin Sisters". Muchos años después, su actuación despegó y con actuaciones tanto de vodevil como de burlesque en famosos music halls, hasta que Irwin decidió continuar su carrera por su cuenta. Luego cambió su enfoque del vodevil, interpretando canciones con influencia afroamericana, e incluso más tarde escribió sus canciones. [23] Introdujo su firma en el vodevil, "The Bully Song", que se presentó en un espectáculo de Broadway. Fue entonces cuando comenzó a experimentar con la comedia de improvisación y rápidamente encontró su éxito único, incluso llevando sus actuaciones a nivel mundial con actos en el Reino Unido.
A Sophie Tucker , una inmigrante judía rusa, el promotor Chris Brown le dijo que no era lo suficientemente atractiva para triunfar en el mundo del espectáculo sin hacer Blackface, por lo que actuó así durante los primeros dos años en el escenario, hasta que un día decidió prescindir de él. , y logró un éxito mucho mayor siendo ella misma a partir de ese momento, especialmente con su canción "Some of These Days". [24]
Moms Mabley fue una comediante que comenzó en el vodevil y los circuitos de Chitlin en la década de 1920 y terminó con un gran éxito en el siglo XX. [25] Otras intérpretes del siglo XX que comenzaron en el vodevil incluyeron a las cantantes de blues Ma Rainey , Ida Cox y Bessie Smith . [26] Compañías de gira dirigidas por mujeres como Black Patti's Troubadours , Whitman Sisters y Hyers Sisters eran actos populares. Otras mujeres trabajaron en el lado comercial del Vaudeville, como Amanda Thorpe, una mujer blanca que fundó un teatro negro en Virginia, [27] y las Griffin Sisters , que administraron varios teatros en sus esfuerzos por crear un circuito de Vaudeville Negro. [28]
( artículo principal : Vaudeville negro )
.jpg/1280px-The_Andersons_(49997689688).jpg)
Artistas y patrocinadores negros participaron en un circuito de vodevil racialmente segregado. Aunque muchos actos populares como Lewis y Walker, Ernest Hogan , Irving Jones y las Hyers Sisters actuaron tanto para audiencias blancas como negras, las primeras presentaciones de vodevil para audiencias blancas se limitaron a un acto negro por espectáculo, y los artistas enfrentaron discriminación en restaurantes y alojamiento. . Artistas y empresarios como The Whitman Sisters , Pat Chapelle y John Isham crearon y gestionaron sus propias compañías de giras; otros asumieron la propiedad y la gestión del teatro y crearon circuitos de vodevil negros, como fue el caso de Sherman H. Dudley y las Griffin Sisters [29] Más tarde, en la década de 1920, muchas reservas fueron gestionadas por la Theatre Owners Booking Association . [30]
Los afroamericanos desafiaron los estereotipos predominantes de Blackface interpretados por artistas blancos al traer su propia autenticidad y estilo al escenario, componiendo música, comedia y rutinas de baile y sentando las bases para fenómenos culturales claramente estadounidenses como el blues , el jazz , el ragtime y el claqué . Los artistas negros notables en Vaudeville incluyeron a los comediantes Bert Williams y George Walker , la bailarina y coreógrafa Ada Overton Walker y muchos otros. [30] Compositores y compositores negros como Bob Cole , Ernest Hogan , Irving Jones , Rosamond Johnson , George Johnson , Tom Lemonier , Gussie L. Davis y Chris Smith , escribieron muchas de las canciones que fueron popularizadas en el escenario por cantantes blancos y allanaron el camino para el teatro musical afroamericano . [31]
Además de la prominencia del vodevil como forma de entretenimiento estadounidense, reflejaba la cultura urbana en evolución reciente y la interacción de sus operadores y audiencia. Los irlandeses estadounidenses, que representaban una gran parte de la inmigración a los Estados Unidos a mediados del siglo XIX, interactuaron con estadounidenses establecidos, y los irlandeses quedaron sujetos a discriminación debido a sus características étnicas, físicas y culturales. Los estereotipos étnicos de los irlandeses a través de su descripción de novatos aludían a su condición de inmigrantes estadounidenses recién llegados, y el estereotipo se retrataba en las vías de entretenimiento. [32]
Después de la ola de inmigración irlandesa hubo varias oleadas en las que nuevos inmigrantes de diferentes orígenes entraron en contacto con los irlandeses en los centros urbanos de Estados Unidos. Ya establecidos y siendo hablantes nativos de inglés, los irlandeses americanos se apoderaron de estas ventajas y comenzaron a afirmar sus posiciones en la jerarquía racial de los inmigrantes basándose en el tono de la piel y el estado de asimilación, consolidando puestos de trabajo que antes no estaban disponibles para ellos como inmigrantes recién llegados. [33] Como resultado, los estadounidenses de origen irlandés se hicieron prominentes en el entretenimiento de vodevil como curadores y actores, creando una interacción étnica única entre el uso de la autodesprecio como humor por parte de los estadounidenses de origen irlandés y su entorno diverso en el centro de la ciudad. [34]
Las interacciones entre los inmigrantes recién llegados y los inmigrantes establecidos en el contexto del desconocido paisaje urbano estadounidense permitieron que el vodevil se utilizara como una vía de expresión y comprensión. La experiencia, a menudo hostil, de los inmigrantes en su nuevo país se utilizó ahora como alivio cómico en el escenario de vodevil, donde se perpetuaban los estereotipos de diferentes grupos étnicos. [35] Los crudos estereotipos que surgieron fueron fácilmente identificables no sólo por sus distintos atributos culturales étnicos, sino también por cómo esos atributos diferían de la cultura y la identidad estadounidenses establecidas en general. [36]
Junto con su presencia histórica en el escenario inglés para el alivio cómico, [34] y como operadores y actores del escenario de vodevil, los irlandeses estadounidenses se convirtieron en intérpretes de imágenes culturales de inmigrantes en la cultura popular estadounidense. Los recién llegados encontraron su estatus de grupo étnico definido dentro de la población inmigrante y en su nuevo país en su conjunto por los irlandeses en el escenario. [37] Desafortunadamente, las mismas interacciones entre grupos étnicos dentro de las estrechas condiciones de vida de las ciudades también crearon tensiones raciales que se reflejaron en el vodevil. El conflicto entre irlandeses y afroamericanos vio la promoción del juglar de rostro negro en el escenario, utilizado intencionalmente para colocar a los afroamericanos por debajo de los irlandeses en la jerarquía racial y social urbana. [38]
Aunque los irlandeses tenían una fuerte presencia celta en el vodevil y en la promoción de estereotipos étnicos, los grupos étnicos que caracterizaban también utilizaban el mismo humor. Mientras los irlandeses vestían sus trajes étnicos, grupos como los chinos, italianos, alemanes y judíos utilizaron caricaturas étnicas para entenderse a sí mismos y a los irlandeses. [39] La diversidad urbana dentro del escenario y la audiencia del vodevil también reflejaba su estatus social, con la clase trabajadora constituyendo dos tercios de la audiencia típica del vodevil. [39]
Las caricaturas étnicas que ahora formaban parte del humor estadounidense reflejaban las interacciones positivas y negativas entre los grupos étnicos en las ciudades de Estados Unidos. Las caricaturas sirvieron como método para comprender los diferentes grupos y sus posiciones sociales dentro de sus ciudades. [39] El uso del inmigrante novato para lograr un efecto cómico mostró cómo se veía a los inmigrantes como recién llegados, pero también lo que podían aspirar a ser. Además de interpretar caricaturas étnicas visuales, el ideal irlandés americano de la transición de la chabola [40] a la cortina de encaje [36] se convirtió en un modelo de movilidad económica ascendente para los grupos de inmigrantes.
El continuo crecimiento del cine de menor precio a principios de la década de 1910 asestó el golpe más duro al vodevil. Esto fue similar a la llegada de la televisión gratuita que disminuyó la fuerza cultural y económica del cine. El cine se presentó comercialmente por primera vez en los Estados Unidos en salas de vodevil. La primera proyección pública de películas proyectadas en una pantalla tuvo lugar en el Koster and Bial's Music Hall en 1896. Atraídos por mayores salarios y condiciones de trabajo menos arduas, muchos artistas y personalidades, como Al Jolson , WC Fields , Mae West , Buster Keaton , Los hermanos Marx , Jimmy Durante , Bill "Bojangles" Robinson , Edgar Bergen , Fanny Brice , Burns y Allen y Eddie Cantor , utilizaron la prominencia ganada en las presentaciones de variedades en vivo para saltar al nuevo medio del cine. Al hacerlo, estos artistas a menudo agotaban en unos pocos momentos de tiempo en pantalla la novedad de un acto que podría haberlos mantenido de gira durante varios años. Otros artistas que ingresaron en los últimos años del vodevil, incluidos Jack Benny , Abbott y Costello , Kate Smith , Cary Grant , Bob Hope , Milton Berle , Judy Garland , Rose Marie , Sammy Davis Jr. , Red Skelton , Larry Storch y The Three Stooges , utilizó el vodevil sólo como plataforma de lanzamiento para carreras posteriores. Dejaron las presentaciones en vivo antes de alcanzar la celebridad nacional de las estrellas de vodevil anteriores y encontraron fama en nuevos lugares.
La línea entre actuaciones en vivo y filmadas se difuminó por la cantidad de empresarios de vodevil que hicieron incursiones más o menos exitosas en el negocio del cine. Por ejemplo, Alexander Pantages rápidamente se dio cuenta de la importancia de las películas como forma de entretenimiento. Los incorporó en sus espectáculos ya en 1902. Posteriormente, se asoció con Famous Players-Lasky , una importante productora de Hollywood y filial de Paramount Pictures .
A finales de la década de 1920, la mayoría de los espectáculos de vodevil incluían una saludable selección de cine. A principios de siglo, muchos vodeviles, conscientes de la amenaza que representaba el cine, abrigaban la esperanza de que la naturaleza silenciosa de los "novios de las sombras parpadeantes" impediría su usurpación del lugar supremo en el afecto del público. Con la introducción del cine sonoro en 1926, los florecientes estudios cinematográficos eliminaron lo que había seguido siendo la principal diferencia en favor de la representación teatral en vivo: el diálogo hablado. El historiador John Kenrick escribió:
Las principales estrellas del vodevil filmaron sus actos para obtener recompensas únicas, lo que sin darse cuenta ayudó a acelerar la muerte del vodevil. Después de todo, cuando los cines "pequeños" podían ofrecer artistas "grandes" en pantalla a cinco centavos por asiento, ¿quién podría pedir al público que pagara cantidades más altas por talentos en vivo menos impresionantes? Los recién formados estudios RKO se hicieron cargo del famoso circuito de vodevil Orpheum y rápidamente lo convirtieron en una cadena de salas de cine de tiempo completo. La tradición del vodevil de medio siglo fue efectivamente eliminada en menos de cuatro años. [41]
Inevitablemente, los gerentes recortaron aún más los costos al eliminar la última de las presentaciones en vivo. El vodevil también sufrió debido al auge de la radiodifusión tras la mayor disponibilidad de receptores económicos a finales de la década. Incluso los más duros de la industria del vodevil se dieron cuenta de que la forma estaba en declive; el perceptivo entendió que la condición era terminal. La distribución cinematográfica estandarizada y las películas sonoras de la década de 1930 confirmaron el fin del vodevil. En 1930, la gran mayoría de los antiguos teatros en vivo habían sido cableados para sonido y ninguno de los principales estudios producía películas mudas. Durante un tiempo, los teatros más lujosos continuaron ofreciendo entretenimiento en vivo, pero la Gran Depresión obligó a la mayoría de los teatros a economizar.
Algunos en la industria culparon a la fuga de talento del cine de los circuitos de vodevil por la desaparición del medio. Otros argumentaron que el vodevil había permitido que sus actuaciones se volvieran demasiado familiares para su famoso público leal y ahora aparentemente voluble.
El vodevil no tuvo un final abrupto, aunque su forma estaba claramente decayendo a finales de la década de 1920. Joseph Kennedy Sr. , en una compra hostil, adquirió Keith-Albee-Orpheum Theatres Corporation (KAO), que tenía más de 700 salas de vodevil en todo Estados Unidos que habían comenzado a proyectar películas. A menudo se considera que el cambio del Palace Theatre de la ciudad de Nueva York, centro del vodevil, a una presentación exclusivamente cinematográfica el 16 de noviembre de 1932, fue la sentencia de muerte del vodevil. [42]
Aunque se habló de su resurrección durante la década de 1930 y posteriormente, la desaparición del aparato de apoyo de los circuitos y el mayor costo de las presentaciones en vivo hicieron que cualquier renovación a gran escala del vodevil fuera poco realista.
Los ejemplos más sorprendentes de la arquitectura teatral de la Edad Dorada fueron encargados por los grandes magnates del vodevil y se erigieron como monumentos de su riqueza y ambición. Ejemplos de esta arquitectura son los teatros construidos por el empresario Alexander Pantages . Pantages utilizó a menudo al arquitecto B. Marcus Priteca (1881-1971), quien a su vez trabajó regularmente con el muralista Anthony Heinsbergen . Priteca ideó un estilo exótico y neoclásico que su empleador llamó "Pantages griego".
Aunque el vodevil clásico alcanzó un cenit de capitalización y sofisticación en áreas urbanas dominadas por cadenas nacionales y teatros cómodos, el vodevil de poca monta incluía innumerables casas más íntimas y controladas localmente. Las casas de poca monta a menudo eran salones reconvertidos, teatros toscos o salas de usos múltiples, que en conjunto atendían a una amplia gama de clientes. Muchas ciudades pequeñas tenían teatros especialmente construidos. Un ejemplo pequeño pero interesante podría incluir lo que se llama Grange Halls en el norte de Nueva Inglaterra, que todavía se utiliza. Estos son edificios de madera anticuados con escenarios de madera chirriantes y con poca luz, todo lo cual está destinado a compensar el aislamiento del estilo de vida agrícola. Estos escenarios pueden ofrecer cualquier cosa, desde artistas infantiles hasta algo llamado contrabailes , visitas de Papá Noel, talentos musicales locales y comidas caseras como pasteles de gritos.
Algunos de los vodeviles más destacados lograron la transición al cine, aunque otros no tuvieron tanto éxito. Algunos artistas, como Bert Lahr, crearon carreras combinando actuaciones en vivo con papeles en la radio y el cine. Muchos otros aparecieron más tarde en los centros turísticos de Catskill que constituían el " Cinturón Borscht ".
El vodevil jugó un papel decisivo en el éxito de los medios más nuevos: el cine, la radio y la televisión. Las comedias de la nueva era adoptaron muchos de los tropos dramáticos y musicales de los actos clásicos de vodevil. Las comedias cinematográficas de los años 1920 a 1940 utilizaron talentos del escenario de vodevil y siguieron una estética de vodevil de entretenimiento de variedades, tanto en Hollywood como en Asia, incluida China. [43]
El rico repertorio de la tradición del vodevil se extrajo para destacados programas de variedades de radio en horario de máxima audiencia, como The Rudy Vallée Show . La estructura de un solo presentador que presenta una serie de actos se convirtió en un estilo televisivo popular y se puede ver constantemente en el desarrollo de la televisión, desde The Milton Berle Show en 1948 hasta Late Night with David Letterman en la década de 1980. [44] El formato de actos múltiples tuvo un éxito renovado en programas como Your Show of Shows with Sid Caesar y The Ed Sullivan Show . Hoy en día, artistas como Bill Irwin , miembro de MacArthur y actor ganador del premio Tony , son frecuentemente elogiados como "nuevos vodevilistas". [45] [46]
Las referencias al vodevil y al uso de su argot distintivo continúan en toda la cultura popular norteamericana. Palabras como "fracaso" y "mordaza" fueron términos creados en la era del vodevil y han entrado en el idioma estadounidense. Aunque no se les da crédito con frecuencia, las técnicas de vodevil se pueden ver comúnmente en la televisión y en las películas, notablemente en el reciente fenómeno mundial de programas de televisión como America's Got Talent.
En la lucha libre profesional , existía un destacado equipo, con sede en la WWE , llamado The Vaudevillains . [47]
En 2018, el destacado director de cine Christopher Annino, creador de un nuevo largometraje mudo, Silent Times , fundó Vaudeville Con, una reunión para celebrar la historia del vodevil. La primera reunión se celebró en Pawcatuck, Connecticut . [48] [49]
Los registros del Teatro Tivoli se encuentran en la Biblioteca Estatal de Victoria , Melbourne , Australia , con documentos personales adicionales de los artistas de vodevil del Teatro Tivoli, incluidos amplios fondos de vestuario y escenografía, en poder de la Colección de Artes Escénicas , Centro de Artes de Melbourne .
El Museo Americano de Vaudeville, una de las mayores colecciones de recuerdos de vodevil, está ubicado en la Universidad de Arizona. [50]
Los teatros Elgin y Winter Garden de Toronto albergan la colección de accesorios y escenografía de vodevil más grande del mundo.
La Colección Benjamin Franklin Keith y Edward F. Albee ubicada en la Universidad de Iowa incluye una gran colección de libros de informes de gerentes que registran y comentan sobre la programación y la calidad de los actos de cada noche. [51]
... la influencia generalizada que tuvieron los juglares y comediantes holandeses con su lenguaje musical y dramatúrgico en el vodevil, el circuito de espectáculos itinerantes en carpas. ... The Black Crook de 1866... ya mostraba una mezcla de "sucedáneo del romanticismo alemán" ( Gerald Bordman ) y elementos burlescos heredados de los espectáculos de personajes holandeses...
... es en la forma del programa de variedades en sí, hijo de la radio en red, donde podemos ver más claramente la influencia del vodevil en la radio. Desde The Rudy Vallee Show pasando por Jack Benny y Bing Crosby hasta programas de televisión como The Ed Sullivan Show , The Smothers Brothers , Saturday Night Live , In Living Color y Late Night with David Letterman , podemos ver fuertes restos de la estructura típica de actos de variedades del vodevil. . Combinando un presentador/locutor con sketches cómicos, actuaciones musicales, danza, monólogos y bromas satíricas (a veces incluso actos con animales), el programa de variedades adopta hoy innumerables formas. El circuito de vodevil de compañías en gira y teatros locales ha desaparecido, pero sigue vivo electrónicamente.
