Al Jolson (nacido Asa Yoelson yiddish : אַסאַ יואלסאָן ; 26 de mayo de 1886 - 23 de octubre de 1950) fue un cantante, actor y vodevil estadounidense .
Fue una de las estrellas más famosas y mejor pagadas de los Estados Unidos de la década de 1920, [2] y se autoproclamó como "El mejor artista del mundo". [3] Jolson era conocido por su "enfoque melodramático y descaradamente sentimental" [4] hacia la interpretación, así como por popularizar muchas de las canciones que cantaba. [5] Los críticos modernos se han referido a Jolson como "el rey de los artistas con cara negra ". [6] [7]
Aunque hoy se le recuerda mejor como la estrella de la primera película sonora, The Jazz Singer (1927), protagonizó una serie de películas musicales de éxito durante la década de 1930. Después del ataque a Pearl Harbor en diciembre de 1941, fue la primera estrella en entretener a las tropas en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial . Después de un período de inactividad, su estrellato regresó con The Jolson Story (1946), en la que Larry Parks interpretó al joven Jolson, pero con voces cantadas y dobladas por el propio Jolson. La fórmula se repitió en una secuela, Jolson Sings Again (1949). En 1950, volvió a convertirse en la primera estrella en entretener a soldados en servicio activo en la Guerra de Corea , realizando 42 espectáculos en 16 días. Murió semanas después de regresar a Estados Unidos, en parte debido al agotamiento físico del programa de actuaciones. El secretario de Defensa, George Marshall, le otorgó póstumamente la Medalla al Mérito . [8]
Según el historiador de la música Larry Stempel, "nadie había escuchado algo parecido antes en Broadway". Stephen Banfield escribió que el estilo de Jolson era "posiblemente el factor más importante en la definición del musical moderno". [9]
Con su estilo dinámico de cantar jazz y blues, obtuvo un gran éxito al extraer música tradicionalmente afroamericana y popularizarla entre el público estadounidense blanco que no estaría dispuesto a escucharla si la interpretara artistas negros. [10] A pesar de su promoción y perpetuación de los estereotipos negros, [11] su trabajo fue a menudo bien considerado por las publicaciones negras y se le atribuye la lucha contra la discriminación negra en Broadway [6] ya en 1911. En un ensayo escrito en 2000 , el crítico musical Ted Gioia comentó: "Si la cara negra tiene un cartel vergonzoso, ese es Al Jolson", mostrando el complejo legado de Jolson en la sociedad estadounidense. [12]
Asa Yoelson nació en el pueblo de Srednike ( yiddish : סרעדניק ), ahora conocido como Seredžius , cerca de Kaunas en Lituania, entonces parte del Imperio ruso . Fue el quinto y menor hijo de Nechama "Naomi" (de soltera Cantor, c. 1858-1895 ) y Moses Rubin Yoelson ( c. 1858-1945 ); sus cuatro hermanos fueron Rose ( c. 1879 –1939), Etta ( c. 1880 –1948), otra hermana que murió en la infancia, y Hirsch (Harry) ( c. 1882 –1953). Jolson no sabía su fecha de nacimiento, ya que en ese momento no se llevaban registros de nacimiento en esa región, y dio su año de nacimiento como 1885. [13] [14]
En 1891, su padre, que era rabino y cantor , se mudó a la ciudad de Nueva York para asegurar un futuro mejor para su familia. En 1894, Moses Yoelson podía permitirse el lujo de pagar el pasaje para traer a Nechama y sus cuatro hijos a los Estados Unidos. Cuando llegaron, como pasajeros de tercera clase en el SS Umbria que llegó al puerto de Nueva York el 9 de abril de 1894, había encontrado Trabaja como cantor en la Congregación Talmud Torá en el vecindario Southwest Waterfront de Washington, DC, donde se reunió la familia. [14] : 21-22
La madre de Jolson, Naomi, murió a los 37 años a principios de 1895, y él estuvo en estado de abstinencia durante siete meses. Pasó un tiempo en la Escuela Industrial para Niños St. Mary's , un reformatorio/hogar progresista para huérfanos dirigido por los hermanos Xaverian en Baltimore. Después de que Al Reeves los introdujo al mundo del espectáculo en 1895 , Asa y Hirsch quedaron fascinados por él, y en 1897 los hermanos cantaban por monedas en las esquinas de las calles locales, usando los nombres "Al" y "Harry". A menudo usaban el dinero para comprar entradas para el Teatro Nacional . [1] Pasaron la mayor parte de sus días trabajando en diferentes trabajos como equipo. [15]
En la primavera de 1902, Jolson aceptó un trabajo en el circo de Walter L. Main. Aunque Main lo había contratado como acomodador, Main quedó impresionado por la voz de Jolson y le dio un puesto como cantante durante el segmento Indian Medicine Side Show del circo. [16] A finales de año, el circo había cerrado y Jolson estaba nuevamente sin trabajo. En mayo de 1903, el productor principal del espectáculo burlesco Dainty Duchess Burlesquers acordó darle a Jolson un papel en un espectáculo. Interpretó "Be My Baby Bumble Bee" y el productor accedió a retenerlo, pero el espectáculo cerró a finales de año. Evitó problemas financieros formando una sociedad de vodevil con su hermano Hirsch, un intérprete de vodevil conocido como Harry Yoelson. Los hermanos trabajaron para la Agencia William Morris . [17] Jolson y Harry formaron un equipo con Joe Palmer. Durante su tiempo con Palmer, pudieron conseguir reservas para una gira por todo el país. Sin embargo, las presentaciones en vivo fueron perdiendo popularidad a medida que los nickelodeons atraían al público; En 1908, los teatros Nickelodeon dominaban toda la ciudad de Nueva York. Mientras actuaba en un teatro de Brooklyn en 1904, [18] Jolson comenzó a actuar con la cara negra , lo que impulsó su carrera. Comenzó a usar cara negra en todos sus shows. [19]
A finales de 1905, Harry dejó el trío después de una discusión con Jolson. Harry había rechazado su petición de cuidar a Joe Palmer, que estaba en silla de ruedas. Después de la partida de Harry, Jolson y Palmer trabajaron como dúo, pero no tuvieron mucho éxito. En 1906 [18] acordaron separarse y Jolson se quedó solo. [20] Se convirtió en un habitual del Globe and Wigwam Theatre de San Francisco y tuvo éxito en todo el país como cantante de vodevil. [18] Se instaló en San Francisco, diciendo que la gente devastada por el terremoto necesitaba a alguien que los animara. En 1908, Jolson, que necesitaba dinero para él y su nueva esposa, Henrietta, regresó a Nueva York. En 1909, su canto llamó la atención de Lew Dockstader , el productor y estrella de Dockstader's Minstrels. Jolson aceptó la oferta de Dockstader y se convirtió en artista de cara negra. [21]
Según la revista Esquire , " JJ Shubert , impresionado por la abrumadora demostración de energía de Jolson, lo contrató para La Belle Paree , una comedia musical que se estrenó en el Winter Garden en 1911. Al cabo de un mes, Jolson era una estrella. Desde entonces hasta 1926, cuando Cuando se retiró de los escenarios, podía presumir de una serie ininterrumpida de grandes éxitos." [22]
El 20 de marzo de 1911, Jolson protagonizó su primera revista musical en el Winter Garden Theatre de la ciudad de Nueva York. La Belle Paree le ayudó a iniciar su carrera como cantante. La noche de apertura atrajo a una gran multitud y se hizo popular entre el público interpretando canciones de Stephen Foster con la cara negra. El espectáculo cerró después de 104 funciones. Después de La Belle Paree , aceptó una oferta para actuar en el musical Vera Violetta que se estrenó el 20 de noviembre de 1911 y, al igual que La Belle Paree , fue un éxito. En el programa, volvió a cantar con la cara pintada de negro y se hizo tan popular que su salario semanal de 500 dólares (basado en su éxito en La Belle Paree ) se incrementó a 750 dólares. [23]
Después del cierre de Vera Violetta , Jolson protagonizó otro musical, The Whirl of Society , impulsando su carrera en Broadway a nuevas alturas. Durante su estancia en el Winter Garden, Jolson le dijo a la audiencia: "Aún no han oído nada" antes de interpretar canciones adicionales. En la obra, debutó con su personaje característico de cara negra, "Gus". [18] El propietario de Winter Garden, Lee Shubert, firmó a Jolson con un contrato de siete años con un salario de 1.000 dólares a la semana. Jolson repitió su papel de "Gus" en futuras obras y en 1914 alcanzó tanta popularidad entre el público teatral que su salario de 1.000 dólares semanales se duplicó. En 1916, Robinson Crusoe, Jr. fue el primer musical en el que él fue la estrella. En 1918, su carrera como actor dio un paso más después de protagonizar el exitoso musical Sinbad . [24] Se convirtió en el musical de Broadway de mayor éxito de 1918 y 1919. " Swanee " se añadió al espectáculo y se convirtió en la primera grabación de éxito del compositor George Gershwin . Jolson añadió " Mi mami ". En 1920, se había convertido en la estrella más importante de Broadway. [25]
Su siguiente obra, Bombo , tuvo tanto éxito que llegó más allá de Broadway y se presentó en todo el país. [26] Esto llevó a Lee Shubert a cambiar el nombre de su teatro a Jolson's 59th Street Theatre . A la edad de 35 años, Jolson fue el hombre más joven en la historia de Estados Unidos en tener un teatro que lleva su nombre. [27] Pero en la noche del estreno de Bombo , la primera función en el nuevo teatro, sufrió de miedo escénico, caminando arriba y abajo por las calles durante horas antes de la función. Por miedo, perdió la voz detrás del escenario y rogó a los tramoyistas que no levantaran el telón. Pero cuando se levantó el telón, él "estaba [todavía] entre bastidores, temblando y sudando". Después de ser empujado al escenario por su hermano Harry, actuó y luego recibió una ovación que nunca olvidaría: "Durante varios minutos, los aplausos continuaron mientras Al se levantaba y hacía una reverencia después del primer acto". Se negó a volver al escenario para el segundo acto, pero el público "golpeó el suelo y coreó 'Jolson, Jolson', hasta que volvió a salir". Esa noche recibió 37 llamadas a escena y le dijo a la audiencia: "Esta noche soy un hombre feliz". [27] : 118
En marzo de 1922, trasladó la producción al Century Theatre más grande para una actuación benéfica para ayudar a los veteranos judíos heridos de la Primera Guerra Mundial. [28] Después de llevar el espectáculo de gira durante una temporada, regresó en mayo de 1923 para interpretar Bombo. en el Jardín de Invierno. El crítico de The New York Times escribió: "Regresó como el circo, más grande, más brillante y más nuevo que nunca... El público de anoche se mostró halagadoramente reacio a irse a casa, y cuando terminó el espectáculo propiamente dicho, Jolson reapareció ante el telón. y canté más canciones, viejas y nuevas." [29]
"No me importa dejar constancia de que es uno de los pocos hombres instintivamente divertidos en nuestro escenario", escribió el crítico Charles Darnton en el Evening World de Nueva York . "Todo lo que toca se convierte en diversión. Verlo es maravillarse ante su humorística vitalidad. Es el juglar de antaño adaptado a la modernidad. Con una canción, una palabra o incluso una sugerencia, provoca una risa espontánea. Y Aquí tenéis la definición de comediante nato." [27] : 87
Antes de The Jazz Singer , Jolson protagonizó la película hablada A Plantation Act . Esta simulación de una actuación teatral de Jolson se presentó en un programa de cortos musicales, demostrando el proceso de película sonora del Vitaphone . La banda sonora de A Plantation Act se consideró perdida en 1933, pero fue encontrada en 1995 y restaurada por The Vitaphone Project . [30]
Warner Bros. eligió a George Jessel para el papel, ya que había protagonizado la obra de Broadway. Cuando Sam Warner decidió hacer de The Jazz Singer un musical con el Vitaphone, supo que Jolson era la estrella que necesitaba. Le dijo a Jessel que tendría que cantar en la película, y Jessel se resistió, permitiendo que Warner lo reemplazara con Jolson. Jessel nunca lo superó y solía decir que Warner le dio el papel a Jolson porque aceptó ayudar a financiar la película.
La hija de Harry Warner , Doris, recordó la noche del estreno y dijo que cuando comenzó la película todavía estaba llorando por la pérdida de su amado tío Sam. Tenía previsto asistir a la actuación, pero murió repentinamente a la edad de 40 años, el día anterior. Pero a mitad de la película de 89 minutos empezó a sentirse invadida por la sensación de que algo extraordinario estaba sucediendo. La frase "Espera un minuto" de Jolson provocó gritos de alegría y aplausos del público, que quedó estupefacto al ver y oír a alguien hablar en una película por primera vez, hasta el punto de que al principio se pasó por alto el doble sentido. Después de cada canción de Jolson, el público aplaudió. La emoción aumentó a medida que avanzaba la película, y cuando Jolson comenzó su escena con Eugenie Besserer , "el público se puso histérico". [31]
Según el historiador de cine Scott Eyman , "al final de la película, los hermanos Warner habían mostrado al público algo que nunca habían conocido, los había conmovido de una manera que no esperaban. La tumultuosa ovación al final del telón demostró que Jolson no era simplemente la persona adecuada". hombre para el papel de Jackie Rabinowitz, alias Jack Robin; era el hombre adecuado para toda la transición de la fantasía silenciosa al realismo hablado. El público, transformado en lo que un crítico llamó, "una turba arremolinándose y luchando", se puso de pie, pateó y vitoreó '¡Jolson, Jolson, Jolson!'" [32]
Vitaphone fue diseñado para interpretaciones musicales, y The Jazz Singer sigue este principio, utilizando solo las secuencias musicales grabaciones de sonido en vivo. Los espectadores quedaron electrizados cuando las acciones silenciosas fueron interrumpidas periódicamente para una secuencia de canciones con canto y sonido reales. La voz dinámica, los gestos físicos y el carisma de Jolson mantuvieron hechizado al público. La protagonista May McAvoy , según el autor A. Scott Berg, no pudo evitar colarse en los cines día tras día mientras se proyectaba la película. "Se inmovilizó contra una pared en la oscuridad y observó los rostros de la multitud. En ese momento, justo antes de 'Toot, Toot, Tootsie', recordó: "Ocurrió un milagro. Las imágenes en movimiento realmente cobraron vida. Ver las expresiones en sus rostros, cuando Joley les habló... uno hubiera pensado que estaban escuchando la voz de Dios'". [33] "Todo el mundo estaba loco por el cine sonoro", dijo la estrella de cine Gregory Peck en una entrevista con Newsweek . "Recuerdo 'The Jazz Singer', cuando Al Jolson empezó a cantar y hubo un poco de diálogo. Y cuando salió con 'Mammy' y se arrodilló ante su Mammy, fue simplemente dinamita. ". [34]
Mast y Kawin comparten esta opinión:
Este momento de golpeteo informal al piano es la parte más emocionante y vital de toda la película... cuando Jolson adquiere una voz, la calidez, la emoción, las vibraciones de la misma, la forma en que su divagante espontaneidad deja al descubierto la imaginación del mente que compone los sonidos... [y] la adición de una voz de Vitaphone reveló las cualidades particulares de Al Jolson que lo convirtieron en una estrella. No sólo los ojos son una ventana al alma. [35]
Con Warner Bros. Al Jolson hizo su primera película "que todo habla", The Singing Fool (1928), la historia de un artista ambicioso que insistió en continuar con el espectáculo incluso cuando su pequeño hijo agonizaba. La película fue incluso más popular que The Jazz Singer . " Sonny Boy ", de la película, fue el primer disco americano en vender un millón de copias.
Jolson continuó haciendo funciones para Warner Bros. de estilo similar a The Singing Fool . Estos incluyeron Say It with Songs (1929), Mammy (1930) y Big Boy (1930). Una versión restaurada de Mammy , con Jolson en secuencias en Technicolor , se proyectó por primera vez en 2002. [36] La primera aparición en Technicolor de Jolson fue un cameo en el musical Showgirl in Hollywood (1930) de First National Pictures , una filial de Warner Bros.. Sin embargo, estas películas gradualmente demostraron un ciclo de rendimientos decrecientes debido a su relativa similitud, el salario majestuoso que exigía Jolson y un cambio en el gusto del público que se alejó de los musicales de vodevil a medida que comenzaba la década de 1930. Jolson regresó a Broadway y protagonizó la fallida Wonder Bar . [37]
Warner Bros. le permitió hacer Hallelujah, I'm a Bum con United Artists en 1933. Fue dirigida por Lewis Milestone y escrita por Ben Hecht . Hecht también participó activamente en la promoción de los derechos civiles : "Las historias cinematográficas de Hecht con personajes negros incluían Hallelujah, I'm a Bum , coprotagonizada por Edgar Connor como el compañero de Jolson, en un diálogo rimado políticamente inteligente sobre música de Richard Rodgers ". [38]
El crítico del New York Times escribió: "A algunas personas les alegrará saber que la película no tiene ninguna canción de Mammy. Es la mejor película del Sr. Jolson y bien podría serlo, porque ese inteligente director, Lewis Milestone , guió su destino... .. una combinación de diversión, melodía y romance, con un toque de sátira..." [39] Otra reseña agregó: "Una película para darle la bienvenida, especialmente por lo que intenta hacer por el progreso del musical estadounidense... .." [40]
En 1934, protagonizó una versión cinematográfica de su anterior obra de teatro Wonder Bar , coprotagonizada por Kay Francis , Dolores del Río , Ricardo Cortez y Dick Powell . La película es un " Gran Hotel musical , ambientado en la discoteca parisina propiedad de Al Wonder (Jolson). Wonder entretiene y bromea con su clientela internacional". [41] Las críticas fueron en general positivas: " Wonder Bar tiene de todo. Romance, destello, entusiasmo, clase, color, canciones, talento repleto de estrellas y casi todos los requisitos conocidos para asegurar una sólida atención y asistencia... Es el regreso de Jolson imagen en todos los aspectos."; [42] y, "Aquellos a quienes les gusta Jolson deberían ver Wonder Bar porque es principalmente Jolson; canta los viejos confiables; hace chistes que habrían impresionado a Noah como deprimentemente antiguo; y se mueve con la energía característica". [43]
El último vehículo de Jolson en Warner fue The Singing Kid (1936), una parodia del personaje escénico de Jolson (interpreta a un personaje llamado Al Jackson) en la que se burla de su histrionismo escénico y su gusto por las canciones de "mamá", este último a través de un número de EY Harburg. y Harold Arlen titulado "I Love to Singa", y una secuencia de comedia en la que Jolson intenta obstinadamente cantar "Mammy" mientras The Yacht Club Boys siguen diciéndole que esas canciones están desactualizadas. [44]
Según el historiador del jazz Michael Alexander, Jolson se había quejado una vez de que "la gente se ha estado burlando de las canciones de Mammy, y realmente no creo que sea correcto que lo hagan, porque después de todo, las canciones de Mammy son las canciones fundamentales de nuestro país. " (Dijo esto, en su personaje, en su corto de 1926 A Plantation Act .) En esta película, señala, "Jolson tuvo la confianza de rimar 'Mammy' con 'Uncle Sammy'", añadiendo "las canciones de Mammy, junto con la vocación 'Mammy cantante', fueron inventos de la era del jazz judío". [45]
La película también dio un impulso a la carrera del cantante y director de banda negro Cab Calloway, quien interpretó varias canciones junto a Jolson. En su autobiografía, Calloway escribe sobre este episodio:
Había oído que Al Jolson estaba haciendo una nueva película en la Costa, y como Duke Ellington y su banda habían hecho una película, ¿no era posible para mí y la banda hacer ésta con Jolson? Frenchy habló por teléfono con California, habló con alguien relacionado con la película y lo siguiente que supe fue que la banda y yo estábamos reservados para Chicago de camino a California para ver la película, The Singing Kid . Nos lo pasamos genial, aunque tuve algunas discusiones bastante duras con Harold Arlen, que había escrito la música. Arlen fue el compositor de muchas de las mejores revistas de Cotton Club, pero había hecho algunas interpretaciones para The Singing Kid que yo simplemente no podía aceptar. Él estaba tratando de cambiar mi estilo y yo estaba luchando contra ello. Finalmente, Jolson intervino y le dijo a Arlen: 'Mira, Cab sabe lo que quiere hacer; Déjalo que lo haga a su manera. Después de eso, Arlen me dejó en paz. Y hablando de integración: Demonios, cuando la banda y yo llegamos a Hollywood, nos trataron como pura realeza. Aquí estábamos Jolson y yo viviendo en áticos adyacentes en un hotel muy lujoso. Éramos coprotagonistas de la película, por lo que recibimos el mismo trato, no hay duda al respecto. [46]
The Singing Kid no era una de las principales atracciones del estudio (fue estrenada por la filial First National), y Jolson ni siquiera calificaba como estrella. " I Love to Singa " apareció más tarde en la caricatura del mismo nombre de Tex Avery . La película también se convirtió en el primer papel importante de la futura estrella infantil Sybil Jason en una escena dirigida por Busby Berkeley . Jason recuerda que Berkeley trabajó en la película aunque no aparece en los créditos. [47]
Su siguiente película, la primera con Twentieth Century-Fox , fue Rose of Washington Square (1939). Está protagonizada por Jolson, Alice Faye y Tyrone Power , e incluye muchas de las canciones más conocidas de Jolson, aunque varias canciones fueron cortadas para acortar la duración de la película, incluidas " April Showers " y " Avalon ". Los críticos escribieron: "El canto del señor Jolson de Mammy , California, Here I Come y otros es algo para el libro de recuerdos" [48] y "De las tres coprotagonistas, esta es la película de Jolson... porque es un catálogo bastante bueno en el catálogo de cualquiera". hit parade." [49] La película fue lanzada en DVD en octubre de 2008. 20th Century Fox lo contrató para recrear una escena de The Jazz Singer en la película Hollywood Cavalcade de Alice Faye y Don Ameche . [ cita necesaria ] Ese mismo año siguieron apariciones especiales en dos películas más de Fox, pero Jolson nunca volvió a protagonizar un largometraje.
Después de la biografía cinematográfica de George M. Cohan , Yankee Doodle Dandy (1942), el columnista de Hollywood Sidney Skolsky creyó que se podría hacer una película similar sobre Al Jolson. Skolsky propuso la idea de una película biográfica de Al Jolson y Harry Cohn , director de Columbia Pictures , estuvo de acuerdo. Fue dirigida por Alfred E. Green , mejor recordado por la película anterior a Code Baby Face (1933), con números musicales puestos en escena por Joseph H. Lewis . Con Jolson proporcionando casi todas las voces y el jugador contratado de Columbia Larry Parks interpretando a Jolson, The Jolson Story (1946) se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla del año. [50] En un homenaje a Jolson, Larry Parks escribió: "Ponerse en su lugar fue, para mí, una cuestión de estudio interminable, observación y concentración enérgica para obtener, perfectamente si fuera posible, una simulación de la clase de hombre que era. No es de extrañar, por tanto, que mientras hacía The Jolson Story , pasara 107 días delante de las cámaras y perdiera dieciocho libras de peso." [51]
De una reseña en Variety :
Pero la verdadera estrella de la producción es la voz de Jolson y ese popurrí de Jolson. Fue un buen espectáculo elegir esta película con menos gente, en particular con Larry Parks como la mamá... En cuanto a la voz de Jolson, nunca ha sido mejor. Así, la magia de la ciencia ha producido un todo compuesto que eclipsa al original en su forma más juvenil. [52]
Parks recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor . Aunque Jolson, de 60 años, era demasiado mayor para interpretar una versión más joven de sí mismo en la película, convenció al estudio para que le permitiera aparecer en una secuencia musical, " Swanee ", filmada íntegramente en plano general, con Jolson cantando con la cara negra. y bailando en la pasarela que conduce al centro del teatro. A raíz del éxito de la película y de sus giras durante la Segunda Guerra Mundial, Jolson volvió a convertirse en un cantante destacado entre el público estadounidense. [53] [54] Decca contrató a Jolson y grabó para Decca desde 1945 hasta su muerte, realizando sus últimas grabaciones comerciales para la compañía.
Según el historiador de cine Krin Gabbard, The Jolson Story va más allá que cualquiera de las películas anteriores al explorar el significado de la cara negra y las relaciones que los blancos han desarrollado con los negros en el área de la música. Para él, la película parece implicar una inclinación por los artistas blancos, como Jolson, que están poseídos por "la alegría de vivir y la sensibilidad suficiente para apreciar los logros musicales de los negros". [55] Para respaldar su punto de vista, describe una parte importante de la película:
Mientras deambula por Nueva Orleans antes de un espectáculo con Dockstader's Minstrels, entra en un pequeño club donde actúa un grupo de músicos de jazz negros. Jolson tiene una revelación: el repertorio serio del grupo de juglares se puede transformar tocando música negra con la cara negra. Le dice a Dockstader que quiere cantar lo que acaba de experimentar: 'Esta noche escuché algo de música, algo que llaman jazz. Algunos tipos simplemente lo inventan sobre la marcha. Lo recogen del aire. Después de que Dockstader se niega a adaptarse al concepto revolucionario de Jolson, la narrativa narra su ascenso al estrellato mientras supuestamente inyecta jazz en sus actuaciones con cara negra... El éxito de Jolson se basa en anticipar lo que los estadounidenses realmente quieren. Dockstader desempeña la inevitable función de guardián del status quo, cuyo firme compromiso con lo que está a punto de volverse obsoleto refuerza la simpatía del público por el héroe con visión de futuro. [56]
Este ha sido un tema tradicionalmente "muy querido en el corazón de los hombres que hicieron las películas". [56] El historiador de cine George Custen describe este "escenario común, en el que el héroe es reivindicado por innovaciones que inicialmente son recibidas con resistencia... [L]a lucha del protagonista heroico que anticipa cambios en las actitudes culturales es central para otras películas biográficas de jazz blanco como The Glenn Miller Story (1954) y The Benny Goodman Story (1955)". [57] "Una vez que aceptamos un cambio semántico de cantar a tocar el clarinete, The Benny Goodman Story se convierte en una reelaboración casi transparente de The Jazz Singer ... y The Jolson Story ". [56]
Una secuela, Jolson Sings Again (1949), se estrenó en el Loew 's State Theatre de Nueva York y recibió críticas positivas: "El nombre del Sr. Jolson vuelve a brillar y Broadway está coronado de sonrisas", escribió Thomas Pryor en The New York. Tiempos . "Así debe ser, porque Jolson Sings Again es una ocasión que merece algunos aplausos vigorosos..." [58] Jolson hizo una gira por las salas de cine de Nueva York para promocionar la película, viajando con un convoy policial para establecer horarios para todas las presentaciones, a menudo improvisando chistes e interpretando canciones para el público. Había más policías de servicio mientras las multitudes atestaban las calles y aceras en cada teatro que visitó Jolson. [59] En Chicago, unas semanas más tarde, cantó ante 100.000 personas en el Soldier Field, y más tarde esa noche apareció en el Oriental Theatre con George Jessel, donde 10.000 personas tuvieron que ser rechazadas. [58]
Jolson había sido una estrella invitada popular en la radio desde sus primeros días, incluso en The Dodge Victory Hour de NBC (enero de 1928), cantando desde un hotel de Nueva Orleans ante una audiencia de 35 millones a través de 47 estaciones de radio. Sus propios espectáculos de la década de 1930 incluyeron Presenting Al Jolson (1932) y Shell Chateau (1935), y fue el presentador del Kraft Music Hall de 1947 a 1949, con Oscar Levant como su compañero sardónico que tocaba el piano. El resurgimiento de la carrera de Jolson en la década de 1940 fue nada menos que un éxito a pesar de la competencia de artistas más jóvenes como Bing Crosby y Frank Sinatra , y fue votado como el "Vocalista masculino más popular" en 1948 por una encuesta de Variety . Al año siguiente, Jolson fue nombrado "Personalidad del año" por los Variety Clubs of America. Cuando Jolson apareció en el programa de radio de Bing Crosby, atribuyó haber recibido el premio a ser el único cantante de importancia que no grabó " Mule Train ", que había sido un éxito ampliamente versionado ese año (cuatro versiones diferentes, uno de ellos de Crosby, había llegado al top ten de las listas). Jolson bromeó sobre cómo su voz se había vuelto más grave con la edad y dijo: "Tengo bien los clippetys, pero no puedo tocar como antes". [ cita necesaria ]
Además de su contribución al cine como intérprete, es responsable del descubrimiento de dos grandes estrellas de la época dorada de Hollywood. Compró los derechos de una obra que vio en Broadway y luego vendió los derechos de la película a Jack Warner (Warner Brothers, que era el estudio que había hecho The Jazz Singer ) con la estipulación de que dos de los miembros del elenco original repitieran sus papeles en la película. . La obra se convirtió en la película Penny Arcade , y los actores fueron Joan Blondell y James Cagney , quienes se convirtieron en actores contratados para el estudio. Ambos eran ingredientes importantes de las películas de gánsteres, que resultaban lucrativas para el estudio.
Cagney ganó su Premio de la Academia por su papel en Yankee Doodle Dandy de Warner Brothers , que en ese momento era la película más taquillera del estudio. El premio rara vez se otorga a intérpretes de musicales. Irónicamente, Cagney, que se hizo conocido por sus papeles de tipo duro en las películas, también contribuyó a las películas musicales, como el hombre que lo había descubierto. Si bien a Jolson se le atribuye su aparición en la primera película musical, la película de Cagney ganadora del Premio de la Academia fue la primera película que Ted Turner eligió colorear .
Cuando Jolson apareció en el programa de radio KNX de Los Ángeles de Steve Allen en 1949 para promocionar Jolson Sings Again , ofreció su breve opinión sobre la floreciente industria de la televisión: "Yo lo llamo visión del olor". El escritor Hal Kanter recordó que la propia idea de Jolson de su debut televisivo sería un espectáculo extralargo patrocinado por una empresa que lo presentaría como el único intérprete y se transmitiría por televisión sin interrupción. Aunque tenía varias ofertas televisivas en ese momento, Jolson estaba preocupado por cómo sus actuaciones más importantes se verían en un medio tan íntimo como la televisión. Finalmente cedió en 1950, cuando se anunció que Jolson había firmado un acuerdo para aparecer en la cadena de televisión CBS , presumiblemente en una serie de especiales. Sin embargo, murió repentinamente antes de que comenzara la producción. [60]
Las bombas japonesas en Pearl Harbor sacaron a Jolson de su continuo estado de letargo debido a años de poca actividad y "... se dedicó a una nueva misión en la vida... Incluso antes de que la USO comenzara a establecer un programa formal en el extranjero, Jolson estaba inundando a los jefes del Departamento de Guerra y Marina con llamadas telefónicas y cables. Solicitó permiso para ir a cualquier parte del mundo donde hubiera un militar estadounidense al que no le importara escuchar 'Sonny Boy' o 'Mammy'... [y ] a principios de 1942, Jolson se convirtió en la primera estrella en actuar en una base militar en la Segunda Guerra Mundial". [61]
De una entrevista de 1942 en The New York Times : "Cuando comenzó la guerra... [yo] sentí que dependía de mí hacer algo, y lo único que conozco es el mundo del espectáculo. Anduve por ahí durante la última guerra y Vi que los muchachos necesitaban algo además de comida y ejercicios. Sabía que hoy ocurría lo mismo, así que le dije a la gente en Washington que iría a cualquier parte y actuaría para el ejército". [62] Poco después de que comenzara la guerra, escribió una carta a Steven Early, secretario de prensa del presidente Franklin D. Roosevelt , ofreciéndose como voluntario "para encabezar un comité para el entretenimiento de los soldados y diciendo que "trabajaría sin paga... [ y] estaría encantado de ayudar en la organización que se creará para este propósito". Unas semanas más tarde, recibió su primera agenda de gira de la recién formada Organización de Servicios Unidos (USO), "el grupo que su carta a Early había ayudado a crear". [63 ]
Hizo hasta cuatro espectáculos al día en los puestos avanzados de la jungla de Centroamérica y cubrió la serie de bases navales estadounidenses. Parte del transporte lo pagó de su propio bolsillo. Al hacer su primer espectáculo, y sin previo aviso, en Inglaterra en 1942, el reportero del Hartford Courant escribió: "... fue un pánico. Y un caos... cuando terminó, los aplausos que sacudieron esa sala llena de soldados fueron Como bombas cayendo de nuevo en Shaftsbury Avenue". [64]
De un artículo en The New York Times :
Él [Jolson] ha estado en más campamentos del ejército y ha actuado ante más soldados que cualquier otro artista. Ha cruzado el Atlántico en avión para llevar canciones y animar a las tropas en Gran Bretaña e Irlanda del Norte. Ha volado a las frías tierras de Alaska y a los humeantes bosques de Trinidad . Ha hecho escala en Curazao , de estilo holandés . Casi todos los campamentos de este país lo han escuchado cantar y contar historias divertidas. [62]
Algunas de las dificultades inusuales de actuar ante tropas activas se describieron en un artículo que escribió para Variety en 1942:
Para entretener a todos los muchachos... se nos hizo necesario dar espectáculos en trincheras, emplazamientos de armas, refugios subterráneos, a grupos de construcción en carreteras militares; de hecho, cualquier lugar donde dos o más soldados se reunían, automáticamente se convertía para mí en un Jardín de Invierno y daba un espectáculo. [sesenta y cinco]
Después de regresar de una gira por bases en el extranjero, la anfitriona del regimiento en un campamento le escribió a Jolson:
Permítanme decir en nombre de todos los soldados del 33º de Infantería que venir aquí es lo más maravilloso que nos ha pasado jamás y creemos que son los mejores, no sólo como intérprete, sino también como persona. Lo elegimos por unanimidad como el Elevador de la Moral Pública No. 1 del Ejército de los EE. UU. [66]
Jolson se alistó oficialmente en United Service Organizations (USO), la organización que brindaba entretenimiento a las tropas estadounidenses que sirvieron en combate en el extranjero. [67] Debido a que tenía más de 45 años, recibió una calificación de "Especialista" que le permitió usar un uniforme y recibir el estatus de oficial. Mientras estaba de gira por el Pacífico, Jolson contrajo malaria y tuvieron que extirparle quirúrgicamente el pulmón izquierdo. En 1946, durante una cena testimonial transmitida a nivel nacional en la ciudad de Nueva York, ofrecida en su nombre, recibió un homenaje especial del Comité de Veteranos Estadounidenses en honor a sus servicios voluntarios durante la Segunda Guerra Mundial. [53] En 1949, la película Jolson Sings Again recreó algunas escenas que mostraban a Jolson durante sus giras de guerra. [68]
En 1950, según el biógrafo de Jolson, Michael Freedland , [69] "Estados Unidos respondió al llamado del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas ... y había ido a luchar contra los norcoreanos... [Jolson] volvió a llamar a la Casa Blanca. "Voy a ir a Corea", le dijo por teléfono a un sorprendido funcionario. "Nadie parece saber nada sobre la OSU, y depende del presidente Truman llevarme allí". Le prometieron que el presidente Truman y el general MacArthur , que había asumido el mando del frente coreano, se enterarían de su oferta, pero durante cuatro semanas no hubo nada... Finalmente, Louis A. Johnson , secretario de Defensa, envió Jolson un telegrama. "Perdón por el retraso, pero lamento no tener fondos para entretenimiento - STOP; USO disuelto - STOP". El mensaje fue un asalto al sentido de patriotismo de Jolson tanto como lo había sido el cruce del Paralelo 38. "¿De qué están hablando?", tronó. "¿Fondos? ¿Quién necesita fondos? ¡Tengo fondos! Voy a ¡pagarme a mí mismo!'" [70]
El 17 de septiembre de 1950, un despacho del Cuartel General del 8º Ejército, Corea, anunció: "Al Jolson, el primer artista de alto nivel en llegar al frente de guerra, aterrizó aquí hoy en avión desde Los Ángeles..." Jolson viajó a Corea por su propia cuenta. "[Y] un Jolson delgado y sonriente condujo sin descanso durante 42 espectáculos en 16 días". [71] Alistair Cooke escribió: "Las tropas gritaron pidiendo su aparición. Se arrodilló de nuevo y cantó 'Mammy', y las tropas lloraron y vitorearon. Cuando le preguntaron cómo era Corea, respondió calurosamente: 'Yo soy Voy a recuperar mis declaraciones de impuestos y veré si pagué lo suficiente'". [72] Antes de regresar a los EE. UU., el general Douglas MacArthur , líder de las fuerzas de la ONU, le entregó un medallón con la inscripción "A Al Jolson de los Servicios Especiales en agradecimiento a entretenimiento del personal de las fuerzas armadas - Comando del Lejano Oriente", con su itinerario completo inscrito en el reverso. [73] Unos meses más tarde, un puente importante, llamado "Puente Al Jolson", se utilizó para retirar la mayor parte de las tropas estadounidenses de Corea del Norte. [74] El puente era el último que quedaba de tres puentes sobre el río Han y se utilizó para evacuar a las fuerzas de la ONU. Fue demolido por las fuerzas de la ONU después de que el ejército cruzara de manera segura para evitar que los chinos cruzaran. [75] Jack Benny , que fue a Corea el año siguiente, señaló que un anfiteatro en Corea donde se entretenía a las tropas, se llamaba "Al Jolson Bowl". [76]
Diez días después de regresar de Corea, acordó con los productores de RKO Pictures , Jerry Wald y Norman Krasna , protagonizar Stars and Stripes for Ever , una película sobre una compañía USO en el Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. El guión iba a ser escrito por Herbert Baker y su coprotagonista Dinah Shore . [77] Pero Jolson se había esforzado demasiado en Corea, especialmente para un hombre al que le faltaba un pulmón. Dos semanas después de firmar el acuerdo, mientras jugaba a las cartas en su suite del hotel St. Francis en 335 Powell Street en San Francisco, [78] Jolson murió de un ataque cardíaco masivo el 23 de octubre de 1950. Se dice que sus últimas palabras fueron "Oh... oh, me voy". Tenía 64 años.
Después de que su esposa recibió la noticia de su muerte por teléfono, entró en shock y pidió a sus familiares que se quedaran con ella. La policía estimó que al funeral asistieron más de 20.000 personas, a pesar de la amenaza de lluvia. Se convirtió en uno de los funerales más grandes en la historia del mundo del espectáculo. [79] Las celebridades rindieron homenaje: Bob Hope , hablando desde Corea a través de una radio de onda corta, dijo que el mundo había perdido "no sólo a un gran artista, sino también a un gran ciudadano". Larry Parks dijo que el mundo había "perdido no sólo a su mayor artista, sino también a un gran estadounidense. Fue una víctima de la guerra [de Corea]". Los periódicos Scripps-Howard dibujaron un par de guantes blancos sobre un fondo negro. El título decía: "La canción ha terminado". [79]
El columnista de periódico y reportero de radio Walter Winchell dijo:
Fue el primero en entretener a las tropas en la Segunda Guerra Mundial, contrajo malaria y perdió un pulmón. Luego, cuando tenía más de sesenta años, volvió a ser el primero en ofrecer sus dotes de canto para llevar consuelo a los heridos y cansados en Corea. Hoy sabemos que el esfuerzo de su viaje a Corea afectó su fuerza más de lo que quizás incluso él mismo pensaba. Pero consideraba que era su deber como estadounidense estar allí, y eso era lo único que le importaba. Jolson murió en un hotel de San Francisco. Sin embargo, fue una baja en batalla tan grande como cualquier soldado estadounidense que haya caído en las laderas rocosas de Corea... Estrella durante más de 40 años, al final obtuvo su calificación de estrella más gloriosa: una estrella dorada. [80]
Su amigo George Jessel dijo durante parte de su panegírico:
La historia del mundo no dice lo suficiente sobre lo importante que ha sido la canción y el cantante. Pero la historia debe registrar el nombre de Jolson, quien en el ocaso de su vida cantó con todo su corazón en una tierra extranjera, a los heridos y a los valientes. Estoy orgulloso de haber disfrutado del sol de su grandeza, de haber sido parte de su época. [81]
Fue enterrado en el cementerio Hillside Memorial Park en Culver City, California. La viuda de Jolson compró un terreno en Hillside y encargó que su mausoleo fuera diseñado por el conocido arquitecto negro Paul Williams . La estructura de mármol de seis pilares está coronada por una cúpula, junto a una estatua de bronce de tres cuartos de tamaño de Jolson, eternamente descansando sobre una rodilla, con los brazos extendidos, aparentemente listo para entonar otro verso de "Mammy". El interior de la cúpula presenta un enorme mosaico de Moisés sosteniendo las tablas que contienen los Diez Mandamientos e identifica a Jolson como "El dulce cantante de Israel" y "El hombre levantado en lo alto". [82] [83]
El día de su muerte, Broadway atenuó sus luces en honor de Jolson y estaciones de radio de todo el mundo rindieron homenaje. Poco después de su muerte, la BBC presentó un programa especial titulado Jolson Sings On . Su muerte desató homenajes de todo el mundo, incluidos varios elogios de amigos, entre ellos George Jessel, Walter Winchell y Eddie Cantor . [82] Contribuyó con millones a organizaciones benéficas judías y de otro tipo en su testamento. [84]
A pesar de su estrecha relación mientras crecían, Harry Jolson (el hermano mayor de Al) mostró cierto desdén por el éxito de Jolson a lo largo de los años. Incluso durante su tiempo con Jack Palmer, Jolson estaba ganando popularidad mientras Harry se desvanecía. Después de separarse de "Al y Jack", la carrera de Harry en el mundo del espectáculo se hundió. En una ocasión, Harry se ofreció a ser el agente de Jolson, pero Jolson rechazó la oferta, preocupado por la presión que enfrentaría por parte de sus productores por contratar a su hermano. Poco después de la muerte de Lillian, la esposa de Harry, en 1948, los hermanos volvieron a ser cercanos. [85]
El primer matrimonio de Jolson, con Henrietta Keller (1889-1967), tuvo lugar en Alameda, California, el 20 de septiembre de 1907. Su nombre fue Albert Jolson. La pareja se divorció en 1919. [86] En 1920, comenzó una relación con la actriz de Broadway Alma Osbourne (conocida profesionalmente como Ethel Delmar); los dos se casaron en agosto de 1922; [87] se divorció de Jolson en 1928. [88]
En el verano de 1928, Jolson conoció a la joven bailarina de claqué , y más tarde actriz, Ruby Keeler en Los Ángeles (Jolson diría que fue en el club nocturno Texas Guinan ) y quedó deslumbrado por ella al verla. Tres semanas después, Jolson vio una producción de Rise of Rosie O'Reilly de George M. Cohan y notó que ella estaba en el elenco del programa. Ahora que sabía que iba a seguir con su carrera en Broadway, Jolson asistió a otro de sus espectáculos, Show Girl , se levantó del público y participó en su dúo de "Liza". Luego de este momento, el productor del programa, Florenz Ziegfeld , le pidió a Jolson que se uniera al elenco y continuara cantando a dúo con Keeler. Jolson aceptó la oferta de Ziegfeld y durante su gira con Ziegfeld, los dos comenzaron a salir y se casaron el 21 de septiembre de 1928. En 1935, Al y Ruby adoptaron un hijo, el primer hijo de Jolson, al que llamaron "Al Jolson Jr." [18] En 1939, sin embargo, a pesar de un matrimonio que se consideraba más exitoso que los anteriores, Keeler dejó Jolson. Después de su divorcio en 1940, se volvió a casar con John Homer Lowe, con quien tendría cuatro hijos y permanecería casada hasta su muerte en 1969. [18] [89]
En 1944, mientras daba un espectáculo en un hospital militar en Hot Springs, Arkansas , Jolson conoció a un joven tecnólogo de rayos X, Erle Galbraith. Quedó fascinado con ella y más de un año después pudo localizarla y contratarla como actriz mientras él trabajaba como productor en Columbia Pictures. Después de que Jolson, cuya salud aún estaba marcada por su batalla anterior contra la malaria , fuera hospitalizado en el invierno de 1945, Erle lo visitó y los dos rápidamente comenzaron una relación. Se casaron el 22 de marzo de 1945. Durante su matrimonio, los Jolson adoptaron dos hijos, Asa Jr. (nacido en 1948) y Alicia (nacida en 1949), [18] y permanecieron casados hasta su muerte en 1950. [90]
Después de un año y medio de matrimonio, su nueva esposa nunca lo había visto actuar frente a una audiencia, y la primera ocasión no fue planeada. Según cuenta el actor y comediante Alan King , ocurrió durante una cena del New York Friars' Club en el Waldorf Astoria en 1946 para honrar la carrera de Sophie Tucker . Jolson y su esposa estaban entre el público junto con otras mil personas, y George Jessel era el maestro de ceremonias.
Sin previo aviso, durante la mitad del espectáculo, Jessel dijo: "Damas y caballeros, esta es la presentación más fácil que he tenido que hacer jamás. El mejor artista del mundo, Al Jolson". King recuerda lo que pasó después:
El lugar se está volviendo loco. Jolson se levanta, hace una reverencia, se sienta... la gente empieza a golpear con los pies, y él se levanta, hace otra reverencia y se sienta de nuevo. Es un caos y, poco a poco, parece ceder. Sube al escenario... hay niños con Sophie y se ríen un poco, pero la gente grita: '¡Canta! ¡Cantar! ¡Canta!'... Luego dice: 'Me gustaría presentarte a mi novia', y esta hermosa joven se levanta y hace una reverencia. Al público no le importa la novia, ni siquiera le importa Sophie Tucker. '¡Cantar! ¡Cantar! ¡Cantar!' Están gritando de nuevo.
"Mi esposa nunca me ha visto actuar", dice Jolson, y mira hacia Lester Lanin , el director de la orquesta: "Maestro, ¿es cierto lo que dicen de Dixie?" [91]
Jolson era un republicano que apoyó a Warren G. Harding en 1920 y a Calvin Coolidge en 1924 para la presidencia. Como "una de las estrellas más importantes de su tiempo, [él] hizo su magia cantando Harding, You're the Man for Us para cautivar al público... [y] posteriormente se le pidió que actuara Keep Cool con Coolidge cuatro años después... ... Jolson, al igual que los hombres que dirigían los estudios, era uno de los raros republicanos del mundo del espectáculo". [92] Jolson hizo campaña públicamente por el demócrata Franklin Delano Roosevelt en 1932. [93] En las siguientes elecciones presidenciales (1936), volvió a apoyar al republicano Alf Landon y no apoyaría a otro demócrata para presidente durante su vida. [1] [94]
Pocos meses después de su muerte, el Secretario de Defensa, George Marshall, entregó la Medalla al Mérito a Jolson, "con quien este país tiene una deuda que no puede pagar". La medalla, que llevaba una mención que señalaba que la "contribución de Jolson a la acción de la ONU en Corea se hizo a expensas de su vida", fue entregada al hijo de Jolson ante la mirada de la viuda de Jolson. [47]
Jolson tiene tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por sus contribuciones a la radio, el cine y la industria discográfica.
En 2000, se le dedicó una Golden Palm Star en el Paseo de las Estrellas de Palm Springs, California . [95] Jolson también es miembro del Salón de la Fama del Teatro Americano . [96]
El Servicio Postal de EE. UU. lo honró emitiendo un sello de 29 centavos que fue presentado por Erle Jolson Krasna, la cuarta esposa de Jolson, en una ceremonia en el Lincoln Center el 1 de septiembre de 1994. Este sello fue uno de una serie en honor a cantantes estadounidenses populares, que incluidos Bing Crosby, Nat King Cole, Ethel Merman y Ethel Waters. En 2006, Jolson puso una calle en Nueva York que lleva su nombre con la ayuda de la Sociedad Al Jolson. [97]
En octubre de 2008, el documental Al Jolson and The Jazz Singer , dirigido por el cineasta alemán Andrea Oberheiden, se estrenó en la 50ª Lübeck Nordic Film Days , Lübeck, Alemania, y ganó el primer premio en un concurso cinematográfico anual en Kiel unas semanas después. [98] En noviembre de 2007, un corto documental del mismo director, A Look at Al Jolson , resultó ganador en el mismo festival. [99]
Según los historiadores de la música Bruce Crowther y Mike Pinfold: "Durante su época, fue el artista más conocido y popular que Estados Unidos (y probablemente el mundo) haya conocido jamás, cautivando al público en el teatro y convirtiéndose en una atracción en discos, radio y televisión. , y en películas. Abrió los oídos del público blanco a la existencia de formas musicales ajenas a su comprensión y experiencia previas... y ayudó a preparar el camino para otras que aportarían un toque más realista y comprensivo a las tradiciones musicales negras". [100] El compositor negro Noble Sissle , en la década de 1930, dijo que "siempre fue el campeón del compositor e intérprete negro, y fue el primero en incluir negros en sus espectáculos". De las canciones de "Mammy" de Jolson, añade, "con lágrimas reales corriendo por su rostro ennegrecido, inmortalizó la maternidad negra de Estados Unidos como ningún individuo podría hacerlo". [101]
Sin embargo, el estilo característico de Jolson, ruidoso y apasionado, pronto fue eclipsado por el estilo más frío e íntimo de los crooners , cantantes como Bing Crosby y Frank Sinatra, que dominaron las listas de éxitos pop en las décadas de 1930, 1940 y 1950. Si bien Jolson podía cantar y lo hacía, su estilo básico se formó en la época en que un cantante necesitaba proyectarse hacia la parte trasera de un teatro con su propio poder físico; Los cantantes posteriores que se desarrollaron en la era de los micrófonos se liberaron de esta limitación. [102] [103]
Las personas y lugares que han sido influenciados por Jolson incluyen:
Mi padre... nos llevó a ver una de las primeras películas sonoras, The Singing Fool , en la que Al Jolson cantaba "Sonny Boy". En cierto modo, se podría decir que Jolson fue mi primera influencia como cantante. Me emocioné tanto con lo que vi que pasé horas escuchando a Jolson y Eddie Cantor en la radio. De hecho, realicé mi primera actuación pública poco después de ver esa película... para imitar a Jolson... Salté a la sala y anuncié a los adultos, que me miraban asombrados: "¡Yo, Sonny Boy!" Toda la familia estalló en carcajadas. [104]
Jolson a menudo actuaba con maquillaje de cara negra . [121] Actuar con maquillaje de cara negra era una convención teatral de muchos artistas a principios del siglo XX, teniendo su origen en el espectáculo de juglar . [122] Según el historiador de cine Eric Lott :
"Para el juglar blanco adoptar las formas culturales de la 'negritud' era involucrarse en un complejo asunto de mimetismo varonil... Usar o incluso disfrutar de la cara negra era literalmente, por un tiempo, volverse negro, heredar la La frialdad, la virilidad, la humildad, el abandono o la gaité de coeur eran los componentes principales de las ideologías blancas de la virilidad negra". [123]
Sin embargo, en una visión retrospectiva de una época posterior, algunas interpretaciones han llegado a considerar el uso de la cara negra como racismo implícito. [12] [124] [125] El crítico musical Ted Gioia , al comentar sobre el uso de la cara negra por parte de Jolson, escribió:
"Blackface evoca recuerdos del lado más desagradable de las relaciones raciales y de una época en la que los artistas blancos usaban el maquillaje para ridiculizar a los estadounidenses negros mientras tomaban prestado descaradamente de las ricas tradiciones musicales negras a las que rara vez se les permitía expresarse directamente en la sociedad en general. Esto es pesado. equipaje para Al Jolson [12]
Los historiadores han descrito el rostro negro y el estilo de canto de Jolson como metáforas del sufrimiento judío y negro a lo largo de la historia. La primera película de Jolson, The Jazz Singer , por ejemplo, es descrita por el historiador Michael Alexander como una expresión de la música litúrgica de los judíos con la "música imaginada de los afroamericanos", señalando que "la oración y el jazz se convierten en metáforas de los judíos y los negros". [126] El dramaturgo Samson Raphaelson , después de ver a Jolson realizar su espectáculo Robinson Crusoe , declaró que "tuvo una epifanía: 'Dios mío, este no es un cantante de jazz', dijo. '¡Este es un cantor !'" La imagen del cantor con el rostro negro permaneció en la mente de Raphaelson cuando concibió la historia que condujo a The Jazz Singer . [127]
Tras el estreno de la película, el primer largometraje sonoro, los críticos vieron el simbolismo y las metáforas retratadas por Jolson en su papel de hijo de un cantor que deseaba convertirse en "cantante de jazz":
¿Hay alguna incongruencia en este niño judío con la cara pintada como un negro del sur cantando en dialecto negro? No no hay. De hecho, detecté una y otra vez la tonalidad menor de la música judía, el gemido del Jazán , el grito de angustia de un pueblo que había sufrido. El hijo de una línea de rabinos sabe muy bien cómo cantar las canciones de las personas más cruelmente agraviadas en la historia del mundo. [127]
Según Alexander, los judíos de Europa del Este estaban excepcionalmente calificados para entender la música, y señaló cómo el propio Jolson hizo la comparación del sufrimiento judío y afroamericano en una nueva tierra en su película Big Boy : en una interpretación con el rostro negro de un ex esclavo, lidera un grupo de esclavos recién liberados, interpretados por actores negros, en versos del clásico espiritual de esclavos " Go Down Moses ". Un crítico de la película expresó cómo la cara negra de Jolson añadió importancia a su papel:
Cuando uno escucha las canciones de jazz de Jolson, se da cuenta de que el jazz es la nueva oración de las masas estadounidenses y que Al Jolson es su cantor. El maquillaje negro con el que expresa su miseria es el talis [chal de oración] apropiado para un líder comunitario así. [126]
Muchos miembros de la comunidad negra dieron la bienvenida a The Jazz Singer y lo vieron como un vehículo para acceder al escenario. El público del Teatro Lafayette de Harlem lloró durante la película, y el periódico de Harlem, Amsterdam News , la calificó como "una de las mejores películas jamás producidas". Para Jolson, escribió: "Todos los artistas de color están orgullosos de él". [128]
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El legado de Jolson como el intérprete más popular de rutinas de cara negra se complementó con sus relaciones con los afroamericanos y su apreciación y uso de las tendencias culturales afroamericanas. [12] Jolson escuchó por primera vez jazz, blues y ragtime en los callejones de Nueva Orleans. Le gustaba cantar jazz, a menudo actuando con la cara negra, especialmente en las canciones que hizo populares como " Swanee ", " My Mammy " y " Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody ".
Como inmigrante judío y el artista más famoso y mejor pagado de Estados Unidos, es posible que haya tenido el incentivo y los recursos para ayudar a mejorar las actitudes raciales. Mientras El nacimiento de una nación glorificaba la supremacía blanca y el KKK, Jolson eligió protagonizar The Jazz Singer , que desafió la intolerancia racial al presentar músicos negros a audiencias de todo el mundo. [1]
Mientras crecía, Jolson tuvo muchos amigos negros, incluido Bill "Bojangles" Robinson , quien se convirtió en un destacado bailarín de claqué . [22] Ya en 1911, a la edad de 25 años, Jolson se destacó por luchar contra la discriminación en Broadway y más tarde en sus películas. [129] En 1924, promovió la obra Appearances by Garland Anderson [130] que se convirtió en la primera producción con un elenco totalmente negro producida en Broadway. Trajo un equipo de baile negro de San Francisco que intentó montar en un espectáculo de Broadway. [129] Exigió igualdad de trato para Cab Calloway, con quien realizó duetos en la película The Singing Kid . [129]
Jolson leyó en el periódico que a los compositores Eubie Blake y Noble Sissle , de quienes nunca había oído hablar, se les negó el servicio en un restaurante de Connecticut debido a su raza. Los localizó y los llevó a cenar, "¡insistiendo en que le daría un puñetazo en la nariz a cualquiera que intentara echarnos!". [12] Según el biógrafo Al Rose, Jolson y Blake se hicieron amigos y fueron juntos a combates de boxeo. [131]
El historiador de cine Charles Musser señala: "La aceptación de Jolson por parte de los afroamericanos no fue una reacción espontánea a su aparición en las películas sonoras. En una época en la que los afroamericanos no tenían que buscar enemigos, Jolson era percibido como un amigo". [132]
Jeni LeGon , una bailarina de claqué negra , [133] recuerda su vida como bailarina de cine: "Pero, por supuesto, en aquellos tiempos era un 'mundo en blanco y negro'. No te asociaste demasiado socialmente con ninguna de las estrellas. Los viste en el estudio, ya sabes, agradable, pero no invitaron. Los únicos que alguna vez nos invitaron a visitarnos fueron Al Jolson y Ruby Keeler. ". [134]
El actor británico Brian Conley , ex estrella de la obra británica de 1995 Jolson , declaró durante una entrevista: "Descubrí que Jolson era en realidad un héroe para el pueblo negro de Estados Unidos. En su funeral, actores negros se alinearon en el camino, realmente apreciaron lo que él hizo. había hecho por ellos." [135]
Noble Sissle , que para entonces era presidente del Sindicato de Actores Negros , representó a esa organización en su funeral. [136]
La expresividad física de Jolson también afectó los estilos musicales de algunos artistas negros. El historiador de la música Bob Gulla escribe que "la influencia más crítica en la joven vida de Jackie Wilson fue Al Jolson". Señala que las ideas de Wilson sobre lo que un artista de teatro podría hacer para mantener su acto como una "actuación emocionante" y "emocionante" fueron moldeadas por los actos de Jolson, "llenos de retorcimiento salvaje y teatralidad excesiva". Wilson consideró que Jolson "debería ser considerado el [antepasado] estilístico del rock and roll". [137]
Según la Enciclopedia de Cultura Popular St. James : "Casi sin ayuda de nadie, Jolson ayudó a introducir innovaciones musicales afroamericanas como el jazz, el ragtime y el blues al público blanco... [y] allanó el camino para la cultura popular afroamericana. artistas como Louis Armstrong , Duke Ellington , Fats Waller y Ethel Waters ... para cerrar la brecha cultural entre los Estados Unidos blancos y negros". [1]
Amiri Baraka escribió: "la entrada del hombre blanco en el jazz... al menos lo acercó mucho más al negro ". Señala que "la aceptación del jazz por parte de los blancos marca un momento crucial en el que un aspecto de la cultura negra se había convertido en una parte esencial de la cultura estadounidense". [138]
Estos conceptos "fijaron una tradición escénica del negro como una especie de ser irresponsable, risueño, que toca el banjo, canta y baila". Estas impresiones continuaron a través de las travesuras de actores como Al Jolson, Eddie Cantor y los conceptos de cara negra de Amos y Andy.
