El Salón de los Rechazados , en francés «exposición de los rechazados» ( pronunciación francesa: [salɔ̃ de ʁəfyze] ), es generalmente conocido como una exposición de obras rechazadas por el jurado del Salón oficial de París , pero el término se utiliza más famosamente para referirse al Salón de los Rechazados de 1863. [1] [2]
Hoy en día, por extensión, el término salón de los rechazados se refiere a cualquier exposición de obras rechazadas en una muestra de arte con jurado.
El Salón de París , patrocinado por el gobierno francés y la Academia de Bellas Artes , se celebraba anualmente y era una exposición del mejor arte académico. Una medalla del Salón era garantía de una carrera artística exitosa; los ganadores recibían encargos oficiales del gobierno francés y eran buscados para retratos y encargos privados. Desde el siglo XVIII, las pinturas se clasificaban por género, siguiendo una jerarquía: las pinturas de historia ocupaban el primer lugar, seguidas del retrato, el paisaje, la " escena de género " y la naturaleza muerta. El jurado, encabezado por el conde de Nieuwerkerke, director de la Academia de Bellas Artes, era muy conservador; se esperaba un realismo casi fotográfico pero idealizado. [3]
Muchas intrigas se produjeron para conseguir la aceptación y un buen lugar en las galerías. En 1851, Gustave Courbet logró que una pintura entrara en el Salón, Enterrement à Ornans , y en 1852 se aceptaron sus Baigneuses , lo que escandalizó a los críticos y al público, que esperaban desnudos romantizados en entornos clásicos, pero en 1855 el Salón rechazó todas las pinturas de Courbet. Ya en la década de 1830, las galerías de arte de París organizaron pequeñas exposiciones privadas de obras rechazadas por los jurados del Salón. Courbet se vio obligado a organizar su propia exposición, llamada El pabellón del realismo , en una galería privada. Las exposiciones privadas atrajeron mucha menos atención de la prensa y los mecenas, y limitaron el acceso de los artistas a un público reducido.
En 1863, el jurado del Salón rechazó dos tercios de los cuadros presentados, entre ellos las obras de Gustave Courbet , Édouard Manet , Camille Pissarro , Antoine Chintreuil y Johan Jongkind . Los artistas rechazados y sus amigos protestaron, y las protestas llegaron hasta el emperador Napoleón III . Los gustos del emperador en materia de arte eran tradicionales; encargó y compró obras de artistas como Alexandre Cabanel y Franz Xaver Winterhalter , pero también era sensible a la opinión pública. Su oficina emitió un comunicado: «Han llegado al Emperador numerosas quejas sobre las obras de arte que fueron rechazadas por el jurado de la Exposición. Su Majestad, queriendo dejar que el público juzgue la legitimidad de estas quejas, ha decidido que las obras de arte que fueron rechazadas se expongan en otra parte del Palacio de la Industria». [4]
Más de mil visitantes al día visitaban el Salon des Refusés. El periodista Émile Zola informó que los visitantes se empujaban para entrar en las abarrotadas galerías donde colgaban las pinturas rechazadas, y las salas estaban llenas de las risas de los espectadores. [5] Los críticos y el público ridiculizaron a los refusés , que incluían pinturas tan famosas como Déjeuner sur l'herbe de Édouard Manet y Symphony in White, No. 1: The White Girl de James McNeill Whistler . La atención crítica también legitimó la vanguardia emergente en la pintura. Los impresionistas exhibieron sus obras fuera del Salón tradicional a partir de 1874. Los Salones des Refusés posteriores se organizaron en París en 1874, 1875 y 1886, momento en el que la popularidad del Salón de París había declinado para aquellos que estaban más interesados en el impresionismo.
Rechazado por el jurado del Salón de 1863, Manet aprovechó la oportunidad para exponer Déjeuner sur l'herbe y otras dos pinturas en el Salón de los Rechazados de 1863. [6] Déjeuner sur l'herbe representa la yuxtaposición de un desnudo femenino y una bañista escasamente vestida en el fondo, en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural. La pintura despertó notoriedad pública y suscitó controversia y ha seguido siendo controvertida, incluso hoy en día. Hay una discusión sobre ella, desde este punto de vista, en En busca del tiempo perdido de Proust .
Una interpretación de la obra es que representa la prostitución desenfrenada en el Bois de Boulogne , un gran parque en las afueras occidentales de París, en esa época. Esta prostitución era de conocimiento público en París, pero se consideraba un tema tabú no apropiado para una pintura. [7]
Émile Zola comenta sobre Déjeuner sur l'herbe :
El Almuerzo sobre la hierba es la obra más grande de Édouard Manet, en la que realiza el sueño de todos los pintores: colocar figuras de grandeza natural en un paisaje. Conocemos la fuerza con la que venció esta dificultad. Hay hojas, troncos de árboles y, al fondo, un río en el que se baña una mujer en camisón; en primer plano, dos jóvenes están sentados frente a una segunda mujer que acaba de salir del agua y se seca la piel desnuda al aire libre. Esta mujer desnuda ha escandalizado al público, que sólo la ve a ella en el lienzo. ¡Dios mío! ¡Qué indecencia: una mujer sin la menor cobertura entre dos hombres vestidos! Eso nunca se ha visto. Y esta creencia es un grave error, porque en el Louvre hay más de cincuenta cuadros en los que se encuentran mezclas de personas vestidas y desnudas. Pero nadie va al Louvre para escandalizarse. El público se ha abstenido, además, de juzgar El Almuerzo sobre la hierba como debe juzgarse una verdadera obra de arte; En el cuadro sólo ven a unas personas que están haciendo un picnic, terminando de bañarse, y creen que el artista ha puesto una intención obscena en la disposición del tema, mientras que el artista simplemente ha buscado obtener oposiciones vibrantes y un público directo. Los pintores, especialmente Édouard Manet, que es un pintor analítico, no tienen esa preocupación por el tema que atormenta sobre todo a la multitud; el tema, para ellos, es sólo un pretexto para pintar, mientras que para la multitud, sólo existe el tema. Así, seguramente, la mujer desnuda de El almuerzo sobre la hierba sólo está allí para proporcionar al artista la ocasión de pintar un poco de carne. Lo que debe verse en el cuadro no es un almuerzo sobre la hierba; es el paisaje entero, con sus vigores y sus finuras, con sus primeros planos tan grandes, tan sólidos, y sus fondos de una ligera delicadeza; Es esta carne firme y modelada bajo grandes manchas de luz, estos tejidos flexibles y fuertes, y sobre todo esta deliciosa silueta de mujer en camisa que forma, en el fondo, un adorable moteado blanco en medio de hojas verdes. Es, en definitiva, este vasto conjunto, lleno de atmósfera, este rincón de naturaleza representado con una sencillez tan justa, toda esta página admirable en la que un artista ha colocado todos los elementos particulares y raros que hay en él. [8]
Émile Zola incorporó un relato novelado del escándalo de 1863 en su novela L'Œuvre (La obra maestra) (1886).
En 1861, después de regresar a París por un tiempo, James Abbott McNeill Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.º 1: La muchacha blanca . Este retrato de su amante y gerente comercial Joanna Hiffernan fue creado como un simple estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron de manera diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo relacionaron con La mujer de blanco de Wilkie Collins , una novela popular de la época, o varias otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraron una pintura al estilo prerrafaelita . [9] En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y está de pie sobre una alfombra de piel de lobo (interpretada por algunos como representación de la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador.
Contrarrestando las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que personificaba su teoría de que el arte debería ocuparse esencialmente de la disposición de los colores en armonía, no de una representación literal del mundo natural. [10]
Whistler comenzó a trabajar en La muchacha blanca poco después del 3 de diciembre de 1861, con la intención de presentarla a la prestigiosa exposición anual de la Royal Academy . A pesar de los episodios de enfermedad, terminó la pintura en abril. [11] La pintura blanca que Whistler usó contenía plomo, y su trabajo en el lienzo de siete pies de alto le había dado al artista una dosis de envenenamiento por plomo. [12] El retrato fue rechazado para su exhibición en la conservadora Royal Academy de Londres. Whistler luego presentó la pintura al Salón de París de 1863, donde también fue rechazada. El público pudo ver la pintura exhibida con otras obras rechazadas, en el Salon des Refusés. El Salon des Refusés fue un evento sancionado por el emperador Napoleón III , para apaciguar a la gran cantidad de artistas que unieron fuerzas para protestar por las duras decisiones del jurado en 1863. [12] De las más de 5000 pinturas presentadas en 1863, 2217 fueron rechazadas.
En una carta a George du Maurier a principios de 1862, Whistler escribió sobre la pintura:
... una mujer con un hermoso vestido de batista blanca, de pie frente a una ventana que filtra la luz a través de una cortina de muselina blanca transparente, pero la figura recibe una fuerte luz desde la derecha y, por lo tanto, la imagen, salvo el cabello rojo, es una magnífica masa de blanco brillante. [13]
Whistler presentó la pintura a la Academia, pero según Joanna Hiffernan, esperaba que fuera rechazada. [11] El año anterior, en 1861, otra pintura había causado un pequeño escándalo. La fierecilla domada de Edwin Henry Landseer mostraba un caballo con una mujer descansando en el suelo cerca. La modelo fue nombrada como Ann Gilbert, [14] una destacada amazona de la época, [15] sin embargo, pronto se rumoreó que en realidad era Catherine Walters , la notoria cortesana londinense . [16] La pintura de Whistler recordaba lo suficiente a la de Landseer como para que los jueces se mostraran cautelosos a la hora de admitirla. [17] White Girl fue presentada a la Academia junto con tres grabados, los tres de los cuales fueron aceptados, mientras que la pintura no. [18] Whistler la exhibió en la pequeña Berners Street Gallery de Londres. [13] Al año siguiente, Whistler intentó que la pintura se exhibiera en el Salón de París (la exposición de arte oficial de la Académie des Beaux-Arts ), pero también fue rechazada allí. [19] En cambio, fue aceptada en el alternativo Salon des Refusés (la "exposición de los rechazados") que se inauguró el 15 de mayo, dos semanas después del Salón oficial . [20]
Aunque la pintura de Whistler fue ampliamente conocida, fue eclipsada por la pintura más impactante de Manet Le déjeuner sur l'herbe . [19] La controversia en torno a las pinturas fue descrita en la novela L'Œuvre (1886) de Émile Zola . [11] Sin embargo, la recepción que recibió la pintura de Whistler fue mayoritariamente favorable y lo reivindicó en gran medida después del rechazo que había experimentado tanto en Londres como en París. [21] La pintura fue muy admirada por sus colegas y amigos Manet, el pintor Gustave Courbet y el poeta Charles Baudelaire . El crítico de arte Théophile Thoré-Bürger la vio en la tradición de Goya y Velázquez . Sin embargo, hubo quienes fueron menos favorables; ciertos críticos franceses vieron la tendencia prerrafaelita inglesa como algo excéntrica. [22]
El historiador del arte Albert Boime escribió: "El Salón de los Rechazados introdujo el concepto democrático de un sistema multiestilo (muy parecido a un sistema multipartidista) sujeto a la revisión del jurado general del público". [2]