Nancy Graves (23 de diciembre de 1939 - 21 de octubre de 1995) fue una escultora, pintora, grabadora y, en ocasiones, cineasta estadounidense conocida por su enfoque en fenómenos naturales como camellos o mapas de la Luna. Sus obras están incluidas en muchas colecciones públicas, incluidas las de la Galería Nacional de Arte ( Washington, DC ), el Museo de Arte de Brooklyn , el Museo de Arte Americano Smithsonian , la Galería Nacional de Australia ( Canberra ), el Centro de Arte de Des Moines , Walker Art Center ( Mineápolis ), [1] y el Museo de Bellas Artes (San Petersburgo, FL) . [2] Cuando Graves tenía solo 29 años, le ofrecieron una exposición individual en el Museo Whitney de Arte Americano . En ese momento era la artista más joven y la quinta mujer en lograr este honor. [3]
Graves nació en Pittsfield, Massachusetts . Su interés por el arte, la naturaleza y la antropología fue fomentado por su padre, contador del Museo de Berkshire . Después de graduarse de Vassar College en Literatura Inglesa, Graves asistió a la Universidad de Yale , donde obtuvo su licenciatura y maestría. Entre los ex alumnos de Arte y Arquitectura de Yale de la década de 1960 se encuentran los pintores, fotógrafos y escultores Brice Marden , Richard Serra , Chuck Close , Janet Fish , Gary Hudson, Rackstraw Downes y Sylvia y Robert Mangold . [4]
Después de graduarse en 1964, recibió una beca Fulbright y estudió pintura en París . Continuando con sus viajes internacionales, se trasladó luego a Florencia . Durante el resto de su vida también viajaría a Marruecos, Alemania, Canadá, India, Nepal, Cachemira, Egipto, Perú, China, Australia. [5] Estuvo casada con Richard Serra de 1965 a 1970. [6]
Graves, una artista prolífica que trabajó en pintura, escultura, grabado y cine, hizo sentir su presencia por primera vez en la escena artística de Nueva York a finales de los años 1960 y 1970, con esculturas de camellos de tamaño natural que parecían tan precisas como una exhibición de historia natural. Artistas de ideas afines incluyeron a Eva Hesse , Close, Bruce Nauman , Keith Sonnier y Serra, con quien Graves estuvo casado de 1965 a 1970. [7] Su trabajo tiene fuertes vínculos con los establos de Alexander Calder y con las esculturas de David. Smith , con sus piezas soldadas y objetos encontrados; Coleccionó obras de ambos artistas. [5]
Su escultura más famosa, Camels , se exhibió por primera vez en el Museo Whitney de Arte Americano . La escultura presenta tres camellos separados, cada uno hecho de muchos materiales, entre ellos arpillera, cera, fibra de vidrio y piel de animal. Cada camello también está pintado con acrílicos y óleos para que parezca realista. Los camellos ahora están almacenados en la Galería Nacional de Canadá , y dos "hermanos" posteriores residen en el Ludwig Forum für Internationale Kunst en Aquisgrán , Alemania. Trabajando con fibra de vidrio , látex , polvo de mármol y otros materiales poco ortodoxos, Graves pasó más tarde a esqueletos y huesos de camellos, que dispersó por el suelo o colgó del techo. [7] En Variabilidad de formas similares (1970), a partir de dibujos que Graves hizo de esqueletos de camellos del Pleistoceno, esculpió 36 huesos de piernas individuales en varias posiciones, cada uno casi de la altura de un hombre, y los dispuso en posición vertical en un patrón irregular sobre un base de madera. [5] A principios de la década de 1970, hizo cinco películas. Dos de ellos, Goulimine, 1970 e Izy Boukir, registraron el movimiento de los camellos en Marruecos, reflejando la influencia de la fotografía de estudio del movimiento de Eadweard Muybridge . [5] En 1976, el coleccionista de arte alemán Peter Ludwig encargó una variación en cera de una escultura de huesos de camello de 1969.
Graves comenzó a mostrar esculturas policromadas de forma abierta en 1980, siendo un excelente ejemplo Trace, un árbol muy grande cuyo tronco estaba hecho de cintas de bronce con follaje de malla de acero. [8] También a principios de la década de 1980, comenzó a producir las obras por las que se hizo más conocida: los ensamblajes alegremente disyuntivos y pintados de colores de objetos encontrados fundidos en bronce, incluidas plantas, piezas mecánicas, herramientas, elementos arquitectónicos y productos alimenticios. y mucho más. [4]
Graves también creó un cuerpo distintivo de paisajes aéreos , en su mayoría basados en mapas de la Luna y fuentes similares. A continuación se muestra un enlace a un ejemplo ( VI Maskeyne Da Región de la Luna ). La autora Margret Dreikausen (1985) escribe extensamente sobre las obras aéreas de Graves como parte de una discusión más amplia sobre la vista aérea y su importancia en el arte moderno y contemporáneo.
Graves también comenzó a utilizar la técnica de la cera perdida en sus trabajos posteriores. Fundiría objetos delicados en bronce. Luego úsalos para crear arreglos. Su combinación de colores cambió con el tiempo a colores brillantes en la década de 1980 y luego cambió a colores más "sutiles" en la década de 1990. [9]
Algunas de las otras obras de Graves incluyen:
Al final de su vida, Graves incorporaba vidrio soplado a mano en sus esculturas y experimentaba con poliópticos, un material similar al vidrio que se puede fundir. [7]
Graves trabajó y vivió en Soho y en Beacon, Nueva York , donde mantuvo un estudio. [5]
Graves, cuya primera exposición en Nueva York fue en la Graham Gallery en 1968, ha estado representada por M. Knoedler & Company desde 1980. Expuso extensamente en galerías de Estados Unidos y Europa y está representada en museos de todo el mundo. Una completa retrospectiva del museo, organizada por el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , viajó posteriormente al Museo de Brooklyn en 1987. [7] Cuando el restaurado Rainbow Room reabrió sus puertas en el Rockefeller Center de Manhattan en 1987, se instaló una escultura de Graves en la entrada. [5] En 2019 se llevó a cabo una exposición individual, "Nancy Graves: Mapping" en Mitchell-Innes & Nash. [17] Mitchell-Innes & Nash ha representado el patrimonio de Nancy Graves desde 2014. [18] [19] La exposición Iba acompañado de un catálogo totalmente ilustrado con un ensayo de Robert Storr . [20]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de mujeres artistas notables colocadas en collage sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La cabeza de Juan Bautista fue reemplazada por Nancy Graves y la de Cristo por Georgia O'Keeffe . Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [21] [22]
Nancy Graves realizó sus últimos trabajos en abril de 1995 en Walla Walla Foundry con Saff Tech Arts en el estado de Washington . [15] En mayo, menos de un mes después, le diagnosticaron cáncer de ovario y murió en octubre siguiente, a los 55 años. [23]
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