El movimiento artístico feminista se refiere a los esfuerzos y logros de las feministas a nivel internacional para producir arte que refleje las vidas y experiencias de las mujeres , así como para cambiar las bases de la producción y percepción del arte contemporáneo. También busca dar más visibilidad a las mujeres dentro de la historia y la práctica del arte. El movimiento desafía la jerarquía tradicional de las artes sobre las artesanías, que considera que la escultura y la pintura duras son superiores al " trabajo femenino " estrechamente percibido de artes y oficios como el tejido , la costura , el acolchado y la cerámica . [1] Las mujeres artistas han revertido la visión tradicional, por ejemplo, utilizando materiales no convencionales en esculturas blandas , nuevas técnicas como rellenar, colgar y cubrir, y para nuevos propósitos, como contar historias de sus propias experiencias de vida. [1] Los objetivos del movimiento artístico feminista son, por tanto, deconstruir las jerarquías tradicionales, representar a las mujeres de forma más justa y dar más significado al arte. Ayuda a construir un papel para aquellos que desean desafiar la narrativa dominante (y a menudo masculina) del mundo del arte. [2] Correspondiente a los desarrollos generales dentro del feminismo , y a menudo incluyendo tácticas de autoorganización como el grupo de concientización, el movimiento comenzó en la década de 1960 y floreció a lo largo de la década de 1970 como una consecuencia de la llamada segunda ola de feminismo . Se le ha llamado "el movimiento internacional más influyente de todos los tiempos durante el período de posguerra". [3]
La década de 1960 fue un período en el que las mujeres artistas querían obtener los mismos derechos que los hombres dentro del mundo del arte establecido y crear arte feminista , a menudo de manera no tradicional, para ayudar a "cambiar el mundo". [4] Este movimiento en realidad se inició en Estados Unidos y Gran Bretaña a finales de la década de 1960 y a menudo se lo conoce como feminismo de "segunda ola". Y en las décadas de 1960 y 1970, muchos artistas comenzaron a practicar un arte que mostraba su propia realidad en sus obras. Los artistas de la época se dieron cuenta de que estaba mal que los historiadores del arte y los museos prestaran más atención a los artistas masculinos y sólo a sus pinturas, y que las mujeres deberían integrar aún más temas como el trato social de las mujeres y la frecuente discriminación contra las mujeres en sus trabajos. sus obras.
Louise Bourgeois (1911-2010) y la germano-estadounidense Eva Hesse (1936-1970) fueron algunas de las primeras artistas feministas. [4]
El 20 de julio de 1964, Yoko Ono , una artista, cantante y activista de vanguardia de Fluxus , presentó Cut Piece en la Sala de Conciertos Yamaichi de Kioto, Japón, donde permaneció sentada y quieta mientras le cortaban partes de su ropa, lo que significaba Protesta contra la violencia contra las mujeres. Lo interpretó nuevamente en el Carnegie Hall en 1965. [5] Su hijo, Sean, participó en la actuación del artista el 15 de septiembre de 2013 en el Théâtre le Ranelagh de París. Jonathan Jones , de The Guardian , la consideró "una de las 10 obras de arte escénicas más impactantes de la historia". [6]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de mujeres artistas notables colocadas en collage sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. Benglis fue una de esas mujeres artistas notables. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica del arte y la religión en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista". [7] [8]
Mujeres artistas, motivadas por la teoría feminista y el movimiento feminista , iniciaron el movimiento artístico feminista en la década de 1970. El arte feminista representó un alejamiento del modernismo , donde el arte realizado por mujeres se ubicaba en una clase diferente a las obras realizadas por hombres. El movimiento cultivó una nueva conciencia feminista, una "libertad para responder a la vida... [sin obstáculos] por parte de la corriente principal masculina tradicional". [9] O, como lo expresaron Griselda Pollock y Rozsika Parker , una separación del arte con "A" mayúscula del arte realizado por mujeres produjo un "estereotipo femenino". [10] The Dinner Party de Chicago , una instalación de arte que representa simbólicamente la historia de las mujeres , es ampliamente considerada la primera obra de arte feminista épica que fue muy significativa en el arte feminista. [11] Hay 39 cubiertos elaborados en una mesa triangular para 39 mujeres famosas míticas e históricas. Y cada cubierto incluye un plato de porcelana pintado a mano, cubiertos y cáliz de cerámica y una servilleta con un borde dorado bordado. Y el objetivo de la obra de arte era "poner fin al ciclo actual de omisión en el que las mujeres fueron eliminadas del registro histórico". [12] Además, Chicago dijo que estaba "muerta de miedo por lo que yo había desatado", sin embargo, también estaba "había visto a muchas mujeres jóvenes venir conmigo durante la escuela de posgrado solo para desaparecer, y quería Haz algo al respecto." [13]
Esta demanda de igualdad en la representación fue codificada en la Declaración de Demandas de la Coalición de Trabajadores del Arte (AWC), que fue desarrollada en 1969 y publicada en forma definitiva en marzo de 1970. La AWC se creó para defender los derechos de los artistas y la fuerza. museos y galerías para reformar sus prácticas. Si bien la coalición surgió como un movimiento de protesta después de que el escultor cinético griego Panagiotis "Takis" Vassilakis retirara físicamente su obra Tele-Escultura (1960) de una exposición de 1969 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, rápidamente emitió una amplia lista de demandas a los "museos de arte en general". [ cita necesaria ]
Además de los llamados a la entrada gratuita, una mejor representación de las minorías étnicas, aperturas tardías y un acuerdo de que las galerías no exhibirían una obra de arte sin el consentimiento del artista, el AWC también exigió que los museos "alienten a las artistas mujeres a superar siglos de daño causado a la imagen del mujer como artista estableciendo una representación igualitaria de los sexos en exposiciones, compras de museos y en los comités de selección". [14]
El movimiento artístico feminista de las décadas de 1980 y 1990 se basó en los cimientos establecidos por movimientos artísticos feministas anteriores de las décadas de 1960 y 1970. Las artistas feministas a lo largo de este período tuvieron como objetivo cuestionar y socavar los roles de género establecidos, confrontar problemas de injusticia de género y dar voz a las experiencias de las mujeres en las artes y la sociedad en general. En el movimiento se incluyeron una amplia gama de disciplinas artísticas, como pintura, escultura, performance, fotografía, videoarte e instalaciones.
La representación de las mujeres en el arte fue uno de los principales temas en los que se centraron las artistas feministas de las décadas de 1980 y 1990. Cuestionaron y subvirtieron las representaciones estándar de las mujeres como objetos pasivos o musas, al tiempo que criticaban el canon artístico dominado por los hombres. Muchas artistas feministas investigaron temas de sexualidad, identidad y construcción social de género mientras reclamaban el cuerpo femenino como fuente de poder. Además, el movimiento artístico feminista de los años 1980 y 1990 puso un fuerte énfasis en el examen de las experiencias tanto individuales como grupales. Artistas como Cindy Sherman y Barbara Kruger utilizaron técnicas fotográficas y de collage para explorar temas de identidad, autorrepresentación y formación de roles de género en la cultura popular. Cuestionaron la idea de una identidad femenina rígida y fundamental y enfatizaron cómo el género es performativo.
En detalle para el ejemplo de los artistas, Barbara Kruger, Sherry Levin desde finales de los años 1980. Destacaron Cindy Sherman, Louis Bourgeois, Rosemary Trokel, Kiki Smith, Helen Chedwick y otros. Cindy Sherman causó un impacto visual a través de fotografías que tomó mientras se transformaba en un personaje específico o actuaba ella misma. Sherry Levine reprodujo intencionalmente las obras de los maestros para revelar la ficción de la originalidad y el arte. Kiki Smith instó a la gente a reflexionar sobre la vida de la gente moderna a través del ridículo humano dañado.
La crítica institucional surgió como un componente destacado del movimiento artístico feminista en las décadas de 1980 y 1990. Además de producir sus propias obras, las artistas feministas también observaron y se opusieron a las estructuras patriarcales y las prácticas restrictivas que prevalecen en las instituciones artísticas. Buscaban eliminar los obstáculos que impedían a las mujeres participar plenamente y ser tomadas en serio en la industria del arte. Aquí hay algunos ejemplos de cómo los artistas de esta época se involucraron en la crítica institucional: Guerrilla Girls, que era un colectivo de artistas feministas anónimos, surgió en la década de 1980. La protesta del Museo de Arte Moderno de 1984, en la que los manifestantes criticaron al MoMA por sus prácticas excluyentes y exigieron una mayor representación de las mujeres y los artistas de color, y la exposición "Bad Girls" de 1994, cuyo objetivo era cambiar el arte actualmente dominado por los hombres. mundo y dar cabida a las perspectivas y experiencias de artistas femeninas.
Estas ilustraciones muestran cómo las artistas feministas participaron en la crítica institucional cuestionando las actitudes y prácticas discriminatorias que existen en las instituciones artísticas. Planearon manifestaciones, intervenciones y espectáculos para desafiar el quo actual, exigir una mayor representación de las artistas femeninas y llamar la atención sobre las disparidades raciales y de género en el mundo del arte. Las artistas feministas contribuyeron a la evolución continua del mundo del arte promoviendo la inclusión y brindando oportunidades para las próximas generaciones de artistas femeninas.
En general, el arte femenino en la década de 1980 se desarrolló de manera más diversa; incluso la revista Art News en los EE. UU. publicó elogios por el hecho de que las artistas femeninas ocuparan una posición de liderazgo sin estar subordinadas al arte masculino. Sin embargo, como el flujo general del mundo del arte tiende a regresar a estilos y materiales tradicionales, las feministas también tienen neoexpresionismo. Mostró una tendencia a viajar con un nuevo conceptualismo.
También hay formas feministas de posmodernismo que surgieron en los años 1980. Los movimientos artísticos feministas surgieron en Estados Unidos ; Europa, [15] incluida España; [16] Australia ; Canadá; [17] y América Latina en los años 1970. [18] [19]
Los movimientos artísticos de mujeres se extendieron por todo el mundo en la segunda mitad del siglo XX, incluidos Suecia, Dinamarca, Noruega, Rusia y Japón. [20] [21] Mujeres artistas de Asia, África y particularmente de Europa del Este surgieron en gran número en la escena artística internacional a finales de los años 1980 y 1990 a medida que el arte contemporáneo se hacía popular en todo el mundo. [22] [23] [24]
El movimiento artístico feminista contemporáneo sigue varias direcciones con el desarrollo de la tecnología electrónica y las nuevas formas de entretenimiento en el siglo XXI.
Las principales exposiciones de artistas mujeres contemporáneas incluyen WACK! Art and the Feminist Revolution comisariada por Connie Butler, SF MOMA, 2007, Feminismos globales comisariada por Linda Nochlin y Maura Reilly en el Museo de Brooklyn, 2007, [25] Rebelle , comisariada por Mirjam Westen en MMKA, Arnheim, 2009, Kiss Kiss Bang ¡Estallido! 45 años de arte y feminismo comisariada por Xavier Arakistan en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 2007, [26] Elles en el Centro Pompidou de París (2009-2011), que también realizó una gira por el Museo de Arte de Seattle. [27] han sido cada vez más internacionales en su selección. Este cambio también se refleja en revistas creadas en la década de 1990 como n.paradoxa . [28]
Una de las cosas que más entretenimiento brinda a la gente en la era moderna a medida que avanzan los tiempos son las obras de arte de los medios de comunicación. Por ejemplo, cosas como "música", "drama", "película" y "juego". El desarrollo en la música es particularmente notable. En términos de música Hip-Hop, muchas canciones de hip-hop promueven el arte del feminismo . Tomando a Corea del Sur como ejemplo, muchas cantantes de hip-hop producirán abiertamente canciones de hip-hop sobre el feminismo para hablar de algunas cuestiones de desigualdad de género en la sociedad.[1] Por ejemplo, la rapera coreana BIBI lanzó este año una canción llamada "Animal Farm", que expresa la resistencia de las mujeres a la discriminación de género en una sociedad patriarcal y la cuestión de la coagulación masculina tomando prestado el metraje clásico de " Kill Bill ".
El arte feminista (Movimiento Artístico Feminista) frecuentemente combinaba elementos de numerosos movimientos como el arte conceptual, el arte corporal y el videoarte en obras que transmitían un mensaje sobre la experiencia de las mujeres y la necesidad de igualdad de género. [13]
Durante la década de 1970 y hasta ahora (siglo XXI), el arte del performance y el movimiento artístico feminista interactúan bien entre sí, ya que el aspecto de la "rendimiento" es una forma eficaz para que las mujeres artistas comuniquen un mensaje físico y visceral [13] . La interacción del arte con el espectador a lo largo de la performance tiene un impacto emocional significativo. Además, como los artistas y las obras se combinan en un solo arte y no hay separación, el arte de performance y el arte feminista también son un buen elemento para evaluar las experiencias reales de los artistas. Se esfuerza por cuestionar y criticar el patriarcado, las normas de género y la opresión femenina. Las artistas de performance feministas trabajan para empoderar a las mujeres, llamar la atención sobre la desigualdad de género y provocar cambios sociales y políticos a través de sus cuerpos, voces y otras formas artísticas.
Por ejemplo, Regina José Galindo , es una artista de performance guatemalteca que se especializa en arte corporal . Las obras del cuerpo femenino de Galindo se centran en dos grandes representaciones: primero, la representación del "cuerpo femenino excesivo, carnalizado, grotesco y abyecto"; En segundo lugar, sobre el "cuerpo femenino que ha sido objeto de violencia a nivel público y privado". Galindo utiliza el cuerpo para explorar " la sexualidad femenina , las nociones de belleza femenina, la raza o la violencia doméstica y nacional".
Otro ejemplo es Karen Finley , una actriz que actúa desnuda y sorprende a su público con historias violentas y de abuso sexual. Dentro de la actuación de Finley, ella solía destacarse como "víctimas de violación , abuso infantil , SIDA , violencia doméstica y racismo ". Finely está usando su cuerpo y la desnudez de su actuación corporal para "hablar por otras mujeres que no pueden hablar por sí mismas...". El cuerpo de Finely es un medio para presentarse como un "lugar de opresión". Aunque critica las actuaciones de desnudez de Finely como "pornográficas", Finely cree que el cuerpo de una mujer puede convertirse en un representante de todos los cuerpos de todas las mujeres que sufrieron, han sufrido o sufrirán esa opresión.
"Interior Scroll" de Carolee Schneemann es una famosa actuación de 1975 en la que se paró sobre una mesa, desenrolló suavemente un pergamino escondido dentro de su vagina y lo leyó en voz alta. La obra de arte critica el mundo del arte dominado por los hombres y defiende la recuperación de los cuerpos de las mujeres.
" The Dinner Party " de Judy Chicago Esta enorme instalación fue creada entre 1974 y 1979 y representa una mesa triangular con cubiertos para 39 mujeres famosas de la historia. Los complejos diseños de cada plato, que celebran los logros de las mujeres y crean conciencia sobre la exclusión de las contribuciones femeninas, se asemejan a vulvas.
" Ritmo 0 " de Marina Abramović fue una performance de 1974 en la que invitaba al público a utilizar 72 objetos sobre ella de la forma que quisieran. El poder, la vulnerabilidad y la cosificación de la mujer fueron temas que se trataron a lo largo de la actuación.
"La reencarnación de San Orlan" de Orlan En esta performance continua que data de 1990, a la artista le han alterado el rostro mediante varios procedimientos plásticos para adaptarlo a los ideales de la historia del arte occidental. Orlan examina los problemas de identidad y el nexo entre arte y tecnología cuestionando los estándares de belleza y la mercantilización del cuerpo de las mujeres.
"El Instituto de la Mística Femenina" de Suzanne Lacy El objetivo de esta performance, que tuvo lugar en 1977, era discutir las expectativas que la sociedad tiene para las mujeres. Para cuestionar estas posiciones establecidas, Lacy y sus colaboradores crearon un instituto ficticio que ofrecía servicios como clases de cocina, programas de pérdida de peso y conferencias de autoayuda.
"Las ventajas de ser una mujer artista" de Guerrilla Girls Desde la década de 1980, The Guerrilla Girls, un colectivo anónimo de artistas feministas, ha utilizado el arte escénico para resaltar las disparidades raciales y de género en la industria del arte. Están mostrando una lista de beneficios que los artistas masculinos tienen sobre sus contrapartes femeninas en esta pieza en particular mientras usan máscaras de gorila.
El arte corporal puede ser tatuajes, perforaciones corporales, marcas, escarificaciones, anclajes dérmicos y arte tridimensional o modificaciones corporales como abalorios. El arte corporal puede ser un ejemplo de Performance Art y pueden superponerse en el Arte Feminista. Por ejemplo, está la película de Nil Yalter llamada 'La mujer sin cabeza (Danza del vientre)'. Se centra en el estómago de una mujer en el que se ha inscrito un texto. Y la mujer sigue escribiendo el texto en el vientre (Body Art). Y cuando la mujer comienza su danza del vientre, todo lo que vemos es la suave carne de su estómago ondulante y el texto pulsante. [29]
Un ejemplo es "Cut Piece" de Yoko Ono : En 1964, Yoko Ono interpretó "Cut Piece", en la que invitaba al público a cortar partes de su prenda con unas tijeras mientras ella estaba sentada en un escenario luciendo su mejor vestido. En la actuación se abordaron temas como la vulnerabilidad, la agencia y la cosificación de las mujeres.
"Tu cuerpo es un campo de batalla" de Barbara Kruger : esta famosa obra de arte de 1989 combina una imagen en blanco y negro del rostro de una mujer con las palabras en negrita "Tu cuerpo es un campo de batalla". En su ensayo, Kruger aborda temas que incluyen la mercantilización del cuerpo, los derechos reproductivos y el control.
"Nude Descending a Staircase, No. 2" de Hannah Wilke En esta performance de 1976, Wilke descendió lentamente una escalera mientras llevaba esculturas hechas de chicle mascado. En su obra luchó contra la mercantilización de los cuerpos de las mujeres, la mirada masculina y la sexualización.
"La mujer embarazada" de Ana Mendieta : Mendieta exploró la relación entre su cuerpo y la naturaleza en una serie de performances de los años setenta. Utilizó su cuerpo desnudo como lienzo para "La mujer embarazada", empujándolo contra varios objetos como rocas y árboles para dejar huellas. La pieza honra la capacidad del cuerpo femenino para la concepción y la crianza de los hijos.
Por Suzanne Lacy, "In Mourning and In Rage": Un grupo de mujeres, dirigido por Suzanne Lacy, se tumbaron en el césped de un cementerio de Los Ángeles en forma de un enorme signo de la paz para esta actuación en 1977. El concierto fue un Protesta contra la violencia contra las mujeres, especialmente los asesinatos cometidos por Hillside Strangler en ese momento.
Otro ejemplo de Orlan es "Redressing III". En esta obra de 1990, ORLAN se somete a una cirugía plástica mientras está despierta y transmite el procedimiento al público de una galería. La pieza cuestiona las normas de género, la mirada masculina y la presión sobre las mujeres para mantener estándares específicos de belleza.
Estos ejemplos muestran cómo el arte corporal feminista desafía y subvierte las ideas convencionales sobre el cuerpo femenino al llamar la atención sobre cuestiones de poder, control y agencia y reclamar los cuerpos de las mujeres como lugares de resistencia y autoexpresión.
A partir de finales de la década de 1960, el videoarte apareció en el mundo del arte como una forma de arte única que utilizaba la tecnología del video como medio visual y sonoro. Y a diferencia de las artes clásicas y tradicionales como la pintura y la escultura, el videoarte no solo estuvo dominado por hombres en la historia. Con la ayuda de las nuevas tecnologías, las artistas pudieron contar sus propias historias y compartir sus perspectivas, lo que dio como resultado nuevas obras sobre mujeres que servirían como depósito de la historia feminista del arte contemporáneo. El vídeo fue visto como un detonante de una revolución mediática que podría poner los medios de transmisión televisiva en manos de la población en general, dando al movimiento artístico feminista una gran oportunidad de ampliar su audiencia. Hubo artistas femeninas que demostraron el feminismo a través del videoarte como Pipilotti Rist , Shirin Neshat , Martha Rosler , Chantal Akerman , Joan Jonas , Sadie Benning y más.
Un ejemplo es el libro de 1975 " Semiótica de la cocina " de Martha Rosler : en este famoso vídeo, Martha Rosler parodia la estructura de un programa de cocina, pero en lugar de mostrar sus habilidades domésticas, desahoga su resentimiento y su rabia empuñando utensilios de cocina. . El programa critica las normas tradicionales de género y la noción de que las mujeres deben ser sumisas y domésticas.
" Tecnología/Transformación: Wonder Woman " de Dara Birnbaum (1978-1979): El popular programa de televisión "Wonder Woman" se analiza en la obra de videoarte de Birnbaum centrándose y reproduciendo escenas específicas en las que el personaje principal asume su personalidad heroica. Al editar el vídeo, Birnbaum explora cómo se retrata a las mujeres en los medios y desafía las limitaciones y estándares impuestos a los personajes femeninos.
"The Cyphers" de Suzanne Lacy (1977-1978): Las experiencias de las mujeres afroamericanas que viven en Watts, Los Ángeles, son el tema principal del trabajo en vídeo de Lacy. Lacy enfatiza las perspectivas y experiencias de estas mujeres a través de entrevistas y actuaciones, dejando de centrarse en la interconexión de raza, género y clase y cuestionando los mitos prevalecientes.
"Una breve historia de la rueda" de Annette Messager se publicó en 1972. En esta obra de videoarte, Messager ofrece una crítica feminista de las demandas impuestas a las mujeres por la sociedad. Explora cuestiones de poder, opresión y los roles restringidos otorgados a las mujeres a través de una secuencia de imágenes y actos simbólicos.