Judy Chicago (nacida como Judith Sylvia Cohen ; 20 de julio de 1939) es una artista feminista , educadora de arte [3] y escritora estadounidense conocida por sus grandes instalaciones artísticas colaborativas sobre imágenes del nacimiento y la creación, que examinan el papel de la mujer en la historia y cultura. Durante la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos en la Universidad Estatal de California, Fresno (anteriormente Fresno State College), que actuó como catalizador para el arte feminista y la educación artística durante la década de 1970. [4] Su inclusión en cientos de publicaciones en diversas áreas del mundo muestra su influencia en la comunidad artística mundial. Además, muchos de sus libros se han publicado en otros países, lo que hace que su trabajo sea más accesible para lectores internacionales. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas, como la costura, contrarrestadas con habilidades como la soldadura y la pirotecnia. La obra más conocida de Chicago es The Dinner Party , que está instalada permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista del Museo de Brooklyn . La Cena celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos artísticos notables de Chicago incluyen International Honor Quilt , Birth Project , [5] Powerplay , [6] y The Holocaust Project . [7] Está representada por la galería Jessica Silverman. [8]
Chicago fue incluida entre las "100 personas más influyentes de 2018" de la revista Time . [9]
En 1939, Judy Chicago nació como Judith Sylvia Cohen [2] de Arthur y May Cohen, en Chicago, Illinois . Su padre provenía de un linaje de rabinos de veintitrés generaciones , incluido el judío lituano Vilna Gaon . Rompiendo su tradición familiar, Arthur se convirtió en organizador laboral y marxista . [10] Trabajaba por las noches en una oficina de correos y se ocupaba de Chicago durante el día, mientras que May, que era bailarina, trabajaba como secretaria médica . [2] [10] La participación activa de Arthur en el Partido Comunista Estadounidense , sus puntos de vista liberales hacia las mujeres y su apoyo a los derechos de los trabajadores influyeron fuertemente en las formas de pensar y creer de Chicago. [11] Durante la era del macartismo , Arthur fue investigado, lo que le dificultó encontrar trabajo y causó mucha confusión en la familia. [10] En 1945, mientras Chicago estaba sola en casa con su hermano pequeño, Ben, un agente del FBI visitó su casa. El agente comenzó a hacerle preguntas a la niña de seis años de Chicago sobre su padre y sus amigos, pero el agente fue interrumpido cuando May regresó a la casa. [11] La salud de Arthur empeoró y murió en 1953 de peritonitis . May no habló de su muerte con sus hijos y no les permitió asistir al funeral. Chicago no aceptó su muerte hasta que ella fue adulta; A principios de la década de 1960, estuvo hospitalizada durante casi un mes con una úlcera sangrante. [10]
May amaba las artes e inculcó su pasión por ellas a sus hijos. Chicago comenzó a dibujar a los tres años y fue enviada al Instituto de Arte de Chicago para asistir a clases. [10] [12] A la edad de cinco años, Chicago supo que "nunca quiso hacer nada más que hacer arte" [12] y continuó asistiendo a clases de extensión en el Art Institute durante su infancia y adolescencia. [13] Después de la secundaria, postuló a un programa de grado académico en la Escuela del Instituto de Arte , pero se le negó la admisión, [11] y en su lugar asistió a UCLA con una beca. [10]
Mientras estaba en UCLA, se volvió políticamente activa, diseñando carteles para el capítulo NAACP de UCLA y finalmente se convirtió en su secretaria correspondiente. [11] En junio de 1959, conoció y salió con Jerry Gerowitz. Dejó la escuela y se mudó con él, teniendo por primera vez su propio espacio de estudio. La pareja hizo autostop hasta Nueva York en 1959, justo cuando la madre y el hermano de Chicago se mudaron a Los Ángeles para estar más cerca de ella. [14] La pareja vivió en Greenwich Village durante un tiempo antes de regresar en 1960 de Los Ángeles a Chicago para poder terminar su carrera. Chicago se casó con Gerowitz en 1961. [15] Se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en 1962 y fue miembro de la Sociedad Phi Beta Kappa . Gerowitz murió en un accidente automovilístico en 1963, que devastó Chicago y le provocó una crisis de identidad durante varios años. Recibió su Maestría en Bellas Artes de UCLA en 1964. [10]
En la escuela de posgrado, Chicago creó una serie que era abstracta, pero fácilmente reconocible como órganos sexuales masculinos y femeninos. Estas primeras obras se denominaron Bigamia , y representaban la muerte de su marido. Uno representaba un pene abstracto, que fue "detenido en vuelo" antes de que pudiera unirse con una forma vaginal. Sus profesores, en su mayoría hombres, quedaron consternados por estos trabajos. [15] A pesar del uso de órganos sexuales en su trabajo, Chicago se abstuvo de utilizar la política de género o la identidad como temas.
En 1965, Chicago exhibió obras de arte en su primera exposición individual, en la Galería Rolf Nelson de Los Ángeles. Chicago fue una de las cuatro únicas artistas femeninas que participaron en el espectáculo. [dieciséis]
En 1968, le preguntaron a Chicago por qué no participaba en la exposición "Mujeres de California en las artes" en el Lytton Center, a lo que ella respondió: "No expondré en ningún grupo definido como mujer, judía o California. Algún día "Cuando todos crezcamos, no habrá etiquetas". Chicago comenzó a trabajar en esculturas de hielo , que representaban "una metáfora del valor de la vida", otra referencia a la muerte de su marido. [17]
En 1969, el Museo de Arte de Pasadena exhibió una serie de esculturas y dibujos de cúpulas esféricas de plástico acrílico de Chicago en una galería "experimental". Art in America declaró que la obra de Chicago estaba a la vanguardia del movimiento de arte conceptual , y Los Angeles Times describió la obra como que no mostraba signos de "arte teórico tipo Nueva York". [17] Chicago describiría sus primeras obras de arte como minimalistas y como si ella intentara ser "uno de los chicos". [18] Chicago también experimentaría con artes escénicas , utilizando fuegos artificiales y pirotecnia para crear "atmósferas", que implicaban destellos de humo de colores manipulados al aire libre. [19]
Durante este tiempo, Chicago también comenzó a explorar su propia sexualidad en su trabajo. Ella creó Pasadena Lifesavers , que era una serie de pinturas abstractas que colocaban pintura acrílica sobre plexiglás . Las obras combinaron colores para crear la ilusión de que las formas "giran, se disuelven, se abren, se cierran, vibran, gesticulan, se mueven", representando su propio descubrimiento de que "yo era multiorgásmica". Chicago atribuyó a "Pasadena Lifesavers" el mayor punto de inflexión en su trabajo en relación con la sexualidad y la representación de las mujeres. [19]
Cuando Chicago se hizo un nombre como artista y llegó a conocerse a sí misma como mujer, ya no se sintió conectada con el apellido Cohen. Esto se debió al dolor por la muerte de su padre y a la pérdida de conexión con su apellido de casada, Gerowitz, tras la muerte de su marido. Decidió cambiar su apellido por algo independiente de estar conectada con un hombre por matrimonio o herencia. [10]
En 1965 se casó con el escultor Lloyd Hamrol. (Se divorciaron en 1979.) [20]
El propietario de la galería, Rolf Nelson, la apodó "Judy Chicago" [10] debido a su fuerte personalidad y su marcado acento de Chicago. Decidió que este sería su nuevo nombre. Al cambiar legalmente su apellido del étnicamente cargado Gerowitz al más neutral Chicago, se liberó de cierta identidad social. [21] Chicago estaba consternada de que se requiriera la aprobación firmada de su nuevo marido para cambiar su nombre legalmente. [20] Para celebrar el cambio de nombre, posó para la invitación a la exposición vestida de boxeadora y con una sudadera con su nuevo apellido. [19] También publicó un cartel en la galería en su exposición individual de 1970 en la Universidad Estatal de California en Fullerton , que decía: "Judy Gerowitz por la presente se deshace de todos los nombres que le han sido impuestos a través del dominio social masculino y elige su propio nombre, Judy Chicago". ". [20] En la edición de octubre de 1970 de Artforum se colocó un anuncio con la misma declaración . [22]
Chicago es considerada una de las "artistas feministas de primera generación", grupo que también incluye a Mary Beth Edelson , Carolee Schneeman y Rachel Rosenthal . Formaron parte del movimiento artístico feminista en Europa y Estados Unidos a principios de la década de 1970 para desarrollar la escritura y el arte feministas. [23]
En 1970, Chicago comenzó a enseñar a tiempo completo en Fresno State College , con la esperanza de enseñar a las mujeres las habilidades necesarias para expresar la perspectiva femenina en su trabajo. [24] En Fresno, planeó una clase que estaría compuesta únicamente por mujeres y decidió enseñar fuera del campus para escapar "de la presencia y, por tanto, de las expectativas de los hombres". [25] Ella impartió la primera clase de arte para mujeres en el otoño de 1970 en Fresno State College. Se convirtió en el Programa de Arte Feminista , un programa completo de 15 unidades, en la primavera de 1971. Este fue el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. Quince estudiantes estudiaron en Chicago en Fresno State College: Dori Atlantis, Susan Boud, Gail Escola, Vanalyne Green , Suzanne Lacy , Cay Lang, Karen LeCocq , Jan Lester, Chris Rush , Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding , Shawnee Wollenman, Nancy Youdelman y Cheryl Zurilgen. Juntas, como Programa de Arte Feminista, estas mujeres alquilaron y renovaron un estudio fuera del campus en 1275 Maple Avenue en el centro de Fresno. Aquí colaboraron en arte, realizaron grupos de lectura y grupos de discusión sobre sus experiencias de vida que luego influyeron en su arte. Todos los estudiantes y Chicago contribuyeron $25 por mes para alquilar el espacio y pagar los materiales. [26]
Posteriormente, Judy Chicago y Miriam Schapiro restablecieron el Programa de Arte Feminista en el Instituto de las Artes de California . Después de que Chicago se fue a Cal Arts, Rita Yokoi continuó la clase en Fresno State College de 1971 a 1973, y luego Joyce Aiken en 1973, hasta su jubilación en 1992. [nb 1]
La imagen de Chicago está incluida en el icónico cartel de 1972 Some Living American Women Artists de Mary Beth Edelson . [28]
Con Arlene Raven y Sheila Levrant de Bretteville , Chicago cofundó el Edificio de la Mujer de Los Ángeles en 1973. [29] Esta escuela de arte y espacio de exhibición estaba en una estructura que lleva el nombre de un pabellón en la Exposición Mundial Colombiana de 1893 que presentaba arte realizado por mujeres. de todo el mundo. [30] Este albergó el Taller Estudio Feminista, descrito por las fundadoras como "un programa experimental en la educación femenina en las artes". Escribieron: "nuestro propósito es desarrollar un nuevo concepto de arte, un nuevo tipo de artista y una nueva comunidad artística construida a partir de las vidas, los sentimientos y las necesidades de las mujeres". [18] [31] Durante este período, Chicago comenzó a crear lienzos pintados con aerosol, principalmente abstractos, con formas geométricas. Estas obras evolucionaron, utilizando el mismo medio, para centrarse más en el significado de lo "femenino". Chicago estuvo fuertemente influenciada por Gerda Lerner . [20]
El primer libro de Chicago, Through the Flower (1975) "narra sus luchas por encontrar su propia identidad como mujer artista". [dieciséis]
Womanhouse fue un proyecto de Chicago y Miriam Schapiro , que comenzó en el otoño de 1971, una vez que Chicago se convirtió en profesora en el Instituto de las Artes de California . En 1972, Chicago y Schapiro fundaron el Programa de Arte Feminista en el Instituto de las Artes de California, que fue el primer espacio de exposición de arte que mostró un punto de vista femenino en el arte, [20] y eligieron a 21 estudiantes para el curso. Querían comenzar el año con un proyecto colaborativo a gran escala que involucrara a artistas femeninas que pasaran gran parte de su tiempo hablando de sus experiencias como mujeres. Utilizaron estas ideas como combustible y las abordaron mientras trabajaban en el proyecto.
La idea de Womanhouse surgió durante una discusión que tuvieron al principio del curso sobre el hogar como un lugar con el que tradicionalmente se asociaba a las mujeres, y querían resaltar las realidades de la feminidad, la esposa y la maternidad dentro del hogar. [32] Chicago pensaba que las estudiantes a menudo se acercaban a la creación de arte sin estar dispuestas a superar sus límites debido a su falta de familiaridad con las herramientas y procesos, y a su incapacidad para verse a sí mismas como personas trabajadoras. "El objetivo del Programa de Arte Feminista es ayudar a las mujeres a reestructurar sus personalidades para que sean más coherentes con sus deseos de ser artistas y ayudarlas a construir su creación artística a partir de sus experiencias como mujeres". [33] [21]
Inspirándose en Lerner, Chicago desarrolló The Dinner Party , ahora en la colección del Museo de Brooklyn . [34] Le llevó cinco años crearlo y completarlo costó alrededor de 250.000 dólares. [13] Primero, Chicago concibió el proyecto en su estudio de Santa Mónica : un gran triángulo, que mide 48 pies por 43 pies por 36 pies, y que consta de 39 cubiertos. [20] Cada lugar conmemora una figura femenina histórica o mítica, como artistas, diosas, activistas y mártires. En cada bando están representadas trece mujeres. [35] Los caminos de mesa bordados están cosidos con el estilo y la técnica de la época de la mujer destacada. [36] Muchos otros nombres de mujeres están grabados en el "Piso del Patrimonio" sobre el que se asienta la pieza. El proyecto se hizo realidad con la asistencia de más de 400 personas, principalmente mujeres, que se ofrecieron como voluntarias para ayudar en la costura, la creación de esculturas y otros aspectos del proceso. [37] Cuando se construyó The Dinner Party por primera vez, era una exposición itinerante. Through the Flower, su organización sin fines de lucro, se creó originalmente para cubrir los gastos de creación y viaje de la obra de arte. Jane Gerhard dedicó un libro a Judy Chicago y The Dinner Party , titulado "The Dinner Party: Judy Chicago and The Power of Popular Feminism, 1970-2007". [38]
Muchos críticos de arte, incluido Hilton Kramer de The New York Times , no quedaron impresionados por su trabajo. [39] El Sr. Kramer sintió que la visión prevista de Chicago no se transmitía a través de esta pieza y "parecía una difamación escandalosa contra la imaginación femenina". [39] Aunque los críticos de arte sintieron que su trabajo carecía de profundidad y que la cena era simplemente "vaginas en platos", fue popular y cautivó al público en general. Chicago estrenó su obra en seis países de tres continentes. Llegó a más de un millón de personas a través de su obra de arte. [ cita necesaria ]
En una entrevista de 1981, Chicago dijo que la reacción de amenazas y castigos odiosos en reacción al trabajo provocó el único período de riesgo de suicidio que había experimentado en su vida, caracterizándose a sí misma como "como un animal herido". [40] Dijo que buscó refugio de la atención pública mudándose a una pequeña comunidad rural y que amigos y conocidos asumieron funciones de apoyo administrativo para ella, como abrir su correo, mientras ella se dedicaba a trabajar en Bordando Nuestro Patrimonio , el Libro que documenta el proyecto. Ella dijo además, [40]
Si sigo adelante ahora es gracias a una red de apoyo que se está construyendo y que me permitirá seguir adelante. Mi destino como artista está totalmente ligado a mi destino como miembro del sexo femenino. Y a medida que nosotras como mujeres avanzamos, yo avanzo. Eso es algo que es muy, muy difícil de aceptar porque es como si yo tampoco pudiera hacerlo del todo; pero he recorrido un largo camino, sé que he recorrido un largo camino. Y eso significa que otras mujeres pueden llegar tan lejos y más lejos.
De 1980 a 1985 Chicago creó Birth Project . La pieza utilizó imágenes del parto para celebrar el papel de la mujer como madre. Chicago se inspiró para crear esta obra colectiva debido a la falta de imágenes y representación del nacimiento en el mundo del arte. [41] Judy Chicago dijo la famosa frase: "Si los hombres pudieran dar a luz, habría millones de representaciones de la coronación". [42] La instalación reinterpretó la narrativa de la creación del Génesis , que se centró en la idea de que un dios masculino creó a un humano masculino, Adán, sin la participación de una mujer. [37] Chicago describió la pieza como reveladora de un "yo femenino primordial escondido entre los rincones de mi alma... la mujer que da a luz es parte del amanecer de la creación". [12] 150 costureros de Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelanda ayudaron en el proyecto, trabajando en 100 paneles, mediante acolchado, macramé, bordado y otras técnicas. El tamaño de la pieza hace que rara vez se muestre en su totalidad. La mayoría de las piezas de Birth Project se encuentran en la colección del Museo de Albuquerque . [37]
Chicago no estaba personalmente interesada en la maternidad. Si bien admiraba a las mujeres que eligieron este camino, no lo encontró adecuado para ella. En 2012, dijo: "No había manera en esta tierra de que pudiera haber tenido hijos y la carrera que he tenido". [13]
Coincidiendo con Birth Project , Chicago comenzó a trabajar de forma independiente en PowerPlay en 1982: una serie de pinturas, dibujos, relieves en papel fundido y relieves en bronce a gran escala. Sin embargo, lo que ambas series tienen en común es que sus temas abordan temas que rara vez se representan en el arte occidental. [43] La serie PowerPlay se inspiró en el viaje de Chicago a Italia, donde vio las obras maestras de artistas del Renacimiento que representan la tradición artística occidental. [44] Como escribió Judy Chicago en su libro autobiográfico: “Me influyó mucho ver las principales pinturas del Renacimiento. Observar su escala monumental y su claridad me llevó a decidir centrar mi examen de la masculinidad en la tradición clásica del desnudo heroico y hacerlo en una serie de pinturas al óleo a gran escala”. [45]
Los títulos de obras como Lisiado por la necesidad de controlar/Individualidad ciega, Orinando en la naturaleza, Conduciendo el mundo a la destrucción, A la sombra de la pistola, Desfigurado por el poder , etc., indican el enfoque de Chicago en el comportamiento violento masculino. [46] Sin embargo, las imágenes de colores brillantes de expresiones faciales y partes del cuerpo masculino expresan no sólo agresión y poder sino también vulnerabilidad. El marido de Chicago, Donald Woodman, posó para la pieza Woe/Man . [47] [48] [49] Ella dependía “de [su] propio sentido de la verdad, trabajando a partir de la observación, la experiencia y, por supuesto, [su] rabia por cuán destructivamente tantos hombres parecen actuar hacia las mujeres y el mundo. en general." [48]
Al representar cuerpos masculinos, Chicago reemplazó la tradicional mirada masculina por una femenina. Como ella dijo: “Sabía que no quería seguir perpetuando el uso del cuerpo femenino como depósito de tantas emociones; parecía como si todo (amor, temor, anhelo, odio, deseo y terror) fuera proyectado sobre la mujer por artistas tanto masculinos como femeninos, aunque con perspectivas a menudo diferentes. Me preguntaba qué sentimientos podría expresar el cuerpo masculino”. [50]
A mediados de la década de 1980, los intereses de Chicago "pasaron de las 'cuestiones de identidad femenina' a una exploración del poder y la impotencia masculinos en el contexto del Holocausto". [51] The Holocaust Project: From Darkness into Light (1985–93) de Chicago [51] es una colaboración con su marido, el fotógrafo Donald Woodman, con quien se casó en la víspera de Año Nuevo de 1985. Aunque los maridos anteriores de Chicago eran ambos judíos, No fue hasta que conoció a Woodman que comenzó a explorar su propia herencia judía. Chicago conoció al poeta Harvey Mudd, que había escrito un poema épico sobre el Holocausto . Chicago estaba interesada en ilustrar el poema, pero decidió crear su propio trabajo, utilizando su propio arte, visual y escrito. Chicago trabajó junto a su marido para completar la pieza, que tardó ocho años en terminarse. [37] La pieza, que documenta a las víctimas del Holocausto, fue creada durante un momento de pérdida personal en la vida de Chicago: la muerte de su hermano Ben por la enfermedad de Lou Gehrig y la muerte de su madre por cáncer. [52]
Chicago utilizó el Holocausto como un prisma a través del cual explorar la victimización, la opresión, la injusticia y la crueldad humana. [38] Para buscar inspiración para el proyecto, Chicago y Woodman vieron el documental Shoah , que comprende entrevistas con sobrevivientes del Holocausto en campos de concentración nazis y otros sitios del Holocausto. [52] También exploraron archivos fotográficos y artículos escritos sobre el Holocausto. [53] Pasaron varios meses recorriendo campos de concentración y visitaron Israel . [51] Chicago incorporó otros temas al trabajo, como el ambientalismo, el genocidio de los nativos americanos , [12] y la guerra de Vietnam . Con estos temas, Chicago buscó relacionar las cuestiones contemporáneas con el dilema moral detrás del Holocausto. [52] Este aspecto del trabajo causó controversia dentro de la comunidad judía, debido a la comparación del Holocausto con estas otras preocupaciones históricas y contemporáneas. [12] El Proyecto Holocausto: De la oscuridad a la luz consta de dieciséis obras a gran escala realizadas con una variedad de medios que incluyen: tapices, vidrieras, trabajos en metal, carpintería, fotografía, pintura y la costura de Audrey Cowan. La exposición finaliza con una pieza que muestra a una pareja judía en sábado . La pieza comprende 3000 pies cuadrados, brindando una experiencia de exhibición completa para el espectador. [52] El Proyecto Holocausto: De la oscuridad a la luz se exhibió por primera vez en octubre de 1993 en el Museo Spertus de Chicago. [52] La mayor parte del trabajo de la pieza se lleva a cabo en el Centro del Holocausto en Pittsburgh, Pensilvania. [1]
Durante los siguientes seis años, Chicago creó obras que exploraban las experiencias de las víctimas de los campos de concentración. [51] Galit Mana, de la revista Jewish Renaissance , señala: "Este cambio de enfoque llevó a Chicago a trabajar en otros proyectos con énfasis en la tradición judía", incluido Voices from the Song of Songs (1997), donde Chicago "introduce el feminismo y la sexualidad femenina". en su representación de fuertes personajes femeninos bíblicos." [51]
En 1985, Chicago se casó con el fotógrafo Donald Woodman. [dieciséis]
En 1994, Chicago inició la serie Resoluciones: Una puntada en el tiempo , completada durante un período de seis años. Seis años después, Resoluciones: una puntada en el tiempo se exhibió al público en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York. [54]
En 1996, Chicago y Woodman se mudaron al Hotel Belen , un histórico hotel ferroviario en Belen, Nuevo México, que Woodman había pasado tres años convirtiendo en su hogar. [54]
En 1999, Chicago recibió el premio UCLA Alumni Professional Achievement Award y recibió títulos honoríficos de Lehigh University , Smith College , Duke University [55] y Russell Sage College . [1]
En 2004, Chicago recibió el Premio Mujer Visionaria del Moore College of Art & Design . [56] Fue nombrada homenajeada del Proyecto Nacional de Historia de la Mujer por el Mes de la Historia de la Mujer en 2008. [57]
Para celebrar su 25 aniversario de bodas con Woodman, creó un Renewal Ketubah en 2010. [16]
En 2011, Chicago regresó a Los Ángeles para la inauguración de la exposición "Concurrents" en el Museo Getty y realizó una instalación basada en fuegos artificiales en el campo de fútbol de Pomona College , un sitio donde había actuado anteriormente en la década de 1960. [58] Chicago también donó su colección de materiales educativos de arte feminista a la Universidad Penn State . [59]
Chicago tuvo dos exposiciones individuales en el Reino Unido en 2012, una en Londres y otra en Liverpool . [51] La exposición de Liverpool incluyó el lanzamiento del libro de Chicago sobre Virginia Woolf . Chicago, que alguna vez fue una parte periférica de su expresión artística, ahora considera que la escritura está bien integrada en su carrera. [51] Ese año, también recibió el premio Lifetime Achievement Award en la Feria de Arte de Palm Springs. [54] En 2012, se informó que vivía en Nuevo México. [60]
Fue entrevistada para la película del 2018 ! Women Art Revolution . [61] En una entrevista con Gloria Steinem en 2018, Chicago describió que su "objetivo como artista" ha sido "crear imágenes en las que la experiencia femenina sea el camino hacia lo universal, en lugar de aprender todo a través de la mirada masculina". [62]
En 2021, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de la Mujer . [63] En 2021 se exhibió una importante exposición retrospectiva, titulada Judy Chicago: A Retrospective, en el Museo De Young de San Francisco; fue la primera retrospectiva de Judy Chicago. [64] [65]
En 2022, Chicago colaboró con Nadya Tolokonnikova para transformar su libro ¿Y si las mujeres gobernaran el mundo? serie en un proyecto de arte participativo, habilitado por blockchain con la esperanza de generar una comunidad Web3 dedicada a los derechos de género. [66]
Chicago se esfuerza por esforzarse y explora nuevas direcciones para su arte; Al principio de su carrera, asistió a una escuela de carrocería para aprender a pintar con aerógrafo y amplió su práctica para incluir una variedad de medios, incluido el vidrio. [13] Tomar tales riesgos es más fácil cuando uno vive según la filosofía de Chicago: "No estoy impulsado por mi carrera. Los puntos de Damien Hirst se vendieron, así que hizo miles de puntos. ¡Nunca haría eso! Ni siquiera se me ocurre." [13]
Desde octubre de 2023 hasta principios de marzo de 2024, el trabajo de Chicago se presenta en cuatro pisos del Nuevo Museo de la ciudad de Nueva York en un estudio exhaustivo del museo sobre su obra titulado "Judy Chicago: Herstory". [67] [68]
Las obras de arte de Chicago se encuentran en las colecciones permanentes de varios museos, incluidos el Museo Británico , el Museo de Brooklyn , el Getty Trust , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo de Arte de Nuevo México , la Galería Nacional de Arte , el Museo Nacional de la Mujer en las Artes , la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y el Museo de Arte Moderno de San Francisco . [69] Sus archivos se encuentran en la Biblioteca Schlesinger del Radcliffe College , y su colección de libros de historia y cultura de las mujeres se encuentra en la colección de la Universidad de Nuevo México .
Chicago se inspiró en la mujer "corriente", que fue el foco del movimiento feminista de principios de la década de 1970. Esta inspiración se filtró en su trabajo, particularmente en The Dinner Party , como una fascinación por el trabajo textil y la artesanía, tipos de arte a menudo asociados culturalmente con las mujeres. [70] Chicago se formó en "artes machistas", tomando clases de carrocería, construcción de barcos y pirotecnia. A través del trabajo de carrocería, aprendió técnicas de pintura con aerosol y la habilidad de fusionar color y superficie en cualquier tipo de medio, lo que se convertiría en una firma de su trabajo posterior. Las habilidades aprendidas mediante la construcción de barcos se utilizarían en su trabajo de escultura y la pirotecnia se utilizaría para crear fuegos artificiales para piezas escénicas. Estas habilidades le permitieron a Chicago incorporar fibra de vidrio y metal a su escultura y, eventualmente, se convertiría en aprendiz de Mim Silinsky para aprender el arte de la pintura en porcelana, que se usaría para crear obras en The Dinner Party . Chicago también añadió la habilidad del vitral a su cinturón de herramientas artísticas, que utilizó para The Holocaust Project . [20] La fotografía se hizo más presente en el trabajo de Chicago a medida que se desarrolló su relación con el fotógrafo Donald Woodman. [53] Desde 2003, Chicago trabaja con vidrio . [60]
La colaboración es un aspecto importante de los trabajos de instalación de Chicago. La cena , el proyecto de nacimiento y las resoluciones se completaron como un proceso de colaboración con Chicago y cientos de participantes voluntarios. Las habilidades de los artesanos voluntarios varían, a menudo relacionadas con artes femeninas "estereotipadas", como las artes textiles. [20] [52] Chicago se esfuerza por reconocer a sus asistentes como colaboradores, una tarea en la que otros artistas han fracasado notablemente. [13] [71]
En 1978, Chicago fundó Through the Flower, [72] una organización de arte feminista sin fines de lucro. La organización busca educar al público sobre la importancia del arte y cómo puede usarse como herramienta para enfatizar los logros de las mujeres. Through the Flower también sirve como mantenedor de las obras de Chicago, ya que se encargó del almacenamiento de The Dinner Party , antes de que encontrara un hogar permanente en el Museo de Brooklyn. La organización también mantuvo The Dinner Party Curriculum, que sirve como un "currículo vivo" para la educación sobre ideas artísticas y pedagogía feministas . El aspecto en línea del plan de estudios fue donado a la Universidad Penn State en 2011. [60]
Judy Chicago tomó conciencia del sexismo rampante en las instituciones, museos y escuelas de arte moderno mientras obtenía su título universitario y de posgrado en UCLA en la década de 1960. Irónicamente, ella no cuestionó esta observación cuando era estudiante. De hecho, hizo todo lo contrario al tratar de igualar –tanto en su obra de arte como en su estilo personal– lo que ella consideraba masculinidad en los estilos y hábitos artísticos de sus homólogos masculinos. No sólo comenzó a trabajar con materiales industriales pesados, sino que también fumaba puros, vestía "masculinamente" y asistía a espectáculos de motocicletas. [73] Esta conciencia continuó creciendo a medida que reconocía cómo la sociedad no veía a las mujeres como artistas profesionales de la misma manera que reconocía a los hombres. Enojada por esto, Chicago canalizó esta energía y la utilizó para fortalecer sus valores feministas como persona y maestra. Si bien la mayoría de los profesores basaban sus lecciones en la técnica, las formas visuales y el color, la base de las enseñanzas de Chicago estaba en el contenido y la importancia social del arte, especialmente en el feminismo . [74] Proveniente de la comunidad artística dominada por hombres con la que Chicago estudió durante tantos años, valoraba el arte basado en la investigación, las opiniones sociales o políticas y/o la experiencia. Quería que sus estudiantes desarrollaran sus profesiones artísticas sin tener que sacrificar lo que significaba para ellas la feminidad. Chicago desarrolló una metodología de educación artística en la que el profesor fomenta el "contenido centrado en la mujer", como la menstruación y el parto, como contenido " personal y político " para el arte. [75] Chicago aboga por el profesor como facilitador escuchando activamente a los estudiantes para guiar la búsqueda de contenidos y la traducción del contenido al arte. Ella se refiere a su metodología de enseñanza como " pedagogía artística participativa ". [76]
El arte creado en el Programa de Arte Feminista y Womanhouse introdujo perspectivas y contenidos sobre la vida de las mujeres que habían sido temas tabú en la sociedad, incluido el mundo del arte. [77] [78] En 1970 Chicago desarrolló el Programa de Arte Feminista en la Universidad Estatal de California, Fresno, y ha implementado otros proyectos de enseñanza que concluyen con una exposición de arte de estudiantes como Womanhouse con Miriam Schapiro en CalArts, y SINsation en 1999 en Indiana. Universidad, De la teoría a la práctica: un viaje de descubrimiento en la Universidad de Duke en 2000, En casa: un proyecto de Kentucky con Judy Chicago y Donald Woodman en la Universidad de Western Kentucky en 2002, Visualizando el futuro en la Universidad Estatal Politécnica de California y Pomona Arts Colony en 2004 y Evoke/Invoke/Provoke en la Universidad de Vanderbilt en 2005. [79] Varios estudiantes involucrados en los proyectos de enseñanza de Judy Chicago establecieron carreras exitosas como artistas, entre ellos Suzanne Lacy , Faith Wilding y Nancy Youdelman .
A principios de la década de 2000, Chicago organizó su estilo de enseñanza en tres partes: preparación, proceso y creación artística. [74] Cada uno tiene un propósito específico y es crucial. Durante la fase de preparación, los estudiantes identifican una preocupación personal profunda y luego investigan ese tema. En la fase de proceso, los estudiantes se reúnen en grupo para discutir los materiales que planean utilizar y el contenido de su trabajo. Finalmente, en la fase de creación de arte, los estudiantes encuentran materiales, dibujan, critican y producen arte.
En 2022, Judy Chicago y Donald Woodman regresaron a la educación después de 50 años desde el debut de Womanhouse . Wo/Manhouse 2022 , ubicado en Belén, Nuevo México, contó con 19 artistas radicados en Nuevo México que exploraron los roles de género, la identidad, la familia, el trabajo y más a través de obras de arte específicas del sitio en una casa al estilo de los años cincuenta. El proyecto fue facilitado por la participante original de Womanhouse , Nancy Youdelman . [80]
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