Pat Lipsky es un pintor estadounidense asociado con la abstracción lírica y la pintura de campo de color .
Lipsky creció en la ciudad de Nueva York . Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Cornell en 1963 y recibió una maestría en Bellas Artes del Programa de Graduados en Pintura del Hunter College de Manhattan , donde estudió con el pintor y escultor Tony Smith .
Criada por una madre pintora y un padre ingeniero, [1] Lipsky tuvo su primera exposición individual en Nueva York, en la Galería André Emmerich . [2] Su trabajo en ese momento estaba fuertemente en el modo de "Abstracción Lírica". El lienzo de 1969 Spiked Red (Colección del Museo de Arte Moderno de Fort Worth , obsequio del Sr. y la Sra. Peter Bienstock, Nueva York) demuestra el enfoque de Lipsky en ese momento: tonos cercanos, ondas y explosiones de colores brillantes. En The New York Times , el crítico Hilton Kramer descubrió que la obra del pintor miraba tanto al pasado como al futuro estético: "La señorita Lipsky reintroduce el goteo, las salpicaduras y las manchas del expresionismo abstracto con notables propósitos antiexpresionistas... También demuestra una Tiene una identidad propia muy clara. Sus fotografías son muy hermosas y será interesante ver cómo desarrolla lo que ya es una inteligencia pictórica audaz".
Lipsky fue invitado a participar en la influyente exposición Lyrical Abstraction de 1970-1971 que viajó por todo el país y culminó en el Museo Whitney de Nueva York ; El crítico Noel Frackman destacó sus contribuciones por su frescura, gesto y exuberancia, y encontró que el estilo "mantenía un estado de ánimo que celebra el puro esplendor del color. Los bordes de estas formas se lamen como llamas y hay una viveza incendiaria en las formas impetuosas pero dirigidas. ... Son pinturas deliciosas." [3]
A finales de los años setenta y ochenta, Lipsky había ampliado su paleta para incluir colores más atrevidos y formas geométricas. [4] También había comenzado a explorar, como escribió más tarde la crítica Katherine Crum, un vocabulario pictórico que desafiaba directamente sus raíces en la abstracción lírica. [1] En 2003, la crítica Karen Wilkin declararía a Lipsky en The New Criterion como un "pintor abstracto impenitente". [5] Wilkin encontró en la obra: "La experiencia acumulada de todo tipo durante toda una vida, incluida la experiencia de mirar arte. Eso, por supuesto, es lo que es todo arte que vale la pena tomar en serio, ya sea abstracto, figurativo o algo intermedio". se supone que debemos abordar."
En las décadas de 1980 y 1990, Lipsky continuó refinando sus preocupaciones más amplias sobre el color, logrando una paleta inquietante y más definida. Una selección de obras de este período, "The Black Paintings", se exhibió en Miami en 1994 [6] y en la ciudad de Nueva York en 1997. [7] Wilkin encontró que el trabajo oscuro "deliberadamente limitado" de este período era "dramático". y "poderoso". [8] La crítica Elisa Turner nuevamente los describió como un paso que se alejaba de la "elegancia" de la pintura abstracta moderna, hacia la dirección del vértigo, la emoción y la ambigüedad: "Este vértigo añade un giro inquietante y cargado de emociones a la tradición de Arte abstracto elegante e impersonal... Tal ambigüedad sobre la ubicación de líneas y formas en el espacio se refleja en su exquisito sentido del color". En cambio , la revista New Yorker relacionó su obra de este período con el estilo "clásico" de los pintores tranquilamente modernistas Piet Mondrian y Paul Klee . [9]
En la década de 2000, Lipsky comenzó otra redefinición de la paleta, reincorporando el color dentro de una imagen central audaz. En un artículo del New York Times , el crítico Ken Johnson asoció estas imágenes con formas mecánicas y música. [10] Al notar sus "seductoras superficies de cáscara de huevo", Johnson los vinculó con los pintores minimalistas Frank Stella y Ad Reinhardt . "El efecto es polirrítmico en tres dimensiones; las bandas parecen empujar hacia arriba y hacia abajo como válvulas en una máquina[,] realzando la sensación de musicalidad tipo Bach. Cuanto más las miras, más absorbentes se vuelven". Lipsky comenzó a centrarse en imágenes individuales presentadas en serie. Sus exposiciones más recientes han contenido colores repetidos, de forma desnuda y repetida. El pintor y crítico Stephen Westfall, en Art in America , calificó estas pinturas como "las más exitosas", encontrando que su "clasicismo" era "en última instancia idiosincrásico en el mejor sentido" y encontrando un vínculo con Ad Reinhart y Philip Guston : "Guston conocer a Reinhardt, entonces; una síntesis que, por muy llena de cultura pictórica, se siente perfecta en nuestro momento presente". [11] El crítico David Cohen, en The New York Sun , señaló en cambio lo opuesto al clasicismo, "una compostura férrea, aparentemente desapasionada" que contenía "reservas hirvientes de emoción estética", afirmando: "Lipsky no es simplemente el decano del arte contemporáneo". abstracción geométrica sino su dominatriz." [12]
Karen Wilkin, al revisar la exposición de Lipsky de 2006, descubrió en la obra una simplicidad que cumplía la función inversa: ser, en última instancia, liberadora: "El contrapunto complejo y ricamente alusivo de Lipsky exige que prestemos mucha atención a sus pinturas como pinturas... y luego nos recompensa". liberando nuestra imaginación." [13]
En 2015, las décadas más recientes de pinturas de Lipsky se exhibieron en Acme Fine Arts de Boston, "Pat Lipsky: Twenty Years". La crítica Cate McQuaid, en el Boston Globe, calificó la obra de "transpirable y orgánica, sobria y voluptuosa". [14]
En 2016, se redescubrieron veinte pinturas de los primeros años de Lipsky después de haber estado conservadas durante casi medio siglo. Once se exhibieron la primavera siguiente en la Gerald Peters Gallery de Nueva York. Como escribió el crítico Carter Ratcliff en su ensayo sobre el catálogo, "Lipsky surgió en la vanguardia de una generación de pintores" y agregó: "Cada una de estas pinturas nos lleva al prolongado y exuberante momento de su creación, intuyendo el poder del artista para reconciliar la espontaneidad desinhibida con la juicio disciplinado." [15]
Las pinturas de Lipksy están representadas en veinticinco colecciones públicas, entre ellas el Museo Whitney , el Museo Hirshhorn del Smithsonian , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo de Arte de Boca Ratón , el Centro de Arte Walker , el Museo de Arte de Brooklyn y el Fogg de Harvard. Museo de Arte .
Si bien a veces se identifica a Lipsky con la escuela de abstracción pospictórica centrada en el crítico Clement Greenberg , un viejo amigo del pintor, [16] otros han cuestionado esta opinión. [1] En una entrevista de 2007, Lipsky enumeró una amplia gama de influencias, fuera del campo de las artes visuales:
Me interesa lo que significa "diferencia". Mi lectura de Proust y Eliot, mi visión de Bellini, Giorgione, Tiziano, Albers, Cornell y Pollock, mi escucha de Bach y Thelonious Monk, mi gusto por Eric Rohmer y Monty Python pueden parecer totalmente ajenos, pero enseñan la misma lección: diferencias. asunto. Cuando Monk toca una sola nota en lugar de otra, una pieza se salva o se arruina. Cuando Albers pone un blanco al lado de un amarillo, el amarillo cambia y el blanco también. Si Proust elige seguir a un personaje en lugar de otro, escribir cincuenta páginas en lugar de cuatro, la experiencia del lector se altera de la manera más íntima e inmediata. Consideramos las obras de arte como grandes unidades individuales, pero en realidad están compuestas por cientos, miles de unidades individuales y diminutas, cada una de las cuales es una decisión. Son esas unidades con las que he estado experimentando a lo largo de mi carrera. [17]
Lipsky también ha analizado la influencia de expresionistas abstractos de primera generación como Mark Rothko y Jackson Pollock , junto con pintores de segunda generación como Helen Frankenthaler y Morris Louis , así como su mentor, Tony Smith . [18]