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La pintura occidental del siglo XX comienza con la herencia de los pintores de finales del siglo XIX Vincent van Gogh , Paul Cézanne , Paul Gauguin , Georges Seurat , Henri de Toulouse-Lautrec y otros que fueron esenciales para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, entre ellos el precubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck , revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes "salvajes", multicolores y expresivos. Pinturas de figuras que los críticos denominaron fauvismo . La segunda versión de La danza de Matisse marcó un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. [1] Reflejaba la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo : el intenso color cálido de las figuras sobre el fresco fondo azul verdoso y la sucesión rítmica de los desnudos danzantes transmiten sentimientos de liberación emocional y hedonismo .
Inicialmente influenciado por Toulouse-Lautrec, Gauguin y otros innovadores de finales del siglo XIX, Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono . Con el cuadro Les Demoiselles d'Avignon (1907; ver galería), Picasso creó un cuadro nuevo y radical que representa una escena de burdel cruda y primitiva con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerda a las máscaras tribales africanas y sus propios nuevos inventos protocubistas . El cubismo analítico , ejemplificado por Violín y candelero, París , fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque aproximadamente entre 1908 y 1912. Al cubismo analítico le siguió el cubismo sintético , caracterizado por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage , papel collé y una gran variedad de temas fusionados. [2] [3]
El cubismo cristalino fue una forma destilada de cubismo consistente con un cambio entre 1915 y 1916 hacia un fuerte énfasis en la actividad de superficies planas y grandes planos geométricos superpuestos, practicado por Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Diego Rivera , Henri Laurens. , Jacques Lipchitz , Alexander Archipenko , Fernand Léger y varios otros artistas hasta la década de 1920. [4]
Durante los años transcurridos entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo, surgieron varios movimientos en París. Giorgio de Chirico se trasladó a París en julio de 1911, donde se reunió con su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio ). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade, miembro del jurado del Salón de Otoño , donde expuso tres de sus obras oníricas: Enigma del oráculo , Enigma de una tarde y Autorretrato . Durante 1913 expuso su obra en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño, donde su obra llamó la atención de Pablo Picasso , Guillaume Apollinaire y otros. Sus fascinantes y misteriosas pinturas se consideran fundamentales para los inicios del surrealismo . Canción de amor (1914) es una de las obras más famosas de De Chirico y es un ejemplo temprano del estilo surrealista, aunque fue pintada diez años antes de que André Breton "fundara" el movimiento en 1924. [5]
En las dos primeras décadas del siglo XX, a medida que evolucionaba el cubismo, surgieron varios otros movimientos importantes; Futurismo ( Giacomo Balla ), Arte abstracto ( Wassily Kandinsky ), Der Blaue Reiter ( Kandinsky y Franz Marc ), Bauhaus ( Kandinsky y Paul Klee ), Orfismo , ( Robert Delaunay y František Kupka ), Sincromismo ( Morgan Russell y Stanton Macdonald-Wright) ), De Stijl ( Theo van Doesburg y Piet Mondrian ), suprematismo ( Kazimir Malevich ), constructivismo ( Vladimir Tatlin ), dadaísmo ( Marcel Duchamp , Picabia y Jean Arp ) y surrealismo ( Giorgio de Chirico , André Breton , Joan Miró , René Magritte , Salvador Dalí y Max Ernst ). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas , hasta el cine de vanguardia , el teatro y la danza moderna , y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda. Las pinturas de Van Gogh ejercieron una gran influencia en el expresionismo del siglo XX , como se puede comprobar en la obra de los fauves , Die Brücke (grupo liderado por el pintor alemán Ernst Kirchner ), y el expresionismo de Edvard Munch , Egon Schiele , Marc Chagall , Amedeo. Modigliani , Chaïm Soutine y otros.
Wassily Kandinsky , pintor, grabador y teórico del arte ruso , es generalmente considerado el primer pintor importante del arte abstracto moderno . Como uno de los primeros modernistas , en busca de nuevos modos de expresión visual y espiritual, teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos , que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulaban (como en el ejemplo de la galería anterior) Composición VII , estableciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro Sobre lo espiritual en el arte . El arte de Piet Mondrian también estuvo relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 se interesó por el movimiento teosófico iniciado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado por medios empíricos, y gran parte del trabajo de Mondrian durante el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual. Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen a la pintora sueca Hilma af Klint , el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee . Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). [6] Sus obras posteriores fueron más abstractas, con reminiscencias de Paul Klee. Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz del color y a un claro amor por la experimentación tanto de la profundidad como del tono. Por invitación de Kandinsky, Delaunay y su esposa, la artista Sonia Delaunay , se unieron a The Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), un grupo de artistas abstractos con sede en Múnich , en 1911, y su arte dio un giro hacia lo abstracto. Otros pioneros importantes de la pintura abstracta incluyen al pintor checo František Kupka , así como a los artistas estadounidenses Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell, quienes, en 1912, fundaron el sincromismo , un movimiento artístico que se parece mucho al orfismo . [7] [8]
Les Fauves (en francés, Las bestias salvajes ) fueron pintores de principios del siglo XX que experimentaron con la libertad de expresión a través del color. El nombre se lo dio al grupo, en tono de humor y no como un cumplido, el crítico de arte Louis Vauxcelles . El fauvismo fue un grupo de artistas de corta duración y flexible cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo por encima de los valores representativos. Los fauvistas hicieron que el tema de la pintura fuera fácil de leer y exageraron las perspectivas. Una predicción profética de los fauves fue expresada en 1888 por Paul Gauguin a Paul Sérusier :
"¿Cómo ves estos árboles? Son amarillos. Entonces, ponles amarillo; esta sombra, más bien azul, píntala con ultramar puro ; ¿estas hojas rojas? Ponlas bermellón ".
Los líderes del movimiento eran Henri Matisse y André Derain , una especie de rivales amistosos, cada uno con sus propios seguidores. Al final, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Los pintores fauvistas incluyeron a Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , el pintor holandés Kees van Dongen y el socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque , entre otros. [9]
El fauvismo, como movimiento, no tuvo teorías concretas y duró poco, comenzando en 1905 y terminando en 1907. Los fauvistas sólo tuvieron tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad en edad y su previo autoestablecimiento en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Mme. Matisse, La línea verde (arriba), causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar; el arte como decoración era su propósito y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard , André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas como Puente de Charing Cross, Londres (arriba) en estilo fauvista, parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet . [10]
En 1907, el fauvismo ya no era un movimiento nuevo e impactante; pronto fue reemplazado por el cubismo en la pantalla del radar de los críticos como el último avance en el arte contemporáneo de la época. En 1907, Apollinaire , comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, decía: "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". [11]
Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró de 1911 a 1914, fundamental para el expresionismo, junto con Die Brücke , un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores de Die Brücke fueron Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff . Los miembros posteriores incluyeron a Max Pechstein , Otto Mueller y otros. Este fue un grupo fundamental, que a su debido tiempo tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo . [12]
Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff , 1909, se encuentra en la galería de arriba, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta a el rechazo del cuadro de Kandinsky El juicio final de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, sino que se centraba en Kandinsky y Marc. También participaron los artistas Gabriele Münter y Paul Klee .
El nombre del movimiento proviene de un cuadro de Kandinsky creado en 1903. También se afirma que el nombre podría derivar del entusiasmo de Marc por los caballos y del amor de Kandinsky por el color azul. Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno. [13]
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El expresionismo y el simbolismo son rúbricas amplias que abarcan varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia realizado en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron principalmente entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Los estilos expresionistas están relacionados con los del surrealismo y el simbolismo y cada uno de ellos es único y algo excéntrico. El fauvismo , Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos de pintores expresionistas y simbolistasmás conocidosArtistas tan interesantes y diversos como Marc Chagall , cuyo cuadro Yo y el pueblo , (arriba) cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico del simbolismo artístico . Gustav Klimt , Egon Schiele ,, Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Yitzhak Frenkel Frenel , Max Beckmann , Franz Marc , Käthe Schmidt Kollwitz , Georges Rouault , Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley y Stuart Davis , fueron considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque Alberto Giacometti es considerado principalmente un escultor surrealista intenso , también realizó intensas pinturas expresionistas. En Estados Unidos, durante el período comprendido entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, los pintores tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Artistas modernistas como Marsden Hartley , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy y Stuart Davis crearon reputaciones en el extranjero. Mientras que Patrick Henry Bruce , [14] creó pinturas relacionadas con el cubismo en Europa, tanto Stuart Davis como Gerald Murphy hicieron pinturas que fueron las primeras inspiraciones para el arte pop estadounidense [15] [16] [17] y Marsden Hartley experimentó con el expresionismo . Durante la década de 1920, el fotógrafo Alfred Stieglitz expuso a Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin y otros artistas, incluidos los maestros europeos Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne y Pablo Picasso , en su galería de la ciudad de Nueva York el 291 . [18] En Europa maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento.
Marcel Duchamp alcanzó prominencia internacional a raíz del Armory Show de la ciudad de Nueva York en 1913, donde su Desnudo descendiendo una escalera se convirtió en la causa célebre . Posteriormente creó La novia desnudada por sus solteros, Incluso , Vidrio grande . El Gran Vidrio llevó el arte de la pintura a límites radicalmente nuevos, siendo en parte pintura, en parte collage y en parte construcción. Duchamp (que pronto renunciaría a la creación artística por el ajedrez ) se asoció estrechamente con el movimiento dadaísta que comenzó en la neutral Zúrich, Suiza , durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo entre 1916 y 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos de arte , teoría del arte), teatro y diseño gráfico, y concentró su política contra la guerra mediante el rechazo de los estándares prevalecientes en el arte a través de obras culturales antiarte . Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp , Sophie Taeuber-Arp , junto con Duchamp y muchos otros están asociados al movimiento dadaísta. Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en las décadas de 1920 y 1930. [19]
En 1924 André Breton publicó el Manifiesto Surrealista . El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de vanguardia y contó con artistas cuyas obras variaban desde lo abstracto hasta lo superrealista. Con obras sobre papel como Machine Turn Quickly (arriba), Francis Picabia continuó su participación en el movimiento dadaísta durante 1919 en Zúrich y París, antes de separarse de él después de desarrollar un interés por el arte surrealista . Yves Tanguy , René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por sus representaciones realistas de imágenes oníricas y manifestaciones fantásticas de la imaginación. El campo labrado de Joan Miró de 1923-1924 raya en la abstracción, esta pintura temprana de un complejo de objetos y figuras, y disposiciones de personajes sexualmente activos; Fue la primera obra maestra surrealista de Miró . [20] Los más abstractos Joan Miró , Jean Arp , André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.
A lo largo de la década de 1930, el surrealismo siguió haciéndose más visible para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Gran Bretaña y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue un hito del período y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Grupos surrealistas en Japón, y especialmente en América Latina , el Caribe y en México produjeron obras innovadoras y originales.
Dalí y Magritte crearon algunas de las imágenes más reconocidas del movimiento. La pintura de 1928/1929 Esto no es una pipa de Magritte es el tema de un libro de Michel Foucault de 1973, Esto no es una pipa (edición en inglés, 1991), que analiza la pintura y su paradoja. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.
El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica despojando a los objetos ordinarios de su significado normal, con el fin de crear una imagen convincente que estuviera más allá de la organización formal y la percepción ordinarias, evocando a veces empatía en el espectador, a veces risa y a veces indignación y desconcierto. [21]
1931 marcó un año en el que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: en un ejemplo, las formas líquidas se convierten en la marca registrada de Dalí, particularmente en su La persistencia de la memoria , que presenta la imagen de relojes que se hunden como si estuvieran derritiendo. Evocaciones del tiempo y su convincente misterio y absurdo. [22]
Las características de este estilo –una combinación de lo representativo, lo abstracto y lo psicológico– llegaron a representar la alienación que muchas personas sentían en el período modernista , combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, de ser "hecha". completo con la propia individualidad." [23] [24]
Max Ernst estudió filosofía y psicología en Bonn y se interesó por las realidades alternativas que viven los locos. Sus pinturas, como Murdering Airplane (1920), pueden haberse inspirado en el estudio del psicoanalista Sigmund Freud sobre los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en mujer como un complejo de castración . La imagen central de dos pares de piernas hace referencia a los deseos hermafroditas de Schreber. La inscripción de Ernst en el reverso del cuadro dice: El cuadro es curioso por su simetría. Los dos sexos se equilibran. [25]
Durante la década de 1920, la obra de André Masson tuvo una enorme influencia a la hora de ayudar al joven artista Joan Miró a encontrar sus raíces en la nueva pintura surrealista. Miró reconoció en cartas a su marchante Pierre Matisse la importancia de Masson como ejemplo para él en sus primeros años en París.
Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales hayan fragmentado al grupo surrealista en el aire y el éter, Magritte, Miró, Dalí y los demás surrealistas continúan definiendo un programa visual en las artes. Otros artistas surrealistas destacados incluyen a Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning y Leonor Fini , entre otros.
Durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , la escena artística europea se caracterizó por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus , De Stijl , el dadaísmo, la Neue Sachlichkeit y el expresionismo; y fue ocupada por maestros pintores modernistas en color como Henri Matisse y Pierre Bonnard .
La pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios tanto políticos como sociales dominaron el mundo del arte en los Estados Unidos. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. En América Latina, además del pintor uruguayo Joaquín Torres García y el mexicano Rufino Tamayo , el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo iniciaron un renacimiento de las artes para la región, con un uso de color y mensajes históricos y políticos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo también se relacionan fuertemente con el surrealismo y el movimiento del realismo mágico en la literatura. El drama psicológico de muchos de los autorretratos de Kahlo (arriba) subraya la vitalidad y relevancia de sus pinturas para los artistas del siglo XXI.
En Alemania, Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetividad") surgió cuando Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros asociados con la Secesión de Berlín politizaron sus pinturas. El trabajo de estos artistas surgió del expresionismo, fue una respuesta a las tensiones políticas de la República de Weimar y, a menudo, fue marcadamente satírico. [26]
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Lenin y otras imágenes comunistas , despidió a Rivera y el trabajo inacabado finalmente fue destruido por el personal de Rockefeller. La película Cradle Will Rock incluye una dramatización de la controversia. Las obras de Frida Kahlo (la esposa de Rivera) a menudo se caracterizan por sus crudas representaciones del dolor. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos , que frecuentemente incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo que es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. En su obra también se representan a menudo temas cristianos y judíos ; combinó elementos de la tradición religiosa mexicana clásica, que a menudo eran sangrientos y violentos, con representaciones surrealistas . Si bien sus pinturas no son abiertamente cristianas (ella era una comunista declarada), ciertamente contienen elementos del macabro estilo cristiano mexicano de las pinturas religiosas.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo , incluido Pablo Picasso . [27] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la localidad vasca de Gernika fue escenario del " Bombardeo de Gernika " por parte de la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al Gobierno vasco y al gobierno republicano español. La localidad quedó arrasada, aunque sobrevivieron la asamblea vizcaína y el Roble de Gernika. Picasso pintó su mural del tamaño de Guernica para conmemorar los horrores del bombardeo.
En su forma final, Guernica es un inmenso mural en blanco y negro, pintado al óleo, de 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (23 pies) de ancho. El mural presenta una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia sin retratar sus causas inmediatas. La elección de pintar en blanco y negro contrasta con la intensidad de la escena representada e invoca la inmediatez de una fotografía periodística. [28] Picasso pintó un cuadro del tamaño de un mural llamado Guernica en protesta por el bombardeo. La pintura se exhibió por primera vez en París en 1937, luego en Escandinavia, luego en Londres en 1938 y finalmente en 1939, a petición de Picasso, la pintura fue enviada a los Estados Unidos en un préstamo ampliado (para su custodia) en el MoMA . La pintura realizó una gira por museos de todo Estados Unidos hasta su regreso definitivo al Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, donde estuvo expuesta durante casi treinta años. Finalmente, de acuerdo con el deseo de Picasso de regalar el cuadro al pueblo español, fue enviado a España en 1981.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930, durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escenas estadounidense (como se ve arriba) en el trabajo de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No es sólo el cuadro más famoso de Hopper, sino también uno de los más reconocibles del arte americano. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago . La escena se inspiró en un restaurante (ya demolido) en Greenwich Village , el barrio natal de Hopper en Manhattan . Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este suceso hubo un gran sentimiento de tristeza sobre el país, sentimiento que se retrata en el cuadro. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retrata a un granjero con una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic , es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX . Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley , y asumieron que la pintura pretendía ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea deWinesburg , Ohio de 1919 de Sherwood Anderson , Main Street de 1920 de Sinclair Lewis y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. [29] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense , un movimiento modernista que combinaba lecciones aprendidas de Henri Matisse , Pablo Picasso , el surrealismo, Joan Miró , el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John. D. Graham . Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo André Breton , la galería de Pierre Matisse y la galería El arte de este siglo de Peggy Guggenheim , entre otros factores.
La pintura estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial, llamada expresionismo abstracto, incluyó artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann , Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip. Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Esteban Vicente , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin y Theodoros Stamos , entre otros. El expresionismo abstracto americano recibió su nombre en 1946 del crítico de arte Robert Coates . Se considera que combina la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético. El expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color son sinónimos de la Escuela de Nueva York .
Técnicamente, el surrealismo fue un predecesor importante del expresionismo abstracto con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson . Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey , especialmente sus lienzos de "escritura en blanco", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "completo" de las pinturas de Pollock.
Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos lo sienten, bastante nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas. Las enérgicas " pinturas de acción " de Pollock, con su sensación de "ocupación", son diferentes tanto técnica como estéticamente de la violenta y grotesca serie Mujeres de Willem de Kooning . Como se ve arriba en la galería, Mujer V es una de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de largo. Comenzó la primera de estas pinturas, Colección Mujer I : Museo de Arte Moderno de Nueva York, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura poco después en el estudio de De Kooning y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II , Museo de Arte Moderno , Nueva York, Mujer III , Museo de Arte Contemporáneo de Teherán , Mujer IV , Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City, Misuri . Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton , de Kooning exploró más a fondo el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado su trabajo en Mujer I a finales de junio, o posiblemente en noviembre de 1952, y probablemente los otros tres cuadros de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. [30] La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas . Otro artista importante es Franz Kline , como lo demuestra su pintura High Street, 1950, al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, fue etiquetado como pintor de acción debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada, en figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso del lienzo.
Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente brillantes en la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), están clasificados como expresionistas abstractos, aunque según Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell (galería) pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color .
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX como Wassily Kandinsky . Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estas pinturas requirieron una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño así lo exigía. Una excepción podrían ser las pinturas de Pollock. Por qué este estilo ganó aceptación generalizada en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no sólo por la Gran Depresión sino también por los Realistas Sociales de México como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El clima político posterior a la Segunda Guerra Mundial no toleró por mucho tiempo las protestas sociales de aquellos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a exhibirse a principios de la década de 1940 en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery . Desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950 se inició la era McCarthy . Fue después de la Segunda Guerra Mundial y una época de conservadurismo político y censura artística extrema en Estados Unidos. Algunas personas han conjeturado que, dado que el tema era a menudo totalmente abstracto, el expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para que los artistas siguieran este estilo. El arte abstracto podría considerarse apolítico. O si el arte era político, el mensaje estaba dirigido en gran medida a quienes estaban dentro. Sin embargo, esos teóricos son una minoría. Como la primera escuela de pintura verdaderamente original en América, el expresionismo abstracto demostró la vitalidad y creatividad del país en los años de la posguerra, así como su capacidad (o necesidad) de desarrollar un sentido estético que no estuviera limitado por los estándares europeos. de belleza.
Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York , y el área de la Bahía de San Francisco. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un enfoque "completo" , en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro sea más interesante que los bordes). El lienzo como escenario se convirtió en un credo de la pintura de acción , mientras que la integridad del plano pictórico se convirtió en un credo de los pintores del campo de color. Muchos otros artistas comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Ray Parker , Nicolas Carone , Grace Hartigan , Friedel Dzubas , y Robert Goodnough, entre otros.
Durante la década de 1950, la pintura Color Field se refirió inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto , especialmente a la obra de Mark Rothko , Clyfford Still , Barnett Newman , Robert Motherwell y Adolph Gottlieb . Básicamente se trataba de pinturas abstractas con grandes y planas extensiones de color que expresaban los sentimientos y propiedades sensuales y visuales de grandes áreas de superficie matizada. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada pero diferente de la pintura de acción. La extensión general y la gestalt del trabajo de los primeros pintores de campos de color hablan de una experiencia casi religiosa, asombrada ante un universo en expansión de sensualidad, color y superficie. Desde principios hasta mediados de la década de 1960, la pintura Color Field llegó a referirse a los estilos de artistas como Jules Olitski , Kenneth Noland y Helen Frankenthaler , cuyas obras estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación, y con artistas más jóvenes como Larry Zox y Frank Stella : todos avanzan en una nueva dirección. Artistas como Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox y otros a menudo utilizaban referencias muy reducidas a la naturaleza y pintaban con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. En Montañas y mar , de 1952, una obra fundamental de la pintura Colorfield de Helen Frankenthaler, la artista utilizó por primera vez la técnica de la mancha.
En Europa hubo la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse . También en Europa, el tachismo (el equivalente europeo del expresionismo abstracto) y el informalismo se apoderaron de la nueva generación. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein y Pierre Soulages entre otros son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra.
Con el tiempo, la pintura abstracta en Estados Unidos evolucionó hacia movimientos como el neodadá , la pintura de campo de color, la abstracción pospictórica , el op art , la pintura de borde duro , el arte minimalista , la pintura sobre lienzos moldeados , la abstracción lírica , el neoexpresionismo y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, las imágenes surgieron a través de varios movimientos nuevos, en particular el arte pop .
Durante las décadas de 1930 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto , la pintura de campos de color, la abstracción pospictórica , el op art , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzos con formas y la abstracción lírica . Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, permitiendo que las imágenes continuaran a través de varios contextos nuevos, como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la de 1960. En Italia durante esta época, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más destacado y exploró una amplia variedad de enfoques para representar botellas e utensilios de cocina cotidianos. [31] A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas; practicando pintura paisajística y figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida y expresividad única como Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro, Sr. , Elaine de Kooning y otros. Junto con Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard , Georges Braque y otros maestros del siglo XX. La obra figurativa de Francis Bacon , Frida Kahlo , Edward Hopper , Lucian Freud, Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto. Una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX es la pintura de Wyeth, Christina's World , actualmente en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Representa a una mujer tendida en el suelo en un campo sin árboles, en su mayor parte leonado, mirando hacia una casa gris en el horizonte y arrastrándose hacia ella; Junto a la casa hay un granero y varias otras pequeñas dependencias. Esta obra al temple , realizada en un estilo realista , casi siempre se exhibe en laMuseo de Arte Moderno de Nueva York. [32]
El retrato de Arshile Gorky del que podría ser su amigo Willem de Kooning (izquierda) es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo . Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham Gorky crearon composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que en la década de 1940 evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando líneas y colores para expresar sentimientos y naturaleza.
Estudio según el Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez , 1953 es una pintura del artista de origen irlandés Francis Bacon y es un ejemplo del expresionismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial . La obra muestra una versión distorsionada del Retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra forma parte de una serie de variantes de la pintura de Velázquez que Bacon ejecutó a lo largo de los años cincuenta y principios de los sesenta, en un total de cuarenta -Cinco obras. [33] Cuando se le preguntó por qué se veía obligado a volver a abordar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que simplemente "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa ordinaria ese color púrpura sin adoptando una especie de actitud falsamente fauve ." [34] El Papa en esta versión hierve de ira y agresión, y los colores oscuros dan a la imagen una apariencia grotesca y de pesadilla. [35] Las cortinas plisadas del fondo se vuelven transparentes y parecen caer a través del rostro del Papa. [36]
Después de la Segunda Guerra Mundial, el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo , el equivalente europeo del expresionismo abstracto estadounidense, y esos artistas también están relacionados con Cobra . En 1952 Michel Tapié escribió el libro Un Autre art que dio nombre y voz al informalismo . Sus defensores importantes son Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff y Georges Mathieu , entre varios otros. A principios de la década de 1950, Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo) y De Staël abandonaron la abstracción y regresaron a las imágenes a través de la figuración y el paisaje. El trabajo de De Staël fue rápidamente reconocido en el mundo del arte de la posguerra y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década de 1950. Su regreso a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) a principios de la década de 1950 puede verse como un precedente influyente para el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía estadounidense , ya que muchos de esos pintores abstractos como Richard Diebenkorn , David Park , Elmer Bischoff , Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; Volviendo a las imágenes a mediados de la década de 1950. Gran parte de la obra tardía de De Staël, en particular sus paisajes abstractos diluidos y diluidos al óleo sobre lienzo de mediados de la década de 1950, predicen la pintura Color Field y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. Los colores audaces e intensamente vívidos de Nicolas de Staël en sus últimas pinturas predicen la dirección de gran parte de la pintura contemporánea que vino después de él, incluido el arte pop de la década de 1960.
El arte pop en Estados Unidos se inspiró inicialmente en gran medida en las obras de Jasper Johns , Larry Rivers y Robert Rauschenberg . Aunque las pinturas de Gerald Murphy , Stuart Davis y Charles Demuth durante las décadas de 1920 y 1930 sentaron las bases para el arte pop en Estados Unidos. En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, Robert Rauschenberg y Jasper Johns crearon obras de arte que al principio parecían ser continuaciones de la pintura expresionista abstracta . En realidad, sus obras y la obra de Larry Rivers fueron desviaciones radicales del expresionismo abstracto, especialmente en el uso de imágenes banales y literales y la inclusión y combinación de materiales mundanos en su obra. Las innovaciones del uso específico de Johns de diversas imágenes y objetos como sillas, números, dianas, latas de cerveza y la bandera estadounidense ; Pinturas de Rivers de temas extraídos de la cultura popular como George Washington cruzando el Delaware , y sus inclusiones de imágenes de anuncios como el camello de los cigarrillos Camel , y las sorprendentes construcciones de Rauschenberg utilizando inclusiones de objetos y fotografías tomadas de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, las calles de la ciudad y la taxidermia dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte estadounidense . Finalmente, en 1963, el movimiento llegó a ser conocido mundialmente como arte pop.
El arte pop está ejemplificado por artistas: Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein , entre otros. Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal de Secret Hearts #83 de DC Comics . ( Drowning Girl ahora está en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [37] ) También presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si hubieran sido creados mediante reproducción fotográfica. Lichtenstein diría de su propio trabajo: Los expresionistas abstractos "colocaban cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es prácticamente la misma". ; los míos simplemente no parecen caligráficos, como los de Pollock o Kline". [38] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes y contenidos reconocibles a la mezcla. En octubre de 1962, la Galería Sidney Janis montó The New Realists, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. Sidney Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo conmocionó a la Escuela de Nueva York y resonó en todo el mundo. A principios del otoño de 1962, una exposición históricamente importante e innovadora de arte pop Nueva pintura de objetos comunes , comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena, provocó conmoción en todo el oeste de los Estados Unidos. Latas de sopa Campbell (a veces denominadas 32 latas de sopa Campbell ) es el título de una obra de arte de Andy Warhol producida en 1962. Consta de treinta y dos lienzos, cada uno de los cuales mide 20 pulgadas de alto x 16 pulgadas de ancho (50,8 x 40,6 cm) y cada uno consta de una pintura de una lata de sopa Campbell's , una de cada variedad de sopa enlatada que la empresa ofrecía en ese momento. Las pinturas individuales fueron producidas con un proceso de serigrafía semimecanizado , utilizando un estilo no pictórico . Ayudaron a marcar el comienzo del arte pop como un importante movimiento artístico que se basaba en temas de cultura popular . Estas obras de Andy Warhol son repetitivas y están realizadas de forma no pictórica comercial.
Anteriormente, en Inglaterra, en 1956, Lawrence Alloway utilizó el término arte pop para pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor de un arte que representaba y, a menudo, celebraba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. [39] Las primeras obras de David Hockney , cuyas pinturas surgieron de Inglaterra durante la década de 1960 como A Bigger Splash , y las obras de Richard Hamilton , Peter Blake y Eduardo Paolozzi , se consideran ejemplos fundamentales del movimiento.
Mientras estaban en la escena del centro de la ciudad, en las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tuvo su escaparate y la Green Gallery de la calle 57 empezó a exponer a Tom Wesselmann y James Rosenquist . Posteriormente, Leo Castelli expuso en la galería otros artistas estadounidenses, incluido el grueso de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de los puntos Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial y vista en cómics comunes y en pinturas como Drowning Girl , 1963. arriba. Hay una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes –con sentido del humor; y artistas pop como Alex Katz (que se hizo conocido por sus parodias de retratos fotográficos y la vida suburbana), Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y otros.
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura de campo de color , la abstracción pospictórica , el arte óptico , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzos con formas , la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto . Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción con Art brut , [40] como se ve en Court les rues, 1962, de Jean Dubuffet , Fluxus , Neo-Dada , New Realism , permitiendo que las imágenes resurgieran a través de varios contextos nuevos. como el arte pop , el movimiento figurativo del Área de la Bahía (un excelente ejemplo es Cityscape I de Diebenkorn, (Paisaje No. 1), 1963, óleo sobre lienzo, 60 1/4 x 50 1/2 pulgadas, colección: Museo de Arte Moderno de San Francisco. ), y más tarde, en la década de 1970, el neoexpresionismo . El Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, del que David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn , cuyo cuadro Cityscape 1, 1963 es un ejemplo típico, fueron miembros influyentes que florecieron durante las décadas de 1950 y 1960 en California . Aunque a lo largo del siglo XX los pintores continuaron practicando el realismo y utilizando imágenes, practicando la pintura paisajística y figurativa con temas contemporáneos y una técnica sólida y una expresividad única como Milton Avery , Edward Hopper , Jean Dubuffet , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Philip Pearlstein y otros. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein , Martial Raysse , Niki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Antoni Tàpies , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl , John Baeder y Vija CelminsHubo algunos que se hicieron prominentes entre los años 1960 y 1980. Fairfield Porter fue en gran medida autodidacta y produjo trabajos representativos en medio del movimiento expresionista abstracto . Sus temas fueron principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de escritores de Nueva York , incluidos John Ashbery , Frank O'Hara y James Schuyler . Muchas de sus pinturas fueron ambientadas en o alrededor de la casa de verano familiar en Great Spruce Head Island, Maine .
Neo-Dada es un movimiento que comenzó en las décadas de 1950 y 1960 y se relacionó con el expresionismo abstracto sólo con imágenes. Destaca la aparición de artículos manufacturados combinados, con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de la pintura. Esta tendencia en el arte está ejemplificada por el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg , cuyas "cosechadoras" en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de instalación , y utilizaron el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y objetos comerciales. fotografía. Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine y Edward Kienholz , entre otros, fueron importantes pioneros tanto de la abstracción como del arte pop; crear nuevas convenciones de creación artística; hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical de materiales inverosímiles como parte de sus obras de arte.
Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de diversos estilos. La abstracción geométrica , el op art, la pintura de bordes duros , la pintura Color Field y la pintura minimalista fueron algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un importante pionero en la pintura Colorfield avanzada , su trabajo puede servir como puente entre el expresionismo abstracto , la pintura Colorfield y el arte minimalista . Dos influyentes profesores, Josef Albers y Hans Hofmann, introdujeron a una nueva generación de artistas estadounidenses en sus avanzadas teorías del color y el espacio. Josef Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstraccionista geométrico . Los más famosos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie Homenaje a la Plaza . En esta rigurosa serie, iniciada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados planos de colores dispuestos concéntricamente en el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de la pintura dura como del Op art.
Josef Albers , Hans Hofmann , Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , [41] Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry Zox y Al Held son artistas estrechamente asociados con la abstracción geométrica , el op art, la pintura de campos de color y, en el caso de Hofmann y Newman, también con el expresionismo abstracto. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, son ejemplos de artistas asociados al minimalismo y (a excepción de Martin, Baer y Marden) al uso del lienzo moldeado. también durante el período que comenzó a principios de los años sesenta. Muchos artistas abstractos geométricos , minimalistas y pintores de bordes duros optaron por utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo moldeado se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente afiladas o de carácter minimalista . La Galería Bykert y la Galería Park Place fueron importantes escaparates del minimalismo y la pintura sobre lienzos moldeados en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.
En 1965, se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York una exposición llamada The Responsive Eye , curada por William C. Seitz. Las obras mostradas fueron muy variadas, abarcando el minimalismo de Frank Stella , el Op art de Larry Poons, el trabajo de Alexander Liberman , junto con los maestros del movimiento Op Art: Victor Vasarely , Richard Anuszkiewicz , Bridget Riley y otros. La exposición se centró en los aspectos perceptivos del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento como de la interacción de las relaciones de color. El op art, también conocido como arte óptico, es un estilo presente en algunas pinturas y otras obras de arte que utilizan ilusiones ópticas . El op art también es muy similar a la abstracción geométrica y la pintura de bordes duros . Aunque en ocasiones el término utilizado para ello es abstracción perceptual. El op art es un método de pintura que trata de la interacción entre la ilusión y el plano pictórico, entre la comprensión y la visión. [42] Las obras de arte óptico son abstractas, y muchas de las piezas más conocidas están realizadas únicamente en blanco y negro. Cuando el espectador los mira, da la impresión de movimiento, imágenes ocultas, destellos y vibraciones, patrones o, alternativamente, hinchazón o deformación.
La pintura Color Field apuntaba claramente hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, alejándose del expresionismo abstracto . La pintura Color Field está relacionada con la abstracción pospictórica , el suprematismo , el expresionismo abstracto, la pintura de bordes duros y la abstracción lírica .
La pintura Color Field buscó librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox y otros a menudo utilizaban referencias muy reducidas a la naturaleza y pintaban con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. Ciertos artistas hicieron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica. Gene Davis, junto con Kenneth Noland , Morris Louis y varios otros, fue miembro de los pintores de la Washington Color School que comenzaron a crear pinturas Color Field en Washington, DC durante las décadas de 1950 y 1960. Black, Grey, Beat es una gran pintura de rayas verticales y típico del trabajo de Gene Davis.
Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros y Al Loving son ejemplos de artistas asociados con el uso del lienzo moldeado durante el período que comienza en principios de los años 1960. Muchos artistas abstractos geométricos , minimalistas y pintores de bordes duros optaron por utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo moldeado se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente afiladas o de carácter minimalista . A partir de 1960, Frank Stella produjo pinturas en pintura de aluminio y cobre y son sus primeras obras utilizando lienzos moldeados (lienzos con una forma distinta a la tradicional rectángulo o cuadrado), a menudo en forma de L, N, U o T. Posteriormente evolucionaron hasta convertirse en diseños más elaborados, por ejemplo en la serie Polígono irregular (67). También en la década de 1960, Stella comenzó a utilizar una gama más amplia de colores, normalmente dispuestos en líneas rectas o curvas. Más tarde comenzó su Serie Transportador (71) de pinturas, en las que arcos , a veces superpuestos, dentro de bordes cuadrados están dispuestos uno al lado del otro para producir círculos completos y semicírculos pintados en anillos de color concéntrico. Harran II, 1967, es un ejemplo de la Serie Transportador . Estas pinturas llevan el nombre de ciudades circulares que había visitado mientras estaba en el Medio Oriente a principios de la década de 1960. Los lienzos Irregular Polygon y la serie Protractor ampliaron aún más el concepto de lienzo con forma .
La Galería Andre Emmerich, la Galería Leo Castelli , la Galería Richard Feigen y la Galería Park Place fueron importantes escaparates de la pintura Color Field, la pintura sobre lienzos moldeados y la abstracción lírica en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Existe una conexión con la abstracción pospictórica , que reaccionó contra el misticismo, la hipersubjetividad y el énfasis de los expresionismos abstractos en hacer dramáticamente visible el acto de pintar en sí, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un prerrequisito casi ritual para pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura Color Field y el arte minimalista a menudo estaban estrechamente asociados entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970 ambos movimientos se volvieron decididamente diversos.
Otro movimiento relacionado de finales de la década de 1960, la abstracción lírica (el término fue acuñado por Larry Aldrich , fundador del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield Connecticut), abarcó lo que Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento. [43] También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos de los Estados Unidos entre 1969 y 1971. [44]
La abstracción lírica de finales de la década de 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen , [45] Ronnie Landfield , Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) [46] buscó ampliar los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, nuevos materiales y nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalaciones, repeticiones en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse . [46] Abstracción lírica, arte conceptual , posminimalismo , arte de la tierra , vídeo , arte performance , arte de instalación , junto con la continuación de Fluxus , expresionismo abstracto, pintura de campos de color, pintura de bordes duros , arte minimalista , arte óptico, arte pop, El fotorrealismo y el nuevo realismo ampliaron los límites del arte contemporáneo desde mediados de los años sesenta hasta los setenta. [47] La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta libre que surgió a mediados de la década de 1960, cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de expresionismo pictórico y pictórico con un enfoque predominante en el proceso, la gestalt y las estrategias compositivas repetitivas en general. [48] [44]
La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campo de color y el expresionismo abstracto, especialmente en el uso libre de la pintura: textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura cepillada, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se parecen superficialmente a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura de campo de color. Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Lo que lo distingue del expresionismo abstracto y la pintura de acción de las décadas de 1940 y 1950 es el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en Action Painting, hay un énfasis en las pinceladas, un alto drama compositivo y una tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica , como lo ejemplifica la pintura de Ronnie Landfield de 1971, Garden of Delight (arriba), hay una sensación de aleatoriedad compositiva en toda la composición, un drama compositivo discreto y relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad general. . Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Philip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly , Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden , Robert Mangold , Sam Gilliam , John Hoyland , Sean Scully , Blinky Palermo , Pat Steir , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile , Mino Argento y docenas de otros produjeron pinturas vitales e influyentes.
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Artistas como Larry Poons —cuyo trabajo se relacionaba con el Op Art con su énfasis en puntos, óvalos e imágenes residuales que rebotaban en campos de color— Ellsworth Kelly , Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell y Robert Ryman también habían comenzado a explorar las rayas , y Formatos de borde duro desde finales de los años cincuenta hasta los sesenta. [49]
Debido a una tendencia en el minimalismo a excluir lo pictórico, ilusionista y ficticio en favor de lo literal, como lo demostró Robert Mangold , quien entendió el concepto de la forma del lienzo y su relación con la objetividad , hubo un movimiento que se alejó de lo pictórico y hacia inquietudes escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor y terminado como creador de objetos. Su ensayo fundamental, "Objetos específicos" (publicado en Arts Yearbook 8, 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló evidencia de este desarrollo en las obras de una variedad de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia "preliminar" para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman , [50] quien había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y cargadas de filosofía. Estos Objetos Específicos habitaban un espacio que entonces no podía clasificarse cómodamente como pintura o escultura. El hecho de que la identidad categórica de tales objetos estuviera en duda y evitaran una fácil asociación con convenciones gastadas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd.
En un sentido mucho más general, se podrían encontrar raíces europeas del minimalismo en los pintores de abstracciones geométricas de la Bauhaus , en las obras de Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento DeStijl, en los constructivistas rusos y en la obra del escultor rumano Constantin. Brâncuși . Pintores americanos como Brice Marden y Cy Twombly muestran una clara influencia europea en su pintura puramente abstracta y minimalista de los años 60. Las obras de poliuretano de Ronald Davis de finales de la década de 1960 rinden homenaje a los Vidrios Rotos de Marcel Duchamp .
Este movimiento fue duramente criticado por críticos e historiadores de arte formalistas modernistas. Algunos críticos ansiosos pensaron que el arte minimalista representaba una mala comprensión de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura tal como la define el crítico Clement Greenberg , posiblemente el crítico de pintura estadounidense dominante en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue realizada por Michael Fried , un crítico greenbergiano, que objetó la obra por su "teatralidad". En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte minimalista, en particular la escultura minimalista, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Sostuvo que obras como la de Robert Morris transformaban el acto de mirar en un tipo de espectáculo , en el que se develaba el artificio de la observación del acto y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético interno a un evento externo a la obra de arte como un fracaso del arte minimalista.
Ad Reinhardt , en realidad un artista de la generación expresionista abstracta , pero cuyas reductivas pinturas completamente negras parecían anticipar el minimalismo, dijo lo siguiente sobre el valor de un enfoque reduccionista del arte: "Cuanto más cosas hay en él, más ocupada está la obra". "En el arte, peor es. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para la vista clara. Desnudarse a uno mismo es obsceno. El arte comienza con deshacerse de la naturaleza".
Otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante las décadas de 1960 y 1970, caracterizadas por la pintura monocromática y la pintura de bordes duros inspirada en Ad Reinhardt, Barnett Newman , Milton Resnick y Ellsworth Kelly . Artistas tan diversos como Agnes Martin, Al Held, Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden y otros exploraron el poder de la simplificación. La convergencia de la pintura Color Field , el arte minimalista , la pintura de vanguardia, la abstracción lírica y el posminimalismo desdibujó la distinción entre movimientos que se hizo más evidente en las décadas de 1980 y 1990. El movimiento neoexpresionista está relacionado con desarrollos anteriores del expresionismo abstracto , el neodadá , la abstracción lírica y la pintura posminimal.
A finales de la década de 1960, el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a liderar una transición del expresionismo abstracto al neoexpresionismo en la pintura, abandonando la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de representaciones más caricaturescas de diversos símbolos y objetos personales. Estas obras sirvieron de inspiración para una nueva generación de pintores interesados en un resurgimiento de las imágenes expresivas. Su pintura Painting, Smoking, Eating (1973), que se ve arriba en la galería, es un ejemplo del regreso final y concluyente de Guston a la representación. [51]
A finales de los años 1970 y principios de los 1980, también se produjo un retorno a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña . Estos movimientos se denominaron Transavantguardia , Neue Wilde , Figuración Libre , [52] Neoexpresionismo , la escuela de Londres, y a finales de los años 1990 los Stuckists , grupo que surgió a finales de los años 1990 respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por los grandes formatos, la libre expresión expresiva, la figuración, el mito y la imaginación. Todo trabajo de este género pasó a ser etiquetado como neoexpresionismo . La reacción crítica estuvo dividida. Algunos críticos consideraron que estaba impulsado por motivaciones lucrativas de las grandes galerías comerciales. Este tipo de arte continúa ganando popularidad en el siglo XXI, incluso después de la crisis del arte de finales de los años 1980.
A finales de la década de 1970, en los Estados Unidos, los pintores que comenzaron a trabajar con superficies vigorizadas y que regresaron a las imágenes, como Susan Rothenberg, ganaron popularidad, especialmente como se ve arriba en pinturas como Horse 2, 1979. [53] Durante la década de 1980, artistas estadounidenses como Eric Fischl , David Salle , Jean-Michel Basquiat (quien comenzó como grafitero ), Julian Schnabel y Keith Haring , y pintores italianos como Mimmo Paladino , Sandro Chia y Enzo Cucchi , entre otros definieron la idea del neoexpresionismo en América. [54]
El neoexpresionismo fue un estilo de pintura moderna que se hizo popular a finales de los años 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de los años 1980. Se desarrolló en Europa como reacción contra el arte conceptual y minimalista de los años 1960 y 1970. Los neoexpresionistas volvieron a representar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera prácticamente abstracta), de una manera tosca y violentamente emocional utilizando colores vivos y armonías de color banales. Los pintores veteranos Philip Guston , Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck y Georg Baselitz , junto con artistas un poco más jóvenes como Anselm Kiefer , Eric Fischl , Susan Rothenberg , Francesco Clemente , Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , Keith Haring y muchos otros se hicieron conocidos por trabajar en esta intensa vena expresionista de la pintura.
A principios del siglo XXI la pintura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúan en varias modalidades contiguas, caracterizadas por la idea de pluralismo . [55] [56]
La pintura convencional ha sido rechazada por los artistas de la era posmoderna en favor del pluralismo artístico . [57] Según el crítico de arte Arthur Danto, prevalece una actitud de todo vale; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, "nada pasa"; Esto crea un atasco estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la superautopista artística llenos al máximo. [58] [59]
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