La pintura india tiene una tradición y una historia muy largas en el arte indio . [1] Las primeras pinturas indias fueron pinturas rupestres de tiempos prehistóricos , como los petroglifos encontrados en lugares como los refugios rocosos de Bhimbetka . Algunas de las pinturas rupestres de la Edad de Piedra encontradas entre los refugios rocosos de Bhimbetka tienen aproximadamente 10.000 años. Debido a las condiciones climáticas del subcontinente indio , hoy sobreviven muy pocos ejemplos antiguos.
La antigua literatura hindú y budista de la India tiene muchas menciones de palacios y otros edificios decorados con pinturas ( chitra ), [2] pero las pinturas de las cuevas de Ajanta son las más importantes de las pocas que sobreviven. Probablemente también se practicaba la pintura a menor escala en manuscritos en este período, aunque los primeros vestigios son del período medieval. [1] Un nuevo estilo surgió en la era mogol como una fusión de la miniatura persa con tradiciones indias más antiguas, y desde el siglo XVII su estilo se difundió en las cortes principescas indias de todas las religiones, cada una de las cuales desarrolló un estilo local. Los cuadros de la empresa se realizaban para clientes británicos bajo el raj británico , que a partir del siglo XIX también introdujo escuelas de arte de corte occidental. Esto dio lugar a la pintura india moderna, que vuelve cada vez más a sus raíces indias.
Las pinturas indias se pueden clasificar en términos generales como murales, miniaturas y pinturas sobre tela. Los murales son grandes obras ejecutadas sobre las paredes de estructuras sólidas, como en las Cuevas de Ajanta y el templo de Kailashnath. Las pinturas en miniatura se realizan a muy pequeña escala para libros o álbumes sobre material perecedero como papel y tela. En varios sitios con arquitectura india excavada en la roca , sobreviven rastros de murales, realizados con técnicas similares a los frescos , que se remontan a al menos 2.000 años, pero los restos de los siglos I y V en las cuevas de Ajanta son con diferencia los más significativos. [3]
Las pinturas sobre tela a menudo se producían en un contexto más popular, a menudo como arte popular , utilizadas, por ejemplo, por recitadores viajeros de poesía épica, como los Bhopas de Rajasthan y Chitrakathi en otros lugares, y compradas como recuerdos de peregrinaciones. Muy pocas supervivencias tienen más de 200 años, pero está claro que las tradiciones son mucho más antiguas. Algunas tradiciones regionales todavía producen obras. [4]
Parece claro que la pintura en miniatura, que a menudo ilustra manuscritos, tiene una historia muy larga, [5] pero las miniaturas jainistas de aproximadamente el siglo XII, en su mayoría de la India occidental, y las budistas ligeramente anteriores del Imperio Pala en el este son las más antiguas que se han conservado. sobrevivir. [6] Ilustraciones hindúes similares sobreviven aproximadamente del siglo XV en Occidente y del siglo XVI en la India Oriental, [7] momento en el cual la miniatura mogol bajo Akbar también ilustraba a veces traducciones al persa de las epopeyas hindúes y otros temas. [8]
El gran período de la pintura de la corte mogol comienza con el regreso de Humayun del exilio en Persia en 1555 y trayendo consigo a artistas persas. Termina durante el reinado de Aurangzeb , quien desaprobaba la pintura por razones religiosas y disolvió el gran taller imperial, quizás hacia 1670. Los artistas se dispersaron a cortes principescas más pequeñas, tanto musulmanas como hindúes, y el estilo "post-mogol" se desarrolló en muchas variantes locales. [9] Estos incluían diferentes escuelas de pintura de Rajasthani como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala también pertenecen a esta escuela, al igual que la última pintura de la Compañía realizada para clientes británicos a partir de mediados del siglo XVIII.
El arte indio moderno ha visto el surgimiento de la Escuela de Arte de Bengala en la década de 1930, seguida de muchas formas de experimentación en estilos europeos e indios. A raíz de la independencia de la India, se desarrollaron muchos géneros artísticos nuevos gracias a artistas importantes como Jamini Roy, MF Husain , Francis Newton Souza y Vasudeo S. Gaitonde . Con el progreso de la economía las formas y estilos del arte también sufrieron muchos cambios. En la década de 1990, la economía india fue liberalizada e integrada a la economía mundial, lo que condujo al libre flujo de información cultural dentro y fuera. Los artistas incluyen a Subodh Gupta , Atul Dodiya , Devajyoti Ray , Bose Krishnamachari y Jitish Kallat, cuyas obras fueron subastadas en los mercados internacionales. Bharti Dayal ha elegido manejar la pintura tradicional de Mithila de la manera más contemporánea y ha creado su propio estilo a través de ejercicios de su propia imaginación, que parecen frescos e inusuales.
Las pinturas prehistóricas generalmente eran ejecutadas sobre rocas y estos grabados rupestres recibían el nombre de petroglifos . Estas pinturas generalmente representan animales como bisontes, osos, tigres, etc. [10] Las pinturas indias más antiguas son arte rupestre en cuevas que tienen alrededor de 30.000 años de antigüedad, como las pinturas rupestres de Bhimbetka . [11]
Hay muchos tratados indios importantes dedicados a la pintura, tradicionalmente llamada chitra . Algunos de estos son capítulos dentro de textos similares a una enciclopedia más grande. Datan entre los siglos IV y XIII d.C. Estos incluyen: [12] [13]
Estos y otros textos sobre pintura analizan las ideas, la teoría y la práctica india de la pintura, su relación con otras artes, los métodos de preparación del lienzo o la pared, recetas para fabricar pigmentos de color y otros temas. [13] [18] [14]
La historia de los murales indios comienza en la época antigua y temprana de la Edad Media, desde el siglo II a.C. hasta el siglo VIII-X d.C. Se conocen más de 20 lugares en toda la India que contienen murales de este período, principalmente cuevas naturales y cámaras excavadas en la roca. Estas incluyen las cuevas de Ajanta , Bagh , Sittanavasal , la cueva Armamalai (Tamil Nadu), el templo Kailasanatha en las cuevas de Ellora , Ramgarh y Sitabinji.
Los murales de este período representan principalmente temas religiosos de las religiones budista, jainista e hindú. Sin embargo, también hay lugares donde las pinturas eran seculares. Esto incluye la cueva pintada y el teatro más antiguos conocidos en Chhattisgarh, las cuevas de Jogimara y Sitabenga , que datan de entre los siglos III y I a.C. [19] [20]
Los primeros restos de pinturas indias portátiles son todos miniaturas de textos (la gran mayoría) u objetos pintados, como cajas. A pesar de la considerable evidencia de que existieron pinturas sobre tela de mayor tamaño (conocidas como pata ), y de hecho de los textos supervivientes que explican cómo realizarlas, no se sabe que sobreviva ni una sola pintura india medieval sobre tela, a menos que algunas budistas hayan sido consideradas tibetanas [21 ] o de Asia Central. Algunas de las imágenes recuperadas allí por Sir Aurel Stein son pinturas indias, la mayoría budistas y algunas con deidades hindúes como Ganesha y Shiva. [1] Según Blurton, estas primeras pinturas no sobrevivieron en gran parte debido al clima nocivo de la India, así como al "problema añadido de la iconoclasia musulmana" en los siglos siguientes. [1]
El patrón de pintura mural a gran escala que había dominado la escena fue testigo de la llegada de las pinturas en miniatura durante los siglos XI y XII. Este nuevo estilo apareció por primera vez en forma de ilustraciones grabadas en manuscritos de hojas de palma. [ cita necesaria ]
En el este de la India, los principales centros de actividades artísticas e intelectuales de la religión budista fueron Nalanda, Odantapuri, Vikramshila y Somarpura situadas en el reino de Pala (Bengala y Bihar). La pintura en miniatura de esta región se conserva desde el siglo X. Estas miniaturas, que representan divinidades budistas y escenas de la vida de Buda, fueron pintadas en las hojas (aproximadamente 2,25 por 3 pulgadas) de los manuscritos de hojas de palma, así como en sus cubiertas de madera. Los manuscritos ilustrados budistas más comunes incluyen los textos Astasahasrika Prajnaparamita , [22] Pancharaksa , Karandavyuha y Kalachakra Tantra . Las miniaturas más antiguas que se conservan se encuentran en un manuscrito del Astasahasrika Prajnaparamita fechado en el sexto año de reinado de Mahipala (c. 993), actualmente posesión de la Sociedad Asiática de Calcuta. Este estilo desapareció de la India a finales del siglo XII.
La influencia de las pinturas de la India oriental se puede ver en varios templos budistas en Bagan , Myanmar, particularmente en el templo Abeyadana , que lleva el nombre de la reina consorte de Myanmar, en Abeyadana , que tenía raíces indias, y en el templo Gubyaukgyi . [23] Las influencias de las pinturas de la India oriental también se pueden observar claramente en las pinturas tibetanas de Thangka . [24]
Los manuscritos ilustrados que se conservan de la India occidental, principalmente de Gujarat , comienzan alrededor del siglo XI, pero en su mayoría son del XIII en adelante. Los ejemplos que sobrevivieron inicialmente son todos jainistas . En el siglo XV se estaban volviendo cada vez más lujosos y se utilizaba mucho oro. [25]
El texto manuscrito ilustrado con mayor frecuencia es el Kalpa Sūtra , que contiene las biografías de los Tirthankaras , en particular Parshvanatha y Mahavira . Las ilustraciones son paneles cuadrados colocados en el texto, con "dibujos nervudos" y "colores brillantes, incluso parecidos a una joya". Las figuras siempre se ven en vista de tres cuartos, con distintivas "narices largas y puntiagudas y ojos saltones". Existe una convención según la cual el lado más lejano de la cara sobresale, de modo que se ven ambos ojos. [26]
Los textos antiguos definían seis aspectos importantes de la pintura. Estos 'Seis miembros' se han traducido de la siguiente manera: [27]
El desarrollo posterior de la pintura por parte de los budistas indica que estos "seis miembros" fueron puestos en práctica por artistas indios y son los principios básicos sobre los que se fundó su arte.
La pintura mogol es un estilo de pintura india, generalmente confinada a ilustraciones en libros y realizadas en miniaturas, y que surgió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol entre los siglos XVI y XIX. [28] El estilo mogol estuvo fuertemente influenciado por las miniaturas persas y, a su vez, influyó en varios estilos indios, incluidos los estilos de pintura Rajput , Pahari y Deccan .
Las pinturas mogoles eran una combinación única de estilos indio, persa e islámico. Como los reyes mogoles querían registros visuales de sus hazañas como cazadores y conquistadores, sus artistas los acompañaron en expediciones militares o misiones de estado, o registraron sus hazañas como cazadores de animales, o los representaron en las grandes ceremonias dinásticas de matrimonios. [29]
El reinado de Akbar (1556-1605) marcó el comienzo de una nueva era en la pintura de miniaturas india. [30] Después de consolidar su poder político, construyó una nueva capital en Fatehpur Sikri, donde coleccionó artistas de la India y Persia. Fue el primer monarca que estableció en la India un taller bajo la supervisión de dos maestros artistas persas, Mir Sayyed Ali y Abdus Samad . Anteriormente, ambos habían servido bajo el patrocinio de Humayun en Kabul y lo acompañaron a la India cuando recuperó su trono en 1555. Trabajaron más de cien pintores, la mayoría de los cuales eran de Gujarat, Gwalior y Cachemira, que dieron a luz a a una nueva escuela de pintura, conocida popularmente como Escuela Mughal de Pinturas en Miniatura.
Tuti-Nama fue una de las primeras obras mogoles de mediados del siglo XVI, y las similitudes, particularmente en las figuras femeninas, con la escuela indígena de la India occidental son claramente visibles. Mientras que algunos consideran que se trata de una fase de transición en la que se combinaron las características estilísticas de las escuelas indígenas y persas, otros consideraron que se trataba de un trabajo de artistas que se formaron en la escuela de la India occidental y que trabajaron en el taller de Akbar para producir arte para la paleta mogol. tal vez bajo la supervisión de maestros persas.
Otra producción temprana de esa escuela de pintura en miniatura fue el manuscrito Akbar Hamzanama , que según el historiador de la corte Badayuni se inició en 1567 y se completó en 1582. Se ilustró el Hamzanama , un relato épico persa de Amir Hamza, un tío del Profeta. por Mir Sayyid Ali . Las pinturas del Akbar Hamzanama son de gran tamaño, 20 x 27", y fueron pintadas sobre tela. Son de estilo persa safavi. Predominan los brillantes colores rojo, azul y verde; el rosa, las rocas erosionadas y la vegetación, planos y Los ciruelos y melocotoneros en flor recuerdan a Persia. El estilo del Hamza Nama es muy diferente al del Tuti Nama. Esta diferencia se debió a un conjunto diferente de artistas que fueron formados en el estilo persa o a un cambio consciente de estilo. En cualquier caso, la pintura mogol evolucionó rápidamente hacia un estilo más fluido y naturalista, diferente de la rigidez de las figuras vistas en pinturas anteriores. Sin embargo, si se analizan de cerca, todavía existen vínculos con las escuelas de la India occidental, particularmente en la representación de la figura femenina.
Después de él, Jahangir animó a los artistas a pintar retratos y escenas durbar. [31] [30] Sus retratistas más talentosos fueron Ustad Mansur , Abul Hasan y Bishandas .
Shah Jahan (1627-1658) continuó el patrocinio de la pintura. [31] Algunos de los artistas famosos de la época fueron Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr , Chitarman, Anupchhatar, Manohar y Honhar. [32] [30]
Aurangzeb no tenía gusto por las bellas artes, probablemente debido a su conservadurismo islámico. [31] Debido a la falta de mecenazgo, los artistas emigraron a Deccan y a las cortes hindúes de Rajputana , influyendo enormemente en los estilos de estos centros.
La pintura de Deccan se produjo en la región de Deccan en la India central , en las diversas capitales musulmanas de los sultanatos de Deccan que surgieron de la desintegración del sultanato de Bahmani en 1520. Estas fueron Bijapur , Golkonda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . El período principal fue entre finales del siglo XVI y mediados del XVII, [34] [35] con una especie de resurgimiento a mediados del siglo XVIII, para entonces centrado en Hyderabad .
En comparación con la pintura mogol temprana que evolucionó al mismo tiempo hacia el norte, [36] la pintura de Deccan excede en "el brillo de su color, la sofisticación y el arte de su composición, y un aire general de lujo decadente". [37] Otras diferencias incluyen pintar rostros, modelados no muy expertamente, en vista de tres cuartos, en lugar de principalmente de perfil al estilo mogol, y "mujeres altas con cabezas pequeñas" que usan saris. Hay muchos retratos reales, aunque carecen de la semejanza precisa de sus equivalentes mogoles. Los edificios se representan como "paneles totalmente planos parecidos a una pantalla". [38]
Las pinturas ragamala , conjuntos que ilustran (evocando sus estados de ánimo) las diversas formas musicales raga , parecen haber sido una innovación del Deccan. Además de los habituales retratos e ilustraciones de obras literarias, a veces hay crónicas ilustradas, como Tuzuk-i-Asafiya . Una especialidad del Deccan (que a veces también se encuentra en otros medios, como el marfil ) [39] es el "animal compuesto", un animal grande formado por muchas imágenes más pequeñas de otros animales.
Las primeras escuelas Mewar y Malwa, a veces también conocidas colectivamente como escuela de la India occidental, se desarrollaron alrededor de este período y son estilísticamente similares y están vinculadas al estilo de representación en los textos de Gujarat de los siglos XIV y XV. Los ojos grandes y similares, las figuras rígidas, las caderas y los senos protuberantes son una característica que los une. El grupo de pinturas Kulhadar se considera una de las mejores obras ejecutadas pertenecientes a la escuela de la India occidental. Realizadas a principios del siglo XVI, las pinturas de este grupo se caracterizaban por hombres que llevaban un gorro cónico (Kulha) sobre el que llevaban turbantes. El grupo de pinturas de Kulhadar estaba formado por Chaurapanchasika - "Cincuenta versos del ladrón" de Bilhan, el Gita Govinda, el Bhagavata Purana y Ragamala.
Impulsada por las conquistas islámicas, a mediados del siglo XVI la influencia de Asia central comenzó a infiltrarse en la representación artística india. El uso de láminas de oro y azul ultramar derivado del lapizlázuli importado fueron dos de las influencias persas que se adoptaron en la pintura india. Los manuscritos de Laur Chanda que se encuentran en el Museo Nacional son un ejemplo de esa influencia.
Varios estilos diferentes de pintura Rajput se desarrollaron desde finales del siglo XVI en adelante en las cortes reales hindúes de Rajputana . [40] [41] Cada reino de Rajput desarrolló un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Las pinturas de Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata , la vida de Krishna, hermosos paisajes y humanos. Muchas miniaturas eran piezas de álbumes individuales, pero también hay libros ilustrados y, al mismo tiempo, hubo algunas pinturas murales en las paredes de palacios, fuertes y havelis . Esto era especialmente cierto en la región de Shekhawati , donde los empresarios marwari , principalmente activos en las grandes ciudades, competían por tener exteriores pintados de colores brillantes en las casas que mantenían en su región de origen.
La pintura Rajput consta de cuatro grupos principales:
La pintura Pahari es la extensión más septentrional del estilo Rajput, pero normalmente se trata por separado.
El estilo Pahari , también conocido como estilo Punjab Hills, se desarrolló y floreció durante los siglos XVII al XIX y se extendió desde Jammu hasta Almora y Garhwal , en la India subhimalaya , hasta Himachal Pradesh . [42] Las pinturas de Pahari se pueden agrupar en dos grupos: la escuela Jammu o Dogra; y la escuela Basholi y Kangra. [43] Cada uno creó marcadas variaciones dentro del género, que van desde la intensa y audaz pintura Basohli , originaria de Basohli en Jammu y Cachemira , hasta las delicadas y líricas pinturas Kangra , que se convirtieron en sinónimo del estilo antes de que se desarrollaran otras escuelas de pintura. [42] [41]
Un manuscrito del Nimatnama pintado en Mandu, durante el reinado de Nasir Shah (1500-1510), marcó una nueva tendencia en la ilustración de manuscritos. Esto representa una síntesis del estilo indígena y el estilo persa patrocinado, aunque fue este último el que dominó los manuscritos mandu. [ cita necesaria ] Hubo otro estilo de pintura conocido como Lodi Khuladar que floreció en el dominio del Sultanato en el norte de la India, que se extendía desde Delhi hasta Jaunpur. [ cita necesaria ]
La pintura de Mysore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India que se originó en la ciudad de Mysore en Karnataka. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores apagados y atención al detalle. Los temas de la mayoría de estas pinturas son dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.
El proceso de realización de una pintura de Mysore implica muchas etapas. La primera etapa consiste en realizar el boceto preliminar de la imagen sobre la base. La base consta de papel cartuchera pegado sobre una base de madera. Se elabora una pasta a base de óxido de zinc y goma arábiga llamada "pasta de gesso". Con la ayuda de un pincel fino se pintan todas las joyas y las partes del trono o del arco que tienen algún relieve para dar un efecto de talla ligeramente elevado. Esto se deja secar. Sobre esta fina lámina de oro se pega. Luego se pinta el resto del dibujo con acuarelas. Sólo se utilizan colores apagados.
La pintura Tanjore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. Esta forma de arte se remonta a principios del siglo IX, un período dominado por los gobernantes Chola , que fomentaron el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores ricos y atención al detalle. Los temas de la mayoría de estas pinturas son dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.
El proceso de realización de una pintura Tanjore implica muchas etapas. La primera etapa consiste en realizar el boceto preliminar de la imagen sobre la base. La base consta de una tela pegada sobre una base de madera. Luego se mezcla tiza en polvo u óxido de zinc con adhesivo soluble en agua y se aplica sobre la base. Para suavizar la base, a veces se utiliza un abrasivo suave. Después de realizar el dibujo, la decoración de las joyas y los vestidos de la imagen se realiza con piedras semipreciosas. También se utilizan cordones o hilos para decorar las joyas. Encima se pegan las láminas de oro. Finalmente, se utilizan tintes para agregar color a las figuras de las pinturas.
Pattachitra se refiere a la pintura clásica de Odisha y Bengala Occidental , en la región oriental de la India. 'Patta' en sánscrito significa 'Vastra' o 'ropa' y 'chitra' significa pinturas.
El Patachitra de Bengala hace referencia a la pintura de Bengala Occidental . Es una herencia tradicional y mitológica de Bengala Occidental . El Patachitra de Bengala se divide en algunos aspectos diferentes como Durga Pat , Chalchitra , Patachitra tribal , Medinipur Patachitra , Kalighat Patachitra , etc. [44] El tema del Patachitra de Bengala es principalmente historias mitológicas, religiosas, folklore y sociales. El Kalighat Patachitra, la última tradición del Patachitra bengalí es desarrollado por Jamini Roy . El artista del Patachitra bengalí se llama Patua . [45]
La tradición de Orisha Pattachitra está estrechamente vinculada con la adoración del Señor Jagannath . Aparte de la evidencia fragmentaria de pinturas en las cuevas de Khandagiri y Udayagiri y los murales de Sitabhinji del siglo VI d.C., las primeras pinturas indígenas de Odisha son el Pattachitra realizado por los Chitrakars (los pintores se llaman Chitrakars). [46] El tema de la pintura Oriya se centra en la secta Vaisnava . Desde el comienzo de la cultura Pattachitra, el Señor Jagannath, que era una encarnación del Señor Krishna, fue la principal fuente de inspiración. El tema de Patta Chitra es principalmente historias mitológicas, religiosas y folklore. Los temas son principalmente sobre el Señor Jagannath y Radha - Krishna , diferentes "Vesas" de Jagannath , Balabhadra y Subhadra , las actividades del templo, las diez encarnaciones de Vishnu basadas en el ' Gita Govinda ' de Jayadev , Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana , Mahabharata . También se pintan cuadros individuales de dioses y diosas. Los pintores utilizan colores vegetales y minerales, sin recurrir a colores de carteles fabricados en fábrica. Ellos preparan sus propios colores. El color blanco se obtiene de las conchas moliéndolas, hirviéndolas y filtrándolas en un proceso muy peligroso. Requiere mucha paciencia. Pero este proceso da brillo y permanencia al tono . Para el rojo se utiliza 'Hingula', un color mineral. Se utilizan 'Haritala', rey de las piedras para el amarillo, y 'Ramaraja', una especie de índigo para el azul. Se utiliza negro de humo puro o negro preparado a partir de la quema de cáscaras de coco. Los cepillos que utilizan estos 'Chitrakaras' también son indígenas y están hechos de pelo de animales domésticos. Un mechón de pelo atado al extremo de una vara de bambú forma el cepillo. Es realmente sorprendente cómo estos pintores logran trazar líneas de tanta precisión y terminarlas con la ayuda de estos toscos pinceles. Esa antigua tradición de la pintura Oriya aún sobrevive hoy en las hábiles manos de Chitrakaras (pintores tradicionales) en Puri , Raghurajpur , Paralakhemundi , Chikiti y Sonepur .
La pintura de Assam llevó a su crecimiento en respuesta al movimiento neovaisnavismo a partir del siglo XV e incluso recibió el patrocinio real bajo varias clases reales anteriores. La pintura manuscrita de Assam continuó floreciendo hasta la decadencia del reino de Ahom .
La pintura madhubani es un estilo de pintura que se practica en la región de Mithila del estado de Bihar. [47] Los temas giran en torno a los dioses hindúes y la mitología, junto con escenas de la corte real y eventos sociales como bodas. En general, no se deja espacio vacío; los huecos se llenan con pinturas de flores, animales, pájaros e incluso diseños geométricos. En estas pinturas, los artistas usan hojas, hierbas y flores para crear el color que se usa para dibujar las pinturas.
Cuando comenzó el gobierno de la Compañía en la India en el siglo XVIII, un gran número de europeos emigró a la India. El estilo de la Compañía es un término para un estilo híbrido indoeuropeo de pinturas realizadas en la India por artistas indios y europeos, muchos de los cuales trabajaron para patrocinadores europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. [48] [30] El estilo combinó elementos tradicionales de la pintura Rajput y Mughal con un tratamiento más occidental de perspectiva, volumen y recesión.
A principios del siglo XVIII, la pintura al óleo y de caballete comenzó en la India, lo que vio a muchos artistas europeos, como Zoffany , Kettle , Hodges , Thomas y William Daniell , Joshua Reynolds , Emily Eden y George Chinnery, viajaron a la India en busca de fama y fortuna. Las cortes de los estados principescos de la India fueron un importante atractivo para los artistas europeos debido a su patrocinio de las artes visuales y escénicas. Para los artistas indios, esta influencia occidental, en gran medida resultado del colonialismo, era vista como "un medio para la superación personal", y estos artistas académicos occidentales que visitaron la India proporcionaron el modelo. [49] Sin embargo, no proporcionaron la capacitación. Según R. Siva Kumar, "Esta tarea, que recayó en las diversas escuelas de arte establecidas en la década de 1850, dio un marco institucional a la occidentalización del arte indio". [49]
Se establecieron las primeras escuelas de arte formales de la India, a saber, la Escuela Gubernamental de Bellas Artes de Madrás (1850), la Escuela Gubernamental de Arte y Artesanía de Calcuta (1854) y la Escuela de Arte Sir JJ de Bombay (1857). [50]
Raja Ravi Varma fue un pionero de la pintura india moderna. Se basó en tradiciones y técnicas occidentales, incluida la pintura al óleo y la pintura de caballete, y sus temas eran puramente indios, como deidades hindúes y episodios de las epopeyas y los Puranas . Algunos otros pintores indios destacados nacidos en el siglo XIX son Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867–1944), AX Trindade (1870–1935), [51] MF Pithawalla (1872–1937), [52] Sawlaram Lakshman Haldankar (1882–1968). y Hemen Majumdar (1894-1948).
En el siglo XIX, según R. Siva Kumar, "la occidentalización selectiva para la superación personal dio paso a una postura cultural nacionalista contraria al cambio de siglo: universalmente, el primer paso hacia una resistencia política hacia el dominio colonial". [53] En la práctica, esto se materializó como una asimilación de "diversos elementos asiáticos", expandiendo la tradición más que reviviéndola. [53] El destacado artista de la época, Abanindranath Tagore (1871-1951), utilizó tanto el realismo de influencia occidental como elementos asiáticos que lo acercaron "al modernismo temprano". [53]
Una reacción a la influencia occidental condujo a un resurgimiento del arte indio histórico y más nacionalista, llamado escuela de arte de Bengala , que se basó en la rica herencia cultural de la India.
La Escuela de Arte de Bengala fue un estilo de arte influyente que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Se asoció con el nacionalismo indio, pero también fue promovido y apoyado por muchos administradores artísticos británicos.
La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos artísticos académicos previamente promovidos en la India, tanto por artistas indios como Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. Tras la influencia generalizada de las ideas espirituales indias en Occidente, el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar las miniaturas mogoles . Esto provocó una inmensa controversia, que provocó una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluso de nacionalistas que consideraron que se trataba de una medida regresiva. Havel contó con el apoyo del artista Abanindranath Tagore , sobrino del poeta y artista Rabindranath Tagore . [30] [54] Abanindranath pintó una serie de obras influenciadas por el arte mogol, un estilo que él y Havel creían que expresaba las distintas cualidades espirituales de la India, en contraposición al "materialismo" de Occidente. Su pintura más conocida, Bharat Mata (Madre India), representaba a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India.
Más tarde, Tagore intentó desarrollar vínculos con artistas del Lejano Oriente como parte de una aspiración de construir un modelo de arte panasiático . Aquellos asociados con este modelo Indo-Lejano Oriente incluyeron a Nandalal Bose , Mukul Dey , Kalipada Ghoshal , Benode Behari Mukherjee , Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal , Beohar Rammanohar Sinha y, posteriormente, sus estudiantes A. Ramachandran , Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay y un algunos otros.
La influencia de la escuela de Bengala en la escena artística india comenzó a disminuir gradualmente con la difusión de las ideas modernistas posteriores a la independencia. El papel de KG Subramanyan en este movimiento es significativo.
El término Modernismo Contextual que Siva Kumar utilizó en el catálogo de la exposición ha surgido como una herramienta crítica poscolonial en la comprensión del arte que habían practicado los artistas de Santiniketan.
Se han utilizado varios términos, incluida la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow, para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que "modernismo contextual" es un término más adecuado porque "lo colonial en la modernidad colonial no se adapta a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. La negativa de los maestros artistas de Santiniketan a la subordinación incorporaba una visión contraria a la modernidad, que buscaba "corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperial occidental. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares". [55]
Según R. Siva Kumar , "los artistas de Santiniketan fueron uno de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea de modernismo al optar por no aceptar tanto el modernismo internacionalista como el carácter indígena historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [56] Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de subsumir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee en la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaban por genealogías de aprendizaje más que por sus estilos, cosmovisiones y perspectivas sobre la práctica artística . [56]
El crítico literario Ranjit Hoskote , al revisar las obras del artista contemporáneo Atul Dodiya, escribe: "La exposición a Santinketan, a través de un desvío literario, abrió los ojos de Dodiya a las circunstancias históricas de lo que el historiador del arte R Siva Kumar ha llamado un "modernismo contextual" desarrollado en el este de la India en las décadas de 1930 y 1940, durante las turbulentas décadas de la Depresión global, la lucha de liberación de Gandhi, el renacimiento cultural de Tagore y la Segunda Guerra Mundial. [57]
El Modernismo Contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudios relacionados, especialmente en la Arquitectura . [58]
Durante la era colonial, las influencias occidentales comenzaron a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utilizaba ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy , se inspiraron conscientemente en el arte popular. [59] Bharti Dayal ha optado por manejar la pintura tradicional Mithila de la manera más contemporánea y utiliza tanto el realismo como el abstraccionismo en su trabajo con mucha fantasía mezclada con ambos. Su trabajo tiene un impecable sentido de equilibrio, armonía y gracia.
En el momento de la independencia en 1947, varias escuelas de arte de la India brindaron acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir a estos artistas. El arte indio moderno suele mostrar la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo está inspirado en temas e imágenes indios. Los artistas más importantes están empezando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre el público no indio.
El Grupo de Artistas Progresistas , establecido poco después de que la India se independizara en 1947, tenía como objetivo establecer nuevas formas de expresar la India en la era poscolonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes: KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza y FN Souza . Aunque el grupo se disolvió en 1956, tuvo una profunda influencia en el cambio del lenguaje del arte indio. [60] Casi todos los artistas más importantes de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son muy conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde , Krishen Khanna , Ram Kumar , Tyeb Mehta , Beohar Rammanohar Sinha y Akbar Padamsee . Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta , Prokash Karmakar , John Wilkins y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura artística de la India. Se han convertido en el icono del arte indio moderno. Historiadores del arte como el profesor Rai Anand Krishna también se han referido a aquellas obras de artistas modernos que reflejan el espíritu indio.
Además, el aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en lenguas vernáculas indias, se apropió de la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso, críticos como Geeta Kapur , [61] [62] R. Siva Kumar , [63] [54] [64] [65] contribuyó a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India. Sus voces representaron el arte indio no solo en la India sino en todo el mundo. Los críticos también tuvieron un papel importante como curadores de importantes exposiciones, redefiniendo el modernismo y el arte indio.
El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de los años 1990. Artistas de diversos campos comenzaron a incorporar diversos estilos de trabajo. Así pues, el arte indio posliberalización funciona no sólo dentro de los límites de las tradiciones académicas sino también fuera de ellas. En esta fase, los artistas han introducido conceptos aún más nuevos que hasta ahora no se habían visto en el arte indio. Devajyoti Ray ha introducido un nuevo género de arte llamado pseudorrealismo . El arte pseudorrealista es un estilo artístico original que se ha desarrollado íntegramente en suelo indio. El pseudorrealismo tiene en cuenta el concepto indio de abstracción y lo utiliza para transformar escenas habituales de la vida india en imágenes fantásticas.
El arte vernáculo es un arte vivo (arte contemporáneo), basado en el pasado (los mitos, las tradiciones y la religión) y realizado por grupos definidos. El arte vernáculo se basa en la memoria colectiva de este grupo.
Ejemplos de pintura india vernácula:
Pintura tribal:
Pintura Rural:
Desde entonces, las investigaciones han demostrado firmemente que muchas de estas pinturas pertenecen a la época mesolítica y pueden tener 10.000 años de antigüedad.
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