El Museo de Arte Nelson-Atkins es un museo de arte en Kansas City , Misuri , conocido por su colección enciclopédica de arte de casi todos los continentes y culturas, y especialmente por su extensa colección de arte asiático .
En 2007, la revista Time clasificó al nuevo edificio Bloch del museo como el número uno en su lista de "Las 10 mejores maravillas arquitectónicas (nuevas y próximas)", que consideró candidatos de todo el mundo. [1]
El 1 de septiembre de 2010, Julián Zugazagoitia (n. 1964) se convirtió en el quinto director del museo. [2] Zugazagoitia se había desempeñado anteriormente durante siete años como director y director ejecutivo de El Museo del Barrio en la ciudad de Nueva York.
El museo está abierto cinco días a la semana: lunes de 10 a.m. a 5 p.m., cerrado los martes y miércoles, abierto el jueves de 10 a 9, viernes de 10 a 9, sábado y domingo de 10 a 5. La admisión es gratis.
El museo fue construido en los terrenos de Oak Hall, la casa del editor del Kansas City Star, William Rockhill Nelson (1841-1915). [3] Cuando murió en 1915, su testamento dispuso que, tras la muerte de su esposa e hija, las ganancias de todo su patrimonio se destinarían a la compra de obras de arte para el disfrute público. Este legado se vio aumentado con fondos adicionales de las propiedades de la hija, el yerno y el abogado de Nelson. [4]
En 1911, la ex maestra de escuela Mary McAfee Atkins (1836-1911), viuda del especulador inmobiliario James Burris Atkins, legó 300.000 dólares para establecer un museo de arte. Gracias a una buena gestión del patrimonio y una economía en auge , esta cantidad aumentó a 700.000 dólares en 1927. Los planes originales requerían dos museos de arte basados en los legados separados [5] (con el Museo Atkins ubicado en Penn Valley Park ). Sin embargo, los fideicomisarios de los dos patrimonios decidieron combinar los dos legados junto con legados más pequeños de otros para formar una única institución artística importante.
El edificio fue diseñado por los destacados arquitectos de Kansas City Wight y Wight , quienes también diseñaron los accesos al Liberty Memorial y a la mansión del gobernador de Kansas , Cedar Crest . Se inició la construcción en julio de 1930 y el museo abrió sus puertas el 11 de diciembre de 1933. El estilo arquitectónico clásico Beaux-Arts del edificio se inspiró en el Museo de Arte de Cleveland . [4] Thomas Wight, el hermano que realizó la mayor parte del trabajo de diseño del edificio, dijo:
Estamos construyendo el museo sobre principios clásicos, porque han sido probados por los siglos. Se puede desarrollar un principio claramente americano apropiado para tal edificio, pero, hasta ahora, todo lo de ese tipo es experimental. No se experimenta con dos millones y medio de dólares. [6]
Cuando se inauguró el edificio original, su costo final fue de 2,75 millones de dólares (unos 54 millones de dólares en 2018). [4] Las dimensiones de la estructura de seis pisos eran 390 pies (120 m) de largo por 175 pies (53 m) de ancho, lo que la hacía más grande que el Museo de Arte de Cleveland.
El museo, que localmente se conocía como Nelson Art Gallery o simplemente Nelson Gallery, fue en realidad dos museos hasta 1983, cuando fue nombrado formalmente Museo de Arte Nelson-Atkins. Anteriormente, el ala este se llamaba Museo de Bellas Artes Atkins, mientras que el ala oeste y el vestíbulo se llamaban Galería de Arte William Rockhill Nelson. [7]
En el exterior del edificio, Charles Keck creó 23 paneles de piedra caliza que representan la marcha de la civilización de este a oeste, incluidas las caravanas que se dirigen al oeste desde Westport Landing . Las rejas de las puertas representan motivos de hojas de roble en memoria de Oak Hall. La fachada sur del museo es una estructura icónica en Kansas City que se eleva sobre una serie de terrazas hacia Brush Creek .
Casi al mismo tiempo que la construcción del museo, Howard Vanderslice donó 8 acres (32.000 m2 ) al oeste del museo, al otro lado de Oak Street, para el Kansas City Art Institute , que se mudó del edificio Deardorf en las calles 11 y Main. en el centro de Kansas City.
Como William Nelson, el principal contribuyente, donó dinero en lugar de una colección de arte personal, los curadores pudieron reunir una colección desde cero. En el apogeo de la Gran Depresión , el mercado mundial del arte se vio inundado de piezas en venta, pero había muy pocos compradores. Como tal, los compradores del museo encontraron un vasto mercado abierto para ellos. Las adquisiciones crecieron rápidamente y en poco tiempo Nelson-Atkins tenía una de las colecciones de arte más grandes del país. [8]
Uno de los componentes originales del edificio fue una recreación de la habitación con paneles de roble de Nelson en Oak Hall (y homónimo de la finca). La habitación contenía el sillón rojo de felpa y las estanterías para libros de Nelson. La sala fue desmantelada en 1988 para dar paso a un estudio de fotografía. [4] [9]
Un tercio del edificio en el primer y segundo piso del ala oeste quedó sin terminar cuando se inauguró para permitir una futura expansión. Una parte se completó en 1941 para albergar pinturas chinas y el resto del edificio se completó después de la Segunda Guerra Mundial . [4] En 1993, Michael Churchman escribió una historia del Museo de Arte Nelson-Atkins, Altos ideales y aspiraciones . [10]
El museo tuvo cuatro directores antes del nombramiento de Julián Zugazagoitia en 2010; el primero fue Paul Gardner (1894-1972). Originario de Massachusetts, Gardner se graduó en arquitectura en el MIT en 1917. Sirvió con distinción en la Primera Guerra Mundial , tras lo cual viajó por Europa y el norte de África durante un año. Aproximadamente en 1919 se convirtió en bailarín de la Compañía de Ballet de Anna Pavlova bajo el nombre de Paul Tchernikoff. Gardner finalmente regresó a la escuela de posgrado, obtuvo una maestría en historia europea de la Universidad George Washington en 1928 y luego se matriculó en el programa de doctorado en historia del arte en Harvard . En marzo de 1932, los cautelosos administradores de la Nelson Art Gallery, vacilantes a la hora de nombrar un director de pleno derecho, designaron al estudiante de posgrado como su asistente a modo de prueba. Gardner asumió el nuevo cargo de inmediato, por lo que los Fideicomisarios lo nombraron Director dieciocho meses después, el 1 de septiembre de 1933. Serviría durante los siguientes veinte años. [11]
Gardiner sirvió en el ejército estadounidense durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial con el rango de mayor . Fue nombrado jefe del Departamento de Bellas Artes y Educación del Gobierno Militar Aliado en la Italia ocupada . [12]
Ethylene Jackson (1907-1993), secretaria ejecutiva de Paul Gardner desde 1933, se convirtió en directora interina en noviembre de 1942, cuando a Gardner se le nombró mayor en el ejército de los Estados Unidos. Además de su papel de secretaria ejecutiva del director, Jackson se había desempeñado como curadora de la colección de artes decorativas. [10] Paul Gardner sirvió como hombre de monumentos en Europa y regresó al Nelson en diciembre de 1945. Ethylene Jackson dejó Kansas City para ir a Nueva York al año siguiente después de casarse con el marchante de arte Germain Seligman .
Tras la jubilación de Paul Gardner el 1 de mayo de 1953, Laurence Sickman (1907-1988) se convirtió en el segundo director de la galería. Estuvo asociado a la Galería desde 1931.
Laurence Sickman, originario de Denver, Colorado, se interesó por el arte japonés y chino cuando era estudiante de secundaria. Después de dos años en la Universidad de Colorado se trasladó a Harvard, donde estudió con Langdon Warner . También aprendió chino con fluidez. Después de graduarse con una licenciatura en 1930, Sickman viajó a China con una beca Harvard-Yenching. Allí se volvió a conectar con Warner, que para entonces se encontraba en China, con la misión de comprar arte para los administradores del museo. Warner recomendó a los Fideicomisarios que el joven estudiante de posgrado asumiera la responsabilidad de negociar las compras de arte para la Galería, ya que Warner se mudaba a Japón. [13] La perspicacia de Sickman como coleccionista le valió el respeto de los Fideicomisarios, quienes le enviaron miles de dólares para comprar arte. Como estaba becado, su experiencia no les costó nada a los Fideicomisarios. Hizo el viaje de 6.000 millas hasta Kansas City en diciembre de 1933 para la inauguración de la Galería y luego regresó a China. Al regresar una vez más a los Estados Unidos, fue nombrado curador de arte oriental de la galería en 1935. En 1941, las compras de arte chino de Sickman habían dado a la galería Nelson una de las mejores colecciones asiáticas de los Estados Unidos. [14]
Sickman, al igual que Paul Gardner, fue comisionado como oficial en el ejército de los Estados Unidos como miembro de los Monuments Men , sirviendo de 1942 a 1945 en Inglaterra, India y China. En su ausencia, su competente asistente, la señorita Lindsay Hughes, fue nombrada curadora en funciones. Sickman volvió a su función curatorial después de la guerra; ocho años después fue nombrado director. Entre los muchos éxitos de su mandato, el más importante fue la gran exposición "Hallazgos Arqueológicos de la República Popular China", que se desarrolló del 20 de abril al 8 de junio de 1975 y atrajo a unos 280.000 visitantes. La exposición de 385 piezas fue resultado de la distensión entre Estados Unidos y la China comunista que había iniciado el viaje de Richard Nixon a ese país en 1972. Este fue un golpe profesional y personal para Sickman: su reputación como académico y la colección que había construido en la Nelson Gallery hicieron de Kansas City una de las cuatro únicas ciudades que visitaría la exposición, después de París, Toronto y Washington, DC [15] Laurence Sickman se jubiló el 31 de enero de 1977 y fue nombrado director emérito y asesor de los fideicomisarios.
Tras la jubilación de Laurence Sickman, Ralph Tracy "Ted" Coe (1929-2010) se convirtió en el tercer director de la galería. Coe nació en Cleveland, donde su padre, un fabricante de acero, era coleccionista de arte. Licenciado en historia del arte por el Oberlin College y máster en arquitectura por Yale , trabajó en el Victoria and Albert Museum de Londres y en la National Gallery de Washington, DC antes de llegar a la Nelson Gallery en 1959 como curador de Pintura y Escultura. Mientras era curador, Coe organizó varias exposiciones especiales grandes y muy concurridas. La más influyente fue "Sacred Circles", una exposición de 900 objetos de arte nativos americanos. Organizada para conmemorar el Bicentenario americano , la exposición se inauguró en la Hayward Gallery de Londres, Inglaterra, desde octubre de 1976 hasta enero de 1977. Rápidamente se organizó apoyo financiero en Kansas City para hacer de la Nelson Gallery el único lugar estadounidense. "Círculos Sagrados" fue la segunda exposición más popular después de la exposición china de 1975, que se desarrolló del 16 de abril al 19 de junio de 1977 y atrajo a más de 245.000 visitantes. [10] Ted Coe solicitó un año sabático de sus funciones como director en marzo de 1982 y dimitió a finales de junio, después de haber trabajado en el Nelson durante 23 años, incluidos 4+1 ⁄ 2 años como Director. [15]
Ted Coe fue sucedido por Marc Wilson, quien sirvió de 1982 a 2010. [2]
En 1993, el museo comenzó a considerar los primeros planes de expansión desde la finalización de las áreas inacabadas en la década de 1940. Los planes exigían un aumento del 55 por ciento en el espacio y se finalizaron en 1999.
El arquitecto Steven Holl ganó un concurso internacional en 1999 para el diseño de la ampliación. El concepto de Holl, concebido y realizado con el socio de diseño Chris McVoy, era construir cinco pabellones de vidrio al este del edificio original, a los que llaman lentes. Las lentes rematan un edificio subterráneo de 165.000 pies cuadrados (15.300 m 2 ) conocido como Edificio Bloch. Lleva el nombre del cofundador de H&R Block, Henry W. Bloch . El edificio Bloch alberga las galerías de exposiciones especiales, contemporáneas y africanas del museo, así como una nueva cafetería, la Biblioteca de referencia de arte Spencer del museo y el Tribunal de esculturas Isamu Noguchi . La ampliación costó aproximadamente $95 millones y se inauguró el 9 de junio de 2007. Fue parte de $200 millones en renovaciones del museo que incluyeron el Centro de Aprendizaje Ford, que alberga clases, talleres y recursos para estudiantes y educadores. Se inauguró en el otoño de 2005.
En el concurso para diseñar la ampliación, todos los participantes, excepto Holl, propusieron crear una adición moderna en el lado norte del museo que habría alterado u oscurecido drásticamente la fachada norte que servía como entrada principal al museo. En cambio, Holl y McVoy propusieron colocar la ampliación en el lado este, perpendicular al edificio principal. Su objetivo era involucrar al icónico jardín de esculturas del museo para fusionar la experiencia del arte, la arquitectura y el paisaje. Sus lentes ahora caen en cascada por el perímetro este del terreno.
Durante la construcción, el plan de Holl generó una considerable controversia. Fue descrito como "grotesco, una caja de metal". [16] Sin embargo, las críticas de la nueva estructura una vez terminada generalmente han sido elogiosas:
El crítico de arquitectura del New York Times, Nicolai Ouroussoff, da esta descripción:
Para el mundo del arte, la ampliación, conocida como Edificio Bloch, debería reafirmar que el arte y la arquitectura pueden coexistir felizmente. El resto de nosotros podemos encontrar consuelo en el hecho de que las obras públicas de nuestra época pueden igualar o superar los grandes logros de las generaciones pasadas...
El resultado es un edificio que no desafía el pasado sino que sugiere una visión del mundo alternativa que está en constante cambio. Vista desde la plaza norte, la entrada principal de la ampliación difiere suavemente del antiguo edificio, y la forma cristalina sugiere un eco fantasmal de la austera fachada de piedra. Desde allí, la mirada se dirige a los distintos pero interconectados bloques translúcidos, que están parcialmente enterrados en el paisaje...
Es un enfoque que debería ser estudiado por cualquiera que se proponga diseñar un museo a partir de este momento. [17]
El museo ha ido en contra del pensamiento conservador tradicional al permitir que la luz natural de las lentes ilumine su obra de arte. La mayoría de las exhibiciones en la adición están bajo tierra con pabellones de vidrio de 27 a 34 pies (10 m) encima de ellas. Los funcionarios dicen que los avances en la tecnología del vidrio les han permitido bloquear la mayoría de los dañinos rayos ultravioleta que podrían dañar las obras exhibidas. [17]
Los tablones de vidrio personalizados fueron fabricados por Glasfabrik Lamberts e importados por Bendheim Wall Systems. [18]
La entrada al museo es gratuita todos los días y los visitantes pueden utilizar cualquiera de las siete entradas para acceder al edificio. El mostrador principal de visitas se encuentra en el edificio Bloch. En el lado norte del museo, un estanque reflectante ocupa ahora parte de la Plaza JC Nichols en la fachada norte y contiene 34 óculos para proporcionar luz natural al estacionamiento de abajo. El casting de El Pensador que ocupaba este espacio antes de las renovaciones se ha trasladado al sur del museo.
En 2013, se seleccionó la combinación de Steven Holl Architects y BNIM para construir una ampliación de 100 millones de dólares al Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas que se inspirará en cierto modo en la ampliación Bloch. [19]
Con obras del mundo antiguo, esto incluye lugares como: Egipto , Grecia , Roma y el Cercano Oriente . [20] La galería se inauguró en 2010, [21] dirigida por Robert Cohon como curador. Los retratos de faraones y reinas egipcias como Sen-useret III , Ramsés II , Nefert-iti y la dinastía Ptolomeo son los más notables de la colección egipcia. Las obras de Oriente Próximo incluyen joyas de los primeros reyes y reinas en Ur y esculturas del Palacio de Ashurnasirpal II en Nimrud , del primer milenio a. C., y del centro ceremonial del Imperio persa , Persépolis . Las obras griegas son en su mayoría estatuas y cerámica de los siglos V al I a. C. de deidades y héroes griegos como Helios, Apolo, Deméter, Aquiles y Heracles. Estatuas romanas de los emperadores Alejandro Severo y Adriano , con otras obras romanas del período paleocristiano (siglos IV al VII d.C. ), entre ellas se encuentra una escultura de piedra caliza de Tecla , la primera mujer mártir católica. [ cita necesaria ]
Durante el apogeo de la pandemia de COVID-19 , el museo realizó un recorrido virtual por su galería Reina Nefertari con Julián Zugazagoitia como guía turístico. [22] El vídeo fue organizado por Nelson-Atkins, Pointe-à-Callière y National Geographic Society . La exposición trata sobre Nefertari, llamada "Aquel por quien brilla el sol" por su marido, el faraón Ramsés II , con 230 obras de arte sobre Nefertari y otras mujeres del antiguo Egipto. "Será emocionante tener estas antiguas obras de arte entre nosotros, imaginar las manos que las crearon y la importancia que tuvieron estos objetos en la cultura egipcia. ¡Qué privilegio recibir objetos de uno de los sitios arqueológicos más importantes de Egipto! el Valle de las Reinas ”, afirmó Julián Zugazagoitia [23]
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La colección de pintura europea del museo es muy apreciada. Incluye obras de Caravaggio , Jusepe de Ribera , Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Petrus Christus , Gustave Courbet , El Greco , Giambattista Pittoni , Guercino , Alessandro Magnasco , Giuseppe Bazzani , Corrado Giaquinto , Cavaliere d'Arpino , Gaspare Traversi , Giuliano Bugiardini , Tiziano , Hieronymus Bosch , Rembrandt , Louise Élisabeth Vigée Le Brun , Peter Paul Rubens , Gustave Caillebotte , Edgar Degas , Paul Gauguin , Claude Monet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh . [24]
A principios de 2016, La Tentación de San Antonio , un pequeño panel atribuido durante mucho tiempo al taller de Hieronymus Bosch , fue atribuido al propio pintor después de una investigación forense de su pintura base. Se añadió a las filas de las únicas 25 pinturas de Bosch autenticadas en el mundo. El Nelson-Atkins también tiene excelentes pinturas del gótico tardío y del Renacimiento italiano temprano de Jacopo del Casentino ( La presentación de Cristo en el templo ), Giovanni di Paolo y Workshop, Bernardo Daddi y Workshop, Lorenzo Monaco , Gherardo Starnina ( La Adoración de los Magos ), y Lorenzo di Credi . Tiene pinturas expresionistas alemanas y austriacas de Max Beckmann , Karl Hofer ( Tocadiscos ), Emil Nolde , Ernst Ludwig Kirchner y Oskar Kokoschka ( Pirámides de Egipto ). [25]
Nelson Atkins ha trabajado con piezas de arte de la era nazi que a menudo son realizadas por judíos , romaníes , queer o en contra del ideal nazi en las décadas de 1920 y 1940 [26] , aunque se centra principalmente en arte realizado y propiedad de judíos. Muchas piezas fueron destruidas, rescatadas o vendidas por poco dinero. Trabajan en la investigación de piezas y trabajan con los descendientes de los propietarios o artistas. Dependiendo de los deseos de los descendientes, las piezas se devuelven o se permiten permanecer en exhibición. Una de las piezas más famosas de la era nazi es una naturaleza muerta, Les Boules de Neige, de Pierre Bonnard , que se encontraba en la mina de sal de Altaussee y que se le quitó al banquero francés David David-Weill . [27] El museo tiene una lista de sus obras en su sitio web [28] y en el Portal de Internet de procedencia de la era nazi (NEPIP) de la Alianza Estadounidense de Museos .
El museo se distingue y es ampliamente celebrado por su extensa colección de arte asiático , especialmente el de la China imperial, [29] así como por piezas de Afganistán , India , Irán , Indonesia , Corea , Pakistán y otros países del sudeste y sur de Asia . [30] La mayor parte fue comprada para el museo a principios del siglo XX por Laurence Sickman , entonces becario de Harvard en China. El museo tiene una de las mejores colecciones de muebles antiguos chinos del país, incluida una del célebre grupo de luohans de cerámica vidriada de Yixian (c. 1000). [31]
Además del arte chino, la colección incluye piezas de Japón, incluidas pantallas y pergaminos de Kaihō Yūshō , Tawaraya Sōtatsu , Ikeno Taiga y Shiokawa Bunrin. [32] La colección de piezas de xilografía asciende a alrededor de 500, con obras de Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige . La colección también incluye escultura, cerámica y obras textiles.
La mayoría de las obras de arte de la colección africana del museo fueron creadas por artistas principalmente de África occidental y central, principalmente de los países de Malí , Costa de Marfil , Ghana , Nigeria , Camerún , Gabón y la República Democrática del Congo . El museo tiene una pequeña colección de África Oriental y Sudáfrica, que incluye una máscara tallada por un artista Yao de Tanzania y capas de cuentas creadas por artistas zulúes en el país de Sudáfrica . [ cita necesaria ]
Los Nelson-Atkins comenzaron a coleccionar arte africano en la década de 1930, con muchas adquisiciones notables, incluidos dos objetos de latón fundido del siglo XVII del Reino de Benin en Nigeria en 1958. [33] Si bien la colección creció lentamente hasta 1983, en los años siguientes se produjeron adquisiciones más agresivas. . En 2012, [34] el curador de una galería de arte africana, Nii Quarcoopome, trabajó para agregar más contenido y formas para que el público interactúe, incluyendo videos y fotografías que muestran a los visitantes cómo se usan los objetos en las ceremonias o en la vida cotidiana. Incluye 400 objetos elaborados en madera, latón, abalorios, terracota, marfil y fibras naturales. [35] Tienen una variedad de diferentes culturas y tradiciones dentro del mundo del arte del continente. Estos incluyen un taburete real del pueblo Asante , una figura masculina de pie de un artista Hemba , un grupo de textiles Kuba , un trono real con cuentas creado por un artista Bansoa en el reino de Bamileke, una máscara femenina ( Kifwebe ) de artistas Songye y una figura de santuario tallada por un artista de Baga .
El museo celebró una exposición llamada 'A través de ojos africanos: lo europeo en el arte africano, 1500-presente' del 25 de septiembre de 2010 al 9 de enero de 2011. [36] [37] Fue un examen de cómo los artistas africanos expresaron las interacciones dinámicas entre las culturas africanas y los europeos y occidentales con 95 obras de arte que reflejan el tema desde los asentamientos de colonización europea en África hasta los años contemporáneos de la posindependencia. Nii Quarcoopome fue citado diciendo: "En el corazón de la exposición y del catálogo que la acompaña está el deseo de dar agencia a las voces africanas; de hecho, el título, A través de los ojos africanos , proviene principalmente de este pensamiento. Después de todo, ¿de qué sirve lo africano? ¿Arte e historia sin la voz africana? [37] ". Esta exposición ha sido organizada por el Instituto de Artes de Detroit, donde apareció por primera vez. Con el apoyo del Fondo Nacional de las Humanidades y el Fondo Nacional de las Artes . En Kansas City, la exposición cuenta con el apoyo del Fondo Helzberg para el Arte Africano. [36] El museo también celebró una charla en febrero de 2018, discutiendo y educando a la audiencia sobre Palbo Picasso y su relación con las artes de África y el mundo, mientras compraba arte africano a comerciantes de arte turbios. Entre los oradores se encontraban Julián Zugazagoitia, [38] director y curador de exposiciones de Nelson Atkins, [39] y el historiador del arte Peter Stepan, quien escribió un libro sobre el tema. [40]
En 2009, el museo abrió un conjunto de galerías de arte nativo americano , con un total de 6100 pies cuadrados, una de las exhibiciones más grandes en un museo de arte integral con 200 piezas en exhibición en promedio. [41] Gaylord Torrence, el curador en ese momento del departamento de nativos americanos, pudo adquirir la mayoría de los artículos con donaciones de Morton Sosland [42] y otras personas. Ayudó a encontrar obras desde miles de años hasta artistas nativos americanos modernos. [43] Torrence se ha retirado desde entonces. Continuó escribiendo Continuum: Native North American Art en el Museo de Arte Nelson-Atkins. [44] David Penney, director asociado de investigación y estudios museísticos en el Museo Nacional del Indio Americano, elogió el trabajo de Torrence diciendo: "La colección de Nelson refleja una combinación de historia, época, características formales que juegan con el conocimiento modernista y una noción de espiritualidad. Ese es el tipo de cosas que Gaylord valora”. [43]
La galería incluye obras de Jamie Okuma , Roxanne Swentzell , Diego Romero , Joyce Growing Thunder Fogarty , Silver Horn y Butch Thunder Hawk. [45] También alberga piezas históricas como cerámica , cestas , trabajos de cuentas , plumas y textiles y pinturas de las tribus Arikara , Mississippian , Algonquian , Plains , Lakota , Kiowa , Cheyenne , Chumash , Navajo y Pueblo . Nelson Atkins ha trabajado a través de la Ley de Repatriación y Protección de Tumbas de Nativos Americanos ( NAGPRA ) en colaboración con grupos, tribus y otras formas de comunidades de nativos americanos para repatriar o mostrar el arte de los nativos americanos de una manera culturalmente apropiada. Los artículos reclamados por una autoridad de la tribu se consideran caso por caso, dependiendo de la conexión del artículo con una determinada cultura, así como de lo que el Director Adjunto de Asuntos Curatoriales, el Director/CEO y los miembros fideicomisarios del Comité decidan que es lo mejor para el futuro del artículo. [26] La mayoría de los artículos repatriados están relacionados con tumbas u otras ceremonias culturales.
El museo también alberga espectáculos culturales como una forma de compartir y celebrar las culturas indígenas, en su mayoría del área del Medio Oeste. [46] Incluye canto, baile, narración de cuentos y obras de arte de estudiantes de la Universidad Haskell Indian Nations y miembros de la Reserva Indígena Apache , los Indios de las Llanuras , Prairie Band Potawatomi y Standing Rock Lakota , y varios miembros del Centro Indio de Kansas City. [ cita necesaria ]
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La galería estadounidense contiene arte de artistas estadounidenses que no son nativos americanos. La colección incluye la colección pública más grande de obras de Thomas Hart Benton , que vivía en Kansas City. Entre su colección se encuentran pinturas de [47] George Bellows , George Caleb Bingham , Frederic Church , John Singleton Copley , Thomas Eakins , Winslow Homer y John Singer Sargent . Una de las exhibiciones más notables fue 30 Americans, que mostró la vida afroamericana a través de los ojos de 30 artistas diferentes de todo el país, incluidas obras de Jean-Michel Basquiat , Carrie Mae Weems , Kerry James Marshall , Mickalene Thomas , Rashid Johnson. , Kara Walker , Hank Willis Thomas y Kehinde Wiley . Contenía 80 pinturas, dibujos, grabados, esculturas, fotografías y vídeos. [48]
El museo también cuenta con obras contemporáneas en el edificio Bloch de Willem de Kooning , Fairfield Porter , Wayne Thiebaud , Richard Diebenkorn , Agnes Martin , Bridget Riley y Alfred Jensen .
En 2023, el museo ganó el cuadro "Navegando" de Thomas Eakins gracias a una apuesta realizada por el Museo de Arte de Filadelfia después de que los Kansas City Chiefs ganaran el Super Bowl contra los Philadelphia Eagles [49]
Esta colección cubre obras artísticas producidas entre las décadas de 1860 y 1970, incluidas obras del cubismo , expresionismo , fauvismo , dadaísmo , surrealismo , Bauhaus y expresionismo abstracto . Las piezas incluyen obras de Pablo Picasso , Jackson Pollock , Ernst Barlach , Max Beckmann , Joseph Cornell , Juan Gris , Ernst Ludwig Kirchner , Paul Klee , Jacques Lipchitz , Roberto Matta Echaurren , Joan Miró , Ben Nicholson , Emil Nolde , Yves Tanguy , Willem de Kooning , Philip Guston , Grace Hartigan , Robert Motherwell , Constantin Brancusi , Alexander Calder , Alberto Giacometti , Henry Moore , Marcel Duchamp , Adolph Gottlieb y Man Ray . El museo ha agradecido al grupo Friends of Art en Kansas City, la Hall Family Foundation, las donaciones de otras personas y empresas (como Commerce Bank and Trust ) por ayudar a adquirir el arte. [ cita necesaria ]
Las galerías de fotografía del edificio Bloch muestran un recorrido por la historia creativa del medio, desde los daguerrotipos hasta los procesos del siglo XXI. Las nuevas instalaciones se presentan unas tres veces al año. [50] El museo también alberga la fotografía más antigua conocida de esclavos en los EE. UU., [51] tomada en 1850 por un artista desconocido y se cree que fue tomada en Georgia.
En 2006, el presidente de Hallmark Cards , Donald J. Hall, Sr., donó al museo toda la colección fotográfica de Hallmark , que abarca la historia de la fotografía desde 1839 hasta la actualidad. Tiene un enfoque principalmente estadounidense e incluye obras de fotógrafos como Southworth & Hawes , Carleton Watkins , Timothy O'Sullivan , Alvin Langdon Coburn , Alfred Stieglitz , Dorothea Lange , Homer Page , Harry Callahan , Lee Friedlander , Andy Warhol , Todd Webb . y Cindy Sherman , entre otros.
El arte contemporáneo está ubicado en el edificio Bloch y se define en Nelson-Atkins como arte desde 1960 hasta la actualidad. Los estilos incluyen Pop , Minimalismo , Conceptual y Realismo , de diferentes partes del mundo y culturas. Las piezas de arte son obsequios de The William T. Kemper Collecting Initiative o adquiridas o donadas por artistas famosos como: [52] [53] Jackson Pollock , Andy Warhol , Anish Kapoor , Robert Rauschenberg , Yinka Shonibare , Duane Hansen , Louise Nevelson , Donald Judd , Robert Arneson , Jim Dine , Nancy Graves , Bridget Riley , Elizabeth Murray , Robert Mangold , Kerry James Marshall , El Anatsui , Raqib Shaw , Willem de Kooning , Mark Rothko , David Smith , Richard Diebenkorn , Richard Estes , Duane Hanson , Claes Oldenburg , Sol LeWitt , Agnes Martin , Bridget Riley , Ronnie Landfield , Martin Puryear y Deborah Butterfield
El Tribunal de Esculturas de Noguchi alberga esculturas contemporáneas donadas por la Iniciativa de Escultura Moderna de la Hall Family Foundation. En el extremo sur del edificio Bloch, se encuentra la tercera colección más grande de Isamu Noguchi , [54] fuera de Nueva York y Japón. [52]
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El museo alberga piezas de arquitectura y artes decorativas , desde vidrieras medievales hasta muebles del siglo XXI de artistas de Kansas City . Algunas piezas importantes son una armadura para un caballero y su caballo de la Italia del siglo XVI y más de 1.300 ejemplos de cerámica inglesa de la Colección Burnap. Las obras realizadas durante el siglo XVIII forman la mayor concentración, que incluyen cerámica, porcelana, plata y muebles. Las donaciones de Folgers Coffee Corporation y la familia Wallenstein añaden otros medios a la comprensión del arte y la cultura del siglo XVIII. Fuera del arte del siglo XVIII se encuentra la colección de obras de los siglos XIX y XXI. Incluye muchos movimientos de diseño, desde el Art Nouveau, la Bauhaus, hasta obras producidas en la actualidad. Las adquisiciones recientes incluyen muebles, cerámica y platería. Las artes decorativas se exhiben en todas las galerías y se exponen en exhibiciones. [55] A diferencia de las pinturas, las artes decorativas tienen otros usos además de la exhibición, por lo que ayudarán a resaltar el contexto para el que se utilizó el elemento.
En el exterior, en el inmenso césped del museo, el parque de esculturas Donald J. Hall, diseñado por Dan Kiley , contiene la mayor colección de bronces monumentales de Henry Moore en los Estados Unidos. El parque también incluye obras de Alexander Calder , Auguste Rodin , George Segal y Mark di Suvero , entre otros. Más allá de estos, el parque (y el museo en sí) es bien conocido por Shuttlecocks , [56] una escultura al aire libre de cuatro partes de volantes de bádminton de gran tamaño , de 18 pies de altura, de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen . [57]
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