Los historiadores del arte y los filósofos del arte han mantenido durante mucho tiempo disputas clasificatorias sobre el arte respecto de si una forma cultural o una obra de arte en particular debe clasificarse como arte . Las disputas sobre lo que cuenta y lo que no cuenta como arte continúan ocurriendo hoy en día. [1]
Definir el arte puede resultar difícil. Los esteticistas y filósofos del arte a menudo entablan disputas sobre cómo definir el arte. Según su definición original y más amplia, el arte (del latín ars , que significa "habilidad" o " artesanía ") es el producto o proceso de la aplicación efectiva de un conjunto de conocimientos, utilizando con mayor frecuencia un conjunto de habilidades; este significado se conserva en frases como " artes liberales " y " artes marciales ". Sin embargo, en el uso moderno de la palabra, que adquirió importancia después de 1750, se entiende comúnmente por "arte" la habilidad utilizada para producir un resultado estético (Hatcher, 1999).
Britannica Online lo define como "el uso de la habilidad o la imaginación en la creación de objetos, entornos o experiencias estéticos que pueden compartirse con otros". [2] Pero la mejor manera de definir el término "arte" hoy en día es un tema de mucha controversia; Se han publicado muchos libros y artículos de revistas discutiendo incluso los conceptos básicos de lo que queremos decir con el término "arte" (Davies, 1991 y Carroll, 2000). Theodor Adorno afirmó en 1969: "Es evidente que ya nada de lo relacionado con el arte es evidente". No está claro quién tiene derecho a definir el art. Artistas, filósofos, antropólogos y psicólogos utilizan la noción de arte en sus respectivos campos y le dan definiciones operativas que no son muy similares entre sí.
El segundo sentido, más restringido y más reciente de la palabra "arte", es aproximadamente una abreviatura de arte creativo o " bellas artes ". Aquí queremos decir que la habilidad se utiliza para expresar la creatividad del artista o para captar la sensibilidad estética del público. A menudo, si la habilidad se utiliza para crear objetos con un uso práctico, en lugar de pinturas o esculturas sin otra función práctica que la de una obra de arte , se considerará que se incluye en clasificaciones como artes decorativas , artes aplicadas y artesanía . que las bellas artes. Asimismo, si la habilidad se utiliza con fines comerciales o industriales, se considerará diseño y no arte. Algunos pensadores han argumentado que la diferencia entre bellas artes y artes aplicadas tiene más que ver con juicios de valor hechos sobre el arte que con una diferencia clara en su definición (Novitz, 1992). La distinción moderna no funciona bien en períodos más antiguos, como el arte medieval , donde los medios artísticos más apreciados en ese momento eran a menudo la orfebrería , las gemas grabadas , los textiles y otras "artes aplicadas", y el valor percibido de las obras de arte a menudo reflejaba el El costo de los materiales y la gran cantidad de tiempo dedicado a crear la obra son al menos tanto como el aporte creativo del artista.
En la dinastía Zhou de la antigua China, se esperaba la excelencia en las liù yì (六藝), o " Seis Artes ", del junzi (君子), o "perfecto caballero", tal como lo definían filósofos como Confucio . Debido a que estas artes abarcaban tanto los aspectos civiles como militares de la vida, sobresalir en los seis requería que un erudito fuera muy completo y polimático . Las Seis Artes fueron las siguientes:
Más adelante en la historia de la China imperial, las Seis Artes se redujeron, creando un sistema similar de cuatro artes para que la casta de eruditos y oficiales aprendiera y siguiera:
Otro intento de definir sistemáticamente el arte como un conjunto de disciplinas en la antigüedad lo representan las antiguas musas griegas . Cada una de las nueve Musas estándar simbolizaba y encarnaba una de las nueve ramas de lo que los griegos llamaban techne , un término que aproximadamente significa "arte" pero que también se ha traducido como "artesanía" o "artesanía", y la definición de la palabra también incluía disciplinas más científicas. Estas nueve ramas tradicionales fueron:
En la Europa cristiana medieval , las universidades enseñaban un conjunto estándar de siete artes liberales , definidas por los primeros filósofos medievales como Boecio y Alcuino de York y, como tales, centradas en la filosofía. Las definiciones de estos temas y su práctica se basaron en gran medida en el sistema educativo de Grecia y Roma. Estas siete artes se dividieron a su vez en dos categorías:
En esta época, y después del Renacimiento , la palabra "arte" en inglés y sus afines en otros idiomas aún no habían alcanzado su significado moderno. Uno de los primeros filósofos en discutir el arte en el marco que entendemos hoy fue Georg Wilhelm Friedrich Hegel , quien describió en sus Conferencias sobre estética una clasificación de las cinco artes principales, desde las más materiales hasta las más expresivas:
La lista de las artes de Hegel se popularizó particularmente en Francia y, con continuas modificaciones, la lista ha seguido siendo relevante y un tema de debate en la cultura francesa en el siglo XXI. Esta clasificación fue popularizada por Ricciotto Canudo , uno de los primeros estudiosos del cine que escribió el "Manifiesto del Séptimo Arte" en 1923. Los epítetos dados a cada disciplina por la ubicación de la lista se utilizan a menudo para referirse a ellas mediante paráfrasis, particularmente con llamadas película "el séptimo arte". El Ministerio de Cultura francés participa a menudo en la toma de decisiones para definir un arte "nuevo". [3] Las diez artes se dan generalmente de la siguiente manera:
La disputa actual sobre cuál debería constituir la próxima forma de arte se ha librado durante más de un siglo. Actualmente, hay una variedad de contendientes para le onzième art , muchos de los cuales son disciplinas más antiguas cuyos practicantes sienten que su medio es subestimado como arte. Un candidato particularmente popular para el puesto 11 es el multimedia , cuyo objetivo es reunir las diez artes, tal como Canudo argumentó que el cine era la culminación de las seis primeras artes. El arte del performance , como algo separado de las artes escénicas, ha sido llamado le douzième , o "duodécimo", arte. [5]
Las clasificaciones occidentales tradicionales desde el Renacimiento han sido variantes de la jerarquía de géneros basadas en el grado en que la obra muestra el aporte imaginativo del artista, utilizando una teoría artística que se remonta al mundo antiguo. Este pensamiento recibió cierto impulso con la estética del romanticismo . Un marco teórico similar aplicado al arte tradicional chino ; Por ejemplo, en las tradiciones de pintura de paisajes tanto occidental como del Lejano Oriente (ver pintura de los literatos ), a los paisajes imaginarios se les concedía un estatus más alto que a las representaciones realistas de una vista de paisaje real; en Occidente se los relegaba a " vistas topográficas ".
Muchos han argumentado que es un error siquiera intentar definir el arte o la belleza, que no tienen esencia y, por tanto, no pueden tener definición. A menudo se dice que el arte es un conjunto de conceptos relacionados más que un concepto único. Ejemplos de este enfoque incluyen a Morris Weitz y Berys Gaut . Basándose en Ludwig Wittgenstein , Weitz argumentó que el arte es un " concepto abierto " cuyos constituyentes y criterios de inclusión podrían cambiar con el tiempo; [6] también trató de distinguir los usos puramente "descriptivos" de los "evaluativos" del término arte. [7]
Otro enfoque es decir que "arte" es básicamente una categoría sociológica, que cualquier cosa que las escuelas de arte, los museos y los artistas hagan con la suya se considera arte independientemente de las definiciones formales. Esta teoría institucional del arte ha sido defendida por George Dickie . La mayoría de la gente no consideraba que un urinario comprado en una tienda o una representación escultórica de una Caja de Brillo fuera arte hasta que Marcel Duchamp y Andy Warhol (respectivamente) los colocaron en el contexto del arte (es decir, la galería de arte ), lo que luego proporcionó la asociación. de estos objetos con los valores que definen el arte.
Los procedimentalistas a menudo sugieren que es el proceso mediante el cual se crea o ve una obra de arte lo que la convierte en arte, no cualquier característica inherente de un objeto, o qué tan bien recibida por las instituciones del mundo del arte después de su introducción en la sociedad. en general. Para John Dewey , por ejemplo, si el escritor pretendía que una pieza fuera un poema, lo es, lo reconozcan o no otros poetas. Mientras que si un periodista escribiera exactamente el mismo conjunto de palabras, con la intención de que fueran notas taquigráficas que le ayudaran a escribir un artículo más largo más adelante, no serían un poema.
León Tolstoi en su texto fundamental ¿Qué es el arte? , por otro lado, afirma que lo que hace que algo sea arte o no es cómo lo experimenta su audiencia, no la intención de su creador. [8] Los funcionalistas, como Monroe Beardsley, sostienen que si una obra cuenta como arte depende de la función que desempeña en un contexto particular. Por ejemplo, el mismo jarrón griego puede desempeñar una función no artística en un contexto (llevar vino) y una función artística en otro contexto (ayudarnos a apreciar la belleza de la figura humana).
El filósofo David Novitz ha argumentado que los desacuerdos sobre la definición de arte rara vez son el meollo del problema, sino que "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos depositan en su vida social" son "una parte muy importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte" ( Novitz, 1996). Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre nuestros valores y hacia dónde intentamos llegar con nuestra sociedad que sobre la teoría propiamente dicha.
Por otro lado, Thierry de Duve [9] sostiene que las disputas sobre la definición de arte son una consecuencia necesaria de la presentación de Marcel Duchamp del readymade como una obra de arte. En su libro de 1996 Kant After Duchamp, reinterpreta la Crítica del juicio de Kant intercambiando la frase "esto es hermoso" por "esto es arte", utilizando la estética kantiana para abordar el arte posduchampiano.
La obra del artista francés Marcel Duchamp de las décadas de 1910 y 1920 allanó el camino para los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales (los readymades , por ejemplo) que desafiaban categorizaciones anteriores. El arte conceptual surgió como movimiento durante la década de 1960. La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió aproximadamente entre 1967 y 1978. Los primeros artistas "conceptuales" como Henry Flynt , Robert Morris y Ray Johnson influyeron en el movimiento posterior, ampliamente aceptado, de artistas conceptuales como Dan Graham , Hans Haacke y Douglas. Huebler .
Más recientemente, los " Jóvenes Artistas Británicos " (YBA), liderados por Damien Hirst , adquirieron prominencia en la década de 1990 y su trabajo se considera conceptual, aunque depende en gran medida del objeto de arte para generar su impacto. El término se utiliza en relación con ellos sobre la base de que el objeto no es la obra de arte, o es a menudo un objeto encontrado , que no ha necesitado habilidad artística en su producción. Tracey Emin es vista como una destacada YBA y una artista conceptual, aunque ella ha negado que lo sea y ha enfatizado la expresión emocional personal.
"Charles Saatchi financia a Damien Hirst" . Al año siguiente, la Galería Saatchi exhibe La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Hirst , un tiburón en formaldehído en una vitrina.
Vanessa Beecroft realiza una actuación en Milán , Italia . Aquí, las jóvenes actúan como una segunda audiencia ante la exhibición de su diario de alimentos.
Tracey Emin está nominada al Premio Turner . Su obra My Bed consistía en su cama desaliñada, rodeada de detritos como condones, bragas manchadas de sangre, biberones y sus pantuflas.
Martin Creed gana el Premio Turner por titulado con precisión The Lights Going On and Off , en el que las luces se encienden y apagan en una habitación que de otro modo estaría vacía. [10]
Miltos Manetas afronta la Bienal del Whitney con su Whitneybiennial.com. [11]
"Simon Starling gana el premio Turner por Shedboatshed" . Starling presentó un cobertizo de madera que había convertido en un barco, que hizo flotar por el Rin y luego lo transformó en un cobertizo. [12]
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El grupo de artistas Stuckist , fundado en 1999, se autoproclamó "pintura figurativa procontemporánea con ideas y arte anticonceptual, principalmente por su falta de conceptos". También lo calificaron de pretencioso, " corriente y aburrido " y el 25 de julio de 2002, en una manifestación , depositaron un ataúd frente a la galería White Cube , marcado "La muerte del arte conceptual". [13] [14] En 2003, la Galería Internacional Stuckism exhibió un tiburón preservado bajo el título Un tiburón muerto no es arte , en clara referencia a la obra de Damien Hirst (ver disputas arriba). [15]
En un programa de BBC2 Newsnight del 19 de octubre de 1999 presentado por Jeremy Paxman con Charles Thomson atacando el Premio Turner de ese año y el artista Brad Lochore defendiéndolo, Thomson estaba exhibiendo pinturas de Stuckist, mientras que Lochore había traído una botella de detergente de plástico sobre un pedestal de cartón. En un momento, Lochore afirma: "si la gente dice que es arte, es arte". Paxman pregunta: "¿Entonces puedes decir que cualquier cosa es arte?" y Lochore responde: "Se podría decir que todo es arte..." En este punto, se puede escuchar a Thomson, fuera de la pantalla, decir: "¿Mi zapato es arte?" mientras que al mismo tiempo su zapato aparece frente a Lochore, quien observa: "Si tú dices que lo es. Tengo que juzgarlo en esos términos". La respuesta de Thomson es: "Nunca antes había escuchado algo tan ridículo en mi vida". [dieciséis]
En 2002, Ivan Massow , presidente del Instituto de Arte Contemporáneo, calificó el arte conceptual de "pretencioso, autoindulgente y poco artesanal" y en "peligro de desaparecer por su propio culo... liderado por zares culturales como la Tate 's". Sir Nicolás Serota ". [17] En consecuencia, Massow se vio obligado a dimitir. A finales de año, la Ministra de Cultura, Kim Howells , graduada de una escuela de arte, denunció el Premio Turner como "una tontería fría, mecánica y conceptual". [18]
En octubre de 2004, la Galería Saatchi dijo a los medios de comunicación que "la pintura sigue siendo la forma más relevante y vital que los artistas eligen para comunicarse". [19] Después de esto, Charles Saatchi comenzó a vender obras destacadas de su colección YBA ( Jóvenes Artistas Británicos ).
Los juegos de ordenador se remontan a 1947, aunque no alcanzaron una gran audiencia hasta los años 1970. Sería difícil y extraño negar que los videojuegos y los ordenadores incluyan muchos tipos de arte (teniendo en cuenta, por supuesto, que el concepto de "arte" en sí mismo está, como ya hemos indicado, abierto a una variedad de definiciones). Los gráficos de un videojuego constituyen arte digital , arte gráfico y probablemente videoarte ; La banda sonora original de un videojuego constituye claramente música . Sin embargo, es un punto de debate si el videojuego en su conjunto debe considerarse una obra de arte de algún tipo, tal vez una forma de arte interactivo o arte participativo .
El crítico de cine Roger Ebert , por ejemplo, dejó constancia de que los videojuegos no son arte y que, por razones estructurales, siempre serán inferiores al cine, pero luego admitió su falta de conocimiento en el área cuando afirmó que "nunca jugará un juego cuando hay un buen libro que leer o una buena película que ver". [20] El diseñador de videojuegos Hideo Kojima ha argumentado que jugar un videojuego no es arte, pero los juegos tienen un estilo artístico e incorporan arte. [21] [22] [23] El diseñador de videojuegos Chris Crawford sostiene que los videojuegos son arte. [24] El columnista de Esquire, Chuck Klosterman, también sostiene que los videojuegos son arte. [25]
Han surgido debates sobre si un token no fungible (NFT) puede considerarse arte en sí mismo o simplemente la representación de una obra de arte. [26] A este respecto se han citado los debates de Wikipedia en la página de discusión de la Lista de las obras de arte más caras de artistas vivos . [27]
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