Florine Stettheimer (19 de agosto de 1871 - 11 de mayo de 1944) fue una pintora, feminista , diseñadora teatral, poeta y peluquera modernista estadounidense .
Stettheimer desarrolló un estilo de pintura teatral femenino que representa a sus amigos, familiares y experiencias en la ciudad de Nueva York . Realizó el primer autorretrato feminista desnudo y pinturas que representan controversias sobre raza y preferencia sexual. Ella y sus hermanas organizaron un salón que atrajo a miembros de la vanguardia. [1] A mediados de la década de 1930, Stettheimer creó los diseños escénicos y el vestuario para la ópera de vanguardia de Gertrude Stein y Virgil Thomson , Cuatro santos en tres actos . Es mejor conocida por sus cuatro obras monumentales que ilustran lo que ella consideraba las "Catedrales" de la ciudad de Nueva York: Broadway , Wall Street , la Quinta Avenida y los tres principales museos de arte de Nueva York.
Durante su vida, Stettheimer expuso sus pinturas en más de 40 exposiciones de museos y salones en Nueva York y París . En 1938, cuando el Museo de Arte Moderno envió la primera exposición de arte estadounidense a Europa, Stettheimer y Georgia O'Keeffe fueron las únicas mujeres cuyo trabajo se incluyó. [2] Después de su muerte en 1944, su amigo Marcel Duchamp fue curador de una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno en 1946. Fue la primera exposición retrospectiva del trabajo de una mujer artista en el museo. Después de su muerte, las pinturas de Stettheimer fueron donadas a museos de todo Estados Unidos. Además de sus numerosas pinturas y diseños de vestuario y escenografía, Stettheimer diseñó marcos personalizados para sus pinturas y muebles a juego, y escribió poesía humorística, a menudo mordaz. Un libro de su poesía, Crystal Flowers , fue publicado de forma privada y póstuma por su hermana Ettie Stettheimer en 1949. [3]
Florine Stettheimer nació en Rochester, Nueva York , el 19 de agosto de 1871. [4] [5] Su madre, Rosetta Walter, era una de las nueve hijas de una rica familia judía alemana de Nueva York. [6] El padre de Stettheimer, Joseph, tuvo cinco hijos con Rosetta Walter pero abandonó a su familia para ir a Australia . Stettheimer creció entre la ciudad de Nueva York y Europa , en una familia matriarcal. Cuando Stettheimer tenía diez años, Rosetta y sus cinco hijos pasaban parte de cada año en Europa. [7] A principios de la década de 1890, dos de los hijos de Rosetta, Stella y Walter, se habían casado y abandonado la casa. Caroline (Carrie), la siguiente mayor, Florine, y Henrietta (Ettie), la más joven, formaron un vínculo estrecho con su madre hasta que ella murió en 1935.
Stettheimer demostró talento artístico cuando era niño. De 1881 a 1886, cuando tenía entre diez y quince años, asistió al Priesersches Institut de Stuttgart , un internado para niñas. Recibió clases privadas de arte con la directora Sophie von Prieser. Los Stettheimer vivieron en Berlín de 1887 a 1889, donde Stettheimer continuó tomando lecciones privadas de dibujo. [7] Viajando regularmente por Europa con su madre, Carrie y Ettie, Stettheimer aprendió historia del arte por sí misma visitando museos y galerías de arte en Italia , Francia , España y Alemania . Estudió a los viejos maestros y criticó su trabajo en sus diarios, y continuó tomando lecciones privadas de arte en medios como la caseína . [8] [9]
En 1892, Stettheimer se matriculó en un programa de cuatro años en la Art Students League de Nueva York, una escuela inspirada en las escuelas de arte privadas de París. [10] Mientras estuvo en Alemania, aprendió el estilo de la pintura académica alemana. En la Art Students League, estudió con profesores como Kenyon Cox , Harry Siddons Mowbray y James Carroll Beckwith , que había estudiado pintura académica francesa en París. [9] [11] Al graduarse, dominaba la pintura realista, retratos académicos tradicionales y desnudos en los dos estilos europeos primarios. [12]
Al regresar a Europa, Stettheimer visitó colecciones de museos, exposiciones de salones contemporáneos y estudios de artistas. Vio el trabajo de los cubistas , Cézanne , Manet , van Gogh , Morisot y Matisse años antes del Armory Show , la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos. Con éxito variable, probó suerte con una variedad de medios y estilos, desde el simbolismo y el fauvismo hasta el puntillismo , lo que dio como resultado una serie de obras que recuerdan a Luxe, Calme et Volupté de Matisse . [13] [14]
Las representaciones de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev en París en 1912 fueron una influencia clave en la pintura de Stettheimer. [15] Cautivada por la puesta en escena y la coreografía de los Ballets Russes, creó el libreto , el vestuario y los decorados para una ópera propia: Orphée des Quat'z Arts . Basó el libreto en el Bal des Quat'z'Arts anual de estudiantes de arte . Las maquetas resultantes , con sus personajes disfrazados hechos de materiales intrincadamente cosidos y con cuentas, muestran movimientos teatrales, activos, parecidos a la danza, y personalidades individualizadas que prefiguran sus pinturas maduras que surgieron en 1917. Mientras trabajaba en Orphée , todavía pintaba paisajes y retratos convencionales. . [dieciséis]
Muchas de las figuras femeninas visten un material transparente recién inventado; celofán . El uso del celofán se convirtió en el sello distintivo de su diseño de interiores y, dos décadas después, de los decorados de la ópera Cuatro santos en tres actos . [17] Orphée des Quat'z Arts nunca ha sido escenificada. El libreto se publicó en su totalidad en The Life and Art of Florine Stettheimer , de la biógrafa Barbara Bloemink , y en la reedición de 2010 de Crystal Flowers . [18] [19]
En 1914, los Stettheimer quedaron varados en Berna, Suiza , por el estallido de la Primera Guerra Mundial , y finalmente abordaron un barco rumbo a Nueva York. Al regresar al puerto de Nueva York, Stettheimer decidió rechazar su formación académica tradicional y crear un nuevo estilo de pintura, capturando las emociones inmediatas y expresivas que sentía al ver las vistas, los sonidos y la gente de la ciudad de Nueva York del siglo XX. [20] Las cuatro mujeres Stettheimer se mudaron a un apartamento en West 76th Street en Manhattan, donde comenzaron a realizar salones , invitando a artistas expatriados recientes como Marcel Duchamp, Albert Gleizes y Francis Picabia , así como a miembros del círculo de Alfred Stieglitz. , como Marsden Hartley y Georgia O'Keeffe, y otros músicos, escritores, poetas, bailarines y miembros de la vanguardia neoyorquina. [21]
Una particularidad del salón Stettheimer fue que sus numerosos amigos y conocidos gays, bisexuales y lesbianas no necesitaban disfrazar su orientación sexual en las reuniones como lo hacían en otros salones (como el salón Arensberg ), a pesar de que no -Las relaciones heterosexuales eran ilegales en Nueva York en ese momento. [22] Stettheimer a menudo mostraba una vista previa de sus pinturas más recientes a sus amigos en sus salones, como en su pintura Soirée (1917-19) antes de enviarlas a exposiciones. Carrie, la hermana mayor de Stettheimer, creaba cócteles y platos especiales, como sopa de plumas, para los salones. [23] Durante los veranos, los Stettheimer solían celebrar fiestas de todo el día, tipo salón, para amigos en casas de verano alquiladas. Stettheimer pintó varias de estas reuniones de familiares y amigos disfrutando de festividades al aire libre, incluida Tarde de domingo en el campo (1917). [24]
Durante su vida, Stettheimer tuvo sólo una exposición individual, en Knoedler en 1916. [25] Fue organizada por la esposa del pintor Albert Sterner , Marie Sterner, una de las primeras mujeres galeristas en América, [26] que trabajó en Knoedler y actuó como intermediario entre el artista y la galería. [27] La muestra consistió en varias de las primeras obras del artista derivadas de Matisse, pintadas con colores brillantes y puros, empaste espeso y contornos pesados. [a] [28] Cuando no se vendió nada, ella estaba, como señaló su amigo el crítico de arte Henry McBride , "vagamente insatisfecha". [29] En el año siguiente, el estilo de Stettheimer evolucionó hacia un lenguaje visual idiosincrásico, rechazando tanto el formalismo tradicional como la abstracción modernista. [30] Stettheimer transformó su estilo pictórico volviendo a la influencia miniaturizada, teatral y colorida de sus diseños para Orphee des Quat'z Arts . En la obra madura de Stettheimer, cada lienzo está dispuesto como un escenario, lleno de familiares, amigos y conocidos fácilmente identificables. Su uso de lo que Duchamp llamó multiplicación virtud , narrativa continua, fue muy sofisticado; con raíces en los Ballets Rusos y las ideas de Henri Bergson y Marcel Proust sobre el tiempo y la memoria. [31]
En todas sus pinturas, excepto en los retratos, Stettheimer llenó su pintura con colores primarios brillantes, a menudo sin mezclar, sobre un fondo blanco plano, a menudo utilizando diversos medios. Muchos contienen muchos toques de humor, pequeños y muy detallados. Entre los muchos rasgos distintivos de sus pinturas está el humor mordaz evidente en los pequeños detalles narrativos de muchas composiciones, como el pequeño monaguillo que intenta mirar debajo del vestido de novia en Catedrales de la Quinta Avenida (1931). Stettheimer también llenó sus composiciones con representaciones visuales de figuras individualmente reconocibles, dispuestas alrededor de lugares destacados reales y una arquitectura conocida, detallada y representada con precisión.
La década de 1920 fue el período más prolífico de Stettheimer. Pintó varios retratos individuales de amigos varones, de ella misma y de su familia. Al igual que sus contemporáneos literarios Proust y Gertrude Stein , en lugar de intentar reproducir el aspecto del modelo, los retratos de Stettheimer revelan la personalidad de su modelo al ilustrar una mezcla de sus hábitos, vocaciones, logros y contextos. En su Retrato de Marcel Duchamp y Rrose Sélavy , por ejemplo, incluyó imágenes de varios de sus " readymades ", así como de su alter ego femenino, Rrose Sélavy . Barbara Bloemink ha propuesto que Duchamp basara su personaje de Rrose Sélavy en la conocida fotografía de 1920-21 de Man Ray en Stettheimer. [32] La artista también pintó retratos individuales de sus hermanas y su madre, y un autorretrato en el que lleva una boina de artista, una funda transparente envuelta en celofán y una capa con alas rojas y flota hacia el sol. [33]
Stettheimer también pintó varias obras monumentales que tratan temas controvertidos, como Asbury Park South , que muestra a afroamericanos disfrutando de una conocida y segregada playa de Nueva Jersey . La pintura es notable porque se encuentra entre las primeras obras de un artista blanco estadounidense que pinta figuras negras con los mismos rasgos no caricaturizados que las figuras caucásicas. En Lake Placid (1919), [34] Stettheimer se retrató a sí misma y a amigos de diversas religiones (incluidos judíos y católicos) disfrutando de un día en Lake Placid , un sitio conocido por su antisemitismo institucionalizado. [35] Recordando el estreno de una controvertida actuación de los Ballets Rusos que Stettheimer vio en París en 1912, en Música , Stettheimer se pintó dormida, soñando con la bailarina Nijinsky , en punta , con el cuerpo de un hombre y una mujer. [22]
Durante la década de 1930, Stettheimer continuó pintando obras de gran tamaño, algunas de las cuales eran cada vez más introspectivas y volvían a sus temas y lugares familiares. Continuó pintando una naturaleza muerta floral cada año en su cumpleaños al que se refería como "eyegay", un juego de palabras con la palabra " nosegay " (pequeño ramo) y su disgusto por cualquier "simbolismo" en el arte. [36] Dedicó gran parte de su tiempo durante esta década a sus diseños para la ópera Cuatro Santos en Tres Actos y dos de sus pinturas de la Catedral .
A partir de 1929 y hasta mediados de la década de 1940, Stettheimer pintó cuatro obras monumentales que tituló Pinturas catedralicias . Conmemoró en ellos lo que consideraba los principales "santuarios seculares" de la ciudad de Nueva York: los nuevos distritos de teatros y cines de Times Square y Broadway ; Wall Street como centro de las finanzas y la política; las tiendas y la sociedad de la clase alta de la Quinta Avenida ; y el elitismo y las luchas internas entre los tres principales museos de arte de Nueva York, el Museo de Arte Moderno , el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Whitney de Arte Americano . Continuó trabajando en Las catedrales del arte hasta unas semanas antes de morir. Queda inacabado. [37] Las cuatro pinturas están en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte. [38]
En 1934, Cuatro santos en tres actos , la primera ópera de vanguardia en Estados Unidos, se estrenó con entradas agotadas en Hartford, Connecticut . El libreto fue escrito por Gertrude Stein y la música por Virgil Thomson . El elenco de artistas era enteramente afroamericano, muchos de los cuales lograron importantes carreras musicales. Stettheimer diseñó el escenario y el vestuario. Thomson invitó a Stettheimer a diseñar la ópera cuando vio sus cuadros en sus marcos personalizados, sus diseños de muebles a juego y las cortinas de celofán del estudio. Como preparación para la producción, Stettheimer hizo muñecos con trajes completamente cosidos para cada uno de los personajes. [39] Creó diseños para cada escena en pequeñas cajas de zapatos. Stettheimer cubrió toda la parte trasera del escenario de la ópera con capas de celofán, creó palmeras con celofán y plumas y, para las escenografías, copió sus propios muebles. La ópera recibió críticas mixtas, pero el vestuario y la escenografía de Stettheimer ganaron elogios universales. [40] [41]
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Durante sus veinte y treinta años, Stettheimer participó en flirteos y relaciones románticas, y sus pinturas, diarios y poemas revelan su admiración por la anatomía masculina. Sin embargo, también demuestran que ella se oponía rotundamente a la idea del matrimonio, creyendo, como muchas feministas, que restringía la libertad de las mujeres e interfería con la creatividad. Esta idea es fácilmente evidente en sus poesías y anotaciones en su diario. [3]
Llevaba pantalones blancos, que en ese momento solo usaban feministas y sufragistas y que también le daban libertad para trabajar en lienzos más grandes. Durante sus años en Europa, Stettheimer y sus hermanas buscaron producciones teatrales que presentaran temas feministas y mujeres intérpretes. [22] Entre los folletos de los álbumes de recortes familiares se encuentra una copia de las actas del Primer Congreso Feminista Internacional celebrado en París en 1896. [42]
En 1915, a la edad de 45 años, Stettheimer pintó un autorretrato desnudo de tamaño natural, A Model (Nude Self-Portrait) . Combinando elementos de desnudos controvertidos del pasado, incluido el cuadro de Manet de la prostituta Olimpia y el Desnudo Maja de Goya , el Autorretrato desnudo de Stettheimer es uno de los primeros autorretratos desnudos realizados por una mujer en la historia del arte occidental. Sosteniendo un ramo de flores sobre su vello púbico descaradamente pintado, la expresión humorística y burlona de Stettheimer en el retrato contrasta marcadamente con las pinturas tradicionales de desnudos, lo que lo convierte hasta la fecha en el primer autorretrato desnudo abiertamente feminista realizado por una mujer. [43] Pintó varias obras de contextos inusuales y orientados a las mujeres, como su monumental obra de 1921 Spring Sale at Bendel's , en la que capturó con humor a mujeres ricas de diferentes formas corporales probándose ropa en unos grandes almacenes caros; o Natatorium Undine , que retrata a mujeres desnudas montadas en carrozas o nadando sobre conchas de media ostra. A la derecha, en una inversión sexual del tema tradicional, un grupo de mujeres baila alrededor de un apuesto instructor de ejercicio a quien admiran por su apariencia física. [1]
Stettheimer escribió sus poemas en pequeños trozos de papel. Fueron recopilados y publicados de forma privada por su hermana Ettie. Algunos de sus poemas están escritos en estilo infantil, algunos ofrecen ingeniosas críticas sociales y otros presentan retratos satíricos de compañeros modernistas, como Gertrude Stein ("Gertie") y Marcel Duchamp ("Duche"). Sus poemas muestran una conciencia de la cultura de consumo contemporánea y ofrecen una crítica mordaz del matrimonio, como su poema dedicado a Marie Sterner, una galerista de Nueva York que fue curadora de su exposición en Knoedler's, "que pretendía ser músico/pero Albert se casó con ella". [44] Los poemas de Stettheimer fueron reunidos póstumamente en Crystal Flowers , recopilados y editados por su hermana Ettie y publicados de forma privada en una edición limitada en 1949 que Ettie envió a su familia y amigos. [45]
En 2010, Gammel y Zelazo reeditaron los poemas de Stettheimer y su libreto de ballet temprano, afirmando que en las "manos y en la lengua de Stettheimer, la superficie para Stettheimer es la profundidad". [46] Continúan: "Una mirada atenta a los poemas revela superficies igualmente brillantes y revestimientos protectores brillantes" que se pueden encontrar en las pinturas. Gammel y Zelazo ven en la obra de Stettheimer una "gramática del artificio... diseñada para cultivar en el lector una aguda conciencia de la perspectiva estética", así como "una estética del celofán", un material decididamente moderno que utilizó para decorar sus escenarios y su dormitorio, mezclándolo ocasionalmente con encajes anticuados. [47]
El 11 de mayo de 1944, Stettheimer murió de cáncer en el Hospital de Nueva York . La asistían diariamente sus hermanas Ettie y Carrie (esta última murió inesperadamente unas semanas después) y su abogado Joseph Solomon. A diferencia de los demás miembros de su familia que fueron enterrados en la parcela familiar, Stettheimer pidió ser incinerada y, varios años más tarde, sus cenizas fueron esparcidas durante un viaje en barco por el río Hudson realizado por Ettie y Solomon. Durante muchos años, Stettheimer había expresado su deseo de que todas sus obras fueran donadas, como colección, a un museo. Sin embargo, al darse cuenta de que podría resultar demasiado difícil encontrar un museo que se quedara con toda la colección, revisó su testamento y pidió a sus hermanas que "siguieran sus deseos" de que sus obras no se vendieran, sino que se donaran a museos de todo el país. Ettie dejó esta tarea a los amigos de Solomon y Stettheimer, quienes donaron las pinturas de Stettheimer a la mayoría de los principales museos de arte de los Estados Unidos, incluida la donación de las pinturas de la Catedral al Museo Metropolitano de Arte. [48]
Al enterarse de su fallecimiento, Duchamp le escribió a Ettie desde Francia y le preguntó si podía organizar una retrospectiva de las pinturas de Stettheimer. La exposición, la primera retrospectiva completa de una artista organizada por el Museo de Arte Moderno, incluyó un ensayo de catálogo escrito por el amigo de Stettheimer, el crítico de arte Henry McBride. [49] Después de su presentación en Nueva York, la retrospectiva de Stettheimer viajó al Museo de la Legión de Honor de San Francisco y al Arts Club de Chicago . [50]
A lo largo de su vida, galeristas de Nueva York, incluidos Julien Levy y Alfred Stieglitz , pidieron a Stettheimer que se uniera a sus galerías. Aunque expuso en varias galerías minoristas y a menudo le pedían que vendiera su obra, valoraba cada pintura en el equivalente a cientos de miles de dólares, por lo que nadie podía permitírselo. Como señaló McBride, "solía sonreír y decir que a ella le gustaban sus cuadros y prefería conservarlos. Al mismo tiempo, los prestaba para exposiciones públicas". [29] A partir de 1919, Stettheimer presentó o fue invitado a exhibir pinturas en casi todas las exposiciones importantes de arte contemporáneo. Estas incluyeron la primera Bienal del Whitney , varias de las primeras exposiciones colectivas y el Museo de Arte Moderno, las exposiciones Carnegie International y el Salón de Otoño de París. En total, expuso en más de cuarenta y seis exposiciones, y los críticos de arte generalmente elogiaban sus grandes y coloridas obras. En la década de 1930, ocupaba el segundo lugar después de Georgia O'Keeffe como la artista femenina más conocida de Nueva York. En un artículo de Harper's Bazaar después de su muerte, el escritor Carl Van Vechten afirmó que Stettheimer "fue a la vez la historiadora y la crítica de su época y contribuye en gran medida a contarnos cómo vivían algunos habitantes de Nueva York en esos extraños años posteriores a la Primera Guerra Mundial". Guerra Mundial, contándonos con colores brillantes y diseños seguros, contándonos en una pintura que tiene pocos rivales en su época o en la nuestra." [51]
Después de su muerte a finales de la década de 1940, cuando las obras de Stettheimer fueron donadas a museos de arte, el gusto por el arte se había desplazado hacia el expresionismo abstracto y sus pinturas con frecuencia no se exhibían. Además, debido a que sus pinturas no se vendieron en galerías de arte ni en subastas, no recibieron publicidad y por eso su nombre y obra no fueron tan conocidos. La biografía del autor Parker Tyler , Florine Stettheimer: A Life in Art , se publicó en 1963. [52] [22] En la década de 1970, el trabajo de Stettheimer fue revivido por historiadoras del arte feministas, entre ellas, sobre todo, Linda Nochlin . [30] Stettheimer experimentó otro renacimiento en 1995 con una exposición retrospectiva de su trabajo en el Museo Whitney de Arte Americano [50] y la publicación de otra biografía, The Life and Art of Florine Stettheimer de Bloemink . [53] [54] A partir de este momento, su trabajo influyó en varias mujeres contemporáneas y artistas homosexuales, atraídos por su mirada femenina y su estilo teatral decorativo. A partir de 2015 con la primera retrospectiva del trabajo de Stettheimer en Europa en la Lenbachhaus de Múnich , el trabajo de Stettheimer se ha incluido en numerosas exposiciones en los Estados Unidos, y se reconoce más plenamente su importancia como una de las primeras artistas feministas y su amplia influencia en los artistas contemporáneos. . Andrew Russeth, editor ejecutivo de ARTnews , afirmó que las pinturas de Stettheimer "demuestran elegantemente que ella es una de las más grandes artistas del siglo XX y podría servir como modelo útil para los del XXI". [55]
Durante su vida, el trabajo de Stettheimer fue específicamente mencionado y citado favorablemente por los críticos que revisaron las numerosas exposiciones en las que se mostró, así como por el escritor y fotógrafo Carl Van Vechten y el pintor Marsden Hartley . Van Vechten, contrastando su trabajo con el de Charles Demuth , escribió que el trabajo de Stettheimer poseía una cualidad muy moderna: "A riesgo de ser malinterpretado, debo llamar a esta calidad jazz". [56] Hartley elogió su "delicada sátira y su ingenio iridiscente". [57] En su ensayo, "Envuelto en celofán: la poética visual de Florine Stettheimer", Irene Gammel y Suzanne Zelazo revisan las diversas posiciones expresadas por académicos y biógrafos con respecto a la sensibilidad modernista única de Stettheimer, cuya fantasía parece muy diferente de la de los modernistas convencionales. Escriben:
Sin complejos, doméstico y ultrafemenino, el trabajo de Stettheimer ha sido descrito de diversas maneras como "falso naïf", deleitándose con formas simplificadas y colores fauvistas (Tatham); como "rococó subversivo", que abraza una sensibilidad camp (Nochlin); y como 'modernismo temporal' influenciado por los conceptos bergsonianos del tiempo como duración heterogénea, alineando a Stettheimer con Marcel Proust y otros modernistas literarios ( Bloemink ). [47]
Representando un estilo internacional de modernismo que integra varias formas de arte, las pinturas de Stettheimer, al igual que sus poemas, están cargadas tanto de sentido como de sensualidad. Debido a que se negó a afiliarse a una galería de arte única y conocida, como el "Grupo" Stieglitz, o a un estilo específico como el dadaísmo o la abstracción, el trabajo de Stettheimer siempre fue recibido y revisado como exclusivamente suyo. [58] Su estilo único y femenino y su mirada conscientemente femenina pusieron su trabajo directamente en contra de los gustos críticos del expresionismo abstracto y el minimalismo dominados por los hombres de las décadas de 1960 y 1970. [59]
La mayoría de los museos de arte en las grandes ciudades de los Estados Unidos que se establecieron antes de 1950 tienen una sola pintura de Stettheimer en sus colecciones, al igual que algunos museos de arte universitarios, incluida la Universidad de California en Berkeley y el Museo de Arte de la Universidad de Stanford , así como Estas obras fueron distribuidas tras la muerte de la artista según sus deseos por su abogado Joseph Solomon y sus amigos Carl Van Vechten y Kirk Askew. [71]
La siguiente es una selección de exposiciones colectivas en las que Stettheimer prestó su trabajo durante su vida. Las exposiciones colectivas póstumas no figuran en la lista. [72]
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