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Adán y Eva es el título de dos obras famosas en diferentes medios de Alberto Durero , un artista alemán del Renacimiento nórdico : un grabado realizado en 1504 y un par depinturas al óleo sobre tabla completadas en 1507. El grabado de 1504 representa a Adán y Eva en el Jardín del Edén , rodeados de varios animales simbólicos. [1] El grabado transformó la forma en que Adán y Eva eran representados popularmente en el arte. [2]
La pintura de 1507 que se encuentra en el Museo del Prado le ofreció a Durero otra oportunidad de representar la figura humana ideal en un medio diferente. [3] Pintadas en Núremberg poco después de su regreso de Venecia, las tablas estaban influenciadas por el arte italiano. [3] Las observaciones de Durero en su segundo viaje a Italia le proporcionaron nuevos enfoques para representar la forma humana. Aquí, representa las figuras a escala humana: los primeros sujetos desnudos a escala real en la pintura alemana. [3]
Durero buscó continuamente la perfección de la forma en su trabajo. [4] Viajó a Italia para estudiar a los maestros del Renacimiento italiano e incorporar sus técnicas a su arte. [3] Su primera visita a Venecia en 1494, donde estudió a artistas como Giovanni Bellini (a quien conoció), Andrea Mantegna , Antonio del Pollaiuolo , Leonardo da Vinci y otros. [4] Una obra de arte que capturó particularmente su atención fue El nacimiento de Venus (c. 1484-1486) de Sandro Botticelli . [3] [4] Además, estuvo muy influenciado por dos antiguas esculturas clásicas de mármol (ambas copiadas de esculturas helenísticas griegas, ahora perdidas) que ilustran el concepto de belleza ideal masculina y femenina: el Apolo de Belvedere (recién redescubierto en la década de 1490 [5] ) y la Venus de los Medici , aunque Durero probablemente descubrió estas obras a través de fuentes de segunda mano, el Apolo, por ejemplo, a través de un grabado de Nicoletto da Modena de c.1500 o el grabado de Apolo y Diana hecho por Jacopo de' Barbari alrededor de 1503 probablemente en Nuremberg. [1] [4] [6] Esta imagen presentaba la figura intrincadamente modelada de Apolo en contrapposto clásico , inspirando la interpretación de Adán de Durero. [3] De manera similar, en El nacimiento de Venus de Botticelli , la figura de Venus actuó como modelo para las interpretaciones posteriores de Eva de Durero . [4] Arrebatado por la nueva inspiración, Durero regresó a Nuremberg .
En 1500 Jacopo de' Barbari llegó a Núremberg para servir a Maximiliano I como pintor de la corte. Introdujo a Durero en el canon vitruviano de proporciones corporales y perspectiva lineal . [7] Pero Durero no estaba satisfecho y comenzó a realizar sus propios estudios, midiendo innumerables modelos vivos (tanto de hombres como de animales). [5] Resumió sus técnicas en sus Cuatro libros sobre la proporción humana , y en 1504 completó su primer grabado de Adán y Eva ( buril sobre placa de cobre, 25,1 x 19,8 cm). [8]
Durero dibujó su primer desnudo femenino de frente en 1493 a partir de una modelo viva, [9] y varios desnudos posteriores vistos de espaldas, entre ellos una representación temprana de Adán y Eva antes de la Caída. [10] Obras elaboradas fueron el dibujo de las mujeres en el Baño de las Mujeres (1496) y el grabado de Las cuatro mujeres desnudas (1497). A estos primeros desnudos femeninos les siguieron estudios de figuras con proporciones corporales construidas, incluso los contornos dibujados con regla y compás, primero el Desnudo reclinado y el grabado de Némesis , ambos de 1501. Pero la única figura cuya pose se relaciona estrechamente con Eva es la Venus en el grabado de El sueño del médico (c. 1498), una versión refinada de una de las Cuatro mujeres desnudas, el cuerpo reflejado, ahora en contrapposto ideal con el hombro bajado sobre la pierna de apoyo, la otra pierna libre para moverse.
En cuanto al Adán, hay varias obras que siguieron el mismo antetipo y probablemente fueron preparatorias. La más destacada es Apolo con el disco solar, una de las primeras figuras masculinas de Durero diseñadas según proporciones clásicas, [11] donde parece haber copiado libremente a de' Barbari al mostrar a Diana de espaldas a los pies de Apolo, quien es representado como Sol , ya que Diana, como diosa lunar, intenta protegerse de su luz conquistando el día. Durero obviamente no estaba satisfecho, ya que no terminó el dibujo. Dibujó al Apolo nuevamente, esta vez con un arco. [12] Otro dibujo de estudio estrechamente relacionado es el Desnudo masculino con vaso y serpiente (también llamado Asclepio ) con rastros de uso extensivo de regla y compás. [13]
Su interpretación final del Apolo y Diana de De' Barbari, un tanto abstracto , es muy superior a la original, provocando un impacto emocional en el espectador al tener la imponente, concentrada y ligeramente retorcida figura de Apolo ocupando más de la mitad del espacio con partes de su cabello, su arco y su flecha cortados. Diana también es más prominente, de frente al espectador mientras alimenta a un ciervo que está acostado a sus pies. Pero además de su musculatura y las texturas finamente afinadas, no hay similitud con la postura de Adán. El Apolo incluso se terminó más tarde y es un avance en comparación con el Adán, armonizando la estatura clásica con la emoción nórdica.
El grabado captura a un Adán y una Eva idealistas antes de la Caída del Hombre . [1] [14] Adán y Eva son representados con la forma corporal ideal tanto del hombre como de la mujer respectivamente. [3] Este grabado fue una de las primeras representaciones de Adán y Eva que se centró en la belleza física humana en lugar de la representación del pecado , lo que provocó que muchos artistas se inspiraran posteriormente en este cambio de perspectiva. [6] Como el primer hombre y la primera mujer esculpidos por Dios , Adán y Eva sirven como los personajes perfectos para encarnar la figura humana ideal. [6]
Ambas figuras están desnudas y posan en contrapposto antiguo . Se muestran de frente, con sus cabezas de perfil una frente a la otra, acentuadas por una ligera inclinación de sus cuerpos. Como quería mostrar estos ejemplares ideales de hombres, no hay superposición de las figuras y cada una puede verse a la vista, excepto sus genitales, que tuvieron que estar cubiertos. Durero, ejerciendo una sorprendente sofisticación técnica, utiliza el trabajo de línea grabada para jugar con sombras claras y oscuras, iluminando la piel pálida y modelando la musculatura de cada cuerpo. [6] Las figuras brillantes se destacan frente al fondo oscuro del bosque que llena (casi) por completo la placa, al igual que la pintura al óleo cubre un panel por completo. [15]
Durero realizó dibujos preparatorios separados para cada figura. Se han conservado dos pruebas de prueba que imprimió mientras aún trabajaba en el grabado. Muestran sus procedimientos específicos en ambas etapas de trabajo. Las pruebas únicas revelan, por ejemplo, que el procedimiento escrupulosamente incremental, que el gato fue añadido más tarde. En el caso de los dibujos, primero construyó un cuerpo con regla y compás en un lado de una hoja. Luego trazó los contornos de la figura en el reverso, donde modeló el cuerpo tridimensional real con sombreados y pintó un fondo oscuro con un pincel. A diferencia de Adán, Durero aún no había encontrado la pose correcta para Eva, [5] pero parecía estar claro que no quería seguir el modelo de la Venus púdica, que cubre su pecho.
En una etapa posterior unió dos láminas con estudios de las figuras de ambos personajes con una tercera tira de papel, lavando después el fondo y obteniendo una sola imagen. La manzana que Adán todavía sostiene en su mano se corresponde ahora con la que tiene Eva en la mano, como si el pecado se hubiera repartido equitativamente. En el grabado final, sin embargo, Eva será la responsable.
Adán es representado más delgado, musculoso y más grande que Eva a la altura de la frente [15] , mientras que el cuerpo de ella es más flexible y redondeado [4] . Durero obtuvo la "suavidad sedosa" de su piel a través de líneas graduadas más finas que en parte "se disuelven en punteos, y [añadiendo] una tercera serie de curvas" que densifica los patrones de sombreado. Erwin Panofsky estimó "dos o tres veces más líneas por pulgada cuadrada que en [grabados] anteriores". Esta técnica que había practicado desde alrededor de 1500 amplió el espectro de valores de luz en ambos extremos y permitió texturas aún más detalladas y diferenciadas [16] .
Adán y Eva se muestran en el Jardín del Edén . [3] Como la imagen es una representación de la humanidad antes de la Caída, todo permanece en perfecta armonía. Colocada directamente entre el par de figuras se encuentra una higuera , el Árbol del Conocimiento , pero se representa aquí, como era habitual, como un híbrido ya que el fruto del árbol es la manzana . [1] [2] [4] [17] A Eva la serpiente le ofrece un fruto y sostiene en su mano izquierda ya uno atado a una rama rota con hojas de higuera que cubren sus genitales. [1] [2] [17] Es una referencia directa a la vergüenza que experimentarían Adán y Eva después de la Caída, como se describe en Génesis 3:7: "Y se abrieron los ojos de ambos, y conocieron que estaban desnudos; entonces cosieron hojas de higuera y se hicieron delantales". [4] El Fruto Prohibido en su mano izquierda (siniestra en latín), que está a punto de compartir con Adán, simboliza el mal . [2] [4] Los genitales de Adán están cubiertos por un brote de fresno de montaña que enmarca el lado izquierdo de la imagen. El árbol simboliza el Árbol de la Vida .
En el árbol sobre la placa con el autógrafo de Durero se sienta un loro . Desde alrededor de 1500 Durero tuvo un creciente interés por los animales y las plantas, de los que hizo muchos dibujos y acuarelas. [18] El famoso Gran Trozo de Césped por ejemplo, la Liebre Joven , y el Ala de un Carraca Azul son de esa época, pero también un dibujo de un loro, que se parece mucho al del grabado. Los loros pueden simbolizar diferentes ideas, incluyendo: sabiduría , la Palabra de Dios , Cristo , vida eterna y paraíso . Pero también podría referirse al Nuevo Mundo . [1] [4] En esta época, la colonización del Nuevo Mundo estaba en pleno apogeo y ciertos objetos de las Américas llegaron a simbolizar el paraíso, ya que los europeos habían llegado a creer que el paraíso se encontraría en las Américas. [19] Así, ciertos objetos que se originaron en el Nuevo Mundo se convirtieron en símbolos comunes del paraíso en el arte, un posible significado para el loro representado aquí. [19] Además, se sabe a través de los escritos de su diario que Durero vio e incluso coleccionó objetos exóticos de Oriente, así como de América, durante sus viajes a Italia y Flandes . [20] Algunos de estos objetos maravillosos incluían una gran espina de pescado, platos de porcelana de China, mientras que otros artículos como telas (algunas hechas de seda), plumas y un salero de marfil provenían de "Calicut", que en el Renacimiento era un término general que podía hacer referencia a la India, África o las Américas, lo que indicaba una incomprensión geográfica del mundo en general. [20]
Alrededor de Adán y Eva yacen cuatro animales que representan los cuatro humores o temperamentos. [6] El gato simboliza el humor colérico , el conejo el temperamento sanguíneo (del latín sanguineus , "de sangre": vivaz), el buey el humor flemático , mientras que el alce representa la melancolía . [1] Aunque la creencia contemporánea era que un desequilibrio de los fluidos corporales causaba humores indeseables, [4] en el Edén, todo está en perfecta armonía. [1] [6] Visualmente, esto está representado por la naturaleza pacífica y cohabitante de los animales: el gato no se abalanza sobre el ratón, el buey está sentado tranquilamente. [4] Esta representación de armonía equilibrada, sin embargo, sería destruida para siempre una vez que ocurriera la Caída . [6] Finalmente, la relación del ratón y el felino a los pies de las figuras es paralela a la de Adán y Eva. [21]
La pequeña placa ( cartellino en italiano) es su primera inscripción en un grabado escrito en latín , [14] dice " Albert Dürer noricvs faciebat 1504", que se traduce como "Alberto Durero de Núremberg estaba haciendo [esto en] 1504". [1] A pesar de la fascinación de Durero por el arte italiano, esta inscripción demuestra su orgullo por su herencia del norte, identificando claramente su ciudad natal como la ciudad alemana de Núremberg (Noricus en latín). [1] Además, Durero hace alarde sutilmente de la inmortalidad de su obra, ya que la placa está unida al Árbol de la Vida. [6]
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En 1510 Durero volvió a tratar este tema con un dibujo a tinta ligero pero íntimo, en el que Adán y Eva aparecen de espaldas, de espaldas al espectador, abrazándose. Se los representa como amantes y a punto de compartir un fruto del árbol del conocimiento. La figura de Eva con las piernas cruzadas se relaciona con las imágenes de la Caída y la Expulsión del Paraíso que aparecen en la Pequeña Pasión. Pero en la Caída Eva está de nuevo vuelta, mientras que en la Expulsión las figuras están en movimiento. La serpiente que los amantes ignoran tiene un torso femenino en lugar de cabeza, un motivo italiano. [22]
Durante su vida, el grabado en cobre de Adán y Eva se imprimió muchas veces, lo que dio como resultado múltiples impresiones existentes en diferentes colecciones. [1] [4] [6] Además, se hicieron copias no autorizadas de su impresión durante la vida de Durero en Florencia, Italia , ahora en los Uffizi , y, por ejemplo, una hecha en Maguncia, Alemania , durante la época de Napoleón . [2] [3]
Se conservan grabados originales (no pocas veces en varios ejemplares) en la Colección de Arte Gráfico de la Ciudad de Núremberg , los Kupferstichkabinetts de Berlín y Dresde , el Museo Städel de Frankfurt, el Albertina de Viena, el Museo Británico de Londres, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo Nacional de Varsovia , el Museo de Israel en Jerusalén y otras instituciones. En los EE. UU. se encuentran grabados en la Biblioteca del Congreso , el Museo Metropolitano de Arte y la Biblioteca y Museo Morgan de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston , el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte de Cincinnati , los Museos de Arte de Harvard , el Instituto de Arte de Minneapolis , el Museo de Arte de Filadelfia , la Galería de Arte de la Universidad de Yale , entre otros.
Después de la creación del grabado de 1504, Durero retomó el tema de Adán y Eva después de una segunda visita a Italia, cuando pasó la mayor parte de su tiempo en Venecia para estudiar más a fondo las pinturas renacentistas italianas . [3] [23] Durante sus dos años en Venecia, desde 1505 hasta 1507, Durero analizó varias técnicas y obras de arte famosas, desarrollando su uso del contrapposto italiano clásico. [8] Al regresar a Núremberg con su habilidad y conocimiento recién adquiridos, Durero pintó en 1507 lo que se considera la primera pintura de desnudo de tamaño natural en el arte alemán , Adán y Eva ( óleo sobre madera, 209 x 81 cm por panel). [3]
Durero creía que la forma de pintar la forma humana ideal era a través de un sistema matemático preciso de proporciones . [17] En su pintura al óleo de Adán y Eva , Durero alteró las proporciones de la cabeza al cuerpo de la figura de Eva de la relación 1:7,4 del grabado a 1:8,2. [3] Esta alteración alargó visualmente el cuerpo de Eva, proporcionándole una calidad esbelta e ingrávida. [23] Esta ingravidez era típica de las representaciones de figuras góticas , iluminando un cambio estilístico del contrapposto clásico de las figuras del grabado. [3] [4] Esto se puede ver además en la posición de las extremidades: las piernas de Eva están cruzadas, una directamente detrás de la otra en lugar de la postura de lado a lado que parece más arraigada como se ve en el grabado. [3] Este nuevo medio de representar a Eva se convirtió en una plantilla para muchas pinturas de desnudos femeninos posteriores. [8] La figura de Adán, sin embargo, permanece en contrapposto , aún recordando las representaciones clásicas de Apolo. [24] Ambas figuras se presentan de forma más andrógina que en el grabado de 1504, probablemente el resultado de un retorno a un estilo más gótico. [4]
La iluminación también se utiliza estratégicamente para enfatizar las figuras. Adán está bañado por una luz cálida, en contraste con Eva, que está bañada por una luz de tonos fríos, casi plateada. [3] La paleta de colores en su conjunto es estratégica, utilizando luces sutiles y sombras oscuras para minimizar el contraste y permitir que la pintura sea sutil. [3] Esta elección se opone al grabado de 1504 donde, debido a la naturaleza del material, todo es nítido con un alto contraste. [17] En la pintura al óleo, Adán sostiene una rama de árbol, destinada a simbolizar el fresno de montaña que simboliza el Árbol de la Vida, tal como lo hace la rama en el grabado. [17] [24] Eva apoya su mano sobre una rama donde cuelga un cartellino con escritura en latín que dice: "Albertus durer alemanus faciebat post virginis partum 1507" ( " Alberto Durero, en alto alemán, hizo esto 1507 años después del descendiente de la Virgen ") . [3]
La pintura consta de dos paneles rectangulares separados: uno de Adán y otro de Eva. [3] Mientras que el grabado de 1504 comunica la historia de la Caída del Hombre, la pintura al óleo se centra principalmente en las figuras individuales de Adán y Eva, enfatizadas por la falta de fondo intrincado y simbolismo. [3] [17] La razón real detrás de la elección de Durero de pintar a Adán y Eva por separado sigue siendo desconocida, sin embargo, fue una de las primeras obras de arte en crear una división de los sujetos, una elección artística que muchos artistas posteriores copiaron. [3]
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La pintura al óleo de 1507 se completó sobre paneles de madera. La madera y la pintura tienen procesos de envejecimiento complejos, lo que genera dificultades tanto en la conservación como en la restauración . [25] Con el tiempo, múltiples intentos de restauración llevaron a la adición de capas de pintura nueva y barniz oxidado , que a su vez distorsionaron la imagen original. [25] Además, la parte posterior de los paneles de madera se había reforzado en un intento de evitar la deformación de la madera. [25] Desafortunadamente, estos refuerzos finalmente tuvieron el efecto opuesto, distorsionando aún más los paneles. [25] El Met y el Museo del Prado colaboraron para restaurar la pintura a su estado original en 2020. [25] Quitando los paneles de soporte traseros, alisando la madera, eliminando el barniz oxidado y finalmente haciendo intentos adicionales de retoques de pintura restauradora, la pintura fue devuelta a lo que se cree que es su estado original. [25] Debido al barniz oxidado, la imagen anteriormente tenía un tono verde general. Ahora, ese tono verde ha desaparecido y los colores son como los pintó Durero. [25]
No existen documentos de archivo existentes que arrojen luz sobre el patrón original de la serie de Durero. [26] Los estudiosos sugieren que pueden haber sido encargados para el Ayuntamiento de Núremberg , la ciudad natal de Durero, ya que se instalaron allí a fines del siglo XVI. [26] A su vez, el Ayuntamiento de Núremberg se los regaló al emperador Rodolfo II , quien los exhibió en su nueva sala de galería en el Castillo de Praga . [26]
Durante la Guerra de los Treinta Años, cuando los suecos asaltaron Núremberg en 1648 durante la Batalla de Praga [26] sus ejércitos saquearon el castillo y trasladaron los paneles a Estocolmo , donde entraron en la colección de Gustavo Adolfo de Suecia . [26] Su hija, Cristina de Suecia , entregó la obra a Felipe IV de España en 1654 , después de su abdicación . [26] Las obras se trasladaron al Palacio Real de Madrid , pero se consideraron "desnudos", por lo que se reubicaron y se exhibieron en una sala separada conocida como las "Bóvedas de Tiziano". [26] Esta bóveda sobrevivió al incendio de 1734 que destruyó gran parte del palacio y su arte. [26] Luego, las pinturas fueron transportadas al palacio del Buen Retiro . [26]
En 1762, si no hubiera sido por la persuasión de Anton Raphael Mengs , pintor de la corte del rey Carlos III de España , habrían sido destruidos por considerar la desnudez como "indecente". [26] Mengs convenció al rey de que los paneles eran artísticamente importantes. [26] Unos diez años después, las pinturas fueron trasladadas a la Academia de San Fernando para su almacenamiento. [26] Permanecieron almacenadas allí durante varias décadas hasta que se exhibieron en la Sala de Juntas entre 1809 y 1818, durante el gobierno de José Bonaparte . [26] En 1827, los dos paneles fueron trasladados a su ubicación actual, el Museo del Prado en Madrid, donde permanecieron fuera de la vista del público debido a su desnudez hasta 1838, cuando finalmente se exhibieron al público. [26]
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