En 1635, Peter Paul Rubens creó Venus y Adonis , actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Siguió la historia mitológica de las Metamorfosis de Ovidio , inspirado en su amor por la literatura clásica y en representaciones anteriores de esta escena. [1] Este óleo sobre lienzo muestra a Venus acompañada de Cupido, abrazando y tirando de Adonis antes de que se vaya a cazar. El artista utiliza colores específicos, detalles y un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad para representar una escena dramática y emotiva. En el momento en que Rubens creó la pintura, la historia mitológica de Venus y Adonis era popular en el arte de la corte del Renacimiento y el Barroco. Rubens se inspiró claramente en las numerosas representaciones existentes de esta escena, en particular en la famosa composición de Tiziano del mismo nombre , de la que existen numerosas versiones. Esto representa el mismo momento en el que Adonis deja Venus para cazar, a pesar de sus súplicas de quedarse. Lo matan más tarde ese mismo día.
Nacido en 1577 en Siegen , Peter Paul Rubens es considerado uno de los artistas barrocos más influyentes, especialmente en la tradición barroca flamenca. A principios del siglo XVII, Rubens fue empleado y patrocinado por Vicenco I Gonzaga. Trabajar para Gonzaga le permitió a Rubens viajar por todo el sur de Europa y adquirir conocimiento e inspiración de artistas del alto Renacimiento y del Barroco . Esto le ayudó a desarrollar su propio estilo artístico. [2] Mientras estaba en Madrid en 1628, Rubens produjo una copia de la obra de Tiziano y la utilizó como influencia para su pieza.
La Venus y Adonis de Rubens probablemente fueron pintadas como decoración de una gran casa de campo. Los primeros registros de la historia de la pintura provienen de la colección del Elector de Baviera , donde se mantuvo hasta 1706. Luego fue tomada por José I, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, quien luego se la presentó a John Churchill en el Palacio de Blenheim hasta que fue vendida por el octavo duque de Marlborough [3] En 1937, Harry Payne Bingham , quien la había prestado al Met desde 1920 , la entregó al Museo Metropolitano de Arte. Después de esto, la pintura se sometió a una importante restauración y el museo eliminó el barniz descolorido y Se vuelve a pintar y lo muestra como nuevo. Una vez completada la limpieza, los historiadores del arte pudieron precisar la fecha, gracias al conocimiento de los estilos de Rubens durante el siglo XVII. Después de esta pintura, Rubens creó más representaciones de esta escena, una de las cuales incluía el carro de Venus y las dos figuras posando de manera diferente.
Es un lienzo grande, de casi 8 pies cuadrados con tiras añadidas. La escena muestra a un Adonis alto y bronceado mirando en la dirección opuesta al espectador, pero de espaldas a su amante, Venus. El fondo de la pintura cambia en todo momento ya que el lado izquierdo del fondo es claro, pero el lado derecho es muy oscuro, destacando las dos figuras con sus respectivas pieles oscuras y claras. Rubens utiliza elementos formales de sus influencias del Renacimiento italiano y de su sensibilidad artística barroca para representar el tema mitológico popular. Por ejemplo, los cuerpos de estas figuras son anatómicamente realistas y hermosos. Además, la iluminación cambiante de la pintura las hace brillar y resaltar, un tenebrismo dramático similar a las obras de los artistas del Barroco sureño Tiziano y Caravaggio [4].
Adonis está vestido con una prenda de color rojo brillante, lo que hace que su figura destaque frente a todos los demás colores claros y apagados. La tela tiene arrugas y es muy fluida, creando la sensación de movimiento cuando gira. Su pie izquierdo está ligeramente elevado por encima y detrás del otro, insinuando que está a punto de dar un paso adelante. Mientras está frente a Venus, su mirada no se centra en ella sino que está en blanco, como si estuviera preocupado por otra cosa. A diferencia de la obra de Tiziano, Adonis está más centrado en su caza y el viaje que le espera, que en Venus. Quizás porque este cuadro estaba destinado a una casa de campo, Rubens optó por enfatizar el papel de Adonis como cazador. Para enfatizar esto, el artista incluye las botas de caza de Adonis, una lanza e incluso los perros de caza. Los detalles del cuerpo de Adonis son muy realistas y naturales. Por ejemplo, el artista incluye su columna curva mientras gira, junto con líneas prominentes, resaltando los músculos que se utilizan para girar. Rubens se centra en los músculos de Adonis y la gran lanza que sostiene, enfatiza su fuerte masculinidad y poder.
A la derecha de Adonis, Venus se aferra a él mientras lo tira hacia abajo. Según la narración, ella sabe que él está a punto de ser asesinado y le ruega que se quede. Su rostro transmite angustia y tristeza mientras mira directamente a Adonis. Al igual que en la representación de Tiziano, ella está mayoritariamente desnuda, pero tiene una tela blanca transparente que cuelga entre sus piernas. Rubens usa esto y su cuerpo curvo y de figura completa para representar la inocencia y la fertilidad como lo hacen la mayoría de las representaciones de Venus. Las sombras claras y oscuras de su cuerpo muestran movimiento y una tez corporal realista. Por ejemplo, su estómago es largo y se estira junto con su pierna anatómica izquierda, lo que muestra que se acerca irremediablemente a Adonis. Su piel, al igual que la de Cupido, es muy luminosa y clara, lo que les hace destacar del resto del cuadro. Esto contrasta con la piel bronceada de Adonis y la tela oscura que fluye y los árboles en su fondo. Esta elección del color de la piel, junto con la desnudez, hace que Venus y Cupido brillen y parezcan angelicales o divinos. Además, el parecido entre ambos es para resaltar la relación madre e hijo de este mito. Cupido se aferra a la pierna derecha de Adonis, mirándolo y suplicándole que se quede.
Las flechas de Cupido se encuentran en el suelo entre Cupido y Venus. Esto recuerda al espectador que Venus se enamoró de Adonis al ser pinchado por una flecha. Al fondo, dos de los perros de caza de Adonis lo esperan, ajenos a la tensa escena y dispuestos a seguir caminando. El cielo apagado, los árboles y el suelo oscuros y un borde ligeramente oscuro y opaco alrededor de la pintura contrastan con las figuras para hacer la escena más dramática. Las figuras parecen saltar del marco.