La historia de la pintura occidental representa una tradición continua, aunque interrumpida, desde la antigüedad hasta la actualidad. [1] Hasta mediados del siglo XIX se ocupaba principalmente de los modos de producción representativos y tradicionales, momento a partir del cual ganaron popularidad formas más modernas , abstractas y conceptuales . [2]
La pintura occidental, que en un principio se dedicó al patrocinio imperial, privado, cívico y religioso, encontró más tarde público en la aristocracia y la clase media. Desde la Edad Media hasta el Renacimiento, los pintores trabajaron para la iglesia y una aristocracia adinerada. [3] A partir de la era barroca , los artistas recibieron encargos privados de una clase media más educada y próspera. [4] La idea del " arte por el arte " [5] comenzó a encontrar expresión en la obra de los pintores románticos como Francisco de Goya , John Constable y JMW Turner . [6] Durante el siglo XIX, se establecieron galerías comerciales que continuaron brindando patrocinio en el siglo XX. [7] [8]
La pintura occidental alcanzó su apogeo en Europa durante el Renacimiento, en conjunción con el refinamiento del dibujo, el uso de la perspectiva , la arquitectura ambiciosa, los tapices , las vidrieras , la escultura y el período anterior y posterior a la llegada de la imprenta . [9] Tras la profundidad de los descubrimientos y la complejidad de las innovaciones del Renacimiento, la rica herencia de la pintura occidental continuó desde el período barroco hasta el arte contemporáneo . [10]
La historia de la pintura se remonta a los artefactos de artistas prehistóricos y abarca todas las culturas. Las pinturas más antiguas conocidas se encuentran en la Grotte Chauvet en Francia, y algunos historiadores afirman que tienen unos 32.000 años. Están grabadas y pintadas con ocre rojo y pigmento negro y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts o, a menudo, humanos cazando.
Las pinturas rupestres europeas prehistóricas comparten temas comunes con otras pinturas prehistóricas que se han encontrado en todo el mundo, lo que implica la universalidad del propósito y la similitud de los impulsos que podrían haber inspirado a los artistas a crear las imágenes. [ cita requerida ] Se han hecho varias conjeturas sobre el significado que estas pinturas tenían para los artistas que las hicieron. Los hombres prehistóricos pueden haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu para cazarlos más fácilmente, o las pinturas pueden representar una visión animista y un homenaje a la naturaleza circundante , o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innata a los seres humanos, o pueden ser grabaciones de las experiencias de vida de los artistas e historias relacionadas de los miembros de su círculo.
La pintura minoica es el arte producido por la civilización minoica del Egeo de la Edad de Bronce desde aproximadamente el 3000 al 1100 a. C., aunque las supervivencias más extensas y mejores provienen aproximadamente del 2300 al 1400 a. C. Forma parte del grupo más amplio del arte egeo , y en períodos posteriores llegó a tener durante un tiempo una influencia dominante sobre el arte cicládico . Dado que la madera y los textiles se han descompuesto, los ejemplos supervivientes mejor conservados (y más instructivos) del arte minoico son su cerámica , la arquitectura palaciega (con frescos que incluyen "los paisajes puros más antiguos del mundo"), [12] pequeñas esculturas en varios materiales, joyas, vasijas de metal y sellos intrincadamente tallados .
La cultura minoica estuvo influida por las culturas vecinas del Antiguo Egipto y el Oriente Próximo , que habían producido un arte urbano sofisticado durante mucho más tiempo, pero el carácter de las pequeñas pero ricas ciudades mercantiles minoicas era muy diferente, con poca evidencia de una religión basada en grandes templos, monarcas o guerras, y "todo el poder imaginativo y la frescura infantil de una cultura muy joven". [13] Todos estos aspectos de la cultura minoica siguen siendo bastante misteriosos. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida aunque siguiendo un conjunto de convenciones altamente formales". [14]
La mayor y mejor colección de arte minoico se encuentra en el Museo Arqueológico de Heraklion ("AMH"), cerca de Cnosos , en la costa norte de Creta. Los arqueólogos han utilizado el arte minoico y otros restos de cultura material , especialmente la secuencia de estilos cerámicos, para definir las tres fases principales de la cultura minoica (EM, MM, LM) y sus numerosas subfases. Las fechas que se les asignan siguen siendo muy discutidas, aunque dentro de rangos cada vez más estrechos. [15]
La relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y con el arte griego antiguo posterior ha sido muy discutida. Claramente dominó el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, [16] incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero solo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Oscura griega después del colapso de la Grecia micénica . [17]
Alrededor del año 1100 a. C., las tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y su arte tomó un nuevo rumbo. La cultura de la Antigua Grecia es notable por sus contribuciones sobresalientes a las artes visuales. La pintura sobre cerámica de la Antigua Grecia ofrece una visión particularmente ilustrativa del funcionamiento de la sociedad en la Antigua Grecia. Todavía existen muchos ejemplos excelentes de pintura de vasos de figuras negras y de pintura de vasos de figuras rojas .
Algunos pintores griegos famosos que trabajaron en paneles de madera y son mencionados en textos son Apeles , Zeuxis y Parrasio ; sin embargo, con la única excepción de los paneles de Pitsa , no sobreviven ejemplos de pintura sobre tabla de la antigua Grecia, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o romanos posteriores. Zeuxis vivió en el siglo V a. C. y se dice que fue el primero en utilizar sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apeles es descrito como el pintor más grande de la antigüedad y se destaca por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.
El arte romano estuvo influenciado por Grecia y en parte puede considerarse descendiente de la pintura griega antigua. Sin embargo, la pintura romana tiene características únicas importantes. Las pinturas romanas sobrevivientes incluyen pinturas murales y frescos , muchos de villas en Campania , en el sur de Italia en sitios como Pompeya y Herculano . Dicha pintura se puede agrupar en 4 "estilos" o períodos principales [18] y puede contener los primeros ejemplos de trampantojo , pseudoperspectiva y paisaje puro. [19]
Los únicos retratos pintados que se conservan del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de busto en forma de sarcófago encontrados en el cementerio egipcio de Al-Fayum . Aunque no son de la mejor época ni de la más alta calidad, son impresionantes en sí mismos y dan una idea de la calidad que debían tener las mejores obras antiguas. También sobreviven un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad Tardía y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano.
El ascenso del cristianismo impartió un espíritu y un objetivo diferentes a los estilos de pintura. El arte bizantino , una vez que su estilo se estableció en el siglo VI, puso gran énfasis en conservar la iconografía y el estilo tradicionales, y evolucionó gradualmente durante los mil años del Imperio bizantino y las tradiciones vivas de la pintura de iconos ortodoxa griega y rusa . La pintura bizantina tiene un sentimiento hierático y los iconos fueron y todavía son vistos como una representación de la revelación divina. Hubo muchos frescos , pero han sobrevivido menos de estos que los mosaicos . El arte bizantino ha sido comparado con la abstracción contemporánea , en su planitud y representaciones altamente estilizadas de figuras y paisajes. Algunos períodos del arte bizantino, especialmente el llamado arte macedonio de alrededor del siglo X, son más flexibles en su enfoque. Los frescos del Renacimiento Paleólogo de principios del siglo XIV sobreviven en la Iglesia de Chora en Estambul.
En la Europa post-católica antigua, el primer estilo artístico distintivo que surgió y que incluía la pintura fue el arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos supervivientes son miniaturas en manuscritos iluminados como el Libro de Kells . [20] Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque también se representaban figuras y, a veces, escenas, especialmente en los retratos de los evangelistas . El arte carolingio y otoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque quedan algunas pinturas murales y hay más documentadas. El arte de este período combina influencias insulares y "bárbaras" con una fuerte influencia bizantina y una aspiración a recuperar la monumentalidad y el aplomo clásicos.
Las paredes de las iglesias románicas y góticas estaban decoradas con frescos y esculturas, y muchos de los pocos murales que quedan tienen una gran intensidad y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. De este período se conservan muchas más miniaturas en manuscritos iluminados que muestran las mismas características, que continúan en el período gótico .
La pintura sobre tabla se hace más común durante el periodo románico , bajo la fuerte influencia de los iconos bizantinos. Hacia mediados del siglo XIII, el arte medieval y la pintura gótica se vuelven más realistas, con los inicios del interés por la representación del volumen y la perspectiva en Italia con Cimabue y luego su alumno Giotto . A partir de Giotto, el tratamiento de la composición por parte de los mejores pintores también se volvió mucho más libre e innovador. Se les considera los dos grandes maestros medievales de la pintura en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utilizó un enfoque más realista y dramático para su arte. Su alumno, Giotto, llevó estas innovaciones a un nivel superior que a su vez sentó las bases de la tradición de la pintura occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el movimiento hacia el naturalismo.
Las iglesias se construyeron con cada vez más ventanas y el uso de vidrieras de colores se convirtió en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto se encuentra en la catedral de Notre Dame de París . En el siglo XIV, las sociedades occidentales eran más ricas y cultas y los pintores encontraron nuevos mecenas en la nobleza e incluso en la burguesía . Los manuscritos iluminados adquirieron un nuevo carácter y las mujeres de la corte delgadas y vestidas a la moda aparecieron en sus paisajes. Este estilo pronto se conoció como estilo gótico internacional y fue dominante desde 1375 hasta 1425 con pinturas al temple sobre tabla y retablos ganando importancia.
El Renacimiento (del francés «renacimiento»), un movimiento cultural que se extendió aproximadamente desde el siglo XIV hasta mediados del siglo XVII, fue impulsado por el humanismo renacentista y el estudio de las fuentes clásicas. En pintura, en las décadas de 1420 y 1430, los pintores más destacados de Italia y los Países Bajos desarrollaron por separado nuevas formas de pintar que permitieron que las pinturas parecieran más realistas que en las obras de pintores consagrados, cuyo estilo se conoce como gótico internacional o, en algunos casos, como protorrenacentista (principalmente en Italia). Este período, que duró hasta aproximadamente 1495, se conoció como el Renacimiento temprano .
En la zona de Flandes de los Países Bajos, tras los avances en la iluminación de manuscritos , especialmente por parte de los hermanos Limbourg , que murieron en 1416, los artistas se fascinaron por lo tangible del mundo visible y comenzaron a representar objetos de una manera extremadamente naturalista. [21] La adopción de la pintura al óleo , cuyo primer uso en pinturas sobre tabla se atribuyó tradicionalmente, pero erróneamente, a Jan van Eyck , hizo posible una nueva verosimilitud en la representación de este naturalismo. El medio de la pintura al óleo ya estaba presente en la obra de Melchior Broederlam (que murió en 1409), pero Robert Campin (anteriormente conocido como el Maestro de Flémalle ) y van Eyck llevaron su uso a nuevas alturas y lo emplearon para representar el naturalismo al que apuntaban. Con este nuevo medio, los pintores de este período fueron capaces de crear colores más ricos con una tonalidad intensa y profunda. La ilusión de luz brillante con un acabado similar a la porcelana caracterizó la pintura neerlandesa temprana y fue una diferencia importante con la superficie mate de la pintura al temple utilizada en Italia. [21]
A diferencia de los italianos, cuyo trabajo se inspiró en gran medida en el arte de la antigua Roma, los norteños conservaron un residuo estilístico de la escultura y los manuscritos iluminados de la Edad Media (especialmente su naturalismo). Otro pintor neerlandés importante de este período fue Rogier van der Weyden , un alumno de Campin, cuyas composiciones enfatizaban la emoción humana y el drama, demostrado por ejemplo en su Descendimiento de la cruz , que se encuentra entre las obras más famosas del siglo XV y fue la pintura neerlandesa más influyente de la crucifixión de Cristo. Otros artistas importantes fueron Hugo van der Goes (cuyo trabajo fue muy influyente en Italia), Dieric Bouts (quien fue uno de los primeros pintores del norte en demostrar el uso de un solo punto de fuga), [21] Petrus Christus , Hans Memling y Gerard David . En conjunto, los avances en la pintura en Europa al norte de los Alpes se conocen como el Renacimiento del Norte .
En la pintura renacentista italiana , el arte de la Antigüedad clásica inspiró un estilo de pintura que enfatizaba el ideal. A Masaccio se le atribuyen avances en la perspectiva lineal, la representación del volumen en sus figuras y la representación de emociones en los rostros de sus figuras en la década de 1420. Luego, artistas como Paolo Uccello , Fra Angelico , Piero della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi y Sandro Botticelli , en el período del Renacimiento temprano que duró hasta aproximadamente 1495, y luego Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti y Rafael durante el Alto Renacimiento de aproximadamente 1495 a 1520, llevaron la pintura a un nivel superior a través del uso de la perspectiva , el estudio de la anatomía humana y la proporción, y a través de su desarrollo de un refinamiento sin precedentes en las técnicas de dibujo y pintura. Un estilo del Alto Renacimiento algo más naturalista surgió en Venecia . Los pintores de la escuela veneciana , como Giovanni Bellini , Giorgione , Tiziano y Veronés , estaban menos preocupados por la precisión en sus dibujos que por la riqueza del color y la unidad del efecto que podía lograrse con un enfoque más espontáneo de la pintura.
Los pintores flamencos, holandeses y alemanes del Alto Renacimiento del norte, como Alberto Durero , Lucas Cranach , Matthias Grünewald y Hans Holbein el Joven , tenían un enfoque diferente al de sus homólogos italianos, más realista y menos idealizado. Algunos pintores del norte, comenzando por Durero en la década de 1490, viajaron a Italia para ver obras del Alto Renacimiento italiano e incorporaron las características del arte italiano a las suyas en diversos grados. Una generación más tarde, el comienzo de la pintura de género como tema para grandes obras comenzó con Peter Aertsen y Pieter Bruegel . Una generación posterior de pintores del Renacimiento del norte que viajaron a Roma y adoptaron gran parte del enfoque idealizado del Renacimiento italiano se conocieron como romanistas .
La pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y la ciencia ( astronomía , geografía ) que se produjo en este período, la Reforma y la invención de la imprenta . El grabado se volvió cada vez más importante y lo practicaban muchos pintores. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, afirma que los pintores no son meros artesanos sino también pensadores . Con el desarrollo de la pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Las pinturas de caballete (cuadros móviles que podían colgarse fácilmente en las paredes) se convirtieron en una alternativa popular a las pinturas fijadas a muebles, paredes u otras estructuras. Después de siglos dominados por la imaginería religiosa, los temas seculares regresaron lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyeron visiones del mundo que los rodeaba o los productos de su propia imaginación en sus pinturas. Aquellos que podían permitirse el gasto podían convertirse en mecenas y encargar retratos de ellos mismos o de su familia.
El Alto Renacimiento en Italia dio lugar a un arte estilizado conocido como manierismo después de 1520, aunque algunos pintores, como Tiziano y Paolo Veronese , continuaron pintando en un estilo de Alto Renacimiento hasta finales del siglo. En lugar de las composiciones equilibradas y el enfoque racional de la perspectiva que caracterizaron el arte en los albores del siglo XVI, los manieristas buscaron la inestabilidad, el artificio y la duda. Las tranquilas Vírgenes de Rafael y las expresiones serenas de los sujetos de Leonardo son reemplazadas por las expresiones problemáticas de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco . Las composiciones inquietas e inestables, a menudo efectos extremos o disyuntivos de la perspectiva y poses estilizadas son características de los manieristas italianos como Tintoretto , Pontormo y Bronzino , y aparecieron más tarde en la obra de los manieristas del norte como Hendrick Goltzius , Bartholomeus Spranger y Joachim Wtewael .
La pintura barroca está asociada con el movimiento cultural barroco , un movimiento a menudo identificado con el absolutismo y la Contrarreforma o el Renacimiento católico; [22] [23] Sin embargo, la existencia de pintura barroca importante en estados no absolutistas y protestantes también subraya su popularidad, ya que el estilo se extendió por toda Europa occidental. [24]
La pintura barroca se caracteriza por un gran dramatismo, colores ricos y profundos, y una luz intensa y sombras oscuras con el propósito del arte de evocar emoción y pasión en lugar de la racionalidad tranquila que se había apreciado durante el Renacimiento. Los primeros pintores barrocos incluyeron a los hermanos Caracci, Annibale y Agostino , en la última década del siglo XVI, y Caravaggio en la última década del siglo. Caravaggio es reconocido como uno de los más grandes pintores barrocos y heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento . Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente de la vida e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. El barroco fue el estilo dominante de pintura a partir de alrededor de 1600 y continuó durante todo el siglo XVII. Entre los grandes pintores del Barroco se encuentran Rubens , Velázquez , Rembrandt , Frans Hals , Johannes Vermeer , Le Nain , Jusepe de Ribera , Poussin , Tour y Claude Lorraine , que se centró en la pintura de paisajes. Poussin, Claude y La Tour, todos franceses, adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos enfoque en la emoción y mayor atención al contorno de las figuras en la pintura que al color. La mayoría de estos pintores viajaron a Italia como parte de su formación y luego llevarían el estilo barroco de regreso a sus países de origen, aunque en algunos casos permanecieron en Italia durante gran parte de su carrera (Claude y Poussin). En Italia, el estilo barroco está personificado por pinturas religiosas y mitológicas al estilo grandioso de artistas como Carracci , Guido Reni y Luca Giordano . Los frescos ilusionistas del techo de la iglesia de Pietro da Cortona parecían abrirse al cielo.
Un tipo de barroco mucho más tranquilo surgió en la República Holandesa , donde las pinturas de caballete de temas cotidianos eran populares entre los coleccionistas de clase media, y muchos pintores se convirtieron en especialistas en géneros , otros en paisajes o marinas o naturalezas muertas. Vermeer, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch aportaron un gran refinamiento técnico a la pintura de escenas domésticas, al igual que Willem Claesz. Heda a la naturaleza muerta. En cambio, Rembrandt sobresalió en la pintura de todo tipo de temas, y desarrolló un estilo pictórico individual en el que el claroscuro y los fondos oscuros derivados de Caravaggio y los caravaggistas de Utrecht pierden su calidad teatral. La pintura barroca holandesa a menudo se conoce como pintura de la Edad de Oro holandesa .
Durante el siglo XVIII, la pintura rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívola y erótica y con el uso de colores pastel claros. El rococó se desarrolló primero en las artes decorativas y el diseño de interiores en Francia. La sucesión de Luis XV trajo consigo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística en general. La década de 1730 representó el apogeo del desarrollo del rococó en Francia ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher . El rococó todavía mantenía el gusto barroco por las formas complejas y los patrones intrincados, pero en este punto, había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluido un gusto por los diseños orientales y las composiciones asimétricas.
El estilo rococó se difundió con los artistas franceses y las publicaciones grabadas. Fue recibido con facilidad en las partes católicas de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusionó con las vivaces tradiciones barrocas alemanas. El rococó alemán se aplicó con entusiasmo a las iglesias y palacios, particularmente en el sur, mientras que el rococó federico se desarrolló en el Reino de Prusia .
Los maestros franceses Watteau , Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin , considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo XVIII: el antirococó . El retrato fue un componente importante de la pintura en todos los países, pero especialmente en Inglaterra, donde los líderes fueron William Hogarth , en un estilo realista contundente, y Francis Hayman , Angelica Kauffman (que era suiza), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores influenciados por Anthony van Dyck . En Francia, durante la era rococó, Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot ), [25] sobresalió en retratos y pinturas de historia , y Maurice Quentin de La Tour y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron pintores de retratos muy consumados . La Tour se especializó en pintura al pastel , que se convirtió en un medio popular durante este período.
William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no hizo referencia intencional al movimiento, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en forma de S que predominaban en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo del clasicismo ). El principio del fin del rococó llegó a principios de la década de 1760, cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas a la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel denunció la "ridícula mezcolanza de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [26]
En 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de los artistas neoclásicos como Jacques-Louis David , cuyas imponentes pinturas históricas que representaban eventos históricos y contemporáneos encarnaban los ideales de la Revolución Francesa .
Después del rococó , a finales del siglo XVIII, en la arquitectura y luego en la pintura, surgió un neoclasicismo severo , mejor representado por artistas como David y su heredero Ingres . La obra de Ingres ya contiene mucho de la sensualidad, pero nada de la espontaneidad, que caracterizaría al Romanticismo .
A mediados del siglo XIX, los pintores se liberaron de las exigencias de su mecenazgo y se limitaron a representar escenas de religión, mitología, retratos o historia. El arte se convirtió en un medio de expresión personal en la obra de pintores como Francisco de Goya , John Constable y JMW Turner . Los pintores románticos convirtieron la pintura de paisajes en un género principal, considerado hasta entonces como un género menor o como fondo decorativo para composiciones de figuras. Algunos de los principales pintores de este período son Eugène Delacroix , Théodore Géricault , JMW Turner, Caspar David Friedrich y John Constable. La obra tardía de Francisco Goya demuestra el interés romántico por lo irracional, la obra de Arnold Böcklin evoca misterio, la obra de la Hermandad Prerrafaelita en Inglaterra combina la devoción asidua a la naturaleza con la nostalgia por la cultura medieval, y las pinturas del artista del movimiento estético James Abbott McNeill Whistler evocan sofisticación, decadencia y la filosofía del "arte por el arte". En los Estados Unidos, la tradición romántica de la pintura de paisajes se conoció como la Escuela del río Hudson : [27] los exponentes incluyen a Thomas Cole , Frederic Edwin Church , Albert Bierstadt , Thomas Moran y John Frederick Kensett . El luminismo fue un movimiento en la pintura de paisajes estadounidense relacionado con la Escuela del río Hudson.
Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo fue Gustave Courbet , cuyas pinturas no idealizadas de gente común ofendieron a los espectadores acostumbrados a la temática convencional y al acabado reluciente del arte académico , pero inspiraron a muchos artistas más jóvenes. El pintor líder de la Escuela de Barbizon, Jean-François Millet, también pintó paisajes y escenas de la vida campesina. Vagamente asociado con la Escuela de Barbizon estaba Camille Corot , que pintó tanto en una vena romántica como realista ; su obra prefigura el impresionismo , al igual que las pinturas de Johan Jongkind y Eugène Boudin (quien fue uno de los primeros pintores de paisajes franceses en pintar al aire libre). Boudin fue una influencia importante en el joven Claude Monet , a quien en 1857 introdujo a la pintura al aire libre .
En el último tercio del siglo, impresionistas como Édouard Manet , Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Mary Cassatt y Edgar Degas trabajaron con un enfoque más directo que el que se había exhibido públicamente anteriormente. Evitaron la alegoría y la narrativa en favor de respuestas individualizadas al mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, apoyándose en la destreza del dibujo y una paleta altamente cromática. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como su motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima desempeñaron un papel importante en su trabajo. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito tradicional de hacer bocetos para desarrollar obras cuidadosamente terminadas en el estudio. [28] Al pintar con luz solar directamente de la naturaleza y haciendo un uso audaz de los vivos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, desarrollaron una manera de pintar más ligera y brillante.
Manet, Degas, Renoir, Morisot y Cassatt se centraron principalmente en el tema humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos en situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reinterpretaciones se encontraron con una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, y Renoir se centró en el desnudo femenino. Mientras que Sisley se adhirió más a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny .
Los posimpresionistas como Paul Cézanne y los algo más jóvenes Vincent van Gogh , Paul Gauguin y Georges-Pierre Seurat llevaron el arte al borde del modernismo . Para Gauguin, el impresionismo dio paso a un simbolismo personal. Seurat transformó el color roto del impresionismo en un estudio óptico científico, estructurado en composiciones similares a frisos. La técnica de pintura que desarrolló, llamada divisionismo , atrajo a muchos seguidores como Paul Signac , y durante unos años a fines de la década de 1880 Pissarro adoptó algunos de sus métodos. El método turbulento de aplicación de pintura de Van Gogh, junto con un uso sonoro del color, predijo el expresionismo y el fauvismo , y Cézanne, deseando unir la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, llegaría a ser visto como un precursor del arte del siglo XX.
El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en los Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de impresionistas estadounidenses como Childe Hassam , John Henry Twachtman y Theodore Robinson . También ejerció influencia en pintores que no eran principalmente impresionistas en teoría, como el retratista y paisajista John Singer Sargent . Al mismo tiempo, en Estados Unidos, a principios del siglo XX, existía un realismo nativo y casi insular, tan ricamente encarnado en la obra figurativa de Thomas Eakins , la Escuela Ashcan y los paisajes terrestres y marinos de Winslow Homer , todas cuyas pinturas estaban profundamente invertidas en la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, un motivo que depende en gran medida de la ambigüedad del nocturno, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock .
A finales del siglo XIX también hubo varios grupos, bastante disímiles, de pintores simbolistas cuyas obras resonaron con los artistas más jóvenes del siglo XX, especialmente con los fauvistas y los surrealistas . Entre ellos se encontraban Gustave Moreau , Odilon Redon , Pierre Puvis de Chavannes , Henri Fantin-Latour , Arnold Böcklin , Ferdinand Hodler , Edvard Munch , Félicien Rops , Jan Toorop y Gustav Klimt , y los simbolistas rusos como Mikhail Vrubel .
Los pintores simbolistas extrajeron de la mitología y de las imágenes oníricas un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que trajeran a la mente un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el simbolismo no son los emblemas familiares de la iconografía dominante , sino referencias intensamente personales, privadas, oscuras y ambiguas. Más una filosofía que un estilo de arte real, los pintores simbolistas influyeron en el movimiento Art Nouveau contemporáneo y Les Nabis . En su exploración de temas oníricos, los pintores simbolistas se encuentran a lo largo de siglos y culturas, como lo son todavía hoy; Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como "simbolismo más Freud ". [29]
La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos los precubistas Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo artístico de París con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos que los críticos llamaron fauvismo . La segunda versión de La danza de Henri Matisse significa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. [30] Refleja la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo : los intensos colores cálidos contra el fondo azul verdoso frío y la sucesión rítmica de desnudos danzantes transmiten sentimientos de liberación emocional y hedonismo . Pablo Picasso hizo sus primeras pinturas cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo , esfera y cono . Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso creó una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerdan a las máscaras tribales africanas y sus propias invenciones cubistas. El cubismo fue desarrollado conjuntamente desde aproximadamente 1908 hasta 1912 por Pablo Picasso y Georges Braque , cuyo Violín y candelabro, París (1910) se muestra aquí. La primera manifestación clara del cubismo fue practicada por Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Henri Le Fauconnier y Robert Delaunay . Juan Gris , Marcel Duchamp , Alexander Archipenko , Joseph Csaky y otros pronto se unieron. [31] El cubismo sintético , practicado por Braque y Picasso, se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage , papier collé y una gran variedad de temas fusionados. [31]
El Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y el fauvismo . El grupo obtuvo su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las bestias salvajes"), [32] contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la sala con ellas. [33] La escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope de Henri Rousseau (que no era fauvista) colgaba cerca de las obras de Matisse y puede haber inspirado el término sarcástico utilizado en la prensa. [34] El comentario de Vauxcelles se publicó el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó a ser de uso popular. [33] [35]
En las dos primeras décadas del siglo XX y después del cubismo, surgieron otros movimientos importantes: el futurismo ( Balla ), el arte abstracto ( Kandinsky ) , Der Blaue Reiter (Kandinsky y Franz Marc ), la Bauhaus (Kandinsky y Klee ), el orfismo ( Delaunay y Kupka ), el sincromismo ( Russell ), De Stijl ( van Doesburg y Mondrian ), el suprematismo ( Malevich ), el constructivismo ( Tatlin ), el dadaísmo ( Duchamp , Picabia y Arp ) y el surrealismo ( de Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí y Ernst ). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas hasta el cine de vanguardia , el teatro y la danza moderna , y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda.
El fauvismo fue un grupo informal de artistas de principios del siglo XX cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo por encima de los valores figurativos. Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain , rivales amistosos de una especie, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Los pintores fauvistas incluyeron a Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , el pintor holandés Kees van Dongen y el compañero de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros. [36]
El fauvismo no tenía teorías concretas y tuvo una vida breve, comenzando en 1905 y terminando en 1907. Tuvieron solo tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad en edad y su anterior autoestablecimiento en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Mme. Matisse, La raya verde , causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar, y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard , André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas, entre ellas Charing Cross Bridge, London, en estilo fauvista , parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet .
En 1907, el fauvismo ya no era un movimiento nuevo y chocante, y Appolinaire dijo de Matisse en un artículo publicado en La Falange : "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". [37]
Die Brücke fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores fueron Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff . Entre los miembros posteriores se encontraban Max Pechstein y Otto Mueller . Este grupo seminal tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo . [38]
El grupo Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró desde 1911 hasta 1914 y fue fundamental para el expresionismo. Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff (1909) se ve aquí, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky El Juicio Final de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, pero se centró en Kandinsky y Marc. Los artistas Gabriele Münter y Paul Klee también estuvieron involucrados. El nombre del movimiento proviene de una pintura de 1903 de Kandinsky . Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno. [39]
El expresionismo y el simbolismo son rúbricas amplias que abarcan varios movimientos relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia que se hacía en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron en gran medida entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. El fauvismo , Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de pintores expresionistas y simbolistas. La pintura de Marc Chagall Yo y la aldea cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de simbolismo artístico. Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann , Franz Marc , Georges Rouault , Amedeo Modigliani y algunos estadounidenses en el extranjero, como Marsden Hartley y Stuart Davis , fueron considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque Alberto Giacometti es considerado principalmente un escultor surrealista, también realizó intensas pinturas expresionistas.
Los pintores estadounidenses durante el período entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Artistas modernistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy y Stuart Davis crearon reputaciones en el extranjero. Mientras que Patrick Henry Bruce [40] creó pinturas relacionadas con el cubismo en Europa, tanto Stuart Davis como Gerald Murphy hicieron pinturas que fueron inspiraciones tempranas para el arte pop estadounidense [41] [42] [43] y Marsden Hartley experimentó con el expresionismo. Durante la década de 1920, el fotógrafo Alfred Stieglitz expuso a Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin y otros artistas, incluidos los maestros europeos Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne y Picasso, en su galería de la ciudad de Nueva York, la 291. [ 44] En Europa, maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento.
Wassily Kandinsky es considerado generalmente uno de los primeros pintores importantes del arte abstracto moderno . Como modernista temprano , teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos , que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulaban como el ejemplo en la Composición VII , haciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro De lo espiritual en el arte . Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen a la pintora sueca Hilma af Klint , el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee . Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda a un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz del color y su experimentación tanto de la profundidad como del tono.
Marcel Duchamp came to international prominence in the wake of the New York City Armory Show in 1913 where his Nude Descending a Staircase, No. 2 became a cause célèbre. He subsequently created The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, Large Glass. The Large Glass pushed the art of painting to radical new limits being part painting, part collage, part construction. Duchamp (who was soon to renounce artmaking for chess) became closely associated with the Dada movement that began in neutral Zürich, Switzerland, during World War I and peaked from 1916 to 1920. The movement primarily involved visual arts, literature (poetry, art manifestoes, art theory), theatre, and graphic design to advance its antiwar politic and rejection of the prevailing standards in art through anti-art cultural works. Other artists associated with the Dada movement include Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, and Sophie Taeuber-Arp. Duchamp and several Dadaists are also associated with Surrealism, the movement that dominated European painting in the 1920s and 1930s.
In 1924 André Breton published the Surrealist Manifesto. The Surrealist movement in painting became synonymous with the avant-garde and featured artists whose works varied from the abstract to the super-realist. With works on paper like Machine Turn Quickly, Francis Picabia continued his involvement in the Dada movement through 1919 in Zürich and Paris, before breaking away from it after developing an interest in Surrealist art. Yves Tanguy, René Magritte and Salvador Dalí are particularly known for their realistic depictions of dream imagery and fantastic manifestations of the imagination. During the 1920s André Masson's work was decisive in helping the young artist Joan Miró find his roots in Surrealist painting. Miró's The Tilled Field (1923–1924) verges on abstraction while suggesting a complex of objects and figures and arrangements of sexually active characters; it was Miró's first Surrealist masterpiece.[45] Joan Miró, Jean Arp, André Masson, and Max Ernst were very influential, especially in the United States during the 1940s.
Max Ernst, whose 1920 painting Murdering Airplane is seen here, studied philosophy and psychology in Bonn and was interested in the alternative realities experienced by the insane. His paintings may have been inspired by the psychoanalyst Sigmund Freud's study of the delusions of a paranoiac, Daniel Paul Schreber. Freud identified Schreber's fantasy of becoming a woman as a castration complex. The central image of two pairs of legs refers to Schreber's hermaphroditic desires. Ernst's inscription on the back of the painting reads: The picture is curious because of its symmetry. The two sexes balance one another.[46]
Throughout the 1930s, Surrealism continued to become more visible to the public at large. A Surrealist group developed in Britain and, according to Breton, their 1936 London International Surrealist Exhibition was a high-water mark of the period and became the model for international exhibitions. Surrealist groups in Japan, and especially in Latin America, the Caribbean and in Mexico produced innovative and original works. Other prominent surrealist artists include Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, and Leonor Fini.
During the 1920s and the 1930s and the Great Depression, the European art scene was characterized by Surrealism, late Cubism, the Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, and Expressionism; and was occupied by masterful modernist color painters like Henri Matisse and Pierre Bonnard.
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In Germany Neue Sachlichkeit ("New Objectivity") emerged as Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz and others politicized their paintings. The work of these artists grew out of expressionism, and was a response to the political tensions of the Weimar Republic, and was often sharply satirical.
During the 1930s radical leftist politics characterized many of the artists connected to Surrealism, including Pablo Picasso.[47] On 26 April 1937, during the Spanish Civil War, the Basque town of Gernika was the scene of the "Bombing of Gernika" by the Condor Legion of Nazi Germany's Luftwaffe. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque Government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.
Guernica is an immense black-and-white, 3.5-metre (11 ft) tall and 7.8-metre (23 ft) wide mural painted in oil. The mural presents a scene of death, violence, brutality, suffering, and helplessness without portraying their immediate causes. The choice to paint in black and white invokes the immediacy of a newspaper photograph.[48]The painting was first exhibited in Paris in 1937, then Scandinavia and London, and in 1939 at Picasso's request the painting was sent to the United States in an extended loan (for safekeeping) at MoMA. Finally in accord with Picasso's wish to give the painting to the people of Spain as a gift, it was sent to Spain in 1981.
From the Great Depression of the 1930s through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting. Regionalism movements that contained both political and social commentary dominated the art world in the USA. Artists such as Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, and others became prominent.
American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics assumed it was satirical in intent; it was thought to be part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America exemplified by Sherwood Anderson's 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis' 1920 Main Street, and Carl Van Vechten's The Tattooed Countess in literature.[49] However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.
A renaissance of the arts in Latin America included the Uruguayan painter Joaquín Torres García, the Mexican painter Rufino Tamayo, artists of the Mexican muralist movement such as Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez and Santiago Martinez Delgado, and the Symbolist painter Frida Kahlo. The muralists conveyed historic and political messages. Diego Rivera is perhaps best known by the public world for his 1933 mural, Man at the Crossroads, in the lobby of the RCA Building at Rockefeller Center. When his patron Nelson Rockefeller discovered that the mural included a portrait of Lenin and other communist imagery, he fired Rivera, and the unfinished work was eventually destroyed by Rockefeller's staff.
Frida Kahlo's works relate to Surrealism and to the Magic Realism movement in literature. Her works are often characterized by their stark portrayals of pain. Of her 143 paintings 55 are self-portraits, which frequently incorporate symbolic portrayals of her physical and psychological wounds.[50]
The 1940s in New York City heralded the triumph of American abstract expressionism, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Hans Hofmann and John D. Graham. American artists benefited from the presence of Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst and the André Breton group, Pierre Matisse's gallery, and Peggy Guggenheim's gallery The Art of This Century, as well as other factors.
Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, and Theodoros Stamos, among others. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Robert Coates.[51][52]Abstract expressionism, Action painting, and Color Field painting are synonymous with the New York School.[53]
Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, automatic or subconscious creation. Jackson Pollock's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of André Masson. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Mark Tobey, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.
Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Women series of Willem de Kooning. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. The art historian Meyer Schapiro saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.[54] The Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Franz Kline, as demonstrated by his painting High Street (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and the serenely shimmering blocks of color in Mark Rothko's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Clement Greenberg termed the Color field direction of abstract expressionism. Both Hans Hofmann and Robert Motherwell can be described as practitioners of action painting and Color field painting.
During the 1950s Color Field painting initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Color Field painting came to refer to the styles of artists like Jules Olitski, Kenneth Noland, and Helen Frankenthaler, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Larry Zox, and Frank Stella – all moving in a new direction.
During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as abstract expressionism, Color Field painting, Post-painterly Abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, and Lyrical Abstraction. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of expressionism from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Realism and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., and Elaine de Kooning.
In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[55]
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Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.[56][57]
Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X, 1953 is a painting by the Irish-born artist Francis Bacon and is an example of Post World War II European Expressionism. The work shows a distorted version of the Portrait of Innocent X painted by the Spanish artist Diego Velázquez in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.[58] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve manner."[59] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.[60] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.[61]
The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Christina's World, in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; a barn and various other small outbuildings are adjacent to the house.[62]
After World War II the term School of Paris often referred to Tachisme, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Cobra. Important proponents being Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, and Georges Mathieu, among several others. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Lyrical Abstraction of the 1960s and 1970s. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Adolph Gottlieb and Mark Rothko as well as the lessons American painters took from the work of Henri Matisse.[63][64]
Pop art in America was to a large degree initially inspired by the works of Jasper Johns, Larry Rivers, and Robert Rauschenberg, although the paintings of Gerald Murphy, Stuart Davis and Charles Demuth during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.
In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Abstract expressionist painting. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the American Flag; Rivers' paintings of subjects drawn from popular culture such as George Washington crossing the Delaware, and his inclusions of images from advertisements like the camel from Camel cigarettes; and Rauschenberg's surprising constructions using inclusions of objects and pictures taken from popular culture, hardware stores, junkyards, the city streets, and taxidermy, gave rise to a radical new movement in American art. Eventually by 1963 the movement came to be known worldwide as Pop art.
Pop art is exemplified by the artists Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann and Roy Lichtenstein among others. Lichtenstein used oil and Magna paint in works such as Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83.[65]) Thick outlines, bold colors and Ben-Day dots reproduce the appearance of commercial printing. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."[66] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix. In October 1962 the Sidney Janis Gallery mounted The New Realists, the first major Pop art group exhibition in an uptown art gallery in New York City. The show sent shockwaves through the New York School and reverberated worldwide. Campbell's Soup Cans (sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans) is the title of an Andy Warhol work of art that was produced in 1962. It consists of thirty-two canvases of equal size, each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each canned soup variety the company offered at the time. The individual paintings were produced with a semi-mechanised silkscreen process, using a non-painterly style. They helped usher in Pop art as a major art movement that relied on themes from popular culture.
Earlier in England in 1956 the term Pop Art was used by Lawrence Alloway for paintings that celebrated consumerism of the post World War II era. This movement rejected Abstract expressionism and its focus on the hermeneutic and psychological interior, in favor of art which depicted material consumer culture, advertising, and iconography of the mass production age.[67] The early works of English artist David Hockney, such as A Bigger Splash, and the works of Richard Hamilton, Peter Blake, and Eduardo Paolozzi, are considered seminal examples in the movement. In New York's East Village 10th Street galleries artists were formulating an American version of Pop art. Claes Oldenburg had his storefront, and the Green Gallery on 57th Street began to show Tom Wesselmann and James Rosenquist. There is a connection between the radical works of Duchamp, and Man Ray, the rebellious Dadaists – with a sense of humor; and Pop Artists like Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein and the others.
During the 1950s and 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as Color Field painting, Post painterly abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, Lyrical Abstraction, and the continuation of Abstract expressionism. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction with Art brut,[68] as seen in Court les rues, 1962, by Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, allowing imagery to re-emerge through various new contexts like Pop art, the Bay Area Figurative Movement (a prime example is Diebenkorn's Cityscape I,(Landscape No. 1) (1963), and later in the 1970s Neo-expressionism. The Bay Area Figurative Movement of whom David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira and Richard Diebenkorn whose painting Cityscape 1 (1963) is a typical example, were influential members flourished during the 1950s and 1960s in California. Younger painters practiced the use of imagery in new and radical ways. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, and Vija Celmins were a few who became prominent between the 1960s and the 1980s. Fairfield Porter was largely self-taught, and produced representational work in the midst of the Abstract Expressionist movement. His subjects were primarily landscapes, domestic interiors and portraits of family, friends and fellow artists.
Also during the 1960s and 1970s, there was a reaction against painting. Critics like Douglas Crimp viewed the work of artists like Ad Reinhardt, and declared the "death of painting". Artists began to practice new ways of making art. New movements gained prominence some of which are: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art and body art among others.[69][70]
Neo-Dada is also a movement that started in the 1950s and 1960s and was related to Abstract expressionism only with imagery. This trend, in which manufactured items are combined with artist materials, is exemplified by the work of Jasper Johns and Robert Rauschenberg. Rauschenberg's "combines" in the 1950s were forerunners of Pop Art and Installation art, and made use of the assemblage of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photography. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz among others created new conventions of art-making; they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion of unlikely materials as parts of their works of art.[71][72]
During the 1960s and 1970s abstract painting continued to develop in America through varied styles. Geometric abstraction, Op art, hard-edge painting, Color Field painting and minimal painting, were some interrelated directions for advanced abstract painting as well as some other new movements. Morris Louis was an important pioneer in advanced Colorfield painting, his work can serve as a bridge between Abstract expressionism, Colorfield painting, and Minimal Art. Two influential teachers, Josef Albers and Hans Hofmann, introduced a new generation of American artists to their advanced theories of color and space. Albers is best remembered for his work as a Geometric abstractionist painter and theorist. Most famous of all are the hundreds of paintings and prints that make up the series Homage to the Square. In this rigorous series, begun in 1949, Albers explored chromatic interactions with flat colored squares arranged concentrically on the canvas. Albers' theories on art and education were formative for the next generation of artists. His own paintings form the foundation of both hard-edge painting and Op art.
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland,[73] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento[74] are artists closely associated with Geometric abstraction, Op art, Color Field painting, and in the case of Hofmann and Newman Abstract expressionism as well. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, are examples of artists associated with Minimalism and (exceptions of Martin, Baer and Marden) the use of the shaped canvas also during the period beginning in the early 1960s. Many Geometric abstract artists, minimalists, and Hard-edge painters elected to use the edges of the image to define the shape of the painting rather than accepting the rectangular format. In fact, the use of the shaped canvas is primarily associated with paintings of the 1960s and 1970s that are coolly abstract, formalistic, geometrical, objective, rationalistic, clean-lined, brashly sharp-edged, or minimalist in character. The Bykert Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Minimalism and shaped canvas painting in New York City during the 1960s.
Color Field painting pointed toward a new direction in American painting, away from abstract expressionism. Related to Post-painterly abstraction, Suprematism, Abstract Expressionism, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction,[75] Color Field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, and others painted with a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated recognizable imagery. Certain artists made references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, artists wanted to present each painting as one cohesive, monolithic image. Gene Davis along with Kenneth Noland, Morris Louis and several others was a member of the Washington Color School painters who began to create Color Field paintings in Washington, D.C. during the 1950s and 1960s, Black, Grey, Beat is a large vertical stripe painting and typical of Gene Davis's work.Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s.
From 1960 Frank Stella produced paintings in aluminum and copper paint and his first works using shaped canvases (canvases in a shape other than the traditional rectangle or square), often being in L, N, U or T-shapes. These later developed into more elaborate designs, in the Irregular Polygon series (1967), for example. Later he began his Protractor Series (1971) of paintings, in which arcs, sometimes overlapping, within square borders are arranged side by side to produce full and half circles painted in rings of concentric color. Harran II, 1967, is an example of the Protractor Series.
The Andre Emmerich Gallery, the Leo Castelli Gallery, the Richard Feigen Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Color Field painting, shaped canvas painting and Lyrical Abstraction in New York City during the 1960s. There is a connection with post-painterly abstraction, which reacted against abstract expressionisms' mysticism, hyper-subjectivity, and emphasis on making the act of painting itself dramatically visible – as well as the solemn acceptance of the flat rectangle as an almost ritual prerequisite for serious painting. During the 1960s Color Field painting and Minimal art were often closely associated with each other. In actuality by the early 1970s both movements became decidedly diverse.
Lyrical Abstraction (the term being coined by Larry Aldrich, the founder of the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), encompassed what Aldrich said he saw in the studios of many artists at that time.[76] It is also the name of an exhibition that originated in the Aldrich Museum and traveled to the Whitney Museum of American Art and other museums throughout the United States between 1969 and 1971.[77] Lyrical Abstraction is a type of freewheeling abstract painting that emerged in the mid-1960s when abstract painters returned to various forms of painterly, pictorial, expressionism with a predominate focus on process, gestalt and repetitive compositional strategies in general.[78][79] In contrast to Action Painting, where emphasis is on brushstrokes and high compositional drama, in Lyrical Abstraction—as exemplified by the 1971 Ronnie Landfield painting Garden of Delight—there is a sense of compositional randomness, relaxed compositional drama and an emphasis on process, repetition, and an all over sensibility. Lyrical Abstraction in the late 1960s is characterized by the paintings of Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young and others, and along with the Fluxus movement and Postminimalism (a term first coined by Robert Pincus-Witten in the pages of Artforum in 1969)[80] sought to expand the boundaries of abstract painting and Minimalism by focusing on process, new materials and new ways of expression. Postminimalism often incorporating industrial materials, raw materials, fabrications, found objects, installation, serial repetition, and often with references to Dada and Surrealism is best exemplified in the sculptures of Eva Hesse.[80] Lyrical Abstraction, Conceptual Art, Postminimalism, Earth Art, Video, Performance art, Installation art, along with the continuation of Fluxus, Abstract Expressionism, Color Field painting, Hard-edge painting, Minimal Art, Op art, Pop art, Photorealism and New Realism extended the boundaries of Contemporary Art in the mid-1960s through the 1970s.[81]
One of the first artists specifically associated with Minimalism was Frank Stella, whose early "stripe" paintings were highlighted in the 1959 show, "16 Americans", organized by Dorothy Miller at the Museum of Modern Art in New York. The widths of the stripes in Stella's stripe paintings were not entirely subjective, but were determined by the dimensions of the lumber used to construct the supportive chassis upon which the canvas was stretched. In the show catalog, Carl Andre noted, "Art excludes the unnecessary. Frank Stella has found it necessary to paint stripes. There is nothing else in his painting." These reductive works were in sharp contrast to the energy-filled and apparently emotionally charged paintings of Willem de Kooning or Franz Kline and leaned more toward less gestural coloristic field paintings of Barnett Newman and Mark Rothko.
Artists such as Larry Poons—whose work related to Op Art with his emphasis on dots, ovals and after-images bouncing across color fields—Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell and Robert Ryman had also begun to explore stripes, monochromatic and Hard-edge formats from the late 1950s through the 1960s.[82]
Because of a tendency in Minimalism to exclude the pictorial, illusionistic and fictive in favor of the literal—as demonstrated by Robert Mangold, who understood the concept of the shape of the canvas and its relationship to objecthood—there was a movement away from painterly and toward sculptural concerns. Donald Judd had started as a painter, and ended as a creator of objects. His seminal essay, "Specific Objects" (published in Arts Yearbook 8, 1965), was a touchstone of theory for the formation of Minimalist aesthetics. In this essay, Judd found a starting point for a new territory for American art, and a simultaneous rejection of residual inherited European artistic values. He pointed to evidence of this development in the works of an array of artists active in New York at the time, including Jasper Johns, Dan Flavin and Lee Bontecou. Of "preliminary" importance for Judd was the work of George Earl Ortman [2], who had concretized and distilled painting's forms into blunt, tough, philosophically charged geometries. These Specific Objects inhabited a space not then comfortably classifiable as either painting or sculpture. That the categorical identity of such objects was itself in question, and that they avoided easy association with well-worn and over-familiar conventions, was a part of their value for Judd.
In a much more general sense, one might find European roots of Minimalism in the geometric abstractions painters in the Bauhaus, in the works of Piet Mondrian and other artists associated with the movement DeStijl, in Russian Constructivists and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. American painters such as Brice Marden and Cy Twombly show a clear European influence in their pure abstraction, minimalist painting of the 1960s. Ronald Davis polyurethane works from the late 1960s pay homage to the Broken Glass of Marcel Duchamp. This movement was heavily criticised by high modernist formalist art critics and historians. Some anxious critics thought Minimalist art represented a misunderstanding of the modern dialectic of painting and sculpture as defined by critic Clement Greenberg, arguably the dominant American critic of painting in the period leading up to the 1960s. The most notable critique of Minimalism was produced by Michael Fried, a Greenbergian critic, who objected to the work on the basis of its "theatricality". In Art and Objecthood (published in Artforum in June 1967) he declared that the Minimalist work of art, particularly Minimalist sculpture, was based on an engagement with the physicality of the spectator. He argued that work like Robert Morris's transformed the act of viewing into a type of spectacle, in which the artifice of the act observation and the viewer's participation in the work were unveiled. Fried saw this displacement of the viewer's experience from an aesthetic engagement within, to an event outside of the artwork as a failure of Minimal art.
Ad Reinhardt, actually an artist of the Abstract Expressionist generation, but one whose reductive all-black paintings seemed to anticipate minimalism, had this to say about the value of a reductive approach to art: "The more stuff in it, the busier the work of art, the worse it is. More is less. Less is more. The eye is a menace to clear sight. The laying bare of oneself is obscene. Art begins with the getting rid of nature."[83]
During the 1960s and 1970s artists as powerful and influential as Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Sam Francis, Gene Davis, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, and younger artists like Sam Gilliam, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Joan Snyder, Richard Tuttle, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and dozens of others produced vital and influential paintings.
Still other important innovations in abstract painting took place during the 1960s and the 1970s characterized by Monochrome painting and Hard-edge painting inspired by Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, and Ellsworth Kelly. Artists as diversified as Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden and others explored the power of simplification. The convergence of Color Field painting, Minimal art, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, and Postminimalism blurred the distinction between movements that became more apparent in the 1980s and 1990s. The Neo-expressionism movement is related to earlier developments in Abstract expressionism, Neo-Dada, Lyrical Abstraction and Postminimal painting.
In the late 1960s the abstract expressionist painter Philip Guston helped to lead a transition from abstract expressionism to Neo-expressionism in painting, abandoning the so-called "pure abstraction" of abstract expressionism in favor of more cartoonish renderings of various personal symbols and objects. These works were inspirational to a new generation of painters interested in a revival of expressive imagery.[84] His painting Painting, Smoking, Eating is an example of Guston's return to representation.
In the late 1970s and early 1980s, there was also a return to painting that occurred almost simultaneously in Italy, Germany, France and Britain. These movements were called Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,[85] Neo-expressionism, the school of London, and in the late 80s the Stuckists respectively. These painting were characterized by large formats, free expressive mark making, figuration, myth and imagination. All work in this genre came to be labeled neo-expressionism.
Neo-expressionism was a style of modern painting that became popular in the late 1970s and dominated the art market until the mid-1980s. It developed in Europe as a reaction against the conceptual and minimalistic art of the 1960s and 1970s. Neo-expressionists returned to portraying recognizable objects, such as the human body (although sometimes in a virtually abstract manner) in a rough and violently emotional way using vivid colors and banal color harmonies. The veteran painters Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck and Georg Baselitz, along with the slightly younger artists Damien Hirst, Anselm Kiefer, the Americans Eric Fischl, Susan Rothenberg, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, and Keith Haring, the Italians Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, and Enzo Cucchi, and many others became known for working in this intense expressionist vein of painting. Critical reaction was divided. Some critics regarded it as driven by profit motivations by large commercial galleries.[84]
Anselm Kiefer is a leading figure in European Neo-expressionism.[86] By the 1980s, Kiefer's themes widened from a focus on Germany's role in civilization to the fate of art and culture in general. His work became more sculptural and involves not only national identity and collective memory, but also occult symbolism, theology and mysticism.[87] The theme of all the work is the trauma experienced by entire societies, and the continual rebirth and renewal in life.
Painting still holds a respected position in contemporary art. Art is an open field no longer divided by the objective versus non-objective dichotomy. Artists can achieve critical success whether their images are representational or abstract. What has currency is content, exploring the boundaries of the medium, and a refusal to recapitulate the works of the past as an end goal.[88][89][90]
Throughout the 20th century and into the 21st century, with the advent of Modern and Postmodern art forms, distinctions between what is generally regarded as the fine arts and the low arts have started to fade,[91] as contemporary high art continues to challenge these concepts by mixing with popular culture.[92]
Mainstream painting has been rejected by artists of the postmodern era in favor of artistic pluralism.[93] According to art critic Arthur Danto there is an anything goes attitude that prevails; an "everything going on", and consequently "nothing going on" syndrome; this creates an aesthetic traffic jam with no firm and clear direction and with every lane on the artistic superhighway filled to capacity.[94]
On the effects of Gutenberg's printing
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![Henri Rousseau, 1905, la razón del término fauvismo] y la "Bestia salvaje" original](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rousseau-Hungry-Lion.jpg/1280px-Rousseau-Hungry-Lion.jpg)
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