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Historia del Arte

La historia del arte se centra en objetos hechos por humanos para diversos fines espirituales, narrativos, filosóficos, simbólicos, conceptuales, documentales, decorativos e incluso funcionales y otros, pero con un énfasis principal en su forma visual estética . Las artes visuales se pueden clasificar de diversas maneras , como separando las bellas artes de las artes aplicadas ; centrarse inclusivamente en la creatividad humana; o centrándose en diferentes medios como arquitectura , escultura , pintura , cine , fotografía y artes gráficas . En los últimos años, los avances tecnológicos han dado lugar al videoarte , el arte informático , el arte escénico , la animación , la televisión y los videojuegos .

La historia del arte a menudo se cuenta como una cronología de obras maestras creadas durante cada civilización . Por lo tanto, puede enmarcarse como una historia de alta cultura , personificada en las Maravillas del Mundo . Por otro lado, las expresiones de arte vernáculo también pueden integrarse en narrativas históricas del arte, denominadas artes o artesanías populares . Cuanto más estrechamente se relaciona un historiador del arte con estas últimas formas de baja cultura , más probable es que identifique su trabajo como un examen de la cultura visual o la cultura material , o como una contribución a campos relacionados con la historia del arte, como la antropología o la arqueología . . En estos últimos casos, los objetos de arte pueden denominarse artefactos arqueológicos .

Prehistoria

El arte prehistórico incluye una amplia gama de arte realizado por pintores y escultores de culturas analfabetas, incluidos algunos de los primeros artefactos humanos. Entre los primeros objetos de arte se encuentran artefactos decorativos del África de la Edad de Piedra Media . [1] [2] [3] También se han descubierto contenedores de ese período en Sudáfrica que pueden haber sido utilizados para contener pinturas que datan de hace 100.000 años. [4]

Una forma de arte prehistórico que se encuentra en todo el mundo, especialmente en Europa, se realizaron pequeñas estatuillas prehistóricas conocidas como figuritas de Venus con pechos y vientres exagerados, siendo las más famosas la Venus de Hohle Fels y la Venus de Willendorf , encontradas en Alemania y Austria . La mayoría tiene cabezas pequeñas, caderas anchas y piernas que se estrechan hasta llegar a una punta. Los brazos y los pies suelen estar ausentes y la cabeza suele ser pequeña y sin rostro.

La Venus de Hohle Fels es uno de los numerosos objetos encontrados en las cuevas y el arte de la edad de hielo en el Jura de Suabia , declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , donde se encontraron las obras de arte humano no estacionarias más antiguas descubiertas hasta el momento, en forma de animales tallados y figurillas humanoides, además de los instrumentos musicales más antiguos desenterrados hasta ahora, cuyos artefactos datan de entre 43.000 y 35.000 a.C. [5] [6] [7] [8]

Las obras de arte prehistóricas más conocidas son las grandes pinturas rupestres del Paleolítico que representan animales de Europa continental, en particular las de Lascaux , en la región francesa de Dordoña . Se conocen varios cientos de cuevas decoradas que abarcan el período Paleolítico superior ( c. 38.000-12.000 a. C.). Hay ejemplos en Ucrania , Italia y Gran Bretaña , pero la mayoría de ellos están en Francia y España . Se han sugerido muchas teorías sobre el propósito de este arte, la más aceptada es que era parte de rituales religiosos, posiblemente para evocar el éxito de la caza.

Antigüedad

Antiguo Cercano Oriente

El Antiguo Cercano Oriente se extendía desde Turquía y la costa mediterránea en el oeste hasta Irán y la península arábiga en el este. Con el tiempo, aquí aparecieron, vivieron y desaparecieron múltiples civilizaciones. Una de las regiones clave fue Mesopotamia , que fue testigo durante el IV milenio a.C. del surgimiento de las primeras ciudades y de la forma más antigua de escritura. La antigua Mesopotamia cubre el actual Irak y partes de Siria y Turquía . Su mitad norte forma parte del llamado Creciente Fértil , donde aparecieron por primera vez importantes desarrollos neolíticos , como la agricultura temprana y el establecimiento de asentamientos permanentes de aldeas. Debido a que la región está situada dentro del delta de los ríos Tigris-Éufrates , aquí vivieron numerosas civilizaciones, en particular Sumeria , Acad , Asiria y Babilonia . La arquitectura mesopotámica se caracterizó por el uso de ladrillos , dinteles y mosaicos de conos . Ejemplos notables son los zigurats , grandes templos en forma de pirámides escalonadas .

Las tradiciones políticas, económicas, artísticas y arquitectónicas de los sumerios conducen a la fundación de la civilización occidental . Múltiples cosas aparecieron por primera vez en Sumer: la primera ciudad-estado ( Uruk ), gobernada por el rey Gilgamesh ; la primera religión organizada, basada en una estructura jerárquica de dioses, pueblos y rituales; la primera escritura conocida, la cuneiforme ; el primer sistema de riego y los primeros vehículos con ruedas. Aquí también aparecieron sellos cilíndricos , grabados con pequeñas inscripciones e ilustraciones. Otra civilización que se desarrolló aquí fue el Imperio acadio , el primer gran imperio del mundo.

A principios del primer milenio a. C., después de los acadios, un imperio llamado Asiria llegó a dominar todo Oriente Medio, extendiéndose desde el golfo Pérsico hasta el mar Mediterráneo . Sus ciudades estaban llenas de impresionantes edificios y arte. El arte asirio es mejor conocido por sus detallados relieves en piedra, que representan escenas de la vida de la corte, prácticas religiosas, caza y batallas épicas. Inicialmente, estos relieves se pintaron en colores brillantes y se colocaron en palacios. Además de su belleza, también nos muestran la vida y la visión del mundo asirios, incluida la ropa y los muebles asirios.

Posteriormente, los babilonios conquistaron el Imperio Asirio. Durante el siglo VI a.C., Babilonia se convirtió en la ciudad más grande del mundo. Al entrar en Babilonia, los visitantes eran recibidos con la impresionante Puerta de Ishtar , con sus paredes cubiertas de ladrillos vidriados de un azul intenso y relieves que mostraban dragones, toros y leones. Esta puerta lleva el nombre de Ishtar , la diosa de la guerra y el amor.

A mediados del siglo VI a. C., después de una serie de campañas militares, el Imperio babilónico cayó en manos del Imperio aqueménida , gobernado por el rey Ciro II , que se extendía por todo Oriente Medio y Asia Central , desde Egipto hasta el valle del Indo . Su arte incorpora elementos de todo el imperio, celebrando su riqueza y poder. Persépolis ( Irán ) fue la capital del imperio, y está llena de impresionantes esculturas que muestran imágenes religiosas y personajes del imperio. También se encuentran aquí las ruinas de un palacio, con una gran sala de audiencias para recibir a los invitados.

Además de Mesopotamia e Irán, también hubo civilizaciones antiguas que produjeron arte y arquitectura en otras regiones. En Anatolia (actual Turquía ), apareció el Imperio hitita . Durante la Antigüedad, el sur de Arabia fue importante en la producción y comercio de aromáticos, aportando riqueza a los reinos que se encontraban en esta región. Antes del año 4000 a.C., aproximadamente, el clima de Arabia era más húmedo que hoy. En el suroeste, aparecieron varios reinos, como Saba' . La figura humana del sur de Arabia suele ser estilizada, a base de formas rectangulares, pero con finos detalles. [11] [12] [13]

Egipto

Una de las primeras grandes civilizaciones surgió en Egipto , que contaba con elaboradas y complejas obras de arte producidas por artistas y artesanos profesionales. El arte de Egipto era religioso y simbólico. Dado que la cultura tenía una estructura de poder y jerarquía altamente centralizada, se creó una gran cantidad de arte para honrar al faraón , incluidos grandes monumentos. El arte y la cultura egipcios enfatizaron el concepto religioso de la inmortalidad. El arte egipcio posterior incluye el arte copto y bizantino .

La arquitectura se caracteriza por estructuras monumentales, construidas con grandes bloques de piedra, dinteles y columnas macizas . Los monumentos funerarios incluían mastabas , tumbas de forma rectangular; pirámides , que incluían pirámides escalonadas ( Saqqarah ) o pirámides de lados lisos ( Giza ); y el hipogeo , tumbas subterráneas ( Valle de los Reyes ). Otros grandes edificios fueron el templo , que solían ser conjuntos monumentales precedidos por una avenida de esfinges y obeliscos . Los templos utilizaban pilones y muros trapezoidales con hipatros y salas y santuarios hipóstilos . Los templos de Karnak , Luxor , Philae y Edfu son buenos ejemplos. Otro tipo de templo es el templo de roca , en forma de hipogeo , que se encuentra en Abu Simbel y Deir el-Bahari .

La pintura de la época egipcia utilizaba una yuxtaposición de planos superpuestos. Las imágenes estaban representadas jerárquicamente, es decir, el faraón es de mayor tamaño que los súbditos o enemigos comunes representados a su lado. Los egipcios pintaban el contorno de la cabeza y las extremidades de perfil, mientras que el torso, las manos y los ojos se pintaban de frente. En Egipto se desarrollaron las artes aplicadas , en particular la carpintería y la orfebrería . Hay magníficos ejemplos, como los muebles de cedro con incrustaciones de ébano y marfil , que se pueden ver en las tumbas del Museo Egipcio . Otros ejemplos son las piezas encontradas en la tumba de Tutankamón , de gran valor artístico. [19]

la civilización del valle del Indo

Descubierta en 1922, mucho después de las culturas contemporáneas de Mesopotamia y Egipto, la civilización del valle del Indo, también conocida como civilización Harappa ( c. 2400-1900 a. C.), ahora se reconoce como extraordinariamente avanzada, comparable en algunos aspectos con esas culturas. Sus sitios abarcan un área que se extiende desde el actual noreste de Afganistán , a través de gran parte de Pakistán y hasta el oeste y noroeste de la India . Las principales ciudades de la cultura incluyen Harappa y Mohenjo-daro , situadas respectivamente en Punjab y en la provincia de Sindh en el norte de Pakistán, y la ciudad portuaria de Lothal , en el estado de Gujarat ( India ). Los artefactos más numerosos son sellos de sellos cuadrados y rectangulares e impresiones de sellos, que representan animales, generalmente toros, y textos muy breves en Harappa . También se han encontrado muchas estatuillas de terracota estilizadas en sitios de Harappa, y algunas esculturas de piedra y bronce, más naturalistas que las de cerámica. [24]

Porcelana

Guerreros del Ejército de Terracota ; C.  214 a. C .; terracota; altura (soldado promedio): c.  1,8 metros ; Distrito de Lintong ( Xi'an , Shaanxi , China ) [26]

Los primeros objetos metálicos producidos en China se fabricaron hace casi 4000 años, durante la dinastía Xia ( c. 2100-1700 a. C.). Durante la Edad del Bronce china (las dinastías Shang y Zhou ), las intercesiones en la corte y la comunicación con el mundo de los espíritus estaban a cargo de un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang ( c. 1600-1050 a. C.), la deidad suprema era Shangdi , pero las familias aristocráticas preferían contactar con los espíritus de sus antepasados. Les preparaban elaborados banquetes de comida y bebida, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce . Estos vasos de bronce tenían muchas formas, según su finalidad: para vino, agua, cereales o carne, y algunos de ellos estaban marcados con caracteres legibles, lo que muestra el desarrollo de la escritura. Este tipo de embarcaciones, de altísima calidad y complejidad, fueron descubiertas en el valle del río Amarillo , en la provincia de Henan , en yacimientos como Erlitou , Anyang o Zhengzhou . Se utilizaron en rituales religiosos para consolidar la autoridad de Dhang, y cuando cayó la capital Shang, alrededor del año 1050 a. C., sus conquistadores, los Zhou ( c. 1050-156 a. C.), continuaron usando estos recipientes en rituales religiosos, pero principalmente como alimento. en lugar de beber. La corte Shang había sido acusada de embriaguez excesiva, y los Zhou, al promover el Tian imperial ("Cielo") como la principal fuerza espiritual, en lugar de los antepasados, limitaron el vino en los ritos religiosos en favor de la comida. El uso de bronces rituales continuó hasta principios de la dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.).

Uno de los motivos más utilizados era el taotie , un rostro estilizado dividido centralmente en dos mitades casi especulares, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeados de patrones incisos. No se puede determinar si los taotie representaban criaturas reales, mitológicas o totalmente imaginarias.

Los enigmáticos bronces de Sanxingdui , cerca de Guanghan (en la provincia de Sichuan ), son evidencia de un misterioso sistema religioso de sacrificios diferente a cualquier otro lugar de la antigua China y bastante diferente del arte del contemporáneo Shang en Anyang . Las excavaciones en Sanxingdui desde 1986 han revelado cuatro pozos que contienen artefactos de bronce , jade y oro . Allí se encontró una gran estatua de bronce de una figura humana que se alza sobre un pedestal decorado con cabezas de elefante abstractas. Además de la figura de pie, los dos primeros fosos contenían más de 50 cabezas de bronce, algunas con tocados y tres con una cubierta frontal de pan de oro . También se descubrieron aquí fragmentos tubulares de bronce con pequeñas ramas, que probablemente representan árboles, y también hojas de bronce, frutos y pájaros. En 1986 se encontraron más de 4.000 objetos en Sanxingdui.

Después de la dinastía Shang , Zhou (1050-221 a. C.) gobernó más que cualquier otro en la historia de China. Sus últimos siglos se caracterizaron por la violencia, siendo conocida la era como el período de los Estados Combatientes . Durante esta convulsa época aparecieron algunos movimientos filosóficos: el confucianismo , el taoísmo y el legalismo .

El período de los Reinos Combatientes terminó con Qinshi Huangdi , quien unificó China en el año 221 a.C. Mandó construir una enorme tumba, custodiada por el ejército de terracota . Otro gran proyecto fue un predecesor de la Gran Muralla , erigida para rechazar a las tribus saqueadoras del norte. Después de la muerte del emperador, su dinastía, los Qin (221-206 a. C.), duró sólo tres años. A Qinshi Huangdi le siguió la dinastía Han (202 a. C.-220 d. C.), durante la cual la Ruta de la Seda se desarrolló considerablemente, trayendo nuevas influencias culturales a China. [27] [28]

Griego

A diferencia de cómo los vemos hoy en día, todas las esculturas y templos egipcios , griegos y romanos fueron inicialmente pintados en colores brillantes. Se volvieron blancos debido a cientos de años de abandono y vandalismo provocados por los cristianos durante la Alta Edad Media , que los veían como "paganos" y creían que promovían la idolatría. [31]

A través de proporciones armoniosas y un enfoque en la estética, el arte griego y romano antiguo se convirtió en la base y la inspiración de todo el arte occidental, siendo el estándar al que aspiraban la mayoría de los artistas europeos, hasta el siglo XIX. [32] El poeta latino Horacio , que escribió en la época del emperador romano Augusto (siglo I a. C. al siglo I d. C.), comentó que, aunque fue conquistada en el campo de batalla, "la cautiva Grecia venció a su salvaje conquistador y llevó las artes a la rústica Roma. " El poder del arte griego reside en su representación de la figura humana y su enfoque en los seres humanos y los dioses antropomórficos como sujetos principales. Las obras de arte de los griegos estaban destinadas a decorar templos y edificios públicos, celebrar victorias en batalla y personalidades notables, y conmemorar a los muertos. También se entregaban como ofrenda a los dioses.

Aunque no hubo una transición definitiva, el arte suele dividirse estilísticamente en cuatro períodos: geométrico, arcaico, clásico y helenístico. Durante el período clásico (siglos V y IV a. C.), el realismo y el idealismo estaban delicadamente equilibrados. En comparación, las obras de las épocas geométrica (siglos IX al VIII a. C.) y arcaica (siglos VII al VI a. C.) anteriores pueden parecer primitivas, pero estos artistas tenían objetivos diferentes: la representación naturalista no era necesariamente su objetivo. Los griegos y los artistas construyeron sobre las bases artísticas de Egipto, desarrollando aún más las artes de la escultura, la pintura, la arquitectura y la cerámica. Entre las técnicas que perfeccionaron se incluyen métodos de talla y fundición de esculturas, pintura al fresco y construcción de magníficos edificios.

Los amantes del arte romano coleccionaron originales griegos antiguos, réplicas romanas de arte griego o pinturas y esculturas recién creadas en una variedad de estilos griegos, preservando así para la posteridad obras de arte que de otro modo se perderían. Pinturas murales y paneles, esculturas y mosaicos decoraron espacios públicos y hogares privados. Las imágenes griegas también aparecieron en joyas romanas, vasijas de oro, plata, bronce y terracota, e incluso en armas y pesas comerciales. Redescubiertas durante el Renacimiento temprano , las artes de la antigua Grecia, transmitidas a través del Imperio Romano , han servido como base del arte occidental hasta el siglo XIX. [33]

Desde el advenimiento de la Edad Clásica en Atenas , en el siglo V a. C., la forma clásica de construir ha estado profundamente entretejida en la comprensión occidental de la arquitectura y, de hecho, de la civilización misma. [34] Desde alrededor del 850 a. C. hasta alrededor del 300 d. C., la cultura griega antigua floreció en el continente griego , en el Peloponeso y en las islas del Egeo . Cinco de las maravillas del mundo eran griegas: el templo de Artemisa en Éfeso , la estatua de Zeus en Olimpia , el mausoleo de Halicarnaso , el coloso de Rodas y el faro de Alejandría . Sin embargo, la arquitectura griega antigua es mejor conocida por sus templos , muchos de los cuales se encuentran en toda la región, y el Partenón es un excelente ejemplo de esto. Posteriormente, servirán de inspiración a los arquitectos neoclásicos de finales del siglo XVIII y XIX. Los templos más conocidos son el Partenón y el Erecteion , ambos en la Acrópolis de Atenas . Otro tipo de edificios importantes de la antigua Grecia fueron los teatros. Tanto los templos como los teatros utilizaban una compleja mezcla de ilusiones ópticas y proporciones equilibradas.

Al observar los restos arqueológicos de edificios antiguos, es fácil percibirlos como piedra caliza y hormigón en un tono gris pardo y suponer que los edificios antiguos eran monocromáticos. Sin embargo, la arquitectura estaba policromada en gran parte del mundo Antiguo. Uno de los edificios antiguos más emblemáticos, el Partenón ( c. 447-432 a. C.) en Atenas , tenía detalles pintados con rojos, azules y verdes vibrantes. Además de los templos antiguos, las catedrales medievales nunca fueron completamente blancas. La mayoría tenía reflejos de colores en capiteles y columnas . [35] Esta práctica de colorear edificios y obras de arte se abandonó durante el Renacimiento temprano. Esto se debe a que Leonardo da Vinci y otros artistas del Renacimiento, incluido Miguel Ángel , promovieron una paleta de colores inspirada en las antiguas ruinas grecorromanas, que debido al abandono y al constante deterioro durante la Edad Media, se volvieron blancas a pesar de ser inicialmente coloridas. Los pigmentos utilizados en el mundo antiguo eran delicados y especialmente susceptibles a la intemperie. Sin el cuidado necesario, los colores expuestos a la lluvia, la nieve, la suciedad y otros factores desaparecieron con el tiempo, y de esta manera los edificios y obras de arte antiguos se volvieron blancos, como lo son hoy y durante el Renacimiento. [36]

Roma

Augusto de Prima Porta (izquierda: una reconstrucción pintada; derecha: la estatua original); C.  20 a. C .; mármol ; altura: 2,06 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano ). [44]

Ninguna civilización ha tenido un impacto tan duradero y poderoso en el arte occidental como el Imperio Romano . El legado de la antigua Roma es evidente a lo largo de los períodos medieval y moderno , y el arte romano continúa reutilizándose en la era moderna en obras de arte tanto tradicionalistas como posmodernas . [45] A veces se considera que deriva de precedentes griegos, pero también tiene sus propias características distintivas, algunas de ellas heredadas del arte etrusco . La escultura romana suele estar menos idealizada que sus precedentes griegas y es muy realista. La arquitectura romana solía utilizar hormigón y se inventaron elementos como el arco de medio punto y la cúpula . Los objetos de lujo en orfebrería , grabado de gemas , tallas de marfil y vidrio a veces se consideran en términos modernos formas menores del arte romano, [46] aunque este no habría sido necesariamente el caso para los contemporáneos. Una innovación posible gracias al desarrollo romano del soplado de vidrio fue el vidrio camafeo . Primero se creó una "cáscara" blanca, en la que luego se sopló vidrio coloreado para producir un revestimiento interior. Luego se cortó la concha blanca para crear patrones en relieve de color blanco sobre un fondo más oscuro. También hicieron mosaicos , produciendo de esta manera un arte pictórico duradero con cubos de piedra tallada ( teselas ) y/o trozos de terracota y vidrio de colores. Algunas villas de romanos adinerados tenían sus paredes cubiertas con frescos , destinados a deslumbrar y entretener a los invitados. Gran parte de la pintura mural romana que sobrevive proviene de sitios alrededor de la Bahía de Nápoles , en particular Pompeya y Herculano , ciudades prósperas que se conservaron bajo metros de escombros volcánicos cuando el Monte Vesubio entró en erupción en el año 79 d.C. Como resultado, la pintura mural romana a menudo se analiza en términos de cuatro "estilos pompeyanos". [47]

Los romanos estuvieron profundamente influenciados por todos los aspectos de la cultura helenística . En arquitectura, al igual que en otros medios artísticos , esencialmente adoptaron el lenguaje clásico y lo adaptaron a nuevas situaciones y usos. Los romanos también introdujeron sus propias innovaciones en la arquitectura clásica. Utilizaron los órdenes dórico , jónico y corintio de una manera mucho más libre que los griegos, creando su propia versión del dórico y utilizando el corintio con mucha más frecuencia. También agregaron dos nuevos órdenes al repertorio: el toscano , una versión más simple y masiva del dórico derivado de la arquitectura etrusca ; y el Compuesto , una combinación de las volutas en forma de volutas del jónico con las hojas de acanto del corintio . Otras innovaciones importantes incluyen el arco y la cúpula . Utilizando arcos construyeron acueductos y arcos de triunfo monumentales . Los emperadores romanos estaban orgullosos de sus conquistas y las conmemoraban en casa y en los territorios conquistados a través de arcos triunfales, siendo un buen ejemplo de ello el Arco de Constantino en Roma. Entre el 30 y el 15 a. C., el arquitecto e ingeniero civil y militar Marco Vitruvio Polio publicó un importante tratado, De Architectura , que influyó en arquitectos de todo el mundo durante siglos. [48] ​​[49]

Pasada la Edad Media , con el Renacimiento iniciado en Florencia ( Italia ), se inició un creciente interés por la antigua Roma. Durante él, por primera vez desde la Antigüedad clásica , el arte se volvió convincentemente realista. El Renacimiento también despertó el interés por la literatura griega y romana antigua, no sólo por el arte y la arquitectura. [50]

islámico

El arte islámico es conocido desde la Edad Media por el uso de elaborados patrones geométricos , azulejos coloridos, motivos naturales estilizados y caligrafía detallada. Pocas veces las letras han tenido un impacto tan profundo en las artes aplicadas y la arquitectura. El Islam apareció en Arabia occidental en el siglo VII d. C. a través de revelaciones entregadas al profeta Mahoma en La Meca . Un siglo después de la muerte de Mahoma, los imperios islámicos controlaban Oriente Medio , España y partes de Asia y África. Por esta razón, al igual que el arte romano , el arte y la arquitectura islámicos tuvieron versiones regionales. A medida que el mundo islámico se extendió hacia los centros de la cultura de la Antigüedad tardía, se enriqueció con movimientos filosóficos e intelectuales. Los primeros califatos fomentaron la traducción de obras griegas al árabe y los avances en matemáticas y ciencias. Esto contrasta con la percepción moderna de que el arte islámico es dogmático e inmutable. La representación humana y animal no era rara. Sólo ciertos períodos lo restringieron (similar a la iconoclasia bizantina ). [54]

Américas

mesoamérica

Algunas de las primeras grandes civilizaciones de América se desarrollaron en Mesoamérica (que significa "América media"), siendo las más conocidas los mayas y los aztecas .

Los olmecas ( c. 1400-400 a. C.) fueron la primera civilización importante en el México actual. Muchos elementos de las civilizaciones mesoamericanas, como la práctica de construir pirámides, el calendario complejo, el panteón de los dioses y la escritura jeroglífica, tienen su origen en la cultura olmeca. Produjeron figurillas de jade y cerámica, cabezas colosales y pirámides con templos en la cima, todo ello sin la ventaja de herramientas de metal. Para ellos, la jadeíta era una piedra más preciosa que el oro y simbolizaba los poderes divinos y la fertilidad. Se han descubierto 17 cabezas colosales olmecas , cada una de las cuales pesa unas pocas toneladas. Cada cabeza, con nariz achatada y labios gruesos, lleva un casco, similar a los que se usan durante los juegos de pelota oficiales, posiblemente representando a reyes de oficiales.

La civilización maya comenzó alrededor del 1800 a. C. y creció hasta la llegada de los colonizadores españoles en el siglo XVI. Ocuparon el sureste de México, Guatemala , Belice y partes de Honduras y El Salvador . Los mayas comerciaban con ciudades, como Teotihuacán , pero también con muchas civilizaciones mesoamericanas, como los zapotecas u otros grupos de zonas centrales o costeras de México, y también con poblaciones que no habitaban territorios mesoamericanos, como los taínos del Caribe . Produjeron impresionantes retratos de reyes, vasijas de cerámica policromada , figuras de barro, esculturas de madera, estelas y construyeron ciudades complejas con pirámides. La mayoría de las vasijas de cerámica policromada, bien conservadas, fueron descubiertas en tumbas de nobles.

Los aztecas, que surgieron de orígenes humildes como grupo nómada, crearon el imperio más grande en la historia de Mesoamérica, que duró de 1427 a 1521. No se llamaban a sí mismos "aztecas", sino mexicas. El término azteca fue asignado por los historiadores. Transformaron la capital de su imperio, Tenochtitlán , en un lugar donde los artistas de Mesoamérica crearon impresionantes obras de arte para sus nuevos maestros. La actual Ciudad de México se construyó sobre la capital azteca, Tenochtitlán. [59] [60] [61]

Colombia

Al igual que Mesoamérica, el territorio actual de Colombia es un área donde se desarrollaron múltiples culturas antes de la llegada de los colonizadores españoles. Aquí se producían accesorios corporales de oro, muchos de oro, pero también muchos otros de tumbaga , una aleación no específica de oro y cobre dada por los conquistadores españoles a los metales compuestos por estos elementos que se encontraban en uso generalizado en la Mesoamérica precolombina en América del Norte y América del Sur .

regiones andinas

Manto ( Paracas ); 50-100 d.C.; lana bordada; altura: 1,01 m; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.) [67]

Las antiguas civilizaciones de Perú y Bolivia alimentaron tradiciones artísticas únicas, incluida una de las tradiciones artísticas con fibras más impresionantes desde el punto de vista estético del mundo. Dos de las primeras culturas importantes de esta tierra son la cultura Chavín y la cultura Paracas .

La cultura Paracas de la costa sur del Perú es mejor conocida por sus complejos textiles estampados, particularmente repisas. Los Moche controlaban los valles fluviales de la costa norte, mientras que los Nazca del sur de Perú dominaban los desiertos costeros y las montañas contiguas. Los Nazca son mejor conocidos por las famosas Líneas de Nazca , un grupo de geoglifos en un desierto en el sur de Perú. También produjeron cerámica policromada y textiles con influencia de los Paracas, y utilizaron una paleta de al menos 10 colores para su cerámica. Ambas culturas florecieron alrededor del 100 al 800 d.C. La cerámica Moche es una de las más variadas del mundo. En el norte, el Imperio Wari (o Huari) se destaca por su arquitectura en piedra y sus logros escultóricos.

Los Chimú fueron precedidos por un estilo cerámico simple conocido como Sicán (700–900 d.C.). Los chimú realizaron excelentes retratos y trabajos decorativos en metal, sobre todo en oro pero sobre todo en plata. Más tarde, el Imperio Inca (1100-1533) se extendió a lo largo de la Cordillera de los Andes . Elaboraban figuritas de metales preciosos y, como otras civilizaciones de la misma zona, textiles complejos. Las llamas eran animales importantes, por su lana y para transportar cargas. [68] [69] [70]

asiático

La civilización oriental incluye en términos generales a Asia y también incluye una compleja tradición de creación artística. Un enfoque de la historia del arte oriental divide el campo por nación, centrándose en el arte indio , el arte chino y el arte japonés . Debido al tamaño del continente, se puede ver claramente la distinción entre Asia Oriental y Asia Meridional en el contexto de las artes. En la mayor parte de Asia, la cerámica era una forma de arte predominante. La cerámica suele estar decorada con motivos geométricos o representaciones abstractas de animales, personas o plantas. Otras formas de arte muy difundidas fueron, y son, la escultura y la pintura.

Asia Central

El arte de Asia Central se desarrolló en Asia Central , en áreas correspondientes a los modernos Kirguistán , Kazajstán , Uzbekistán , Turkmenistán , Azerbaiyán , Tayikistán , Afganistán , Pakistán y partes de las modernas Mongolia, China y Rusia. [74] [75] El arte del Asia Central antigua y medieval refleja la rica historia de esta vasta área, hogar de una gran variedad de pueblos, religiones y formas de vida. Los restos artísticos de la región muestran notables combinaciones de influencias que ejemplifican la naturaleza multicultural de la sociedad de Asia Central. La transmisión del arte de la Ruta de la Seda , el arte escita , el arte greco-budista , el arte serindio y, más recientemente, la cultura persa , son todos parte de esta complicada historia. Asia Central siempre ha sido una encrucijada de intercambio cultural, el centro de la llamada Ruta de la Seda , ese complejo sistema de rutas comerciales que se extiende desde China hasta el Mediterráneo. Ya en la Edad del Bronce (tercer y segundo milenio a. C.), los crecientes asentamientos formaban parte de una extensa red de comercio que unía Asia Central con el valle del Indo , Mesopotamia y Egipto. [76]

indio

Los primeros budistas de la India desarrollaron símbolos relacionados con Buda . Las principales supervivencias del arte budista comienzan en el período posterior a los Mauryas , dentro del arte Kushan del norte de la India , el arte greco-budista de Gandhara y finalmente el período "clásico" del arte Gupta . Además, estaba la escuela Andhra que apareció antes que la escuela Gandhara y que tenía su sede en el sur de la India. [81] Sobreviven buenas cantidades de esculturas de algunos sitios clave como Sanchi , Bharhut y Amaravati , algunas de las cuales permanecen in situ , y otras en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por vallas ceremoniales con cuatro toranas o puertas ornamentales profusamente talladas que daban a los puntos cardinales. Son de piedra, aunque adoptan claramente formas desarrolladas en madera. Tanto ellos como las paredes de la propia estupa pueden estar profusamente decorados con relieves, que en su mayoría ilustran la vida de Buda. Poco a poco se fueron esculpiendo figuras de tamaño natural, inicialmente en profundo relieve, pero luego independientes. [82] El arte Mathura fue el centro más importante de este desarrollo, que se aplicó al arte hindú y jainista, así como al budista. [83] Las fachadas y los interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y los viharas monásticos han sobrevivido mejor que estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron en su mayoría de madera. Las cuevas de Ajanta , Karle , Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas , que no se encuentran al menos antes del año 100 d.C.

Chino

En Asia Oriental, la pintura se derivaba de la práctica de la caligrafía, y los retratos y paisajes se pintaban sobre telas de seda. La mayoría de las pinturas representan paisajes o retratos. Las esculturas más espectaculares son los bronces rituales y las esculturas de bronce de Sanxingdui . Un ejemplo muy conocido de arte chino es el Ejército de Terracota , que representa los ejércitos de Qin Shi Huang , el primer emperador de China. Es una forma de arte funerario enterrado con el emperador entre 210 y 209 a. C. cuyo propósito era proteger al emperador en su otra vida.

El arte chino es una de las artes tradicionales continuas más antiguas del mundo y está marcado por un grado inusual de continuidad dentro de esa tradición y de conciencia de ella, sin equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos. Los medios que habitualmente se han clasificado en Occidente desde el Renacimiento como artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y gran parte de las mejores obras fueron producidas en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en cerámica china . La variedad y calidad de los artículos que decoraban los palacios y hogares chinos, y a sus habitantes, es deslumbrante. Los materiales procedían de toda China y de mucho más allá: oro y plata, nácar , marfil y cuerno de rinoceronte, madera y laca , jade y esteatita , seda y papel.

japonés

El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua , la escultura , la pintura con tinta y la caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica, origami y, más recientemente , manga ( dibujos animados y cómics japoneses modernos). junto con una infinidad de otros tipos.

Los primeros pobladores de Japón, el pueblo Jōmon ( c.  11.000 –300 a. C.). Elaboraron vasijas de cerámica profusamente decoradas y figurillas de arcilla llamadas dogū . Japón ha estado sujeto a invasiones repentinas de nuevas ideas seguidas de largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollar formas de expresión autóctonas, las artes seculares adquirieron cada vez más importancia; Hasta finales del siglo XV florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de perturbación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares.

Africa Sub-sahariana

El arte del África subsahariana incluye tanto la escultura , tipificada por las piezas fundidas de latón del pueblo de Benin , Igbo Ukwu y el Reino de Ifẹ , como las terracotas de Djenne-Jeno , Ife y la cultura Nok más antigua , así como el arte popular . Simultáneamente con la Edad Media europea, en el siglo XI d. C. se fundó en el Gran Zimbabwe una nación que fabricaba gran arquitectura, esculturas de oro y joyería intrincada . Al mismo tiempo, el pueblo yoruba de lo que hoy es Nigeria estaba realizando una impresionante escultura de latón . En el Reino de Benin , también del sur de Nigeria, que comenzó aproximadamente al mismo tiempo, se crearon elegantes colmillos de altar, cabezas de latón, placas de bronce y arquitectura palaciega. Los británicos acabaron con el Reino de Benin en 1897, y hoy queda poco del arte de esta cultura en Nigeria. Hoy en día, el lugar artístico más importante de África es la Bienal de Johannesburgo .

El África subsahariana se caracteriza por una alta densidad de culturas. Son notables el pueblo Dogon de Mali ; los pueblos Edo , Yoruba , Igbo y la civilización Nok de Nigeria ; los pueblos Kuba y Luba de África Central ; Pueblo Ashanti de Ghana ; Pueblo zulú del sur de África ; y el pueblo Fang de Guinea Ecuatorial (85%), Camerún y Gabón; el pueblo de la civilización Sao de Chad; Pueblo Kwele del este de Gabón, República del Congo y Camerún.

Las innumerables formas de arte africano son componentes de algunas de las tradiciones artísticas más vibrantes y receptivas del mundo y son parte integral de la vida de los africanos. Creadas con fines específicos, las obras de arte pueden revelar su importancia constante a través de transformaciones físicas que mejoran tanto su apariencia como su potencia. Muchas formas de arte tradicional africana se crean como conductos hacia el mundo espiritual y cambian de apariencia a medida que se agregan materiales para realzar su belleza y potencia. Cuanto más se utiliza y bendice una obra, más abstracta se vuelve con la acumulación de materia de sacrificio y el desgaste de los detalles originales.

Oceanía

El arte oceánico incluye las áreas geográficas de Micronesia , Polinesia , Australia, Nueva Zelanda y Melanesia . Un enfoque trata el área temáticamente, centrándose en la ascendencia , la guerra, el cuerpo, el género, el comercio, la religión y el turismo . Desafortunadamente, poco arte antiguo sobrevive en Oceanía. Los estudiosos creen que esto probablemente se debe a que los artistas utilizaron materiales perecederos, como madera y plumas, que no sobrevivieron en el clima tropical, y no existen registros históricos que hagan referencia a la mayor parte de este material. La comprensión de las culturas artísticas de Oceanía comienza así con la documentación de la misma por parte de occidentales, como el capitán James Cook , en el siglo XVIII. A principios del siglo XX, el artista francés Paul Gauguin pasó mucho tiempo en Tahití, viviendo con la población local y creando arte moderno, un hecho que se ha entrelazado con la cultura visual tahitiana hasta el día de hoy. [ cita necesaria ] El arte indígena de Australia a menudo parece arte moderno abstracto, pero tiene profundas raíces en la cultura local.

El arte de Oceanía es la última gran tradición artística apreciada por el mundo en general. A pesar de ser una de las tradiciones artísticas continuas más largas del mundo, que se remonta al menos a cincuenta milenios, permaneció relativamente desconocida hasta la segunda mitad del siglo XX.

Los materiales, a menudo efímeros, del arte aborigen de Australia hacen difícil determinar la antigüedad de la mayoría de las formas de arte que se practican hoy. Las formas más duraderas son las multitudes de grabados y pinturas rupestres que se encuentran en todo el continente. En la escarpada Tierra de Arnhem, la evidencia sugiere que se hicieron pinturas hace cincuenta mil años, anteriores a las pinturas rupestres del Paleolítico de Altamira y Lascaux en Europa.

europeo

Medieval

Con la decadencia del Imperio Romano desde c.  300 d.C. , se inicia un período definido posteriormente como época medieval . Duró aproximadamente un milenio, hasta principios del Renacimiento c.  1400 . El arte paleocristiano tipifica las primeras etapas de este período, seguido por el arte bizantino , el arte anglosajón , el arte vikingo , el arte otoniano , el arte románico y el arte gótico , dominando el arte islámico el Mediterráneo oriental. El arte medieval surgió de la herencia artística del Imperio Romano y de Bizancio , mezclada con la cultura artística "bárbara" del norte de Europa. [111]

En el arte bizantino y gótico de la Edad Media , el predominio de la iglesia dio lugar a una gran cantidad de arte religioso . Hubo un uso extensivo del oro en las pinturas, que presentaban figuras en formas simplificadas.

bizantino

Santa Sofía ( Estambul , Turquía ), c. 532-537 a. C., por Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto [112]

El arte bizantino consiste en el conjunto de productos artísticos griegos cristianos del Imperio Romano de Oriente (Bizantino), [113] [114] así como de las naciones y estados que heredaron culturalmente de ese imperio. Aunque el propio imperio bizantino surgió de la decadencia de Roma y duró hasta la caída de Constantinopla en 1453, [115] la fecha de inicio del período bizantino es bastante más clara en la historia del arte que en la historia política, aunque todavía imprecisa. Muchos estados ortodoxos orientales de Europa central y oriental, así como hasta cierto punto los estados musulmanes del Mediterráneo oriental , conservaron muchos aspectos de la cultura y el arte del imperio durante siglos después.

El arte bizantino superviviente es mayoritariamente religioso y, con excepciones en ciertos períodos, está muy convencionalizado y sigue modelos tradicionales que traducen la teología eclesiástica cuidadosamente controlada en términos artísticos. La pintura al fresco , los manuscritos iluminados y los paneles de madera y (especialmente en períodos anteriores) el mosaico fueron los principales medios, y la escultura figurativa se produjo muy raramente, excepto por pequeños marfiles tallados . La pintura manuscrita conservó hasta el final parte de la tradición realista clásica que faltaba en las obras más importantes. [116] El arte bizantino era muy prestigioso y buscado en Europa occidental, donde mantuvo una influencia continua en el arte medieval hasta casi el final del período medieval. Esto fue especialmente cierto en Italia, donde los estilos bizantinos persistieron en forma modificada durante el siglo XII y se convirtieron en influencias formativas del arte renacentista italiano . Pero pocas influencias entrantes afectaron al estilo bizantino. Con la expansión de la Iglesia Ortodoxa Oriental, las formas y estilos bizantinos se extendieron por todo el mundo ortodoxo y más allá. [117] Las influencias de la arquitectura bizantina, particularmente en los edificios religiosos, se pueden encontrar en diversas regiones desde Egipto y Arabia hasta Rusia y Rumania.

La arquitectura bizantina es conocida por el uso de cúpulas . También presentaba a menudo columnas de mármol, artesonados y una decoración suntuosa, incluido el uso extensivo de mosaicos con fondos dorados. El material de construcción utilizado por los arquitectos bizantinos ya no era el mármol, que tanto apreciaban los antiguos griegos. Los bizantinos utilizaban principalmente piedra y ladrillo, y también finas láminas de alabastro para las ventanas. Los mosaicos se utilizaron para cubrir paredes de ladrillo y cualquier otra superficie donde el fresco no resistiera. Buenos ejemplos de mosaicos de la época protobizantina se encuentran en Hagios Demetrios en Salónica (Grecia), la Basílica de Sant'Apollinare Nuovo y la Basílica de San Vitale (ambas en Rávena en Italia), y en Hagia Sophia en Estambul . Los templos grecorromanos y las iglesias bizantinas se diferencian sustancialmente en cuanto a su aspecto exterior e interior. En la Antigüedad, el exterior era la parte más importante del templo, porque al interior, que contenía la estatua de culto de la deidad a la que se construyó el templo, sólo tenía acceso el sacerdote. Las ceremonias del templo en la Antigüedad se llevaban a cabo en el exterior, y lo que los fieles contemplaban era la fachada del templo, formada por columnas, con un entablamento y dos frontones. Pero las liturgias cristianas se desarrollaban en el interior de las iglesias, y el exterior solía tener poca o ninguna ornamentación. [118] [119]

otoniano

La cruz de Essen con grandes esmaltes con gemas y grandes esmaltes senkschmelz , c.  1000 . Otón II, por el maestro Gregorio . Apoteosis de Otón III, Evangelios de Liuthar . Enrique II siendo coronado por Cristo, del Sacramentario de Enrique II .

El arte otoniano es un estilo del arte alemán prerrománico , que abarca también algunas obras de los Países Bajos , el norte de Italia y el este de Francia. El historiador de arte Hubert Janitschek le puso el nombre de la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024 bajo los reyes Enrique I , Otón I , Otón II , Otón III y Enrique II . [124] Junto con la arquitectura otoniana , es un componente clave del Renacimiento otoniano (alrededor de 951-1024). Sin embargo, el estilo no comenzó ni terminó coincidiendo claramente con el gobierno de la dinastía. Surgió algunas décadas después de su gobierno y persistió más allá de los emperadores otonianos hasta los reinados de la primera dinastía salia , que carece de una "etiqueta de estilo" artística propia. [125] En el esquema tradicional de la historia del arte, el arte otoniano sigue al arte carolingio y precede al arte románico , aunque las transiciones en ambos extremos del período son graduales en lugar de repentinas. Al igual que el primero y a diferencia del segundo, era en gran medida un estilo restringido a unas pocas ciudades pequeñas de la época, a monasterios importantes , así como a los círculos de la corte del emperador y sus principales vasallos .

Después de la decadencia del Imperio carolingio en el siglo IX , el Sacro Imperio Romano fue restablecido bajo la dinastía sajona otoniana. De ahí surgió una fe renovada en la idea de un Imperio y una Iglesia reformada, creando un período de mayor fervor cultural y artístico. En esta atmósfera se crearon obras maestras que fusionaron las tradiciones en las que los artistas otonianos se inspiraron: modelos de origen tardoantiguo, carolingio y bizantino. El arte otoniano superviviente es en gran medida religioso, en forma de manuscritos iluminados y orfebrería, y se produjo en un pequeño número de centros para un reducido número de mecenas del círculo de la corte imperial, así como para figuras importantes de la iglesia. Sin embargo, gran parte de ella fue diseñada para ser exhibida a un público más amplio, especialmente a los peregrinos. [126]

El estilo es generalmente grandioso y pesado, a veces excesivo, e inicialmente menos sofisticado que sus equivalentes carolingios, con menos influencia directa del arte bizantino y menos comprensión de sus modelos clásicos, pero alrededor del año 1000 emerge en muchas obras una intensidad y expresividad sorprendentes, como "una monumentalidad solemne se combina con una interioridad vibrante, una cualidad visionaria y sobrenatural con una aguda atención a la realidad, patrones superficiales de líneas fluidas y colores ricos y brillantes con un emocionalismo apasionado". [127]

románico

El románico, el primer estilo paneuropeo surgido después del Imperio Romano , abarcó desde mediados del siglo X hasta el XIII. El período vio un resurgimiento de estructuras monumentales de piedra con programas estructurales complejos.

Las iglesias románicas se caracterizan por una articulación rígida y claridad geométrica, incorporadas en un todo volumétrico unificado. La arquitectura es austera pero animada por esculturas decorativas de capiteles y portales, así como por interiores con frescos. Los patrones geométricos y foliares dan paso a una escultura figurativa cada vez más tridimensional.

Algunos consideran que la iglesia de San Miguel, Hildesheim , Alemania, 1001-1030, es una iglesia protorrománica. [128] [ necesita cotización para verificar ]

Desde mediados del siglo XI hasta principios del XIII, las pinturas románicas fueron bidimensionales, definidas por geometría y contornos lineales y atrevidos, particularmente en el manejo de las cortinas; Los pintores enfatizaron la simetría y la frontalidad. Prácticamente todas las iglesias occidentales fueron pintadas, pero probablemente sólo unos pocos pintores de murales eran monjes; en cambio, artistas itinerantes realizaron la mayor parte de este trabajo. El taponado básico se realizó sobre yeso húmedo con colores tierra. Se empleó una paleta limitada, dominada por blanco, rojo, amarillo ocre y azul celeste, para lograr el máximo efecto visual, con colores densos formando un fondo de bandas, una práctica que se originó en el arte clásico tardío como un intento de distinguir la tierra y el cielo.

Durante los últimos siglos XI y XII, la gran época del monaquismo occidental, Europa experimentó cambios económicos, sociales y políticos sin precedentes, que llevaron a una riqueza floreciente entre los terratenientes, incluidos los monasterios. Había una demanda cada vez mayor de libros y la riqueza económica fomentó la producción de manuscritos ricamente iluminados .

Uno de los artefactos más destacados de la época es el Tapiz de Bayeux de 70 m de largo . [129] [130] [131] Representa los acontecimientos que condujeron a la conquista normanda de Inglaterra con los protagonistas Guillermo, duque de Normandía , y Harold, conde de Wessex, más tarde rey de Inglaterra , y que culminaron en la batalla de Hastings de 1066. Se cree que data del siglo XI. Cuenta la historia desde el punto de vista de los conquistadores normandos, pero ahora se acepta que fue fabricado en Inglaterra, probablemente por mujeres, aunque se desconoce el diseñador. Está alojado en Francia .

gótico

El arte gótico se desarrolló en el norte de Francia a partir del románico en el siglo XII d. C. y fue liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica . Se extendió a toda Europa occidental y a gran parte del sur y centro de Europa , sin borrar nunca del todo los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional , que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV.

El gótico de ladrillo era un estilo específico de arquitectura gótica común en el noreste y centro de Europa , especialmente en las regiones del Mar Báltico y sus alrededores , que no cuentan con recursos de roca firme. Los edificios se construyen esencialmente con ladrillos .

Las imponentes catedrales góticas, con sus programas escultóricos y vidrieras, personifican el estilo gótico. [137] Se diferencia del románico por sus bóvedas de crucería y el uso de ojivas . En lugar de los gruesos muros románicos, los edificios góticos son delgados y altos. Las escaleras de caracol en las torres son específicas de la arquitectura gótica. [138]

La pintura gótica, en gran parte ejecutada al temple y, más tarde, al óleo sobre tabla, así como al fresco, y con una paleta cada vez más amplia de colores secundarios, se considera generalmente más "naturalista" que la románica. Se destacó la humanidad de la narrativa religiosa y se individualizó el estado emocional de los personajes. [139] La creciente urbanidad de la economía medieval y el ascenso del mecenas clerical y laico provocaron un cambio en la naturaleza del mercado del arte , que se puede observar en la evolución de la iluminación de manuscritos góticos . Los talleres emplearon especialistas para diferentes elementos de la página, como figuras o motivos marginales de enredaderas. [140]

Renacimiento

El término Renacimiento, que abarca el Renacimiento temprano, el norte y el alto, describe el "renacimiento" en Europa de un nuevo interés por la antigüedad clásica . Por primera vez desde la antigüedad, el arte se volvió convincentemente realista. Además del pasado antiguo, los artistas del Renacimiento también estudiaron la naturaleza, comprendiendo el cuerpo humano, los animales, las plantas, el espacio, la perspectiva y las cualidades de la luz. El tema más común eran los temas religiosos, pero también se produjeron representaciones de historias mitológicas. Además, no existía un estilo renacentista uniforme. Cada artista desarrolló su propio lenguaje visual distintivo, influenciado por sus predecesores y contemporáneos.

El Renacimiento temprano fue un período de gran actividad creativa e intelectual en el que los artistas rompieron por completo con los parámetros del arte bizantino . En general, se acepta que comenzó en Florencia , en la actual Italia , a principios del siglo XV. Se caracteriza por un aumento del interés por la literatura clásica , la filosofía y el arte, el crecimiento del comercio, el descubrimiento de nuevos continentes y nuevos inventos. Hubo un resurgimiento del interés por el arte y la literatura de la antigua Roma , y ​​el estudio de los textos griegos y latinos antiguos instigó conceptos de individualismo y razón, que se conocieron como humanismo . Los humanistas consideraron la vida en el presente y enfatizaron la importancia del pensamiento individual, que afectó los enfoques de los artistas.

A pesar de estar muy asociado con Italia, particularmente con Florencia, Roma y Venecia, el resto de Europa occidental también participó en el Renacimiento. [144] El Renacimiento del Norte se produjo en Europa al norte de los Alpes desde principios del siglo XV, después de un período de fertilización cruzada artística entre el norte y el sur conocido como "Gótico Internacional". Había una gran diferencia entre el Renacimiento del Norte y el italiano. Los artistas del norte no buscaron revivir los valores de la antigua Grecia y Roma como los italianos, mientras que en el sur los artistas y mecenas italianos quedaron asombrados por el estudio empírico de la naturaleza y la sociedad humana, y por los colores profundos que los artistas del norte podían lograr. en el medio recientemente desarrollado de pintura al óleo . La Reforma Protestante aumentó el interés del norte por la pintura secular, como retratos o paisajes. Dos artistas clave del norte son Hieronymus Bosch , conocido por sus pinturas surrealistas llenas de criaturas híbridas como El jardín de las delicias , y Alberto Durero , quien llevó el nuevo arte del grabado a un nuevo nivel.

El Alto Renacimiento tuvo lugar a finales del siglo XV y principios del XVI y estuvo influenciado por el hecho de que a medida que el poder papal se estabilizó en Roma, varios papas encargaron obras de arte y arquitectura, decididos a recrear la antigua gloria de la ciudad. Rafael y Miguel Ángel produjeron proyectos vastos y grandiosos para los papas. La obra de arte más famosa de esta parte del Renacimiento es probablemente el techo de la Capilla Sixtina .

El manierismo rompió con los ideales de armonía y un enfoque racional del arte del Alto Renacimiento para abrazar formas exageradas, proporciones alargadas y colores más vibrantes. Se desarrolló en Italia entre 1510 y 1520, entre artistas que valoraban la originalidad por encima de todo. El nombre de este movimiento proviene del italiano maniera , que significa 'estilo o 'manera'. La palabra pretendía describir el estándar de excelencia alcanzado durante el Alto Renacimiento, al que ahora debería adherirse todo el arte, pero en la práctica condujo a la estilización y al arte "para mostrar arte", a veces con gran éxito, siendo un ejemplo el de Rafael . alumno Julio Romano . El manierismo también se ha utilizado de manera más general para describir un período posterior al Renacimiento y anterior al Barroco. [145]

Barroco

El Palacio de Versalles ( Versalles , Francia), uno de los edificios barrocos más emblemáticos, c.  1660 – 1715, por Louis Le Vau y Jules Hardouin-Mansart

El siglo XVII fue un período de cambios volátiles, tanto en la ciencia, a través de inventos y desarrollos, como el telescopio o el microscopio , como en la religión, cuando la Contrarreforma católica cuestionó la creciente popularidad de la fe protestante. Después de la Reforma Protestante, la Iglesia Católica reaccionó con la Contrarreforma , decretando que el arte debía inspirar a los espectadores con temas religiosos apasionantes.

Después del manierismo y desarrollándose como resultado de las tensiones religiosas en toda Europa, el arte barroco surgió a finales del siglo XVI. El nombre puede derivar de "barroco", la palabra portuguesa para perla deforme, y describe un arte que combina emoción, dinamismo y dramatismo con colores poderosos, realismo y fuertes contrastes tonales. Entre 1545 y 1563, en el Concilio de Trento , se decidió que el arte religioso debía fomentar la piedad, el realismo y la precisión y, al atraer la atención y la empatía de los espectadores, glorificar a la Iglesia católica y fortalecer la imagen del catolicismo. En el siglo siguiente, los nuevos estilos radicales del arte barroco adoptaron y desarrollaron modelos del Alto Renacimiento y abrieron nuevos caminos tanto en el arte religioso como en nuevas variedades de arte secular, sobre todo el paisaje. El Barroco y su variante tardía, el Rococó , fueron los primeros estilos artísticos verdaderamente globales, dominando más de dos siglos de arte y arquitectura en Europa, América Latina y más allá desde alrededor de 1580 hasta alrededor de 1750. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma. En las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en la segunda y tercera décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia , España y Portugal , Flandes, Francia , Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como así como a centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilna ( Lituania ). Los imperios portugués , español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en América y en el África y Asia coloniales, en lugares como Lima , Mozambique , Goa y Filipinas .

Al igual que las pinturas y esculturas, las catedrales y palacios barrocos se caracterizan también por el uso de la ilusión y el dramatismo. También utilizan con frecuencia efectos dramáticos de luces y sombras, y tienen interiores suntuosos y muy decorados que desdibujan los límites entre arquitectura, pintura y escultura. Otra característica importante de la arquitectura barroca fue la presencia de dinamismo, plasmado a través de curvas, columnas salomónicas y óvalos. En Francia, el barroco es sinónimo del reinado de Luis XIV entre 1643 y 1715, ya que durante su gobierno se construyeron múltiples edificios monumentales en París, Versalles y otras partes de Francia, como el Palacio de Versalles , el Castillo de Maisons , el Castillo de Vaux-le-Vicomte , la Columnata del Louvre o La Dôme des Invalides . Además del edificio en sí, el espacio donde se ubica también tiene un papel importante. Los edificios barrocos intentan captar la atención de los espectadores y dominar su entorno, ya sea a pequeña escala, como el San Carlo alle Quattro Fontane en Roma, o a gran escala, como la nueva fachada de la Catedral de Santiago de Compostela , diseñada para elevarse. sobre la ciudad. Las artes aplicadas también prosperaron durante este período. Los muebles barrocos podían ser tan grandilocuentes como las habitaciones que debían adornar, y sus motivos y técnicas fueron cuidadosamente calibrados para coordinarse con el programa decorativo general del arquitecto. Uno de los fabricantes de muebles más prestigiosos fue André Charles Boulle , conocido por su técnica de marquetería , realizada pegando láminas de carey y latón y cortadas para formar el diseño. Sus obras también estaban adornadas con monturas de bronce dorado. Los complejos tapices de los Gobelinos presentaban escenas inspiradas en la antigüedad clásica , y la fábrica de Savonnerie produjo grandes alfombras muy detalladas para el Louvre. Estas alfombras con fondos negros o amarillos tenían un motivo central o un medallón . La porcelana china , la cerámica de Delft y los espejos fabricados en Saint-Gobain (Francia) se difundieron rápidamente en todos los palacios principescos y residencias aristocráticas de Francia. Durante el reinado de Luis XIV, se colocaron grandes espejos sobre las repisas de las chimeneas , y esta tendencia perdurará mucho después del período barroco. [160]

Rococó

Coiffure à l'Indépendance ou Le Triomphe de la Liberté, 1778, que representa a una elegante mujer aristocrática dando los toques finales a su tocador [169]

Originario de c. 1720 Paris, Rococo se caracteriza por motivos naturales, colores suaves, líneas curvas, asimetría y temas que incluyen el amor, la naturaleza y el entretenimiento alegre. Sus ideales eran la delicadeza, la alegría, la juventud y la sensualidad.

Comenzando en Francia como una reacción contra la pesada grandeza barroca de la corte de Luis XIV en el Palacio de Versalles , el movimiento rococó se asoció particularmente con la poderosa Madame de Pompadour (1721-1764), la amante del nuevo rey Luis XV ( 1710-1774). Por esta razón, el estilo también se conocía como 'copete'. El nombre del movimiento deriva del francés 'rocaille', o guijarro, y se refiere a piedras y conchas que decoran el interior de las cuevas, ya que formas similares de conchas se convirtieron en una característica común en el diseño rococó. Comenzó como un estilo de diseño y artes decorativas , y se caracterizó por elegantes formas fluidas. Siguió la arquitectura y luego la pintura y la escultura. El pintor francés con el que se asocia más frecuentemente el término rococó es Jean-Antoine Watteau , cuyas escenas pastorales, o fêtes galantes , dominan la primera parte del siglo XVIII.

Aunque hay algunas iglesias bávaras importantes de este estilo, como la Wieskirche , el rococó se asocia más a menudo con edificios seculares, principalmente grandes palacios y salones donde las élites educadas se reunían para discutir ideas literarias y filosóficas. En París, su popularidad coincidió con el surgimiento del salón como un nuevo tipo de reunión social, cuyos lugares a menudo estaban decorados en estilo rococó. Entre los ejemplos más característicos, elegantes y refinados, se encuentra el Salón Óvalo de la Princesa del Hôtel de Soubise , una de las mansiones más bellas del siglo XVIII de París. El rococó introdujo cambios dramáticos en los muebles de élite, ya que favoreció piezas más pequeñas con marcos estrechos y nervudos y una decoración más delicada, a menudo asimétrica, que a menudo incluía elementos de chinoiserie . El gusto por los objetos del Lejano Oriente (principalmente chinos) llevó al uso de paneles chinos pintados y lacados para los muebles.

El movimiento se extendió rápidamente por toda Europa y hasta la Turquía otomana y China gracias a los libros de ornamentos con cartelas , arabescos y trabajos con conchas, así como diseños para paneles de pared y chimeneas. Los más populares fueron los de Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), Jacques-François Blondel (1705-1774), Pierre-Edmé Babel (1720-1775) y François de Cuvilliés (1695-1768). [170]

Neoclasicismo

Juramento de los Horacios , de Jacques-Louis David , 1784, óleo sobre lienzo, Louvre [175]

Inspirado por las excavaciones de las antiguas ciudades romanas de Pompeya y Herculano de 1748, se produjo un renovado interés por las artes de la antigüedad. El neoclasicismo dominó el arte occidental desde mediados y finales del siglo XVIII hasta la década de 1830. Adoptando el orden y la moderación, se desarrolló como reacción a la frivolidad, el hedonismo y la decadencia percibidos del rococó y ejemplificó el pensamiento racional de la " Edad de la Ilustración " (también conocida como la "Edad de la Razón"). Inicialmente, el movimiento no fue desarrollado por artistas, sino por filósofos de la Ilustración. Pidieron sustituir el rococó por un estilo de arte racional, moral y dedicado al alma. [176] Esto encajaba bien con la percepción del arte clásico como la encarnación del realismo, la moderación y el orden. Inspirándose en el arte griego y romano antiguo , las pinturas de historia clásica del artista francés Nicolas Poussin (1594-1665) y las ideas del escritor alemán Anton Raphael Mengs (1728-1779) y del arqueólogo e historiador del arte alemán Johann Joachim Winckelmann (1717). –1768), el neoclasicismo se inició en Roma, pero pronto se extendió por toda Europa. Roma se había convertido en el foco principal del Grand Tour a mediados del siglo XVIII, y los viajeros aristocráticos acudían allí en busca de visiones clásicas para recrear en sus propiedades rurales, extendiendo así el estilo por toda Europa, particularmente en Inglaterra y Francia. El recorrido también fue una oportunidad para coleccionar antigüedades clásicas. Las pinturas neoclásicas tendían a estar pobladas de figuras posadas como estatuas o relieves clásicos, ubicadas en lugares llenos de detalles arqueológicos. El estilo favoreció el arte griego sobre el romano, considerándolo más puro y auténticamente clásico en su objetivo estético.

En 1789, Francia estaba al borde de su primera revolución y el neoclasicismo buscaba expresar sus sentimientos patrióticos. La política y el arte estuvieron estrechamente entrelazados durante este período. Creían que el arte debía ser serio y valoraban el dibujo por encima de la pintura; El objetivo final eran contornos suaves y pintura sin pinceladas discernibles. Tanto la pintura como la escultura ejercieron calma y moderación y se centraron en temas heroicos, expresando nociones tan nobles como el autosacrificio y el nacionalismo.

Este movimiento abrió el camino al Romanticismo , que apareció cuando el idealismo de la revolución se desvaneció y tras el final del período napoleónico a principios del siglo XIX. Sin embargo, el neoclasicismo no debe verse como lo opuesto al romanticismo, sino en cierto modo como una manifestación temprana del mismo. [177] [178]

Arte occidental después de 1770

El fantasma de una pulga ; por William Blake ; 1819; témpera con oro sobre tabla (21,4 × 16,2 cm); Tate Britain, Londres

Muchos historiadores del arte sitúan los orígenes del arte moderno a finales del siglo XVIII, otros a mediados del siglo XIX. El historiador de arte H. Harvard Arnason afirmó que "en el transcurso de cien años se produjo una metamorfosis gradual". [186] Acontecimientos como el Siglo de las Luces , las revoluciones y democracias en Estados Unidos y Francia , y la Revolución Industrial tuvieron efectos de gran alcance en la cultura occidental. Las personas, las mercancías, las ideas y la información podían viajar entre países y continentes a una velocidad sin precedentes y estos cambios se reflejaron en las artes. La invención de la fotografía en la década de 1830 alteró aún más ciertos aspectos del arte, en particular la pintura. En los albores del siglo XIX, se había completado un largo y gradual cambio de paradigma, desde el gótico, cuando los artistas eran vistos como artesanos al servicio de la iglesia y las monarquías, a la idea del arte por el arte, donde las ideas y visiones de los artistas individuales eran tenidos en alta estima, con el patrocinio de una población cada vez más alfabetizada, acomodada y urbana de clase media y alta que había estado surgiendo durante 200 años (particularmente en París y Londres). A finales del siglo XVIII comenzó una dicotomía entre neoclasicismo y romanticismo que subdividió y continuó atravesando prácticamente todos los nuevos movimientos del arte moderno: "Extendiéndose como olas, estos "ismos" desafían las fronteras nacionales, étnicas y cronológicas; nunca dominan en ningún lugar por mucho tiempo. , compiten o se fusionan entre sí en patrones que cambian sin cesar". [187]

El arte moderno se ha movido constantemente hacia influencias e intercambios internacionales, desde la curiosidad exótica del orientalismo , la influencia más profunda del japonismo , hasta las artes de Oceanía, África y América. Por el contrario, el arte moderno se ha extendido cada vez más más allá de Europa occidental. En Rusia y Estados Unidos las artes se estaban desarrollando a un nivel que rivalizaba con los principales países europeos a finales del siglo XIX. Muchos de los movimientos más importantes aparecieron también en América Latina, Australia y Asia, y la geografía y la nacionalidad se volvieron cada vez más insignificantes con cada década que pasaba. En el siglo XX surgieron artistas importantes e influyentes en todo el mundo: por ejemplo, Foujita (Japón), Arshile Gorky (Armenia), Diego Rivera y Frida Kahlo (México), Wifredo Lam (Cuba), Edvard Munch (noruego), Roberto Matta ( chileno), Mark Rothko (lituano-estadounidense), Fernando Botero Angulo (Colombia), Constantin Brâncuși y Victor Brauner (Rumania). [188] [189] [190] [191] [192]

Siglo 19

Romanticismo (c. 1790-1880)

Jardín paisajístico inglés en Stourhead (Reino Unido), década de 1740, por Henry Hoare [193]
El caminante sobre el mar de niebla de Caspar David Friedrich

El romanticismo surgió a finales del siglo XVIII a partir del movimiento alemán Sturm und Drang y floreció en la primera mitad del siglo XIX con manifestaciones significativas e internacionales en la música, la literatura y la arquitectura, así como en las artes visuales. Surgió de una desilusión con el racionalismo de la Ilustración del siglo XVIII. A pesar de ser a menudo visto como lo opuesto al neoclasicismo, hubo algunas superposiciones estilísticas con ambos movimientos, y muchos artistas románticos estaban entusiasmados con el clasicismo. El movimiento se centró en las emociones intensas, la imaginación y en el impresionante poder de la naturaleza, una fuerza más grande y poderosa que la del hombre, con su potencial de desastre. "El neoclasicismo es un nuevo resurgimiento de la antigüedad clásica... mientras que el romanticismo no se refiere a un estilo específico sino a una actitud mental que puede revelarse de muchas maneras". [194]

Una de las primeras expresiones del romanticismo se produjo en el jardín paisajístico inglés , cuidadosamente diseñado para parecer natural y contrastar dramáticamente con los jardines formales de la época. El concepto de jardín inglés "natural" fue adoptado en toda Europa y América en las décadas siguientes. En arquitectura, los románticos recurrieron con frecuencia a fuentes alternativas distintas a los ejemplos griegos y romanos admirados por el neoclasicista. La arquitectura romántica a menudo revivió formas góticas y otros estilos, como los exóticos modelos orientales. El Palacio de Westminster (Casas del Parlamento), Londres, es un ejemplo de arquitectura romántica que también se conoce como Renacimiento gótico . [194] En la pintura, el romanticismo está ejemplificado por las pinturas de Francisco Goya en España, Eugène Delacroix y Théodore Géricault en Francia, William Blake , Henry Fuseli , Samuel Palmer y William Turner en Inglaterra, Caspar David Friedrich y Philipp Otto Runge en Alemania. Francesco Hayez en Italia, Johan Christian Claussen Dahl en Noruega y Thomas Cole en Estados Unidos. Ejemplos de escultores del período romántico incluyen a Antoine-Louis Barye , Jean-Baptiste Carpeaux , Auguste Préault y François Rude . A medida que el romanticismo siguió su curso, algunos aspectos del movimiento evolucionaron hacia el simbolismo. [195] [196] [191] [197] [198]

academicismo

El academicismo es la codificación del arte en reglas que pueden aprenderse en las academias de arte. Promueve los ideales clásicos de belleza y perfección artística. También había una jerarquía de temas muy estricta. En la parte superior se encontraban pinturas que representaban acontecimientos históricos, incluidos los bíblicos y los clásicos , seguidos del retrato y del paisaje . En la parte inferior de la jerarquía se encontraban la naturaleza muerta y la pintura de género . Nicolas Poussin fue el artista cuyas obras y teorías desempeñaron el papel más importante en el desarrollo del academicismo. Los valles del academicismo estaban situados en el centro del proyecto de la Ilustración de descubrir los principios e ideales básicos del arte.

Durante el siglo XVIII, en toda Europa se fundaron muchas academias que luego dominarían el arte del siglo XIX. Para estudiar en una academia de arte, los jóvenes artistas tenían que tomar un examen de admisión y, después de ser admitidos, estudiarían allí durante varios años. La mayoría de los movimientos artísticos franceses del siglo XIX fueron exteriores o incluso se opusieron a los valores del academicismo.

Algunos de los artistas más importantes de la academia francesa fueron William Bouguereau (1825-1905), Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-1889) y Thomas Couture (1815-1879). El arte académico está estrechamente relacionado con la arquitectura Beaux-Arts , que se desarrolló en el mismo lugar y mantiene un ideal clasicista similar. El estilo Beaux-Arts toma su nombre de la École des Beaux-Arts de París, donde se desarrolló y donde estudiaron muchos de los principales exponentes del estilo. [204] [205]

Renacimiento y eclecticismo

Cuando se trata de arquitectura y artes aplicadas, el siglo XIX es mejor conocido como el siglo de los avivamientos . Uno de los estilos revivalistas más conocidos es el neogótico o neogótico, que apareció por primera vez a mediados del siglo XVIII en algunas casas de Inglaterra , como la Strawberry Hill House de Londres. Sin embargo, estas casas fueron casos aislados, ya que a principios del siglo XIX estuvo dominado por el Neoclasicismo . Posteriormente, entre 1830 y 1840, bajo la influencia del romanticismo, se desarrolló el gusto y la nostalgia por el redescubrimiento de estilos pasados, que van desde la Edad Media hasta el siglo XVIII. Aproximadamente hasta la Primera Guerra Mundial, los refritos del pasado dominaron el mundo de la arquitectura y las artes aplicadas. Aparecieron asociaciones entre estilos y tipos de edificios, por ejemplo: egipcio para prisiones, gótico para iglesias o renacentista para bancos y casas de cambio. Estas elecciones fueron el resultado de otras asociaciones: los faraones con la muerte y la eternidad , la Edad Media con el cristianismo , o la familia Medici con el auge de la banca y el comercio moderno. A veces, estos estilos también fueron vistos de manera nacionalista, con la idea de que la arquitectura podría representar la gloria de una nación. Algunos de ellos fueron vistos como "estilos nacionales", como el Renacimiento gótico en el Reino Unido y los estados alemanes o el Renacimiento rumano en Rumania. Augustus Pugin llamó al estilo gótico el "deber absoluto" [210] del arquitecto inglés, a pesar de que el estilo es de origen francés. De esta manera, se utilizó la arquitectura y las artes aplicadas para otorgar el aura de un pasado glorioso altamente idealizado. Algunos arquitectos y diseñadores asociaron los estilos históricos, especialmente los medievales, con una vida orgánica de fantasía idealizada, que compararon con la realidad de su época. [211]

A pesar de que el revivalismo es tan frecuente, esto no significa que no haya originalidad en estas obras. Arquitectos, ébénistes y otros artesanos, especialmente durante la segunda mitad del siglo XIX, crearon mezclas de estilos, extrayendo e interpretando elementos específicos de determinadas épocas y zonas. Esta práctica se conoce como eclecticismo . Este desarrollo estilístico se produjo durante un período en el que la competencia de las Exposiciones Mundiales motivó a muchos países a inventar nuevos métodos industriales de creación.

Realismo (c. 1830-1890)

El realismo surgió a mediados del siglo XIX, c. 1840, y tuvo contrapartes en escultura, literatura y teatro, a menudo denominado naturalismo en la literatura. En la pintura del siglo XIX, el término realismo se refiere más al tema representado que al estilo o la técnica. Las pinturas realistas suelen representar lugares comunes y personas dedicadas a actividades cotidianas, a diferencia de los grandes paisajes idealizados, dioses mitológicos, temas bíblicos y personajes y acontecimientos históricos que a menudo habían dominado la pintura en la cultura occidental. Courbet dijo: "No puedo pintar un ángel porque nunca he visto uno". [194]

El realismo también fue en parte una reacción a la obra del romanticismo, a menudo dramática, exótica y cargada de emociones. El término realismo se aplica en relación con las imágenes idealizadas del neoclasicismo y las imágenes románticas del romanticismo. Artistas como Jean-Baptiste-Camille Corot y Honoré Daumier tenían asociaciones vagas con el realismo, al igual que los miembros de la Escuela de Barbizon , en particular Jean-François Millet , pero tal vez fue Gustave Courbet quien fue la figura central del movimiento, identificándose a sí mismo como un realista, que defiende el realismo e influye en artistas más jóvenes como Édouard Manet . Un aspecto significativo del realismo fue la práctica de pintar paisajes al aire libre y su posterior influencia en el impresionismo .

Más allá de Francia, el realismo está ejemplificado por artistas como Wilhelm Leibl en Alemania, Ford Madox Brown en Inglaterra y Winslow Homer en Estados Unidos. El historiador del arte HH Arnason escribió: "La secuencia cronológica del neoclasicismo, el romanticismo y el realismo es, por supuesto, sólo una conveniente estratificación de movimientos o tendencias tan inextricablemente ligados entre sí y con los movimientos precedentes que es imposible distinguirlos". donde uno terminó y otro comenzó", [212] y esto se vuelve aún más pertinente y complejo a medida que uno sigue todos los movimientos e "ismos" hasta finales del siglo XIX y principios del XX. [213] [214] [215] [215] [216]

Impresionismo (c. 1865-1885)

Impresión, Amanecer ; por Claude Monet ; 1872; óleo sobre lienzo; 48,1 x 62,8 cm; Museo Marmottan Monet (París) [219]

El impresionismo surgió en Francia, bajo las influencias del realismo , la escuela de Barbizon y pintores al aire libre como Eugène Boudin , Camille Corot , Charles-Francois Daubigny y Johan Barthold Jongkind . A partir de finales de la década de 1850, varios de los impresionistas habían entablado amistades y conocidos como estudiantes en París, especialmente en la libre Academia Suiza y en el estudio de Charles Gleyre . Su progresista trabajo fue frecuentemente rechazado por los jurados conservadores de los prestigiosos salones de la Académie des Beaux Arts , un foro al que acudieron muchos artistas para establecer su reputación, y muchos de los jóvenes artistas fueron incluidos en un Salon des Refusés muy publicitado, pero muy ridiculizado, en 1863. En 1874 formaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, independiente de la academia, y montaron la primera de varias exposiciones impresionistas en París, hasta 1886, cuando se celebró su octava y última exposición. Figuras importantes del movimiento incluyeron a Frédéric Bazille , Gustave Caillebotte , Mary Cassatt , Paul Cézanne , Edgar Degas , Armand Guillaumin , Édouard Manet , Claude Monet , Berthe Morisot , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley . Aunque el impresionismo fue principalmente un movimiento de pintores, Degas y Renoir también produjeron esculturas y otros como Auguste Rodin y Medardo Rosso se vinculan en ocasiones con el impresionismo. En 1885, el impresionismo había alcanzado cierta prominencia y, sin embargo, una generación más joven ya estaba superando los límites del impresionismo. Artistas de Rusia , Australia , América y Latinoamérica pronto adoptaron estilos impresionistas. Algunos de los impresionistas originales continuaron produciendo trabajos importantes en las décadas de 1910 y 1920. [214] [220] [221]

Aunque no tienen precedentes, muchas de las técnicas utilizadas contrastaban con los métodos tradicionales. Las pinturas a menudo se completaban en horas o días con pintura húmeda aplicada sobre pintura húmeda (a diferencia de pintura húmeda sobre seca, que se completaba en semanas y meses). En lugar de aplicar veladuras y colores mezclados, los colores puros a menudo se aplicaban uno al lado del otro, en trazos gruesos, opacos y empastados ; mezclándose en el ojo del espectador cuando se observa desde la distancia. El negro se usó con mucha moderación, o nada en absoluto, y las líneas definitorias se reemplazaron con trazos de color matizados que formaban los sujetos, los contornos y las formas. El historiador de arte HW Janson dijo que "en lugar de aumentar la ilusión del espacio real, fortalece la unidad de la superficie pintada real". [194] Las pinturas impresionistas suelen representar paisajes, retratos, naturalezas muertas, escenas domésticas, ocio diario y vida nocturna, todos tratados de manera realista. Las composiciones a menudo se basaban en perspectivas inusuales y parecían espontáneas y sinceras. Las pinturas generalmente carecían de significados didácticos, simbólicos o metafóricos, y rara vez abordaban los temas bíblicos, mitológicos e históricos tan apreciados por las academias o el interés más oscuro y psicológico explorado por los simbolistas. Se examinaron los matices de la luz, las sombras, la atmósfera y los reflejos de los colores en las superficies, enfatizando a veces los cambios de estos elementos en el tiempo. La pintura en sí era el tema de la pintura. Era arte por el arte , una idea que había estado flotando durante algunas décadas pero que tal vez alcanzó un nuevo nivel y consistencia en el impresionismo. [190] [214] [220] [221]

Simbolismo (c. 1860-1915)

El simbolismo surgió en Francia y Bélgica en el tercer cuarto del siglo XIX y se extendió por toda Europa en la década de 1870 y, más tarde, en menor medida, a América. Evolucionó a partir del romanticismo sin un punto de demarcación claro o definitorio, aunque la poesía, la literatura y específicamente la publicación de Les Fleurs du mal ( Las flores del mal ) de Charles Baudelaire en 1857 fueron importantes en el desarrollo del simbolismo. Tuvo expresión internacional en poesía, literatura, teatro y música. En arquitectura, el simbolismo de las artes aplicadas y las artes decorativas tenía estrechos paralelos y se superponían con el Art Nouveau . El simbolismo a menudo está inextricablemente vinculado a otros movimientos artísticos contemporáneos, surgiendo y encontrando expresión dentro de otros estilos como el postimpresionismo , Les Nabis , el movimiento decadente , el Fin-de Siecle , el Art Nouveau , la secesión de Munich , la secesión de Viena , el expresionismo y incluso los prerrafaelitas , que se habían formado antes e influyeron también en el simbolismo. Artistas tan diversos como James McNeill Whistler , Eugène Carrière , Ferdinand Hodler , Fernand Khnopff , Giovanni Segantini , Lucien Lévy-Dhurmer , Jean Delville y James Ensor tenían distintos grados de asociación con el simbolismo. El historiador de arte Robert L. Delevoy escribió: "El simbolismo era menos una escuela que la atmósfera de una época". [224] Rápidamente comenzó a desvanecerse con la aparición del fauvismo , el cubismo y el futurismo y se había disipado en gran medida con el estallido de la Primera Guerra Mundial; sin embargo, encontró cierto desarrollo sostenido y relevancia en la escuela metafísica , que a su vez tuvo una profunda influencia. Influencia en el surrealismo. [224] [190] [225]

Los temas, temas y significados del arte simbolista son frecuentemente velados y oscuros, pero en el mejor de los casos aún logran resonar profundamente en niveles psicológicos o emocionales. Los temas a menudo se presentan como metáforas o alegorías , con el objetivo de evocar emociones e ideas altamente subjetivas, personales e introspectivas en el espectador, sin definir claramente ni abordar el tema directamente. El poeta Stéphane Mallarmé escribió "representar no la cosa sino el efecto que produce" [226] y "Nombrar un objeto es suprimir las tres cuartas partes del placer del poema que se hace entender poco a poco". [225] El pintor inglés George Frederic Watts afirmó: "Pinto ideas, no cosas". [224] [190] [225]

Postimpresionismo (c. 1885-1910)

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte ; por Georges Seurat ; 1884–1886; óleo sobre lienzo; 2,08 x 3,08 m; Instituto de Arte de Chicago [229]

Postimpresionismo es un término bastante impreciso que se aplica a una generación diversa de artistas. En su sentido más estricto, pertenece a cuatro artistas muy influyentes: Paul Cézanne , [230] [231] Paul Gauguin , [232] [233] Georges Seurat , [234] [235] y Vincent van Gogh . [236] [237] Cada uno pasó por una fase impresionista, pero finalmente emergió con cuatro estilos muy originales pero diferentes. En conjunto, su trabajo anticipó, y a menudo influyó directamente, gran parte del arte de vanguardia que apareció antes de la Primera Guerra Mundial, incluido el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y la abstracción temprana. Cézanne (particularmente influyente en el cubismo) y Van Gogh trabajaron relativamente aislados, lejos de París, en puntos críticos de sus carreras, mientras que Seurat y Gauguin trabajaron en grupos, de manera más colaborativa, en puntos clave de su desarrollo. Otro artista importante de la época es Toulouse-Lautrec , un pintor y artista gráfico influyente. [238] [239] En un sentido más amplio, el postimpresionismo incluye una generación de artistas predominantemente franceses y belgas que trabajaron en una variedad de estilos y grupos. La mayoría había caído bajo el dominio del impresionismo en algún momento, pero llevó su trabajo más allá de él hacia varias facciones ya a mediados de la década de 1880, a veces como un desarrollo lógico del impresionismo, otras veces como una reacción contra él. Los postimpresionistas típicamente representaban temas impresionistas, pero el trabajo, particularmente el sintetismo, a menudo contenía simbolismo, espiritualismo y atmósferas de mal humor que rara vez aparecían en el impresionismo. Colores antinaturales, patrones, llanuras, perspectivas extrañas y puntos de vista llevados al extremo, todo ello acercó el centro del modernismo un paso más a la abstracción con un estándar para la experimentación. [212] [240] [241]

El neoimpresionismo ( divisionismo o puntillismo , c. 1884-1894) exploró la luz y el color basándose en teorías científicas del color, creando mosaicos de pinceladas en colores puros, a veces dispuestos en patrones rítmicos con líneas influenciadas por el Art Nouveau . Los artistas principales fueron Georges Seurat y Paul Signac , otros incluyen a Henri-Edmond Cross , Maximilien Luce , Albert Dubois-Pillet y, durante un período, Pissarro y Van Gogh . Influyó en el fauvismo y elementos del estilo aparecieron en el expresionismo, el cubismo y la abstracción temprana. Sintetismo ( cloisonnismo c. 1888-1903) El cloisonnismo fue concebido por Émile Bernard e inmediatamente adoptado y desarrollado por Paul Gauguin y otros mientras se encontraba en una colonia de artistas en Pont-Aven (Bretaña, Francia). El estilo se parecía al esmalte cloisonné o al vitral , con colores planos y atrevidos delineados en negro u colores oscuros. El sintetismo, ejemplificado en la obra de Gauguin y Paul Sérusier , es un término ligeramente más amplio con menos énfasis en los contornos oscuros y las cualidades cloisonné. Otros artistas incluyen a Cuno Amiet , Louis Anquetin , Charles Filiger , Jacob Meyer de Haan , Charles Laval y Armand Seguin . Su trabajo influyó mucho en el fauvismo y el expresionismo. Les Nabis (c. 1890-1905: hebreo para profetas o illuminati) fue un movimiento más amplio en Francia y Bélgica que se basó eclécticamente en elementos progresistas del sintetismo, el neoimpresionismo, el simbolismo y el Art Nouveau. Quizás más influyentes que el arte fueron las numerosas teorías, manifiestos y entusiasmo contagioso por la vanguardia, que marcaron la pauta para la proliferación de movimientos e "ismos" en el primer cuarto del siglo XX. La Revue Blanche publicaba a menudo Les Nabis y contenido simbolista. La obra de Édouard Vuillard , [242] [243] y Pierre Bonnard , [244] [245] ca. 1890-1910 es un ejemplo de Les Nabis, aunque ambos evolucionaron en sus estilos y produjeron trabajos importantes hasta la década de 1940. Otros artistas incluyen a Maurice Denis , Maxime Dethomas , Meyer de Haan , Henri-Gabriel Ibels , Georges Lacombe , Aristide Maillol ,Paul Ranson , Ker-Xavier Roussel , Armand Séguin , Paul Sérusier , Félix Vallotton , Jan Verkade y otros. [212] [240] [241]

Principios del siglo 20

La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno de los cuales es derribado sucesivamente por el siguiente. Los movimientos artísticos del fauvismo , el expresionismo , el cubismo , el arte abstracto , el dadaísmo y el surrealismo llevaron a nuevas exploraciones de nuevos estilos creativos y formas de expresión. La creciente interacción global durante esta época vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso, influenciado por la escultura ibérica , la escultura africana y el primitivismo . El japonismo y las xilografías japonesas (que a su vez habían sido influenciadas por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y los desarrollos artísticos posteriores. El influyente ejemplo establecido por el interés de Paul Gauguin por el arte oceánico y la repentina popularidad entre los conocedores del París de principios del siglo XX de las recién descubiertas esculturas fetichistas africanas y otras obras de culturas no europeas fueron retomados por Picasso, Henri Matisse y muchos otros. de sus compañeros. Más adelante, en el siglo XX, el arte pop y el expresionismo abstracto cobraron importancia.

Art Nouveau (c. 1890-1914)

Estación de metro Porte Dauphine (París), de Hector Guimard , 1900 [246]
Casa de Ernst Ludwig en la colonia de artistas de Darmstadt , Darmstadt , Alemania , de Joseph Maria Olbrich (1900)

Art Nouveau ( francés : arte nuevo ) fue un movimiento de arte y diseño internacional y generalizado que surgió en las últimas décadas del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial en 1914. Fue catapultado a la prominencia internacional con la Exposición Universal de 1900 en París . Desarrollado casi simultáneamente en partes de Europa y Estados Unidos, fue un intento de crear una forma de expresión única y moderna que evocara el espíritu del nuevo siglo. Se manifestó en pintura, ilustración, escultura, joyería, orfebrería, vidrio, cerámica, textiles, diseño gráfico, mobiliario, arquitectura, diseño de vestuario y moda. Los artistas del Art Nouveau pretendían elevar el estatus de la artesanía y el diseño al nivel de bellas artes .

El movimiento está muy asociado a formas orgánicas sinuosas, como flores, enredaderas y hojas, pero también a insectos y animales, a través de las obras de artistas como Alphonse Mucha , Victor Horta , Hector Guimard , Antoni Gaudí , René Lalique Otto Eckmann o Émile Gallé . Los diseños y edificios Art Nouveau a menudo pueden ser asimétricos. Aunque existen características que lo identifican, el estilo también mostró muchas interpretaciones regionales y nacionales.

A pesar de ser una moda efímera, abrió el camino a la arquitectura y el diseño modernos del siglo XX. Fue el primer estilo arquitectónico sin precedentes históricos, siendo el siglo XIX famoso por una práctica conocida como historicismo , que es el uso de estilos visuales que conscientemente hacen eco del estilo de una era artística anterior. Entre c. Entre 1870 y 1900 se produjo una crisis del historicismo, durante la cual se criticó la cultura historicista; una de las voces fue Friedrich Nietzsche en 1874, quien diagnosticó "un fervor histórico maligno" como uno de los síntomas paralizantes de una cultura moderna agobiada por el estudio arqueológico. y la fe en las leyes de la progresión histórica. A pesar de esto, el Art Nouveau también estuvo fuertemente influenciado por estilos del pasado como el arte celta , gótico y rococó , y también por el movimiento Arts and Crafts , el esteticismo , el simbolismo y especialmente por el arte japonés . [247] [248]

Fauvismo (c. 1898-1909)

El fauvismo surgió del postimpresionismo y se convirtió gradualmente en el primer gran movimiento del siglo XX. Su génesis fue en 1895 cuando Henri Matisse , la figura más antigua y central, entró en el estudio de Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes . Allí conoció a Georges Rouault , Charles Camoin , Henri Manguin y Albert Marquet . Marquet dijo: "Ya en 1898, Matisse y yo trabajábamos en lo que más tarde se llamaría el estilo fauve. Las primeras exposiciones en los Indépendants en las que, creo, éramos los únicos en pintar en tonos puros, se remontan a 1901. ". [249] En 1902-03, el círculo de artistas con ideas afines había crecido hasta incluir a Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy , Othon Friesz , Jean Metzinger , Jean Puy , Louis Valtat , Kees van Dongen y Maurice de Vlaminck . Durante este período se celebraron en París una serie de influyentes exposiciones retrospectivas: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cézanne (1907), todas relativamente desconocidas para el público en ese momento. Matisse y Derain coleccionaron tallas africanas, una curiosidad novedosa pero creciente de la época. Matisse pasó el verano de 1904 en Saint-Tropez pintando con los neoimpresionistas Paul Signac y Henri-Edmond Cross , seguidos en 1905 por Camoin, Manguin y Marquet. El artista expuso regularmente en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño de 1903-1908 y en 1905 su obra causó sensación y escándalo. Matisse declaró: "Estábamos exponiendo en el Salón de Otoño, Derain, Manguin, Marquet, Puy y algunos otros estaban colgados juntos en una de las galerías más grandes. En el centro de esta sala, el escultor Marque exhibió un busto de un niño. muy al estilo italiano. Vauxcelles [crítico de arte de Gil Blas ] entró en la habitación y dijo: ¡Bien! ¡Bien! ¡ Donatello en la niebla de las fieras! [Donatello chez les fauves]". [250]El movimiento no había sido percibido como una entidad por el público, pero una vez publicado el nombre se mantuvo. A diferencia de los impresionistas y su larga lucha por la aceptación, la vanguardia tenía un público entusiasta en 1906-1907 y los fauvistas atraían a coleccionistas de Estados Unidos a Rusia. Aunque el fauvismo se disolvió en gran medida en 1908, cuando apareció el cubismo, la mayor parte del artista comenzó a explorar otros estilos y a moverse en diferentes direcciones. Sólo Matisse y Dufy continuaron explorando el fauvismo hasta los años cincuenta. [249] [251] [252] [253] [254]

Los fauvistas pintaron paisajes al aire libre , interiores, figuras y naturalezas muertas, siguiendo ejemplos del realismo, el impresionismo y el postimpresionismo. Aplicaban pintura con pinceladas sueltas, en colores gruesos, antinaturales, a menudo contrastantes y vibrantes, a veces directamente del tubo. La influencia de Gauguin, con su exploración de los valores expresivos y los aspectos espaciales de los patrones con colores planos y puros, así como su interés por el primitivismo , fueron significativas, al igual que el neoimpresionismo. Matisse explicó – durante mucho tiempo el color sirvió como complemento del diseño, los pintores del Renacimiento construyeron el cuadro por línea, agregando luego color local – escribiendo: "De Delacroix a Van Gogh y principalmente a Gauguin, pasando por el impresionista, quien despejó el terreno, y Cézanne, que dio el impulso final e introdujo los volúmenes coloreados, podemos seguir esta rehabilitación de la función del color, esta restauración de su poder emotivo" [249] El fauvismo fue la culminación de un cambio, del dibujo y la línea como los fundamentos fundamentales del diseño en la pintura al color, y representaron a sus sujetos al borde de la abstracción. [249] [251] [252] [253] [254]

Expresionismo (c. 1905-1930)

Calle, Berlín ; por Ernst Ludwig Kirchner ; 1913; óleo sobre lienzo; 1,21x0,91m; Museo de Arte Moderno (Nueva York) [256]

El expresionismo fue un movimiento internacional en pintura, escultura, artes gráficas, poesía, literatura, teatro, cine y arquitectura. Algunos asocian la Segunda Escuela de Viena y otras músicas de la época con el movimiento. La mayoría de los historiadores sitúan el comienzo del expresionismo en 1905 con la fundación de Die Brücke . Sin embargo, varios artistas estaban produciendo trabajos influyentes que estaban en el espíritu del expresionismo c. 1885-1905, incluidos Lovis Corinth , James Ensor , Käthe Kollwitz , Paula Modersohn-Becker , Edvard Munch , Emil Nolde y Christian Rohlfs , entre otros. Muchos de estos artistas expusieron posteriormente y se asociaron con varios grupos expresionistas. La pintura expresionista se caracteriza por pinceladas empastadas, sueltas, espontáneas y frecuentemente espesas . A menudo transmitía cómo se sentía el artista acerca de su tema, en contraposición a lo que parecía, anteponiendo la intuición y los sentimientos viscerales a las representaciones realistas o las teorías del arte. El expresionismo estuvo frecuentemente imbuido de angustia o alegría, y un compromiso general con la vida contemporánea y los problemas sociales que a menudo estuvo ausente del enfoque del fauvismo en el diseño y el color aplicado a temas neutrales. Las xilografías son particularmente notables en el expresionismo. El expresionismo a veces puede superponerse e integrarse con otros estilos y movimientos, como el simbolismo , el fauvismo , el cubismo , el futurismo , la abstracción y el dadaísmo . Varios grupos y facciones expresionistas aparecieron en diversas épocas y lugares. [212] [241] [212] [257] [258]

Die Brücke (El Puente: 1905 -1913) aspiraba a conectar "todos los elementos revolucionarios y emergentes". [257] Fue fundada por cuatro estudiantes de arquitectura Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel , Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl . Compartiendo un estudio en Dresde, produjeron pinturas, tallas, grabados y organizaron exposiciones, separándose en el verano para trabajar de forma independiente. Su primera exposición fue en 1905, a la que más tarde se unieron Emil Nolde y Max Pechstein en 1906, y Otto Mueller en 1910, entre otros. Las influencias incluyeron el arte gótico , el primitivismo , el Art Nouveau y los desarrollos en París, particularmente Van Gogh y el fauvismo . El grupo se trasladó a Berlín en 1911 y posteriormente se disolvió en 1913. Der Blaue Reiter (El jinete azul: 1911-1914), fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc , era un grupo relativamente informal que organizaba exposiciones de arte de París y Europa, así como bueno los suyos. Fue uno de una serie de grupos cada vez más progresistas que se separaron de la Academia de Arte de Munich, incluidos The Munich Secession en 1892 (realista e impresionista), Phalanx en 1901 (postimpresionista), Neue Kunstler Vereiningung en 1909 y The Blue Rider en 1911. Artista Asociados con los dos últimos grupos estaban los hermanos Burliuk , Heinrich Campendonk , Alexej von Jawlensky , Paul Klee , August Macke , Gabriele Münter y Marianne von Werefkin . El eufónico almanaque Der Blaue Reiter , una colección de ensayos influyentes, y Sobre lo espiritual en el arte de Kandinsky , con sus ideas sobre el arte no objetivo, se publicaron en 1912. El Jinete Azul terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en la que Macke y Marc ambos murieron. [212] [241] [259] [257] [258]

En Austria surgieron otros artistas como Oskar Kokoschka , Egon Schiele y Richard Gerstl . Los artistas franceses Georges Rouault y Chaïm Soutine tenían afinidades con el movimiento. Entre los escultores se encuentran Ernst Barlach , Wilhelm Lehmbruck , Gerhard Marcks y William Wauer . Los arquitectos asociados con el expresionismo incluyen a Max Berg , Hermann Finsterlin , Johann Friedrich Höger , Michel de Klerk , Erich Mendelsohn , Hans Poelzig , Hans Scharoun , Rudolf Steiner y Bruno Taut . Der Sturm (La tormenta 1910-1932) fue una revista con mucho contenido expresionista fundada por Herwarth Walden , con una galería asociada en Berlín inaugurada en 1912 y una compañía de teatro y una escuela inauguradas en 1918. Películas consideradas expresionistas, algunas consideradas clásicas, incluyen El gabinete del Dr. Caligari ( Robert Wiene , 1920), Nosferatu ( FW Murnau , 1922) y Metropolis ( Fritz Lang , 1927). [212] [241] [259] [257] [258]

Después de la Primera Guerra Mundial se produjo una tendencia de muchos artistas a retirarse de la vanguardia, como se ve en el trabajo de los fauvistas originales durante la década de 1920, los períodos neoclásicos de Picasso y Stravinsky , y el trabajo tardío de De Chirico . Esta tendencia se llamó Nueva Objetividad (ca. 1919-1933) en Alemania y, en contraste con la naturaleza nostálgica de este trabajo en otros lugares, se caracterizó por la desilusión y las críticas sociales despiadadas. Los nuevos artistas de la objetividad surgieron en su mayoría de ambientes expresionistas y dadaístas , incluidos Otto Dix , Christian Schad , Rudolf Schlichter , Georg Scholz y Jeanne Mammen . Max Beckmann y George Grosz también tuvieron cierta asociación con la nueva objetividad durante un tiempo. Aunque no es intrínsecamente expresionista, la Staatliches Bauhaus (Escuela de Construcción: 1919-1933) fue una influyente escuela alemana que fusionó artesanías, decoración y bellas artes. Pasando de Weimar a Dessau y a Berlín, su enfoque cambió y evolucionó con el tiempo. Entre los directores se encontraban los arquitectos Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies van der Rohe (1930-1933). En distintos momentos el profesorado incluyó a Josef Albers , Theo van Doesburg , Lyonel Feininger , Johannes Itten , Paul Klee , Wassily Kandinsky , El Lissitzky , Gerhard Marcks , László Moholy-Nagy , Oskar Schlemmer . Los arquitectos de la Bauhaus influyeron mucho en el Estilo Internacional , que se caracterizaba por formas simplificadas, falta de ornamentación, una unión de diseño y función, y la idea de que la producción en masa podía ser compatible con la visión artística personal. Cuando el Partido Nazi llegó al poder, el arte moderno fue denominado " arte degenerado " y la Bauhaus se cerró en 1933, sometiendo al modernismo en Alemania durante varios años. [212] [241] [259] [257] [258]

Cubismo (c. 1907-1914)

El cubismo consistió en el rechazo de la perspectiva, lo que conduce a una nueva organización del espacio donde los puntos de vista se multiplican produciendo una fragmentación del objeto que hace evidente la predilección por la forma sobre el contenido de la representación. Pablo Picasso , Georges Braque y otros artistas cubistas, se inspiraron en las esculturas de Iberia , África y Oceanía expuestas en el Louvre y el museo etnográfico del Trocadéro , y que se ofrecían en los mercadillos y en las salas de venta.

"Un Picasso estudia un objeto como un cirujano disecciona un cadáver", escribió el crítico y poeta Guillaume Apollinaire en 1913. Cinco años antes, Pablo Picasso y Georges Braque –amigos, colegas y rivales– habían comenzado a rechazar el realismo de perspectiva por una forma de la autopsia artística: un estilo de pintura absolutamente revolucionario que miraba dentro y alrededor de los objetos, presentándolos de forma analítica, objetiva y completamente impersonal. [264]

Art Déco (c. 1920-1940)

El Art Déco apareció en Francia como un estilo de lujo y modernidad. Pronto, se extendió rápidamente por todo el mundo, de manera más dramática en Estados Unidos, y se volvió más simplificado a lo largo de la década de 1930. El estilo lleva el nombre de la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas celebrada en París en 1925. Su exuberancia y fantasía capturaron el espíritu de los "locos años 20" y proporcionaron un escape de las realidades de la Gran Depresión durante la década de 1930. Tenía influencias griegas , romanas , africanas , aztecas y japonesas , pero también futuristas , cubistas y bauhaus . A veces se mezcló con el estilo del Renacimiento egipcio , debido al descubrimiento en 1922 de la Tumba de Tutankamón y la egiptomanía que provocó. Dos ejemplos de ello son el cine Le Louxor de París, 1919-1921, de Henri Zipcy, y el Teatro Egipcio de DeKalb ( Illinois , EE. UU.), 1929-1930, de Elmer F. Behrns. En las artes decorativas , incluida la arquitectura, se utilizaron diseños en bajo relieve y patrones y formas angulares. Los materiales predominantes son el cromo , el latón , el acero pulido y el aluminio , la madera con incrustaciones, la piedra y los vitrales.

Algunos de los artistas Art Déco más importantes son la pintora polaca radicada en París Tamara de Lempicka , el cartelista francés nacido en Ucrania Adolphe Jean-Marie Mouron, conocido como Cassandre , y el diseñador de muebles y decorador de interiores francés Émile-Jacques Ruhlmann . [266] [267]

Surrealismo (c. 1924-1966)

El surrealismo surgió como una facción del dadaísmo y anunció formalmente su creación en 1924 con el Manifiesto del surrealismo de André Breton . [268] Originalmente un grupo literario de poetas y escritores en París, pronto se convirtió en un movimiento internacional que incluía pintores, escultores, fotógrafos y cineastas. En 1929 se publicó un Segundo Manifeste du Surréalisme . [269] El surrealismo no tuvo una expresión significativa en las artes aplicadas o decorativas, la arquitectura o la música, aunque se pudieron identificar algunos ejemplos aislados (por ejemplo, juegos de ajedrez, muebles y Las Pozas ). La pequeña y efímera Escuela Metafísica (c. 1910-1921), con Giorgio de Chirico como figura principal, tuvo una gran influencia en el surrealismo. El surrealista exploró una infinidad de técnicas innovadoras, algunas habían sido desarrolladas recientemente en el cubismo y el dadaísmo, otras eran nuevas, incluido el collage , los objetos encontrados, el ensamblaje, el azar, las rayografías (fotogramas), la pintura sobre arena, el goteo y lanzamiento de pintura, la calcomanía . frottage , fumage y raclage. Dos enfoques fundamentales predominan en el arte surrealista. El automatismo dominó en los primeros años, lo que se puede ver en la obra de artistas como André Masson y Joan Miró . Otros artistas, influenciados por el trabajo de Giorgio de Chirico, utilizaron métodos y medios más tradicionales para ilustrar pensamientos sin filtros y yuxtaposiciones incongruentes, incluidos Salvador Dalí y René Magritte . Entre los artistas importantes se incluyen Jean Arp , Hans Bellmer , Victor Brauner , Luis Buñuel , Joseph Cornell , Óscar Domínguez , Max Ernst , Wifredo Lam , Yves Tanguy , Man Ray , Alberto Giacometti , Méret Oppenheim y Roberto Matta . Otros artistas importantes a los que se ha abordado informalmente el surrealismo son Marcel Duchamp , Pablo Picasso y Frida Kahlo . Las ideas y teorías surrealistas se discutieron en una serie sucesiva de revistas, La Révolution Surréaliste (1924-1929), Le Surrealisme au service de la revolution (1930-1933), Minotaure (1933-1939), VVV .(1942-1944). Las pinturas automáticas de André Masson y Joan Miró, así como los recién llegados al surrealismo como Roberto Matta y Arshile Gorky, tuvieron una considerable influencia en el expresionista abstracto de finales de los años cuarenta. [270] [271] [ 272] [273] [274] [275]

Con cierta irreverencia y desprecio dadaísta por los valores políticos, religiosos y burgueses tradicionales de la cultura occidental que, según ellos, habían llevado al mundo a la Primera Guerra Mundial (Breton y otros miembros fundadores eran veteranos); El surrealista exploró las posibilidades que había abierto Sigmund Freud respecto de la mente subconsciente: "Puro automatismo psíquico, mediante el cual se pretende expresar verbalmente, por escrito o por cualquier otro método, el funcionamiento real de la mente. Dictado por el pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y más allá de cualquier preocupación estética o moral." [268] El surrealismo buscaba expresar el pensamiento puro, sin filtros ni censura por principios políticos, religiosos, morales o racionales. [270] [271] [ 272] [273] [274] [275]

Mediados y finales del siglo XX

Mientras Europa luchaba por recuperarse de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos alcanzó una posición de fortaleza política, económica y cultural. Durante las décadas de 1940 y 1950, el expresionismo abstracto surgió como el primer movimiento artístico específicamente estadounidense que tuvo un impacto internacional. En consecuencia, el foco del mundo del arte se desplazó de Europa a Nueva York. Los expresionistas abstractos eran un pequeño grupo de artistas vagamente asociados que tenían perspectivas similares pero enfoques diferentes. Estaban influenciados por el surrealismo y creían en la espontaneidad, la libertad de expresión y el abandono de los temas de la vida estadounidense que habían caracterizado el arte nacional de las últimas décadas. Uno de los representantes más famosos de este movimiento fue Jackson Pollock , conocido por su pintura realizada vertiendo, sacudiendo y goteando pintura sobre enormes lienzos en el suelo. Otros artistas incluyen a Willem de Kooning , Franz Kline , Robert Motherwell , Barnett Newman , Mark Rothko y Clyfford Still .

Después de la Segunda Guerra Mundial, surgieron el consumismo y los medios de comunicación y, como resultado, el arte pop se desarrolló tanto en Londres como en Nueva York. En una exposición en Londres en 1956, la palabra "Pop" se utilizó en un collage creado por Richard Hamilton (1922-2011) a partir de revistas estadounidenses. El arte pop fue una reacción contra el expresionismo abstracto e interpretó ideas de la cultura pop. Al celebrar y comentar sobre el consumismo, los artistas pop, como se les conoció, produjeron imágenes coloridas basadas en la publicidad, los medios y las compras, con estrellas de cine, tiras cómicas, banderas, envases y alimentos: cosas que todos, y no sólo unos pocos intelectuales, , podría identificarse con.

El término minimalismo no era nuevo, pero ganó impulso en la década de 1960, describiendo específicamente un estilo de arte caracterizado por una moderación imparcial. Originario de Nueva York, fue una reacción contra el expresionismo abstracto, pero también abrazó las ideas constructivistas de que el arte debería estar hecho de materiales modernos. Por lo tanto, los artistas minimalistas, principalmente escultores, a menudo utilizaban materiales y métodos de producción no tradicionales, empleando a menudo a fabricantes industriales o especializados para producir obras según sus especificaciones. El término se utilizó principalmente para describir a un grupo de escultores estadounidenses que reevaluaron el espacio que los rodeaba, con el objetivo de desafiar las suposiciones y presentar objetos familiares de nuevas maneras. Sus obras de arte no tienen ningún simbolismo ni significado oculto, ya que intentan permitir a los espectadores reevaluar el arte y el espacio en torno a las formas. A diferencia de una escultura figurativa en la que el espectador se centra excluyendo la habitación en la que se encuentra, el arte minimalista se vuelve uno con su espacio. Al centrarse en los efectos del contexto y la teatralidad de la experiencia visual, el minimalismo ejerció una influencia indirecta pero poderosa en los desarrollos posteriores del arte conceptual y escénico , además de proporcionar un contraste para el surgimiento del posmodernismo .

A pesar de desarrollarse casi 50 años después de las ideas de Marcel Duchamp , el arte conceptual demostró que el arte no siempre tiene que ser juzgado estéticamente. Nunca fue un movimiento único y cohesivo, sino un término general que ahora cubre varios tipos de arte y surgió más o menos simultáneamente en América y Europa, definido por primera vez en Nueva York. Los artistas conceptuales promueven el arte de las ideas o conceptos, sugiriendo que pueden ser más válidos en el mundo moderno que la habilidad técnica o la estética. No importa el medio artístico de una obra de arte, se considera nada más que un vehículo para presentar el concepto. En su forma más extrema, el arte conceptual renuncia por completo al objeto físico y utiliza mensajes verbales o escritos para transmitir la idea. [277] [278] [279]

Tradicionalmente, muchos actos creativos como coser , tejer y acolchar han sido considerados trabajo de mujeres , descritos como artesanías y negados el prestigio y el reconocimiento público de las llamadas artes altas o bellas, como la escultura y la pintura . Muchos artistas ahora han desafiado esta jerarquía, ya sea ampliando el alcance de un arte como la escultura, creando esculturas suaves utilizando materiales y prácticas no convencionales, o recuperando y redefiniendo los materiales y métodos de la llamada artesanía, exhibiendo públicamente su trabajo en museos y galerías y elevando así el estatus de las artes decorativas y aplicadas. [280] Los artistas de los siglos XX y XXI que efectuaron este cambio radical incluyen a María Martínez , Anni Albers , Lucie Rie , Lenore Tawney , Louise Bourgeois , Miriam Schapiro , Faith Ringgold , Magdalena Abakanowicz , Sheila Hicks , Marva Lee Pitchford-Jolly , Judy . Chicago y Dindga McCannon .

Ver también

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Referencias

Otras lecturas

enlaces externos

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