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El arte celta está asociado a los pueblos conocidos como celtas ; aquellos que hablaron las lenguas celtas en Europa desde la prehistoria hasta el período moderno, así como el arte de los pueblos antiguos cuyo idioma es incierto, pero que tienen similitudes culturales y estilísticas con los hablantes de lenguas celtas.
El arte celta es un término difícil de definir, ya que abarca una enorme extensión de tiempo, geografía y culturas. Se ha defendido la continuidad artística en Europa desde la Edad del Bronce y, de hecho, desde el Neolítico anterior ; sin embargo, los arqueólogos generalmente usan "celta" para referirse a la cultura de la Edad del Hierro europea desde aproximadamente el año 1000 a. C. en adelante, hasta la conquista por el Imperio Romano de la mayor parte del territorio en cuestión, y los historiadores del arte suelen comenzar a hablar sólo de "arte celta". desde la época de La Tène (más o menos entre los siglos V y I a.C.) en adelante. [1] Arte celta temprano es otro término utilizado para este período, que se extiende en Gran Bretaña hasta aproximadamente el año 150 d.C. [2] El arte medieval temprano de Gran Bretaña e Irlanda, que produjo el Libro de Kells y otras obras maestras, y es lo que el "arte celta" evoca para gran parte del público en general en el mundo de habla inglesa, se denomina arte insular en la historia del arte. . Esta es la parte más conocida, aunque no la totalidad, del arte celta de la Alta Edad Media, que también incluye el arte picto de Escocia. [3]
Ambos estilos absorbieron influencias considerables de fuentes no celtas, pero conservaron una preferencia por la decoración geométrica sobre los temas figurativos, que a menudo son extremadamente estilizados cuando aparecen; Las escenas narrativas sólo aparecen bajo influencia externa. [4] Son características las formas circulares energéticas, los trisqueles y las espirales. Gran parte del material superviviente es de metales preciosos, lo que sin duda da una imagen muy poco representativa, pero aparte de las piedras pictas y las cruces altas insulares , las grandes esculturas monumentales , incluso con tallas decorativas, son muy raras. Posiblemente las pocas figuras masculinas de pie encontradas, como el guerrero de Hirschlanden y el llamado "Señor de Glauberg" , originalmente eran comunes en madera.
El término también abarca el arte visual del Renacimiento celta (en general, más notable en la literatura) desde el siglo XVIII hasta la era moderna, que comenzó como un esfuerzo consciente de los celtas modernos , principalmente en las Islas Británicas, para expresarse. -identificación y nacionalismo , y se hizo popular mucho más allá de las naciones celtas , y cuyo estilo sigue vigente en diversas formas populares, desde monumentos funerarios de cruces celtas hasta tatuajes entrelazados . Coincidiendo con los inicios de una comprensión arqueológica coherente de los períodos anteriores, el estilo utilizó conscientemente motivos estrechamente copiados de obras de períodos anteriores, más a menudo de la Edad Insular que de la Edad del Hierro. Otra influencia fue la del arte "vegetal" tardío de La Tène en el movimiento Art Nouveau .
Normalmente, el arte celta es ornamental, evita las líneas rectas y sólo ocasionalmente utiliza la simetría, sin la imitación de la naturaleza, central en la tradición clásica , que a menudo implica un simbolismo complejo. El arte celta ha utilizado una variedad de estilos y ha mostrado influencias de otras culturas en sus nudos, espirales, patrones clave, letras, zoomorfas, formas vegetales y figuras humanas. Como lo expresó la arqueóloga Catherine Johns: "En el arte celta, en un amplio espectro cronológico y geográfico, es común un exquisito sentido de equilibrio en el diseño y desarrollo de los patrones. Las formas curvilíneas se disponen de manera que áreas y espacios llenos, positivos y negativos, formen un todo armonioso. Se ejerció control y moderación en el uso de texturas y relieves superficiales. Se diseñaron patrones curvilíneos muy complejos para cubrir precisamente las superficies más incómodas y de formas irregulares". [5]
Los pueblos antiguos ahora llamados "celtas" hablaban un grupo de lenguas que tenían un origen común en la lengua indoeuropea conocida como celta común o protocelta. Este origen lingüístico compartido alguna vez fue ampliamente aceptado por los estudiosos para indicar pueblos con un origen genético común en el suroeste de Europa, que habían extendido su cultura mediante la emigración y la invasión. Los arqueólogos identificaron varios rasgos culturales de estos pueblos, incluidos estilos de arte, y rastrearon la cultura hasta la cultura anterior de Hallstatt y la cultura de La Tène . Estudios genéticos más recientes han indicado que no todos los grupos celtas tienen ascendencia compartida y han sugerido una difusión y expansión de la cultura sin implicar necesariamente un movimiento significativo de pueblos. [6] El grado en que la lengua, la cultura y la genética "celtas" coincidieron e interactuaron durante los períodos prehistóricos sigue siendo muy incierto y controvertido.
El arte celta está asociado a los pueblos conocidos como celtas; aquellos que hablaron las lenguas celtas en Europa desde la prehistoria hasta el período moderno, así como el arte de los pueblos antiguos cuyo idioma es incierto, pero que tienen similitudes culturales y estilísticas con los hablantes de lenguas celtas.
El término "celta" se utilizó en la época clásica como sinónimo de galos (Κελτοι, Celtae ). Su forma inglesa es moderna, como se atestigua desde 1607. A finales del siglo XVII, el trabajo de eruditos como Edward Lhuyd llamó la atención académica sobre los vínculos históricos entre los pueblos de habla gala y bretona (y goidélica ), a partir de donde el término se aplicó no sólo a los celtas continentales, sino también a los de Gran Bretaña e Irlanda. Luego, en el siglo XVIII, el interés por el " primitivismo ", que condujo a la idea del " buen salvaje ", trajo una ola de entusiasmo por todo lo celta y druídico . El "renacimiento irlandés" se produjo después de la Ley de Emancipación Católica de 1829 como un intento consciente de demostrar una identidad nacional irlandesa y, con su equivalente en otros países, se convirtió posteriormente en el " renacimiento celta ".
La cultura arqueológica más antigua que convencionalmente se denomina celta, la cultura Hallstatt (de "Hallstatt C" en adelante), proviene de la temprana Edad del Hierro europea, c. 800 –450 a.C. No obstante, el arte de este período y de los posteriores refleja una continuidad considerable, y algunas correspondencias a largo plazo, con el arte anterior de las mismas regiones, lo que puede reflejar el énfasis de los estudios recientes en la "celtización" por aculturación entre una población relativamente estática, en contraposición a teorías más antiguas sobre migraciones e invasiones. El arte megalítico en gran parte del mundo utiliza un misterioso vocabulario similar de círculos, espirales y otras formas curvas, pero llama la atención que los restos más numerosos en Europa sean los grandes monumentos, con muchos dibujos rupestres dejados por la cultura neolítica del valle de Boyne en Irlanda. , a pocos kilómetros de centros de arte insular medieval temprano, unos 4.000 años después. Otros centros, como Bretaña, también se encuentran en zonas que hoy en día siguen definidas como celtas. Otras correspondencias se encuentran entre las lúnulas de oro y los grandes collares de Irlanda y Europa de la Edad del Bronce y los torques de los celtas de la Edad del Hierro, todos ellos adornos elaborados que se llevan alrededor del cuello. Las terminaciones en forma de trompeta de varios tipos de joyería irlandesa de la Edad del Bronce también recuerdan motivos populares en la decoración celta posterior.
A diferencia de la cultura rural de los habitantes de la Edad del Hierro de las "naciones celtas" modernas, la cultura celta continental de la Edad del Hierro presentaba muchos grandes asentamientos fortificados, algunos muy grandes, para los cuales ahora se utiliza la palabra romana para "ciudad", oppidum . Las élites de estas sociedades tenían una riqueza considerable e importaban objetos grandes y caros, a veces francamente llamativos, de culturas vecinas, algunos de los cuales han sido recuperados de tumbas. La obra del emigrado alemán a Oxford, Paul Jacobsthal , sigue siendo la base del estudio del arte de la época, especialmente su Arte celta temprano de 1944. [8]
La cultura Halstatt produjo arte con adornos geométricos, pero marcados por patrones de líneas rectas y rectángulos en lugar de curvas; el patrón es a menudo intrincado y llena todo el espacio disponible, y al menos en este sentido espera con ansias estilos celtas posteriores. Los lingüistas generalmente están satisfechos de que la cultura Halstatt se originó entre personas que hablaban lenguas celtas, pero los historiadores del arte a menudo evitan describir el arte de Halstatt como "celta".
A medida que la sociedad de Halstatt se hizo cada vez más rica y, a pesar de no tener salida al mar en su zona principal, vinculada por el comercio con otras culturas, especialmente en el Mediterráneo, comenzaron a aparecer objetos importados en estilos radicalmente diferentes, incluidas sedas chinas. Un ejemplo famoso es la cráter griega de Vix Grave en Borgoña , que se hizo en Magna Grecia (el sur griego de Italia) c. 530 a.C., algunas décadas antes de su depósito. Se trata de una enorme vasija de bronce para mezclar vino, con una capacidad de 1.100 litros. [9] Otra enorme vasija griega en la Tumba del Cacique de Hochdorf está decorada con tres leones recostados sobre el borde, uno de los cuales es un reemplazo de un artista celta que hace pocos intentos de copiar el estilo griego de los demás. [10] Las formas características de la cultura de Hallstatt se pueden encontrar tan lejos de la principal zona cultural de Europa Central como Irlanda, pero mezcladas con tipos y estilos locales. [11]
Aparecen figuras de animales y humanos, especialmente en obras con un elemento religioso. Entre los objetos más espectaculares se encuentran los "carros de culto" en bronce, que son grandes carros con ruedas que contienen grupos abarrotados de figuras de pie, a veces con un gran cuenco montado sobre un eje en el centro de la plataforma, probablemente para ofrendas a los dioses; Se han encontrado algunos ejemplos en tumbas. Las figuras están modeladas de forma relativamente sencilla, sin mucho éxito en el naturalismo anatómico detallado en comparación con las culturas más al sur, pero a menudo logran un efecto impresionante. También hay una serie de figuras de piedra individuales, a menudo con una "corona de hojas": dos proyecciones redondeadas y planas, "que se asemejan a un par de comas hinchadas", que se elevan detrás y hacia los lados de la cabeza, probablemente un signo de divinidad. [12]
Las cabezas humanas solas, sin cuerpo, son mucho más comunes y aparecen con frecuencia en relieve en todo tipo de objetos. En el período de La Tène a menudo surgen rostros (junto con cabezas de pájaros) de una decoración que al principio parece abstracta o basada en plantas. Los juegos se juegan con caras que cambian cuando se ven desde diferentes direcciones. En las figuras que muestran el cuerpo completo, la cabeza suele ser demasiado grande. Hay evidencia de que la cabeza humana tenía una importancia especial en las creencias religiosas celtas. [13]
Los conjuntos más elaborados de escultura en piedra, incluidos los relieves , proceden del sur de Francia, en Roquepertuse y Entremont , cerca de las zonas colonizadas por los griegos. Es posible que grupos similares en la madera estuvieran muy extendidos. Roquepertuse parece haber sido un santuario religioso, cuya mampostería incluye lo que se cree que fueron nichos donde se colocaban las cabezas o cráneos de los enemigos. Estos datan del siglo III a. C. o, a veces, de antes.
En general, el número de hallazgos de alta calidad no es grande, especialmente si se compara con el número de restos de las culturas mediterráneas contemporáneas, y existe una división muy clara entre objetos de élite y bienes mucho más sencillos utilizados por la mayoría de la gente. . Hay muchos torques y espadas (el sitio de La Tène produjo más de 3.000 espadas, aparentemente ofrendas votivas [14] ), pero los hallazgos más conocidos, como la cabeza checa de arriba, las placas de zapatos de Hochdorf y el casco de Waterloo , a menudo no tienen otros hallazgos similares para comparar. Es evidente que el contenido religioso en el arte es raro, pero se sabe poco sobre el significado que la mayoría de la decoración de objetos prácticos tenía para sus creadores, y el tema y el significado de los pocos objetos sin una función práctica son igualmente confusos.
Alrededor del año 500 a. C., el estilo La Tène , que lleva el nombre de un lugar de Suiza, apareció de forma bastante repentina, coincidiendo con algún tipo de agitación social que implicó un desplazamiento de los principales centros en dirección noroeste. La zona central donde se encuentran especialmente los sitios ricos es el norte de Francia y el oeste de Alemania, pero durante los tres siglos siguientes el estilo se extendió ampliamente, hasta Irlanda, Italia [15] y la Hungría moderna. En algunos lugares los celtas fueron asaltantes e invasores agresivos, pero en otros lugares la difusión de la cultura material celta puede haber implicado sólo pequeños movimientos de personas, o ninguno en absoluto. El estilo temprano de La Tène adaptó motivos ornamentales de culturas extranjeras a algo claramente nuevo; la complicada mezcla de influencias que incluyen el arte escita y el de los griegos y etruscos, entre otros. La ocupación por el Imperio persa aqueménida de Tracia y Macedonia alrededor del año 500 a. C. es un factor de importancia incierta. [16] El estilo La Tène es "un arte curvilíneo muy estilizado basado principalmente en motivos vegetales y de follaje clásicos, como formas de palmetas, enredaderas, zarcillos y flores de loto junto con espirales, volutas en S, formas de lira y trompeta". [17]
Los objetos más lujosos, cuyos materiales imperecederos tienden a significar que son los mejor conservados aparte de la cerámica, no refutan las opiniones estereotipadas de los celtas que se encuentran en los autores clásicos, donde se los representa como interesados principalmente en festines y peleas, además de como exhibición ostentosa. La sociedad estaba dominada por una aristocracia guerrera y el equipamiento militar, aunque sea en versiones ceremoniales, y los recipientes para bebidas representan la mayoría de los hallazgos más grandes y espectaculares, aparte de las joyas. [18] Desafortunadamente para el arqueólogo, los ricos entierros "principescos" característicos del período Hallstatt se reducen considerablemente, al menos en parte debido a un cambio de los entierros de inhumación a la cremación . [19]
El torque era evidentemente un indicador clave de estatus y se usaba mucho, en una variedad de metales que sin duda reflejaban la riqueza y el estatus de su propietario. También eran comunes las pulseras y brazaletes. [20] Una excepción a la falta general de representaciones de la figura humana, y al fracaso de los objetos de madera para sobrevivir, son ciertos sitios acuáticos de los cuales se han recuperado un gran número de pequeñas figuras talladas de partes del cuerpo o figuras humanas enteras, que Se supone que son exvotos que representan la ubicación de la dolencia del suplicante. El mayor de ellos, en Source-de-la-Roche, Chamalières , Francia, produjo más de 10.000 fragmentos, la mayoría ahora en Clermont-Ferrand . [21]
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Se distinguen varias fases del estilo, bajo una variedad de nombres, incluidas series numéricas (De Navarro) y alfabéticas. En general, existe un amplio acuerdo sobre cómo demarcar las fases, pero los nombres utilizados difieren y ahora es mucho menos seguro que se sucedieran en secuencia cronológica. En una versión de la división de Jacobsthal, la fase "temprana" o "estricta" de De Navarro I, donde los motivos importados siguen siendo reconocibles, es reemplazada por la fase "vegetal", "vegetal continua", " estilo Waldalgesheim " o De Navarro II. , donde el adorno "normalmente está dominado por zarcillos de varios tipos que se mueven continuamente, retorciéndose y girando en movimientos inquietos a través de la superficie". [12]
Después de aproximadamente el 300 a. C., el estilo, ahora De Navarro III, se puede dividir en estilos de "plástico" y "espada", este último se encuentra principalmente en vainas y el primero presenta decoración en alto relieve . Un erudito, Vincent Megaw, ha definido un " estilo Disney " de cabezas de animales parecidas a dibujos animados dentro del estilo plástico, y también un "arte del período Oppida, c 125-c 50 a. C.". De Navarro distingue el arte "insular" de las Islas Británicas, hasta aproximadamente el año 100 a. C., como Estilo IV, seguido de un Estilo V, [22] y la separación de los estilos celtas insulares es ampliamente reconocida. [23]
El arte, a menudo espectacular, de los celtas continentales más ricos, antes de ser conquistados por los romanos, a menudo adoptaba elementos de estilos romano, griego y otros estilos "extranjeros" (y posiblemente utilizaba artesanos importados) para decorar objetos que eran distintivamente celtas. Así, un torque en el rico Vix Grave termina en bolas grandes de una manera que se encuentra en muchos otros, pero aquí los extremos del anillo están formados como las patas de un león o una bestia similar, sin hacer una conexión lógica con las bolas, y en En el exterior del ring, dos pequeños caballos alados se posan sobre placas finamente trabajadas. El efecto es impresionante pero algo incongruente en comparación con un torque británico igualmente ostentoso del Snettisham Hoard que se fabricó 400 años después y utiliza un estilo que ha madurado y armonizado los elementos que lo componen. El caldero de Gundestrup del siglo I a. C. es la pieza de plata europea de la Edad del Hierro más grande que se conserva (diámetro 69 cm, altura 42 cm), pero aunque gran parte de su iconografía parece claramente celta, gran parte no lo es, y su estilo es mucho más grande. debatido; bien puede ser de fabricación tracia . Para confundir aún más las cosas, fue encontrado en un pantano en el norte de Dinamarca. [24] El Casco de Agris , realizado en pan de oro sobre bronce, muestra claramente el origen mediterráneo de sus motivos decorativos.
En el siglo III a.C., los celtas comenzaron a producir monedas, imitando tipos griegos y posteriormente romanos, al principio bastante fielmente, pero gradualmente dejando que su propio gusto se hiciera cargo, de modo que en las versiones basadas en sobrias cabezas clásicas brotan enormes masas onduladas de cabello varias veces más grandes. que sus caras, y los caballos se forman a partir de una serie de elementos vigorosamente curvados.
Una forma aparentemente exclusiva del sur de Gran Bretaña era el espejo con mango y una decoración compleja, en su mayor parte grabada, en la parte posterior de la placa de bronce; la parte frontal está muy pulida para actuar como espejo. Cada uno de los más de 50 espejos encontrados tiene un diseño único, pero la forma esencialmente circular del espejo presumiblemente dictó los sofisticados motivos curvilíneos abstractos que dominan su decoración. [25]
A pesar de la importancia de Irlanda para el arte celta de la Alta Edad Media, el número de artefactos que muestran el estilo La Tène encontrados en Irlanda es pequeño, aunque a menudo son de muy alta calidad. Algunos aspectos de la orfebrería de Hallstatt habían aparecido en Irlanda, como las tapas de vaina , pero el estilo La Tène no se encuentra en Irlanda antes de algún momento entre el 350 y el 150 a. C., y hasta esta última fecha se encuentra principalmente en la Irlanda del Norte moderna , especialmente en un Serie de placas de vaina grabadas. A partir de entonces, a pesar de que Irlanda permaneció fuera del Imperio Romano que engulló las culturas continental y celta británica, el arte irlandés está sujeto a una influencia continua desde el exterior, a través del comercio y probablemente afluencias periódicas de refugiados de Gran Bretaña, tanto antes como después de la invasión romana. Sigue siendo incierto si algunos de los objetos más notables encontrados de la época fueron fabricados en Irlanda o en otros lugares, tan lejos como Alemania y Egipto en casos específicos. [26]
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Pero en Escocia y las partes occidentales de Gran Bretaña, donde los romanos y más tarde los anglosajones fueron en gran medida reprimidos, las versiones del estilo La Tène siguieron en uso hasta que se convirtió en un componente importante del nuevo estilo insular que se desarrolló para satisfacer las necesidades de poblaciones recién cristianizadas. De hecho, en el norte de Inglaterra y Escocia la mayoría de los hallazgos son posteriores a la invasión romana del sur. [27] Sin embargo, si bien hay excelentes hallazgos irlandeses de los siglos I y II, hay poco o nada en el estilo La Tène de los siglos III y IV, un período de inestabilidad en Irlanda. [28]
Después de las conquistas romanas, algunos elementos celtas permanecieron en el arte popular, especialmente en la cerámica de la antigua Roma , de la cual la Galia fue en realidad la mayor productora, principalmente en estilos italianos, pero también produjo obras de gusto local, incluidas estatuillas de deidades y artículos pintados con animales y otros temas en estilos altamente formalizados. La Gran Bretaña romana produjo una serie de artículos utilizando formas romanas como el peroné pero con adornos de estilo La Tène, cuya datación puede ser difícil, [29] por ejemplo, un "collar de latón con bisagras" de la época de la conquista romana muestra decoración celta en un contexto romano. [30] Gran Bretaña también hizo más uso del esmalte que la mayor parte del Imperio, y en objetos más grandes, y su desarrollo de la técnica champlevé fue probablemente importante para el arte medieval posterior de toda Europa, cuya energía y libertad derivaron del arte insular. La decoración era un elemento importante. La decoración esmaltada en broches penanulares , broches dragonescos , [31] y cuencos colgantes parece demostrar una continuidad en la decoración celta entre obras como Staffordshire Moorlands Pan y el florecimiento del arte insular cristiano a partir del siglo VI en adelante.
El arte celta en la Edad Media fue practicado por los pueblos de Irlanda y partes de Gran Bretaña en el período de 700 años desde la retirada romana de Gran Bretaña en el siglo V hasta el establecimiento del arte románico en el siglo XII. A través de la misión hiberno-escocesa, el estilo influyó en el desarrollo del arte en todo el norte de Europa.
En Irlanda existía una herencia celta ininterrumpida desde antes y durante toda la era romana de Gran Bretaña, que nunca había llegado a la isla, aunque, de hecho, los objetos irlandeses del estilo La Tène son muy raros del período tardorromano. Los siglos V al VII fueron una continuación del arte de La Tène de finales de la Edad del Hierro , con también muchos signos de las influencias romana y romano-británica que poco a poco habían penetrado allí. [32] Con la llegada del cristianismo, el arte irlandés se vio influenciado tanto por las tradiciones mediterráneas como por las germánicas, esta última a través de los contactos irlandeses con los anglosajones , creando lo que se denomina estilo insular o hibernosajón , que tuvo su época dorada en el Siglo VIII y principios del IX, antes de que las incursiones vikingas perturbaran gravemente la vida monástica. Al final del período, se agregaron influencias escandinavas a través de los vikingos y las poblaciones mixtas de nórdicos y gaélicos ; luego, el trabajo celta original llegó a su fin con la invasión normanda en 1169-1170 y la posterior introducción del estilo románico europeo general. [ cita necesaria ]
En los siglos VII y IX, los misioneros celtas irlandeses viajaron a Northumbria, en Gran Bretaña, y trajeron consigo la tradición irlandesa de iluminación de manuscritos , que entró en contacto con los conocimientos y motivos anglosajones de la metalurgia . En los monasterios de Northumbria estas habilidades se fusionaron y probablemente se transmitieron desde allí a Escocia e Irlanda, influyendo también en el arte anglosajón del resto de Inglaterra. Algunas de las obras maestras de orfebrería creadas incluyen el Broche Tara , el Cáliz Ardagh y el Cáliz Derrynaflan . Las nuevas técnicas empleadas fueron la filigrana y el tallado en astillas , mientras que los nuevos motivos incluían patrones entrelazados y ornamentación de animales. El Libro de Durrow es el primer libro de evangelios iluminado en escritura insular completa y alrededor del año 700, con los evangelios de Lindisfarne , el estilo hiberno-sajón estaba completamente desarrollado con páginas alfombradas detalladas que parecen brillar con una amplia paleta de colores. Esta forma de arte alcanzó su apogeo a finales del siglo VIII con el Libro de Kells , el manuscrito insular más elaborado. Los estilos artísticos insulares anticlásicos se llevaron a los centros misioneros del continente y tuvieron un impacto continuo en el arte carolingio , románico y gótico durante el resto de la Edad Media .
En los siglos IX y XI, la plata simple se convirtió en un medio popular en la Inglaterra anglosajona, probablemente debido al aumento de la circulación debido al comercio y las incursiones vikingas, y fue durante esta época que se crearon en Irlanda una serie de magníficos broches penanulares de plata. . Casi al mismo tiempo, la producción de manuscritos comenzó a disminuir, y aunque a menudo se ha culpado a los vikingos, esto es discutible dado que el declive comenzó antes de que llegaran los vikingos. La escultura comenzó a florecer en forma de " cruz alta ", grandes cruces de piedra que contenían escenas bíblicas en relieve tallado. Esta forma de arte alcanzó su apogeo a principios del siglo X y ha dejado muchos ejemplos excelentes, como la Cruz de Muiredach en Monasterboice y la Cruz Alta de Ahenny .
El impacto de los vikingos en el arte irlandés no se ve hasta finales del siglo XI, cuando el trabajo en metal irlandés comienza a imitar los estilos escandinavos Ringerike y Urnes , por ejemplo la Cruz de Cong y el Santuario de Manchan . Estas influencias se encontraron no sólo en el centro nórdico de Dublín , sino en todo el campo en monumentos de piedra como la Cruz Dorty en Kilfenora y las cruces en la Roca de Cashel . [33]
Es posible que algunos manuscritos insulares se hayan producido en Gales, incluidos los evangelios de Lichfield y los evangelios de Hereford del siglo VIII . [34] El último Salterio Insular Ricemarch del siglo XI fue escrito ciertamente en Gales y también muestra una fuerte influencia vikinga.
El arte de la histórica Dumnonia , los modernos Cornualles, Devon , Somerset y Bretaña en la costa atlántica ahora está escasamente documentado y, por lo tanto, es menos conocido, ya que estas áreas se incorporaron más tarde a Inglaterra (y Francia) en el período medieval y moderno temprano. [35] Sin embargo, los estudios arqueológicos en sitios como el Castillo de Cadbury, Somerset , [36] Tintagel , [37] y más recientemente en Ipplepen [38] indican una sociedad altamente sofisticada y en gran parte alfabetizada con fuerte influencia y conexiones tanto con el Mediterráneo bizantino como con como los irlandeses del Atlántico y los británicos en Gales y el ' Viejo Norte '. Muchas cruces, monumentos conmemorativos y lápidas, como la Piedra del Rey Doniert , [39] la piedra Drustanus y la notoria piedra Artognou muestran evidencia de una población subromana sorprendentemente cosmopolita que hablaba y escribía tanto en britónico como en latín y con al menos algún conocimiento de Ogham indicado. por varias piedras existentes en la región. Los manuscritos bretones y especialmente de Cornualles son supervivencias extremadamente raras, pero incluyen las manumisiones de Bodmin [40] que demuestran una forma regional del estilo insular.
Desde el siglo V hasta mediados del IX, el arte de los pictos se conoce principalmente a través de la escultura en piedra y, en menor medida, de piezas de orfebrería, a menudo de muy alta calidad; No se conocen manuscritos iluminados. Los pictos compartían la Escocia moderna con una zona de influencia cultural irlandesa en la costa oeste, incluida Iona , y el reino anglosajón de Northumbria al sur. Después de la cristianización, los estilos insulares influyeron fuertemente en el arte picto , con entrelazados prominentes tanto en orfebrería como en piedras.
La pesada cadena Whitecleuch de plata tiene símbolos pictos en sus terminales y parece ser el equivalente a un torque. Los símbolos también se encuentran en placas del tesoro de la Ley de Norrie . Se cree que se trata de piezas relativamente tempranas. El tesoro de la isla de San Niniano, que consta de broches penanulares de plata, cuencos y otros artículos, proviene de la costa de Pictland y a menudo se considera que es en su mayor parte de fabricación picta, lo que representa la mejor supervivencia de la orfebrería picta tardía, de aproximadamente el 800 d.C.
Los eruditos asignan las piedras pictas a 3 clases. Las piedras pictas de Clase I son piedras verticales sin forma grabadas con una serie de alrededor de 35 símbolos que incluyen diseños abstractos (a los que los investigadores han dado nombres descriptivos como media luna y varilla en V, disco doble y varilla en Z, "flor", etc.); tallas de animales reconocibles (toro, águila, salmón, víbora y otros), así como de la Bestia Picta , y objetos de la vida cotidiana (un peine, un espejo). Los símbolos casi siempre aparecen en pares, y en aproximadamente un tercio de los casos se agrega el símbolo del espejo, o del espejo y el peine, debajo de los demás. A menudo se considera que esto simboliza a una mujer. Aparte de uno o dos casos atípicos, estas piedras se encuentran exclusivamente en el noreste de Escocia , desde el Firth of Forth hasta las Shetland . Buenos ejemplos incluyen las piedras Dunnichen y Aberlemno ( Angus ), y las piedras Brandsbutt y Tillytarmont ( Aberdeenshire ).
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Las piedras de clase II son losas en forma de cruz talladas en relieve, o en una combinación de incisión y relieve, con una cruz prominente en una o, en casos raros, en dos caras. Las cruces están elaboradamente decoradas con entrelazados, patrones de claves o volutas, al estilo insular . En la cara secundaria de la piedra aparecen símbolos pictos, a menudo ellos mismos elaboradamente decorados, acompañados de figuras de personas (en particular jinetes), animales tanto realistas como fantásticos, y otras escenas. Las escenas de caza son comunes, los motivos bíblicos no tanto. Los símbolos a menudo parecen "etiquetar" una de las figuras humanas. Las escenas de batalla o combate entre hombres y animales fantásticos pueden ser escenas de la mitología picta. Buenos ejemplos incluyen losas de Dunfalandy y Meigle ( Perthshire ), Aberlemno ( Angus ), Nigg , Shandwick y Hilton de Cadboll ( Easter Ross ).
Las piedras de clase III son de estilo picto, pero carecen de los símbolos característicos. La mayoría son losas transversales, aunque también hay piedras yacentes con encajes para una cruz insertada o una pequeña losa transversal (por ejemplo, en Meigle, Perthshire ). Estas piedras pueden datar en gran parte de después de la toma escocesa del reino picto a mediados del siglo IX. Los ejemplos incluyen el sarcófago y la gran colección de losas cruzadas en St Andrews ( Fife ).
Los siguientes museos tienen importantes colecciones de piedras pictas: Meigle ( Perthshire ), St Vigeans ( Angus ) y la Catedral de San Andrés ( Fife ) (todas Escocia histórica ), el Museo de Escocia , Edimburgo (que también exhibe casi todas las piezas principales de piedras pictas Metalurgia picta), el Instituto Meffan, Forfar ( Angus ), el Museo de Inverness , la Casa Museo Groam , el Centro de Descubrimiento Rosemarkie y Tarbat, Portmahomack (ambos Easter Ross ) y el Museo de las Orcadas en Kirkwall .
El resurgimiento del interés por el arte visual celta se produjo algún tiempo después del resurgimiento del interés por la literatura celta . En la década de 1840, las reproducciones de broches celtas y otras formas de orfebrería estaban de moda, inicialmente en Dublín, pero más tarde en Edimburgo, Londres y otros países. El interés se vio estimulado por el descubrimiento en 1850 del broche de Tara, que se vio en Londres y París durante las siguientes décadas. La reintroducción de finales del siglo XIX de cruces celtas monumentales para tumbas y otros monumentos ha sido posiblemente el aspecto más duradero del renacimiento, que se ha extendido mucho más allá de las áreas y poblaciones con una herencia celta específica. El entrelazado suele aparecer en estos y también se ha utilizado como estilo de decoración arquitectónica, especialmente en Estados Unidos alrededor de 1900, por arquitectos como Louis Sullivan , y en vidrieras y plantillas de pared de Thomas A. O'Shaughnessy , ambos con sede en Chicago con su gran población irlandesa-estadounidense . El "estilo plástico" del arte celta temprano fue uno de los elementos que alimentaron el estilo decorativo Art Nouveau , muy conscientemente en el trabajo de diseñadores como el hombre de Man Archibald Knox , que trabajó mucho para Liberty & Co.
El Movimiento de Artes y Oficios en Irlanda adoptó el estilo celta desde el principio, pero comenzó a retroceder en la década de 1920. El gobernador de la Galería Nacional de Irlanda, Thomas Bodkin , escribiendo en la revista The Studio en 1921, llamó la atención sobre el declive del ornamento celta en la Sexta Exposición de la Sociedad de Artes y Oficios de Irlanda y dijo: "El arte nacional en todo el mundo ha rompieron hace mucho tiempo los estrechos límites dentro de los cuales se encontraba, y su espíritu se vuelve más cosmopolita con cada generación sucesiva". George Atkinson, al escribir el prólogo del catálogo de esa misma exposición, enfatizó la desaprobación de la sociedad de cualquier énfasis indebido en la ornamentación celta a expensas del buen diseño. "La defensa especial del ornamento tradicional nacional ya no es justificable". El estilo había servido a la causa nacionalista como emblema de una cultura irlandesa distinta, pero pronto las modas intelectuales abandonaron el arte celta por mirar nostálgicamente hacia atrás. [41]
El entrelazado, que todavía se considera una forma de decoración "celta", ignorando en cierto modo sus orígenes germánicos y su lugar igualmente destacado en el arte medieval anglosajón y escandinavo, ha seguido siendo un motivo en muchas formas de diseño popular, especialmente en los países celtas, y sobre todo Irlanda, donde sigue siendo una firma de estilo nacional. En las últimas décadas se ha utilizado en todo el mundo en tatuajes y en diversos contextos y medios en obras de fantasía con una ambientación cuasi de la Edad Media . El secreto de Kells es un largometraje de animación de 2009 ambientado durante la creación del Libro de Kells que hace mucho uso del diseño insular.
En la década de 1980 había comenzado un nuevo renacimiento celta, que continúa hasta el día de hoy. A menudo, este movimiento de finales del siglo XX se conoce como Renacimiento celta. [42] En la década de 1990, el número de nuevos artistas, artesanos, diseñadores y minoristas especializados en joyería y artesanía celtas estaba aumentando rápidamente. El Renacimiento celta ha sido un fenómeno internacional, cuyos participantes ya no se limitan únicamente a los países celtas del Viejo Mundo. [43]
El 9 de junio fue designado Día Internacional del Arte Celta en 2017 por un grupo de artistas y entusiastas celtas contemporáneos. El día es una ocasión para exhibiciones, promociones, talleres, demostraciones y encuentros. [44] Del 6 al 9 de junio de 2019 se celebró en Andover, Nueva York, la Primera Conferencia del Día Internacional del Arte Celta. Asistieron treinta artistas, artesanos y académicos de Escocia, Irlanda y de todo Estados Unidos y Canadá. La segunda Conferencia IDCA se celebró en el Centro Saint Patrick en Downpatrick, Irlanda del Norte, del 8 al 11 de junio de 2023. Los organizadores de la conferencia continuarán la serie como un evento bianual.
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