Japonisme [a] es un término francés que se refiere a la popularidad y la influencia del arte y el diseño japoneses entre varios artistas de Europa occidental en el siglo XIX tras la reapertura forzada del comercio exterior con Japón en 1858. [1] [2] Japonisme fue descrito por primera vez por el crítico de arte y coleccionista francés Philippe Burty en 1872. [3]
Si bien los efectos de la tendencia probablemente fueron más pronunciados en las artes visuales, se extendieron a la arquitectura, el paisajismo, la jardinería y la indumentaria. [4] Incluso las artes escénicas se vieron afectadas; El Mikado de Gilbert & Sullivan es quizás el mejor ejemplo.
A partir de la década de 1860, los ukiyo-e , grabados en madera japoneses , se convirtieron en una fuente de inspiración para muchos artistas occidentales. [5] Estas impresiones fueron creadas para el mercado comercial en Japón. [5] Aunque un porcentaje de las impresiones fueron llevadas a Occidente a través de comerciantes holandeses, no fue hasta la década de 1860 que las impresiones ukiyo-e ganaron popularidad en Europa. [5] Los artistas occidentales estaban intrigados por el uso original del color y la composición. Los grabados de Ukiyo-e presentaban dramáticos escorzos y composiciones asimétricas. [6]
Las artes decorativas japonesas , incluidas la cerámica , los esmaltes, la orfebrería y la laca , fueron tan influyentes en Occidente como las artes gráficas. [7] Durante la era Meiji (1868-1912), la cerámica japonesa se exportó a todo el mundo. [8] A partir de una larga historia en la fabricación de armas para samuráis , los metalúrgicos japoneses habían logrado una expresiva gama de colores combinando y acabando aleaciones metálicas. [9] El esmalte cloissoné japonés alcanzó su "edad de oro" entre 1890 y 1910, [10] produciendo artículos más avanzados que nunca. [11] Estos artículos fueron ampliamente visibles en la Europa del siglo XIX: una sucesión de ferias mundiales mostró arte decorativo japonés a millones de personas, [12] [13] y fue adquirido por galerías y tiendas de moda. [7] Los escritos de críticos, coleccionistas y artistas expresaron un considerable entusiasmo por este "nuevo" arte. [7] Coleccionistas como Siegfried Bing [14] y Christopher Dresser [15] exhibieron y escribieron sobre estas obras. Así, los estilos y temas japoneses reaparecieron en el trabajo de los artistas y artesanos occidentales. [7]
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Durante la mayor parte del período Edo (1603-1867), Japón estuvo en una época de reclusión y sólo un puerto internacional permaneció activo. [16] Tokugawa Iemitsu ordenó que se construyera una isla, Dejima , frente a las costas de Nagasaki desde la cual Japón pudiera recibir importaciones. [16] Los holandeses fueron los únicos occidentales capaces de comerciar con los japoneses, sin embargo, esta pequeña cantidad de contacto aún permitió que el arte japonés influyera en Occidente. [17] Cada año, los holandeses llegaban a Japón con flotas de barcos llenos de productos occidentales para el comercio. [18] El cargamento incluía muchos tratados holandeses sobre pintura y varios grabados holandeses. [18] Shiba Kōkan (1747–1818) fue uno de los artistas japoneses que estudió las importaciones. [18] Kōkan creó uno de los primeros grabados en Japón, que era una técnica que había aprendido de uno de los tratados importados. [18] Kōkan combinó la técnica de la perspectiva lineal , que aprendió de un tratado, con sus propias pinturas de estilo ukiyo-e.
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Las principales exportaciones japonesas fueron inicialmente la plata, que fue prohibida después de 1668, y el oro, principalmente en forma de monedas ovaladas, que fue prohibida después de 1763, y más tarde el cobre en forma de lingotes de cobre. Las exportaciones japonesas finalmente disminuyeron y se desplazaron hacia artesanías como cerámica, abanicos, papel, muebles, espadas, armaduras, objetos de nácar, biombos y artículos de laca, que ya se estaban exportando. [19]
Durante la era de reclusión, los productos japoneses siguieron siendo un lujo buscado por las élites europeas. [20] La producción de porcelana japonesa aumentó en el siglo XVII, después de que los alfareros coreanos fueran llevados al área de Kyushu. [21] Los inmigrantes, sus descendientes y sus homólogos japoneses desenterraron minas de arcilla de caolín y comenzaron a fabricar cerámica de alta calidad. La mezcla de tradiciones evolucionó hasta convertirse en una industria japonesa distinta con estilos como la cerámica Imari y Kakiemon . Más tarde influirían en los alfareros europeos y chinos. [20] La exportación de porcelana se vio impulsada aún más por los efectos de la transición Ming-Qing , que inmovilizó el centro de producción de porcelana china en Jingdezhen durante varias décadas. Los alfareros japoneses llenaron el vacío fabricando porcelana para el gusto europeo. [20] La porcelana y los objetos lacados se convirtieron en las principales exportaciones de Japón a Europa. [22] Una forma extravagante de exhibir porcelana en un hogar era crear una habitación de porcelana con estantes colocados a lo largo para mostrar los productos exóticos, [22] pero la propiedad de unas pocas piezas era posible para un amplio y creciente rango social de la clase media. María Antonieta y María Teresa son conocidas coleccionistas de lacas japonesas y sus colecciones se exhiben a menudo en el Louvre y el Palacio de Versalles. [23] La imitación europea de la laca asiática se conoce como Japanning . [24]
Durante la era Kaei (1848-1854), después de más de 200 años de reclusión , barcos mercantes extranjeros de diversas nacionalidades comenzaron a visitar Japón. Tras la Restauración Meiji en 1868, Japón puso fin a un largo período de aislamiento nacional y se abrió a las importaciones de Occidente, incluidas la fotografía y las técnicas de impresión. Con esta nueva apertura del comercio, el arte y los artefactos japoneses comenzaron a aparecer en pequeñas tiendas de curiosidades de París y Londres. [25] El japonismo comenzó como una moda por coleccionar arte japonés, particularmente ukiyo-e . Algunas de las primeras muestras de ukiyo-e se vieron en París. [26]
Durante este tiempo, los artistas europeos buscaban alternativas a las estrictas metodologías académicas europeas. [27] Alrededor de 1856, el artista francés Félix Bracquemond encontró una copia del cuaderno de bocetos Hokusai Manga en el taller de su impresor, Auguste Delâtre. [28] En los años posteriores a este descubrimiento, hubo un aumento del interés por los grabados japoneses. Se vendían en tiendas de curiosidades, almacenes de té y tiendas más grandes. [28] Tiendas como La Porte Chinoise se especializaban en la venta de importaciones japonesas y chinas. [28] La Porte Chinoise, en particular, atrajo a los artistas James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet y Edgar Degas , quienes se inspiraron en los grabados. [29] Esta y otras tiendas organizaron reuniones que facilitaron la difusión de información sobre el arte y las técnicas japonesas. [27]
Los grabados ukiyo-e fueron una de las principales influencias japonesas en el arte occidental. Los artistas occidentales se inspiraron en diferentes usos del espacio compositivo, el aplanamiento de planos y enfoques abstractos del color. Se puede ver un énfasis en las diagonales, la asimetría y el espacio negativo en las obras de artistas occidentales que fueron influenciados por este estilo. [30]
El interés de Vincent van Gogh por los grabados japoneses comenzó cuando descubrió ilustraciones de Félix Régamey publicadas en The Illustrated London News y Le Monde Illustré . [31] Régamey creó grabados en madera, siguió técnicas japonesas y, a menudo, representó escenas de la vida japonesa. [31] Van Gogh utilizó Régamey como una fuente confiable para las prácticas artísticas y escenas cotidianas de la vida japonesa. A partir de 1885, Van Gogh pasó de coleccionar ilustraciones de revistas, como Régamey, a coleccionar grabados de ukiyo-e que se podían comprar en pequeñas tiendas parisinas. [31] Compartió estos grabados con sus contemporáneos y organizó una exposición de grabados japoneses en París en 1887. [31]
El Retrato de Père Tanguy (1887) de Van Gogh es un retrato de su comerciante de colores, Julien Tanguy. Van Gogh creó dos versiones de este retrato. Ambas versiones presentan fondos de grabados japoneses [32] de artistas identificables como Hiroshige y Kunisada . Inspirándose en los grabados en madera japoneses y sus paletas de colores, Van Gogh incorporó una vitalidad similar a sus propias obras. [33] Llenó el retrato de Tanguy con colores vibrantes porque creía que los compradores ya no estaban interesados en las pinturas holandesas en tonos grises y que las pinturas con muchos colores se considerarían modernas y deseables. [33]
El pintor belga Alfred Stevens fue uno de los primeros coleccionistas y entusiastas del arte japonés en París. [34] [35] Los objetos del estudio de Stevens ilustran su fascinación por las chucherías y muebles japoneses y exóticos. Stevens era cercano a Manet y a James McNeill Whistler , [36] con quien compartió este interés desde el principio. Muchos de sus contemporáneos estaban igualmente entusiasmados, especialmente después de la Exposición Internacional de 1862 en Londres y la Exposición Internacional de 1867 en París, donde aparecieron por primera vez arte y objetos japoneses. [36]
Desde mediados de la década de 1860, el japonismo se convirtió en un elemento fundamental en muchas de las pinturas de Stevens. Una de sus obras más famosas con influencia japonista es La parisienne japonaise (1872). Realizó varios retratos de mujeres jóvenes vestidas con kimono , y elementos japoneses aparecen en muchas otras pinturas suyas, como la temprana La Dame en Rose (1866), que combina la vista de una mujer vestida a la moda en un interior con un examen detallado. de objetos japoneses, y The Psyché (1871), donde sobre una silla se encuentran grabados japoneses, indicativos de su pasión artística. [37]
En la década de 1860, Edgar Degas comenzó a coleccionar grabados japoneses en La Porte Chinoise y otras pequeñas imprentas de París. [38] Sus contemporáneos también habían comenzado a coleccionar grabados, lo que le proporcionó una amplia gama de fuentes de inspiración. [38] Entre las impresiones mostradas a Degas había una copia del Manga de Hokusai , que Bracquemond había comprado después de verla en el taller de Delâtre. [27] La fecha estimada en que Degas adoptó los japonismos en sus grabados es 1875, y se puede ver en su elección de dividir escenas individuales colocando barreras vertical, diagonal y horizontalmente. [38]
Al igual que muchos artistas japoneses, los grabados de Degas se centran en las mujeres y sus rutinas diarias. [39] La posición atípica de sus figuras femeninas y la dedicación a la realidad en sus grabados lo alinearon con grabadores japoneses como Hokusai, Utamaro y Sukenobu . [39] En el grabado de Degas Mary Cassatt en el Louvre: The Etruscan Gallery (1879-1880), el artista utiliza dos figuras, una sentada y otra de pie, que es una composición común en los grabados japoneses. [40] Degas también continuó usando líneas para crear profundidad y separar el espacio dentro de la escena. [40] Su apropiación más clara es la de la mujer apoyada en un paraguas cerrado, que está tomado directamente del Manga de Hokusai . [41]
El arte japonés se exhibió en Gran Bretaña a principios de la década de 1850. [42] Estas exposiciones presentaban diversos objetos japoneses, incluidos mapas, cartas, textiles y objetos de la vida cotidiana. [43] Estas exposiciones sirvieron como fuente de orgullo nacional para Gran Bretaña y sirvieron para crear una identidad japonesa separada de la identidad cultural "oriental" generalizada. [44]
James Abbott McNeill Whistler fue un artista estadounidense que trabajó principalmente en Gran Bretaña. A finales del siglo XIX, Whistler comenzó a rechazar el estilo de pintura realista que favorecían sus contemporáneos. En cambio, encontró simplicidad y tecnicismo en la estética japonesa. [45] En lugar de copiar artistas y obras de arte específicos, Whistler fue influenciado por los métodos japoneses generales de articulación y composición, que integró en sus obras. [45]
Las primeras representaciones populares de Asia fueron representaciones de Japón desde Inglaterra . La ópera cómica Kosiki (titulada originalmente El Mikado pero renombrada después de la protesta de Japón) fue escrita en 1876. En 1885, Gilbert y Sullivan , aparentemente menos preocupados por las percepciones japonesas, estrenaron su Mikado . Esta ópera cómica gozó de inmensa popularidad en toda Europa, donde diecisiete compañías la representaron 9.000 veces en los dos años siguientes a su estreno. Traducido al alemán en 1887, El Mikado siguió siendo el drama más popular en Alemania durante la década de 1890. A raíz de esta popularidad, aparecieron en rápida sucesión comedias ambientadas en Asia y protagonizadas por figuras cómicas asiáticas, tanto en ópera cómica como en drama.
La sucesora de El Mikado como el drama japonés más popular de Europa, la ópera La Geisha (1896) de Sidney Jones añadió el personaje principal a los personajes comunes que representan a Japón; la figura de la geisha pertenece a los "objetos" que en sí mismos significaban Japón. en Alemania y en todo Occidente. El período comprendido entre 1904 y 1918 vio un auge europeo de los dramas de geishas. La más famosa de ellas fue la ópera Madama Butterfly de Puccini . En 1900, Puccini vio una puesta en escena de la obra homónima de David Belasco y, según se dice, la encontró tan conmovedora que lloró. La popularidad de la ópera provocó la aparición de una gran cantidad de Madame Something u Others, incluidas Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn y Tip Top, todas las cuales aparecieron alrededor de 1904 y desaparecieron con relativa rapidez. Sin embargo, no dejaron de tener efectos duraderos y la geisha se había establecido entre los pergaminos, el jade y las imágenes del monte Fuji que representaban Japón en Occidente. Así como esta figura humana de la geisha fue reducida al nivel de otros objetos que representan a Japón en el drama, los artistas japoneses en Alemania sirvieron a los dramaturgos alemanes en su búsqueda por renovar el drama alemán. Así como el ukiyo-e había demostrado ser útil en Francia, separada de cualquier comprensión de Japón, los grupos de actores y bailarines japoneses que recorrieron Europa proporcionaron materiales para "una nueva forma de dramatizar" en el escenario. Irónicamente, la popularidad y la influencia de estos dramas japoneses tuvieron mucho que ver con la occidentalización del teatro japonés en general y de las obras representadas en Europa en particular.
Inventado en el siglo XVIII para el teatro Kabuki en Japón, el escenario giratorio se introdujo en el teatro occidental en el teatro Residenz de Munich en 1896 bajo la influencia de la fiebre del japonismo. La influencia japonesa en el teatro alemán apareció por primera vez en la escenografía. Karl Lautenschlager adoptó el escenario giratorio Kabuki en 1896 y diez años más tarde Max Reinhardt lo utilizó en el estreno de Frühlings Erwachen de Frank Wedekind . Pronto este escenario giratorio se convirtió en tendencia en Berlín . Otra adaptación del escenario Kabuki popular entre los directores alemanes fue el Blumensteg, una extensión del escenario que sobresale hacia el público. El conocimiento europeo del Kabuki provino de viajes a Japón o de textos, pero también de compañías japonesas que viajaban por Europa. En 1893, Kawakami Otojiro y su grupo de actores llegaron a París, regresaron nuevamente en 1900 y actuaron en Berlín en 1902. El grupo de Kawakami interpretó dos piezas, Kesa y Shogun, ambas occidentalizadas y representadas sin música y con la mayoría de El diálogo eliminado. Siendo así, estas representaciones tendían hacia la pantomima y la danza. Los dramaturgos y críticos rápidamente se aferraron a lo que vieron como una “reteatralización del teatro”. Entre los actores de estas obras se encontraba Sada Yacco , primera estrella japonesa en Europa, que influyó en pioneras de la danza moderna como Loie Fuller e Isadora Duncan ; actuó para la reina Victoria en 1900 y disfrutó del estatus de estrella europea. [46] [47]
La estética de los jardines japoneses fue introducida en el mundo de habla inglesa gracias a Landscape Gardening in Japan ( Kelly & Walsh , 1893) de Josiah Conder , que dio origen a los primeros jardines japoneses en Occidente. En 1912 se publicó una segunda edición. [48] Los principios de Conder a veces han resultado difíciles de seguir: [ cita necesaria ]
Despojado de sus costumbres y modales locales, el método japonés revela principios estéticos aplicables a los jardines de cualquier país, enseñando, al hacerlo, cómo convertir en poema o imagen una composición que, con toda su variedad de detalles, carece de otro modo. unidad e intención. [49]
Tassa (Saburo) Eida creó varios jardines influyentes, dos para la Exposición Japonés-Británica en Londres en 1910 y uno construido durante cuatro años para William Walker, primer barón Wavertree . [50] Este último todavía se puede visitar en el Irish National Stud . [51]
Japanese Garden Construction (1939) de Samuel Newsom ofreció la estética japonesa como correctivo en la construcción de jardines de rocas , que debían sus orígenes bastante separados en Occidente al deseo de mediados del siglo XIX de cultivar alpinos en una aproximación al pedregal alpino . Según la Garden History Society , el paisajista japonés Seyemon Kusumoto participó en el desarrollo de unos 200 jardines en el Reino Unido. En 1937, expuso un jardín de rocas en el Chelsea Flower Show y trabajó en Burngreave Estate en Bognor Regis, un jardín japonés en Cottered en Hertfordshire y patios en Du Cane Court en Londres.
El pintor impresionista Claude Monet modeló partes de su jardín en Giverny a partir de elementos japoneses, como el puente sobre el estanque de nenúfares, que pintó en numerosas ocasiones. En esta serie , al detallar sólo unos pocos puntos seleccionados, como el puente o los lirios, se vio influenciado por los métodos visuales tradicionales japoneses que se encuentran en las impresiones ukiyo-e , de las que tenía una gran colección . [52] [53] [54] También plantó una gran cantidad de especies nativas japonesas para darle una sensación más exótica.
En Estados Unidos, la fascinación por el arte japonés se extendió a coleccionistas y museos, creando importantes colecciones que aún existen y que han influido en muchas generaciones de artistas. El epicentro estuvo en Boston, probablemente debido a Isabella Stewart Gardner , una coleccionista pionera de arte asiático. [55] Como resultado, el Museo de Bellas Artes de Boston ahora afirma albergar la mejor colección de arte japonés fuera de Japón. [56] La Freer Gallery of Art y la Arthur M. Sackler Gallery albergan la biblioteca de investigación de arte asiático más grande de los Estados Unidos, donde albergan arte japonés junto con las obras de influencia japonesa de Whistler .
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![George Hendrik Breitner, Chica con un kimono blanco, óleo sobre lienzo, 1894[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/George_Hendrik_Breitner_-_Meisje_in_witte_kimono_(Geesje_Kwak).jpg/1280px-George_Hendrik_Breitner_-_Meisje_in_witte_kimono_(Geesje_Kwak).jpg)
![jarrón de carpa; por Eugène Rousseau [fr]; 1878–1884](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Appert_Fr%C3%A8res_-_Carp_Vase_-_Walters_47384_-_Profile.jpg/1280px-Appert_Fr%C3%A8res_-_Carp_Vase_-_Walters_47384_-_Profile.jpg)
