Roy Fox Lichtenstein [2] ( / ˈ l ɪ k t ən ˌ s t aɪ n / ; 27 de octubre de 1923 - 29 de septiembre de 1997) fue un artista pop estadounidense . Durante la década de 1960, junto con Andy Warhol , Jasper Johns y James Rosenquist , se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento artístico. Su obra definió la premisa del arte pop a través de la parodia. [3] Inspirándose en la historieta , Lichtenstein produjo composiciones precisas que documentaban mientras parodiaban, a menudo de manera irónica . Su trabajo estuvo influenciado por la publicidad popular y el estilo del cómic. Su obra de arte fue considerada "perturbadora". [4] Describió el arte pop como "no pintura 'estadounidense' sino pintura industrial". [5] Sus pinturas fueron expuestas en la Galería Leo Castelli de la ciudad de Nueva York.
¡Vaya! , Drowning Girl y Look Mickey resultaron ser sus obras más influyentes. [6] Su pieza más cara es Masterpiece , que se vendió por 165 millones de dólares en 2017. [7]
Lichtenstein nació en una familia judía alemana de clase media alta en la ciudad de Nueva York. [2] [8] [9] Su padre, Milton, era corredor de bienes raíces, su madre, Beatrice (de soltera Werner), ama de casa. [10] Se crió en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York y asistió a una escuela pública hasta los doce años. Luego asistió a la Escuela Dwight de Nueva York , donde se graduó en 1940. Lichtenstein se interesó por primera vez en el arte y el diseño como pasatiempo, durante la escuela. [11] Era un ávido fanático del jazz y a menudo asistía a conciertos en el Teatro Apollo de Harlem . [11] Con frecuencia dibujaba retratos de los músicos tocando sus instrumentos. [11] En su último año de secundaria, 1939, Lichtenstein se matriculó en clases de verano en la Art Students League de Nueva York , donde trabajó bajo la tutela de Reginald Marsh . [12]
Lichtenstein luego dejó Nueva York para estudiar en la Universidad Estatal de Ohio , que ofrecía cursos de estudio y una licenciatura en bellas artes. [2] Sus estudios fueron interrumpidos por un período de tres años en el Ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial entre 1943 y 1946. [2] Después de estar en programas de formación de idiomas, ingeniería en el Programa de Entrenamiento Especializado del Ejército , [13] y formación de piloto, todas las cuales fueron canceladas, se desempeñó como ordenanza, dibujante y artista. [2]
Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue dado de baja del ejército con elegibilidad para el GI Bill . [11] Regresó a sus estudios en Ohio bajo la supervisión de uno de sus maestros, Hoyt L. Sherman , quien es ampliamente considerado por haber tenido un impacto significativo en su trabajo futuro (Lichtenstein más tarde nombraría un nuevo estudio que financió en OSU como el Centro de Arte Hoyt L. Sherman Studio). [14]
Lichtenstein ingresó al programa de posgrado en Ohio State y fue contratado como instructor de arte, puesto que ocupó de forma intermitente durante los siguientes diez años. En 1949, Lichtenstein recibió una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio.
En 1951, Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la Galería Carlebach de Nueva York. [2] [15] Se mudó a Cleveland ese mismo año, donde permaneció durante seis años, aunque viajaba con frecuencia a Nueva York. Durante este tiempo, realizó trabajos tan variados como dibujante y decorador de ventanas entre períodos de pintura. [2] Su obra en esta época fluctuó entre el cubismo y el expresionismo. [11] En 1954 nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein , nació en 1956. [16]
En 1957, regresó al norte del estado de Nueva York y comenzó a enseñar nuevamente. [5] Fue en esta época cuando adoptó el estilo del Expresionismo Abstracto , siendo un converso tardío a este estilo de pintura. [17] Lichtenstein comenzó a enseñar en el norte del estado de Nueva York en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. Por esta época, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. [18]
En 1960, comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers , donde estuvo fuertemente influenciado por Allan Kaprow , quien también era profesor en la universidad. Este entorno ayudó a reavivar su interés por las imágenes proto-pop. [2] En 1961, Lichtenstein comenzó sus primeras pinturas pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la aparición de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965 e incluyó el uso de imágenes publicitarias que sugerían consumismo y tareas domésticas. [11] Su primer trabajo que presentó el uso a gran escala de figuras con bordes duros y puntos Ben-Day fue Look Mickey (1961, Galería Nacional de Arte , Washington, DC). [19] Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo; "Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿eh, papá?" [20] En el mismo año produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de chicles y dibujos animados. [18]
En 1961, Leo Castelli comenzó a exponer la obra de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; toda la colección fue comprada por coleccionistas influyentes incluso antes de que se abriera la exposición. [2] Un grupo de pinturas producidas entre 1961 y 1962 se centraron en objetos domésticos solitarios como zapatillas de deporte, perritos calientes y pelotas de golf. [21] En septiembre de 1963 tomó una licencia de su puesto de profesor en Douglass College en Rutgers. [22]
Sus obras se inspiraron en cómics que presentaban historias bélicas y románticas. "En ese momento", relató Lichtenstein más tarde, "me interesaba cualquier cosa que pudiera usar como tema que fuera emocionalmente fuerte, generalmente el amor, la guerra o algo que tuviera una gran carga y un tema emocional que fuera opuesto a lo eliminado y deliberado". técnicas de pintura". [23]
Fue en ese momento cuando Lichtenstein comenzó a ganar fama no solo en Estados Unidos sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. [24] Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna (primera acrílica) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal de Secret Hearts No. 83 de DC Comics , dibujada por Tony Abruzzo . ( Drowning Girl ahora se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . [25] ) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si hubieran sido creados mediante reproducción fotográfica. De su propio trabajo, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos "colocaban cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de plasmar líneas es en gran medida la misma". lo mismo; los míos simplemente no parecen caligráficos, como los de Pollock o Kline ". [26]
En lugar de intentar reproducir a sus sujetos, el trabajo de Lichtenstein abordó la forma en que los retratan los medios de comunicación. Sin embargo, nunca se tomó a sí mismo demasiado en serio y dijo: "Creo que mi trabajo es diferente de las historietas, pero no lo llamaría transformación; no creo que lo que sea que signifique sea importante para el arte". [27] Cuando la obra de Lichtenstein se exhibió por primera vez, muchos críticos de arte de la época cuestionaron su originalidad. Su trabajo fue duramente criticado por ser vulgar y vacío. El título de un artículo de la revista Life de 1964 preguntaba: "¿Es él el peor artista de Estados Unidos?" [28] Lichtenstein respondió a tales afirmaciones ofreciendo respuestas como las siguientes: "Cuanto más cerca está mi trabajo del original, más amenazador y crítico es el contenido. Sin embargo, mi trabajo se transforma por completo en el sentido de que mi propósito y percepción son completamente diferentes". "Creo que mis pinturas se han transformado críticamente, pero sería difícil demostrarlo mediante una línea argumental racional". [29] Habló de haber experimentado esta fuerte crítica en una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986. Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: "No dudo que cuando estoy pintando, es el La crítica que te hace dudar, lo hace." [30]
Su célebre imagen ¡ Whaam! (1963) muestra un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve realzado por el uso de las letras onomatopéyicas "¡Whaam!" y la leyenda en el recuadro "Presioné el control de fuego... y delante de mí los cohetes ardieron en el cielo..." Este díptico es de gran escala y mide 1,7 x 4,0 m (5 pies 7 pulgadas x 13 pies 4 pulgadas). [31] Whaam sigue los temas basados en tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y es parte de un conjunto de trabajos con temas de guerra creados entre 1962 y 1964. Es una de sus dos grandes pinturas notables con temas de guerra. Fue adquirido por la Tate Gallery en 1966, después de haber sido expuesto en la Galería Leo Castelli en 1963, y (ahora en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Enfermera (1964), Composiciones I (1964), Nos levantamos lentamente (1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Después de varios años de préstamo en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt , el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden , pudo adquirir en 1981 un total de 87 obras [32] de la colección Ströher [33] , principalmente Arte pop americano y arte minimalista para el museo en construcción hasta 1991. [34]
Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando una habilidad para la forma que contrastaba con la insistente planitud de sus pinturas. Para Head of Girl (1964) y Head with Red Shadow (1965), colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Luego, Lichtenstein aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que utilizó en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos de Ben-Day a objetos tridimensionales dio como resultado un aplanamiento de la forma. [35]
La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente cercanas, pero no exactas, de paneles de cómics, un tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporaría los cómics a su trabajo de diferentes maneras en décadas posteriores. Estos paneles fueron dibujados originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath , Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti , quienes rara vez recibieron crédito. Jack Cowart , director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, cuestiona la noción de que Lichtenstein fuera un copista, diciendo: "El trabajo de Roy fue una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación de sentimientos que habían sido elaboradas por otros. Los paneles fueron cambiados en escala , color, tratamiento y en sus implicaciones no existe una copia exacta." [36] Sin embargo, algunos [37] han criticado el uso que hace Lichtenstein de imágenes de cómics y obras de arte, especialmente en la medida en que ese uso ha sido visto como un respaldo a una visión condescendiente de los cómics por parte de la corriente principal del arte; [37] el dibujante Art Spiegelman comentó que "Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa". [37]
Las obras de Lichtenstein basadas en paneles ampliados de cómics engendraron un amplio debate sobre sus méritos como arte. [38] [39] El propio Lichtenstein admitió: "Estoy copiando nominalmente, pero en realidad estoy reformulando lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, son Puntos, colores planos y líneas inquebrantables". [40] Eddie Campbell escribió en su blog que "Lichtenstein tomó una fotografía diminuta, más pequeña que la palma de la mano, la imprimió con tintas de cuatro colores en papel de periódico y la amplió al tamaño convencional en el que se hace y exhibe el 'arte' y la terminó en pintar sobre lienzo." [41] Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: "Hay arte elevado y arte bajo. Y luego está el arte elevado que puede tomar el arte bajo, llevarlo a un contexto de arte elevado, apropiarse de él y elevarlo a algo más. " [42]
Aunque el trabajo basado en cómics de Lichtenstein ganó cierta aceptación, los críticos aún expresan preocupaciones que dicen que Lichtenstein no dio crédito, no pagó regalías ni pidió permiso a los artistas originales ni a los titulares de derechos de autor. [43] [44] En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiario. Gibbons respondió: "Yo diría 'imitador'. En la música, por ejemplo, no puedes simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretar la melodía de otra persona, sin importar cuán mal sea, sin acreditar y pagar de alguna manera al artista original. Es decir , esto es 'WHAAM! de Roy Lichtenstein, según Irv Novick'". [45] El propio Sooke sostiene que "Lichtenstein transformó la obra de arte de Novick de varias maneras sutiles pero cruciales". [46]
El fundador de la revista, profesor de la City University de Londres y doctorado del University College London , Ernesto Priego, señala que el hecho de que Lichtenstein no acreditara a los creadores originales de sus obras de cómic fue un reflejo de la decisión de National Periodical Publications , predecesora de DC Comics , de omitir cualquier crédito por sus escritores y artistas:
Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación del vocabulario de los cómics por parte de Lichtenstein resaltan la importancia de tener en cuenta el formato de publicación al definir los cómics, así como la economía política implícita en tipos específicos de publicaciones históricas, en En este caso, el cómic convencional estadounidense. ¿Hasta qué punto fueron National Periodical Publications (más tarde DC) responsables del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no otorgarles el crédito total como autor de la publicación en sí?" [47]
Además, Campbell señala que hubo una época en la que los artistas de cómics a menudo rechazaban la atribución de su trabajo. [41]
En un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y, como su oficial superior, había respondido a las quejas entre lágrimas de Lichtenstein sobre las tareas menores que le asignaban recomendándolo para un mejor trabajo. [48] Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había abandonado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que tuvo lugar el incidente. [49] Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y ¡Está bien, Hot-Shot, está bien! , dice que la historia de Novick "parece ser un intento de menospreciar personalmente" al artista más famoso. [48]
En 1966, Lichtenstein dejó atrás sus tan celebradas imágenes de principios de la década de 1960 y comenzó su serie Pinturas Modernas , que incluye más de 60 pinturas y dibujos adjuntos. Utilizando sus característicos puntos Ben-Day y formas y líneas geométricas, representó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados prestados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. [ cita necesaria ] La serie de Escultura Moderna de 1967-8 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco. [50]
A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne , Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Brushstrokes en 1965. [51] Lichtenstein continuó retomando este tema más adelante en su carrera con obras como Dormitorio en Arles que deriva de Vincent van Gogh ' s Dormitorio en Arles .
En 1970, Lichtenstein recibió el encargo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) para realizar una película. Con la ayuda de Universal Film Studios , el artista concibió y produjo Tres paisajes , una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas paisajísticos que creó entre 1964 y 1966. [52] Aunque Lichtenstein había planeado produjo 15 cortometrajes, la instalación en tres pantallas, realizada con el cineasta independiente Joel Freedman, radicado en Nueva York, resultó ser la única incursión del artista en este medio. [53]
También en 1970, Lichtenstein compró una antigua cochera en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en relativo aislamiento. [54] En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a relajarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas de Espejos en 1969. En 1970, mientras continuaba con la serie de Espejos , comenzó a trabajar en el tema de los entablamentos . Los Entablamentos consistieron en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974-76, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. [55] Produjo una serie de "Estudios de artistas" que incorporaban elementos de su obra anterior. Un ejemplo notable es Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center , Minneapolis ), que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena. [2]
Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado por la colección de grabados y libros ilustrados del expresionismo alemán del abogado Robert Rifkind . Comenzó a producir obras que tomaron prestados elementos estilísticos encontrados en pinturas expresionistas. The White Tree (1980) evoca los paisajes líricos de Der Blaue Reiter , mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda Dr. Mayer-Hermann (1926) de Otto Dix . Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de colores como plantillas para grabados en madera, un medio preferido por Emil Nolde y Max Pechstein , así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner . [56] También a finales de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aquisgrán ). Una importante serie de pinturas pop surrealistas de 1979 a 1981 se basa en temas de nativos americanos. [57] [58] Estas obras van desde Amerind Figure (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un estilizado tótem en bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979). Las obras "indias" tomaron sus temas, como las otras partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein. [59]
Las pinturas, esculturas y dibujos de naturalezas muertas de Lichtenstein , que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales, como frutas, flores y jarrones. [60] En 1983, Lichtenstein hizo dos carteles contra el apartheid , titulados simplemente "Contra el apartheid". [61] [62] En su serie Reflection , producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de trabajos anteriores. [63] Interiors (1991-1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o vallas publicitarias. [64] Inspirándose en las impresiones monocromáticas de Edgar Degas presentadas en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Paisajes al estilo chino están formados con puntos simulados de Ben-Day y contornos de bloques. representado en colores duros y vivos, sin ningún rastro de la mano. [65] El desnudo es un elemento recurrente en la obra de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage for Nude with Red Shirt (1995).
Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 grabados, la mayoría en serigrafía . [66]
.jpg/1280px-Tel_Aviv_07-12_(7535242642).jpg)
En 1969, Gunter Sachs le encargó a Lichtenstein la creación de Composición y Leda y el cisne , para el dormitorio del coleccionista de arte pop en el Palace Hotel de St. Moritz . A finales de los años 1970 y durante los años 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos para obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (1978) en St. Mary's, Georgia ; Sirena (1979) en Miami Beach; Brushstrokes in Flight (1984, trasladado en 1998) de 26 pies de altura en el Aeropuerto Internacional John Glenn Columbus ; el Mural con pincelada azul (1984-1985), de cinco pisos de altura, en el Equitable Center , Nueva York; y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. [50] En 1994, Lichtenstein creó el mural de Times Square esmaltado sobre metal de 53 pies de largo en la estación de metro de Times Square . [67] En 1977, BMW le encargó que pintara una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del BMW Art Car Project . El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto completado. [2] "No estoy en el negocio de hacer nada parecido (un logotipo corporativo) y no tengo intención de hacerlo de nuevo", admite Lichtenstein. "Pero conozco a Mo Ostin y David Geffen y me pareció interesante". [68]
Lichtenstein recibió numerosos doctorados honorarios de, entre otros, la Universidad George Washington (1996), el Bard College , el Royal College of Art (1993), la Universidad Estatal de Ohio (1987), el Southampton College (1980) y el Instituto de las Artes de California. (1977). También formó parte de la junta directiva de la Academia de Música de Brooklyn . [54]
En 2023, cinco de las pinturas de Lichtenstein aparecerán en las estampillas Forever de USPS : Standing Explosion (Red) , Modern Painting I , Still Life with Crystal Bowl , Still Life with Goldfish y Portrait of a Woman . Derry Noyes se desempeñó como director de arte y diseñador de la serie de sellos. [69]
En 1949, Lichtenstein se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista de Ohio Michael Sarisky . [70] Sin embargo, los brutales inviernos del norte del estado pasaron factura a Lichtenstein y su esposa, [71] después de que comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. La pareja vendió la casa familiar en Highland Park, Nueva Jersey . en 1963 [72] y se divorció en 1965.
Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. [73] A finales de la década de 1960, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York , que Larry Rivers había comprado a la vuelta de la esquina de su propia casa. [74] Tres años más tarde, compraron una cochera de 1910 frente al océano en Gin Lane. [74] Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. [75] También tenía una casa en la isla de Captiva . [76]
En 1991, Lichtenstein comenzó una aventura con la cantante Erica Wexler, quien se convirtió en la musa de su serie Desnudos, incluida "Desnudos con pelota de playa" de 1994. Ella tenía 22 años y él 68. [77] La aventura duró hasta 1994 y terminó cuando Wexler se fue a Inglaterra con su futuro esposo Andy Partridge de XTC . Según Wexler, Lichtenstein y su esposa Dorothy se entendían y ambos tenían otras personas importantes además de su matrimonio.
Lichtenstein murió de neumonía el 29 de septiembre de 1997 [20] en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York , donde había estado hospitalizado durante varias semanas, a los 73 años. [10] Le sobrevivieron su segunda esposa, Dorothy Herzka, [78] y por sus hijos, David y Mitchell , de su primer matrimonio.
El arte pop sigue influyendo en el siglo XXI. Pop Art from the Collection presenta una amplia selección de serigrafías de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, así como una variedad de fotografías Polaroid de Warhol conocidas como las principales figuras del movimiento Pop Art de los años 1960 y 1970. Warhol y Lichtenstein son famosos por explorar la relación entre las bellas artes, la publicidad y el consumismo. Lichtenstein y Andy Warhol fueron utilizados en la gira PopMart de 1997 y 1998 de U2 y en una exposición en 2007 en la Galería Nacional Británica de Retratos . [79]
Entre muchas otras obras de arte perdidas en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una pintura de la serie Entablature de Lichtenstein fue destruida en el incendio posterior. [80]
En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la exposición "'54–'64: Pintura y escultura de una década". En 1967, su primera exposición retrospectiva se llevó a cabo en el Museo de Arte de Pasadena en California. El mismo año tuvo lugar su primera exposición individual en Europa en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. [70] Lichtenstein participó posteriormente en las documentas IV (1968) y VI en (1977). Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman. El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. [55] Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en realizar exposiciones individuales de dibujo en el Museo de Arte Moderno de marzo a junio de 1987. [81] Las retrospectivas recientes incluyen la exposición "Todo sobre el arte" de 2003. ", Museo de Arte Moderno de Luisiana , en Dinamarca (que viajó a la Galería Hayward , Londres, Museo Reina Sofía , Madrid, [82] y Museo de Arte Moderno de San Francisco , hasta 2005); y “Clásico de lo Nuevo”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein: Meditaciones sobre el Arte” Museo Triennale, Milán (2010, viajó al Museo Ludwig , Colonia). A finales de 2010, la Biblioteca y Museo Morgan mostró Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968 . [83] Otra gran retrospectiva se inauguró en el Instituto de Arte de Chicago en mayo de 2012 antes de ir a la Galería Nacional de Arte en Washington, [84] Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou en París en 2013. [85] 2013:Roy Lichtenstein, Olyvia Bellas Artes. 2014: Roy Lichtenstein: Esculturas íntimas, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, Turín. [86] 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.
En 1996, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC se convirtió en el mayor depósito de la obra del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y 2 libros. El Instituto de Arte de Chicago tiene varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, incluidas Brushstroke with Spatter (1966) y Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Los bienes personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein se cuentan por cientos. [87] En Europa, el Museo Ludwig de Colonia posee uno de los fondos de Liechtenstein más completos con Takka Takka (1962), Enfermera (1964), Composiciones I (1964), además del Museo de Arte Moderno de Frankfurt con Nos levantamos lentamente ( 1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Fuera de Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia tiene una amplia colección de grabados de Lichtenstein, que suman más de 300 obras. En total se cree que hay unas 4.500 obras en circulación. [2]
Después de la muerte del artista en 1997, se creó la Fundación Roy Lichtenstein en 1999. En 2011, la junta directiva de la fundación decidió que los beneficios de la autenticación eran superados por los riesgos de demandas prolongadas. [88]
A finales de 2006, la fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Electric Cord (1961), una pintura que había estado desaparecida desde 1970 después de que la Galería Leo Castelli la enviara al restaurador de arte Daniel Goldreyer . La tarjeta instaba al público a reportar cualquier información sobre su paradero. [89] En 2012, la fundación autenticó la pieza cuando apareció en un almacén de la ciudad de Nueva York. [90]
Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, [91] la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico realizado por Shunk y su János Kender , así como los derechos de autor de los fotógrafos. [92] En 2013, la fundación donó el tesoro de Shunk-Kender a cinco instituciones: el Getty Research Institute de Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Galería Nacional de Arte de Washington; el Centro Pompidou de París; y la Tate de Londres, que permitirá a cada museo acceder a la parte de los demás. [92]
Desde la década de 1950, la obra de Lichtenstein se ha expuesto en Nueva York y otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería de París y en la Galería Ferus , la Galería Pace , la Galería Gagosian , Mitchell-Innes. & Nash, Mary Boone , Brooke Alexander Gallery , Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind , Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Sperone Westwater Galerías entre otros. La Galería Leo Castelli representó a Lichtenstein exclusivamente desde 1962, [10] cuando una exposición individual del artista se agotó antes de su inauguración. [93]
A partir de 1962, la Galería Leo Castelli de Nueva York organizó exposiciones periódicas de la obra del artista. [94] La Galería Gagosian ha estado exhibiendo obras de Lichtenstein desde 1996. [95]
Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein de mayor precio en 1970. [96] Como toda la serie Brushstrokes , el tema de la pintura es el proceso de pintura expresionista abstracta a través de amplias pinceladas y goteos, pero es el resultado de la simplificación de Lichtenstein. que utiliza un fondo de puntos Ben-Day es una representación de la reproducción de impresión en color mecánica/industrial. [97]
El cuadro de Lichtenstein Torpedo... ¡Los! (1963) se vendió en Christie's por 5,5 millones de dólares en 1989, una suma récord en ese momento, lo que lo convirtió en uno de los tres únicos artistas vivos que han atraído sumas tan enormes. [70] En 2005, In the Car se vendió por la entonces récord de 16,2 millones de dólares (10 millones de libras esterlinas).
En 2010, su pintura estilo caricatura de 1964 Ohhh...Alright... , anteriormente propiedad de Steve Martin y más tarde de Steve Wynn , [98] se vendió por un récord de 42,6 millones de dólares estadounidenses (26,7 millones de libras esterlinas) en una venta en Christie's. en Nueva York. [99] [100]
Basado en un dibujo de William Overgard de 1961 para una caricatura de Steve Roper , [101] Puedo ver toda la habitación... ¡y no hay nadie en ella! de Lichtenstein . (1961) representa a un hombre mirando a través del agujero de una puerta. Fue vendido por la coleccionista Courtney Sale Ross por 43 millones de dólares, el doble de su estimación, en Christie's en la ciudad de Nueva York en 2011; El marido de la vendedora, Steve Ross, lo había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1 millones de dólares. [102] La pintura mide cuatro pies por cuatro pies y está realizada en grafito y óleo. [103]
La pintura cómica Sleeping Girl (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord de Lichtenstein de 44,8 millones de dólares en Sotheby's en 2012. [104] [105]
En octubre de 2012, su cuadro Cable eléctrico (1962) fue devuelto a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, después de haber estado desaparecida durante 42 años. Castelli había enviado la pintura a un restaurador de arte para que la limpiara en enero de 1970 y nunca la recuperó. Murió en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen de la pintura en su tarjeta de felicitación navideña y pidió a la comunidad artística que ayudara a encontrarla. [106] La pintura fue encontrada en un almacén de Nueva York, después de haber sido exhibida en Bogotá, Colombia. [107]
En 2013, el cuadro Mujer con sombrero de flores estableció otro récord con 56,1 millones de dólares, ya que fue comprado por el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman . [108]
Esta cifra se superó en 2015 con la venta de Nurse por 95,4 millones de dólares en una subasta de Christie's. [109]
En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165 millones de dólares. Las ganancias de esta venta se utilizarán para crear un fondo para la reforma de la justicia penal. [7]
Biográfico:
Obras:
Otro:
