Mira Mickey (también conocida como ¡Mira Mickey! ) es una pintura al óleo sobre lienzo de 1961 de Roy Lichtenstein . Considerada ampliamente como el puente entre sus obras de expresionismo abstracto y arte pop , es notable por su humor irónico y valor estético, además de ser el primer ejemplo del uso por parte del artista de puntos Ben-Day , globos de diálogo e imágenes cómicas como fuente para una pintura. La pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, tras la muerte de Lichtenstein.
Basándose en sus dibujos de personajes de historietas de finales de los años 50, Look Mickey marca el primer uso pleno de técnicas pictóricas por parte de Lichtenstein para reproducir representaciones casi fieles de la cultura pop y, de este modo, satirizar y comentar el proceso de producción masiva de imágenes visuales que se estaba desarrollando en aquel momento. En este trabajo, Lichtenstein fue pionero en un motivo que se volvió influyente no solo en el arte pop de los años 60, sino que continúa en el trabajo de los artistas actuales. Lichtenstein toma prestado de un libro de cuentos ilustrado del Pato Donald, en el que se muestra a Mickey Mouse y al Pato Donald durante un accidente de pesca. Sin embargo, realiza modificaciones significativas a la fuente original, como la modificación del esquema de colores y la perspectiva y la adición de un globo de diálogo, cambiando el chiste original.
La obra data de la primera exposición individual de Lichtenstein y los críticos de arte la consideran revolucionaria, tanto como una evolución del arte pop como una obra de arte moderno en general. Posteriormente se reprodujo en su cuadro de 1973 Artist's Studio—Look Mickey , que muestra la pintura colgada de forma destacada en una pared opuesta del estudio de Lichtenstein.
A finales de los años 1950 y principios de los 1960, varios pintores estadounidenses comenzaron a adaptar las imágenes y los motivos de las tiras cómicas a sus obras. Lichtenstein estaba entre ellos, y en 1958 comenzó a hacer dibujos de personajes de tiras cómicas. Andy Warhol produjo sus primeras pinturas en este estilo en 1960. Lichtenstein, que desconocía la obra de Warhol, produjo Look Mickey y Popeye en 1961. [1] Las obras de Lichtenstein de 1961, especialmente Look Mickey , se consideran un paso menor con respecto a su anterior arte pop de tiras cómicas. [2]
Según la Fundación Lichtenstein, Look Mickey se basó en la serie Little Golden Book . [3] La Galería Nacional de Arte señala que la fuente se titula Donald Duck Lost and Found , escrita en 1960 por Carl Buettner y publicada a través de Disney Enterprises . La imagen fue ilustrada por Bob Grant y Bob Totten. [4] [5] Una teoría alternativa sugiere que Look Mickey y Popeye eran ampliaciones de envoltorios de chicles. [1] Esta imagen marcó la primera de numerosas obras en las que Lichtenstein recortó su fuente para acercar al espectador a la escena. [6]
Varias historias pretenden contar el momento de inspiración para Look Mickey . La crítica Alice Goldfarb Marquis escribe que el artista recordó que uno de sus hijos señaló un cómic y lo desafió: "Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso". [7] Otro dice que la pintura fue el resultado de un esfuerzo por demostrar sus habilidades tanto a su hijo como a los compañeros de clase de su hijo, quienes se burlaban de los abstractos difíciles de entender de Lichtenstein. [8] El pintor estadounidense Allan Kaprow dijo una vez, en referencia a un envoltorio de chicle Bazooka Dubble , a Lichtenstein: "No puedes enseñar el color de Cézanne, solo puedes enseñarlo de algo como esto". Lichtenstein luego le mostró una de sus imágenes del Pato Donald. [9]
Durante la fase de cómic de su carrera, Lichtenstein a menudo alteró ligeramente la coloración de la fuente original. [10] Según Marco Livingstone, sus primeros temas de cómic comprenden un "estilo suelto e improvisado claramente derivado de de Kooning ". [1] El historiador de arte Jonathan Fineberg describe una pintura de Lichtenstein de 1960 como un "... cuadro expresionista abstracto con Mickey Mouse en él, relacionado estilísticamente con las Mujeres de Kooning ". [11] Cuando Leo Castelli vio las grandes obras basadas en tiras cómicas de Lichtenstein y Warhol, decidió mostrar solo las de Lichtenstein, lo que provocó que Warhol creara la serie Campbell's Soup Cans para evitar competir con el estilo más refinado de cómics que Lichtenstein estaba produciendo entonces. [12] [13] Una vez dijo: "Tengo que hacer algo que realmente tenga mucho impacto, que sea lo suficientemente diferente de Lichtenstein y James Rosenquist , que sea muy personal, que no parezca que estoy haciendo exactamente lo que ellos están haciendo". [14] La incursión de Lichtenstein en los cómics provocó que Warhol abandonara el tema. [15] Aunque Lichtenstein continuó trabajando con fuentes de cómics, después de 1961 evitó las fuentes fácilmente identificables como Popeye y Mickey Mouse . [16]
Durante el otoño de 1961, Allan Kaprow, un profesor de la Universidad Rutgers , presentó a Lichenstein al marchante de arte Ivan Karp , director de la galería Leo Castelli. Lichtenstein le mostró a Karp varias pinturas, pero no Look Mickey . En cambio, lo impresionó con Girl with Ball , y Karp decidió representar a Lichenstein unas semanas más tarde. [3]
La pintura es una de las primeras obras no expresionistas de Lichtenstein y marca su uso inicial de puntos Ben-Day que utilizó para darle un efecto de semitono "industrial". La pintura es su primer uso tanto de un globo de diálogo [3] como de cómics como material de origen. [17] La obra tiene marcas de lápiz visibles y se produjo utilizando un pincel de cerdas de plástico para perros para aplicar la pintura al óleo sobre el lienzo. [3] En el momento de su muerte, Look Mickey fue considerada como la obra revolucionaria de Lichtenstein. [18]
"Un día se me ocurrió hacer algo que pareciera una ilustración de cómic, sin utilizar los símbolos artísticos de la época: la pintura gruesa y fina, la línea caligráfica y todo lo que se había convertido en el sello distintivo de la pintura de los años 40 y 50. Haría trazos que recordaran a una tira cómica real".
—Lichtenstein sobre la germinación de su estilo [19]
Al reproducir una ilustración producida en masa en un estilo pictórico, Lichtenstein simplifica reduciendo la composición a colores primarios, lo que sirve para acentuar su atractivo masivo y le da en gran medida el aspecto "pop". [4] Por lo general, los puntos Ben-Day permiten a un artista producir una variedad de colores utilizando puntos de unos pocos colores para dar la ilusión de una paleta más amplia. Al mezclar puntos de diferentes colores, como una impresora de inyección de tinta, solo unos pocos colores pueden crear un espectro amplio utilizando solo un número limitado de tonos primarios. Lichtenstein, como pintor y no como impresor de producción en masa, puede evitar esto, logrando sus tonos de color individuales sin mezclar los tonos existentes. En cambio, para cada color que quería incluir en una obra, usaba pintura de ese color. [20]
Lichtenstein realizó varias modificaciones a la obra original: eliminó varias figuras y rotó el muelle para que Donald mire hacia un lado en lugar de hacia el final. Al mismo tiempo, mantuvo a Donald y Mickey en casi las mismas posiciones que en el original. [21] Lichtenstein no solo rediseñó el espacio, sino que también alteró la posición del cuerpo y la caña de pescar de Donald y eliminó los signos de estrés y esfuerzo. [22] También agregó un globo de diálogo, lo que hace que Donald aparentemente no se dé cuenta de que no ha logrado lanzar su caña, a diferencia de lo que ocurre en la caricatura original. Walt Disney dijo sobre el Pato Donald: "Tiene una boca grande, un ojo grande y beligerante, un cuello retorcido y un trasero sustancial que es muy flexible. El pato se acerca a ser el sujeto ideal del animador". [23] La pintura de Lichtenstein refleja muchas de estas características físicas. [24]
En comparación con la fuente original, Donald se inclina más hacia el agua y Mickey menos. El rostro de Mickey está más sonrojado. [25] La composición incorpora algunas de las debilidades de la impresión de cómics, incluida la desalineación de los contornos de las olas con el cielo amarillo para dar lugar a un área de espacio blanco . [20]
La reproducción a gran escala de un fotograma de una tira cómica se consideró radical y revolucionaria en su momento. [26] Los críticos aplaudieron el carácter lúdico, el humor inherente y la irreverencia de la obra. Según Diane Waldman, del Museo Solomon R. Guggenheim , " Look Mickey es una comedia amplia y entra en la categoría de payasadas..." [27] En el obituario de Lichtenstein , el crítico de Los Angeles Times, Christopher Knight, describió la obra como "una versión astutamente hilarante del expresionismo abstracto". [18] Las ligeras alteraciones de Lichtenstein a su "claridad lineal y color", escribe el crítico, se suman a su valor estético y grandeza, reforzados por su elección de escala. [28] Un error común sobre Lichtenstein proviene del hecho de que en sus obras más conocidas, su enfoque meticuloso de la pintura está disfrazado a propósito porque superficialmente busca que sus pinturas parezcan facsímiles de íconos de la cultura pop producidos industrialmente. [22] Graham Bader escribió que "la pintura de Lichtenstein, de hecho, parece más el producto de una fabricación industrial que la imagen pulp en la que se basa". [29] Look Mickey se considera autorreferencial en el sentido de que el artista está pintando algo a través de lo cual el espectador puede ver elementos del artista. [30]
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Bader observa que Look Mickey se ocupa tanto del proceso artístico como de las nuevas técnicas de pintura de Lichtenstein. Cree que puede considerarse un autorretrato en el sentido de que "situa explícitamente al creador de la pintura dentro del circuito narcisista autoencerrado en su centro". La pintura muestra a Donald mirando el agua reflejada en la firma azul 'rfl' de Lichtenstein "como una especie de sustituto del creador de la imagen", de una manera que recuerda al Narciso de Caravaggio , en el que el sujeto mira su propio reflejo en el agua. [30] Esto se ve como una alegoría de la posición de Lichtenstein como un artista entrenado para desarrollar sus instintos realistas a pesar de la prominencia del expresionismo abstracto . Cuando se ve de esta manera, Mickey sirve como el superyó " modernista de vanguardia " que se eleva sobre Lichtenstein y se ríe de sus esfuerzos retrógrados. [25]
Lichtenstein utiliza puntos rojos Ben-Day para colorear la cara de Mickey. Según algunos críticos de arte, esto le da al personaje la apariencia de ruborizarse . Otras interpretaciones son que la coloración es simplemente pigmentación de la piel o que es el tono asociado con un "brillo saludable", ya que Mickey ha sido visto históricamente como una criatura con piel en lugar de pelo. [31] Otra interpretación, respaldada por la fuente original en la que Mickey dice que si Donald puede pescar el pez, puede tenerlo para el almuerzo, es que la cara de Mickey está roja debido al esfuerzo necesario para contener su incredulidad y risa mientras experimenta su superioridad divertida. [25] Aquellos que se adhieren a la interpretación del rubor se ven reforzados por la irregularidad de las manchas rojas de los puntos, pero otros se apresuran a señalar que la técnica de puntos Ben-Day de Lichtenstein todavía estaba en una etapa primitiva. No desarrolló el uso de una plantilla (es decir, la técnica de presionar la pintura líquida sobre la superficie a través de una pantalla de puntos) para presentar puntos distribuidos uniformemente hasta 1963. [32]
Es precisamente esta tensión —entre la sensación intensificada y el entumecimiento absoluto, la exuberancia corporal y el entumecimiento de la experiencia sensorial— lo que anima a Look Mickey .
—Graham Bader [33]
Graham Bader, que lo describe como el motor de la narrativa de la pintura, señala la intriga creada por la yuxtaposición del sentido de percepción visual agudizado de Donald en relación con su pesca anticipada y su sentido de percepción táctil atenuado en relación con tener un anzuelo de pesca en la parte de atrás de su propia camisa. En este sentido, Lichtenstein ha optado por representar una fuente que tiene como tema una división entre la conciencia visual agudizada y la ausencia del sentido del tacto: [33]
Donald es un sujeto explícitamente dividido, con toda la experiencia sensorial en un extremo y, literalmente, el entumecimiento en el otro (y, visualmente, toda la profundidad y toda la planitud, pues el rostro de Donald es, con diferencia, el elemento más ilusionista espacial de la pintura, mientras que su chaqueta, fusionada con las ondas esquemáticas que hay detrás, es claramente uno de los más planos). De hecho, Donald es un retrato precisamente de la separación entre la vista y el sentimiento, la visión y el tacto... Lo que divide la visión y el tacto en Look Mickey, lo que marca este cambio entre ellos, es el texto: las palabras que Donald (y Lichtenstein) introducen en la escena y que el palo-cepillo del pato atraviesa antes de engancharse en su propio trasero.
—Bader [33 ]
Lichtenstein exploró con frecuencia temas relacionados con la visión después de que comenzó a trabajar en el género del arte pop; los primeros ejemplos incluyen I Can See the Whole Room...and There's Nobody in It! y Look Mickey . [34] En esta pintura, los ojos grandes de Donald indican su creencia de que ha atrapado algo grande, mientras que los ojos pequeños de Mickey indican su incredulidad de que Donald haya atrapado algo significativo. [35] Al igual que las obras de Lichenstein con sujetos que miran a través de un periscopio ( Torpedo...Los! ), un espejo ( Girl in Mirror ) o una mirilla ( I Can See the Whole Room...and There's Nobody in It! ), Look Mickey , con un sujeto mirando su reflejo en el agua, es un ejemplo destacado del tema de la visión. Utiliza la narrativa para enfatizar este motivo, al tiempo que presenta varios elementos visuales. [34]
La pintura fue incluida en la primera exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli, una muestra en la que todas las obras se habían vendido por adelantado antes de su inauguración en febrero de 1962. [7] La exposición, que se desarrolló del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962, [36] incluyó Anillo de compromiso , Blam y El refrigerador . [37] Incluyó la pintura en su Estudio de artista: Look Mickey (1973), mostrándola colgada de manera prominente en la pared del espacio pictórico destinado a representar su estudio como el estudio ideal, e implicando que su popularidad entre la crítica y el público ratifica su elección de temas de cultura popular. [38] Reflexionando sobre Look Mickey muchos años después, dijo:
La idea de hacer un dibujo animado sin alterarlo de forma aparente se me ocurrió de repente... y lo hice casi medio en serio para tener una idea de cómo podría quedar. Y mientras pintaba este cuadro, me interesé en organizarlo como un cuadro y llevarlo a algún tipo de conclusión como una declaración estética, algo que realmente no había tenido intención de hacer al principio. Y luego volví a mi otro tipo de pintura, que era bastante abstracta. O lo intenté. Pero tenía este dibujo animado en mi estudio y era un poco demasiado formidable. No podía apartar la vista de él y me impedía pintar de otra manera, y luego decidí que esto era realmente serio... Diría que lo tuve en mi caballete durante una semana. Solo quería ver cómo se veía. Traté de convertirlo en una obra de arte. No estaba tratando solo de copiar. Me di cuenta de que esto era mucho más convincente.
— Liechtenstein, [28]
La pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington después de la muerte de Lichtenstein en 1997, luego de una promesa de 1990 en honor del 50 aniversario de la institución. [4] [39] Permanece en la colección de la galería, donde, a partir de noviembre de 2012 [actualizar], está en exhibición permanente. [4]
Harold Rosenberg describió una vez la reelaboración que hizo Lichtenstein de la fuente del cómic de la siguiente manera: "...la diferencia entre una tira cómica de Mickey Mouse y una pintura de Lichtenstein del mismo era la historia del arte, o el hecho de que Lichtenstein pinta con la idea del museo en mente". [40]
Su primera exposición en Castelli's, en febrero de 1962, se agotó antes de la inauguración. Los precios eran ridículos para los estándares actuales: 1.000 dólares por
Blam
, 1.200 dólares porEngagement
Ring
, 800 dólares por
The Refrigerator
. Los compradores fueron Richard Brown Baker, Giuseppe Panza, Robert Scull, personas que habían ayudado a crear el mercado para el expresionismo abstracto y que en la década de 1960 se estaban convirtiendo en un factor importante en el arte contemporáneo...