La escultura es la rama de las artes visuales que opera en tres dimensiones . La escultura es la obra de arte tridimensional que se presenta físicamente en las dimensiones de altura, anchura y profundidad. Es una de las artes plásticas . Los procesos escultóricos duraderos utilizaban originalmente el tallado (la eliminación de material) y el modelado (la adición de material, como arcilla), en piedra , metal , cerámica , madera y otros materiales pero, desde el Modernismo , ha habido una libertad casi completa de materiales y procesos. Una amplia variedad de materiales pueden trabajarse por eliminación como el tallado, ensamblarse por soldadura o modelado, o moldearse o fundirse .
Las esculturas en piedra sobreviven mucho mejor que las obras de arte en materiales perecederos y, a menudo, representan la mayoría de las obras supervivientes (aparte de la cerámica ) de culturas antiguas, aunque, por el contrario, las tradiciones de escultura en madera pueden haber desaparecido casi por completo. Sin embargo, la mayoría de las esculturas antiguas estaban pintadas con colores brillantes, y esto se ha perdido. [2]
La escultura ha sido un elemento central de la devoción religiosa en muchas culturas y, hasta hace pocos siglos, las esculturas de gran tamaño, demasiado caras para que las crearan particulares, solían ser una expresión de la religión o la política. Entre las culturas cuyas esculturas han sobrevivido en grandes cantidades se encuentran las del Mediterráneo antiguo, la India y China, así como muchas de América Central y del Sur y África.
La tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia , y se considera que Grecia produjo grandes obras maestras en el período clásico . Durante la Edad Media , la escultura gótica representó las agonías y pasiones de la fe cristiana. El resurgimiento de los modelos clásicos en el Renacimiento produjo esculturas famosas como la estatua de David de Miguel Ángel . La escultura modernista se alejó de los procesos tradicionales y del énfasis en la representación del cuerpo humano, con la realización de esculturas construidas y la presentación de objetos encontrados como obras de arte terminadas.
Existe una distinción entre la escultura "en bulto redondo", escultura exenta como las estatuas , no unidas excepto posiblemente en la base a ninguna otra superficie, y los diversos tipos de relieve , que están al menos parcialmente unidos a una superficie de fondo. El relieve se clasifica a menudo por el grado de proyección desde la pared en bajorrelieve , altorrelieve y , a veces, un mediorrelieve intermedio . El relieve hundido es una técnica restringida al antiguo Egipto . El relieve es el medio escultórico habitual para grandes grupos de figuras y temas narrativos, que son difíciles de lograr en bulto redondo, y es la técnica típica utilizada tanto para la escultura arquitectónica , que se adhiere a los edificios, como para la escultura a pequeña escala que decora otros objetos, como en gran parte de la cerámica , la metalistería y la joyería . La escultura en relieve también puede decorar estelas , losas verticales, generalmente de piedra, que a menudo también contienen inscripciones.
Otra distinción básica es la que se da entre las técnicas de tallado sustractivo, que eliminan material de un bloque o masa existente, por ejemplo de piedra o madera, y las técnicas de modelado, que dan forma o construyen la obra a partir del material. Técnicas como la fundición , la estampación y el moldeado utilizan una matriz intermedia que contiene el diseño para producir la obra; muchas de ellas permiten la producción de varias copias.
El término "escultura" se utiliza a menudo principalmente para describir obras de gran tamaño, que a veces se denominan esculturas monumentales , es decir, esculturas de gran tamaño o que están adosadas a un edificio. Pero el término cubre propiamente muchos tipos de obras pequeñas en tres dimensiones que utilizan las mismas técnicas, incluidas monedas y medallas , tallas de piedra dura , un término para las pequeñas tallas en piedra que pueden requerir un trabajo detallado.
La estatua muy grande o "colosal" ha tenido un atractivo duradero desde la antigüedad ; la más grande registrada con 182 m (597 pies) es la Estatua de la Unidad de la India de 2018. Otra gran forma de escultura de retrato es la estatua ecuestre de un jinete a caballo, que se ha vuelto poco común en las últimas décadas. Las formas más pequeñas de escultura de retrato de tamaño natural son la "cabeza", que muestra solo eso, o el busto , una representación de una persona desde el pecho hacia arriba. Las formas pequeñas de escultura incluyen la figurilla , normalmente una estatua que no mide más de 18 pulgadas (46 cm) de alto, y para los relieves, la plaqueta , la medalla o la moneda.
El arte moderno y contemporáneo ha incorporado una serie de formas no tradicionales de escultura, entre las que se incluyen la escultura sonora , la escultura de luz , el arte ambiental , la escultura ambiental , la escultura de arte callejero , la escultura cinética (que involucra aspectos del movimiento físico ), el land art y el arte específico del sitio . La escultura es una forma importante de arte público . Una colección de esculturas en un entorno de jardín puede denominarse jardín de esculturas . También existe la opinión de que los edificios son un tipo de escultura, y Constantin Brâncuși describe la arquitectura como "escultura habitada". [ cita requerida ]
Uno de los propósitos más comunes de la escultura es la asociación con la religión. Las imágenes de culto son comunes en muchas culturas, aunque a menudo no son las colosales estatuas de deidades que caracterizaron el arte griego antiguo , como la estatua de Zeus en Olimpia . Las imágenes de culto reales en los santuarios más recónditos de los templos egipcios , de las que no ha sobrevivido ninguna, eran evidentemente más bien pequeñas, incluso en los templos más grandes. Lo mismo sucede a menudo en el hinduismo , donde la forma muy simple y antigua del lingam es la más común. El budismo trajo la escultura de figuras religiosas al este de Asia, donde parece que no hubo una tradición equivalente anterior, aunque nuevamente las formas simples como el bi y el cong probablemente tenían un significado religioso.
Las pequeñas esculturas como objetos personales se remontan al arte prehistórico más antiguo, y el uso de esculturas de gran tamaño como arte público , especialmente para impresionar al espectador con el poder de un gobernante, se remonta al menos a la Gran Esfinge de hace unos 4.500 años. En arqueología e historia del arte, la aparición, y a veces la desaparición, de esculturas grandes o monumentales en una cultura se considera de gran importancia, aunque rastrear su aparición a menudo se complica por la presunta existencia de esculturas en madera y otros materiales perecederos de las que no queda ningún registro; [3]
El tótem es un ejemplo de una tradición de escultura monumental en madera que no dejaría rastros para la arqueología. La capacidad de reunir los recursos para crear esculturas monumentales, transportando materiales generalmente muy pesados y organizando el pago de lo que generalmente se consideran escultores a tiempo completo, se considera una señal de una cultura relativamente avanzada en términos de organización social. Los recientes e inesperados descubrimientos de antiguas figuras de la Edad del Bronce china en Sanxingdui , algunas de más del doble del tamaño humano, han alterado muchas de las ideas que se tenían sobre la civilización china temprana, ya que anteriormente solo se conocían bronces mucho más pequeños. [4]
Algunas culturas indudablemente avanzadas, como la civilización del valle del Indo , parecen no haber tenido escultura monumental en absoluto, aunque produjeron figurillas y sellos muy sofisticados. La cultura misisipiana parece haber estado progresando hacia su uso, con pequeñas figuras de piedra, cuando colapsó. Otras culturas, como el antiguo Egipto y la cultura de la Isla de Pascua , parecen haber dedicado enormes recursos a la escultura monumental a gran escala desde una etapa muy temprana.
El coleccionismo de esculturas, incluidas las de períodos anteriores, se remonta a unos 2.000 años en Grecia, China y Mesoamérica, y muchas colecciones estaban disponibles en exposición semipública mucho antes de que se inventara el museo moderno . A partir del siglo XX, la gama relativamente restringida de temas que se encuentran en las esculturas de gran tamaño se amplió enormemente, y ahora son comunes los temas abstractos y el uso o la representación de cualquier tipo de tema. Hoy en día, muchas esculturas se hacen para su exposición intermitente en galerías y museos, y la capacidad de transportar y almacenar las obras, cada vez más grandes, es un factor en su construcción.
Las pequeñas figuras decorativas , generalmente de cerámica, son tan populares hoy en día (aunque extrañamente descuidadas por el arte moderno y contemporáneo ) como lo fueron en el Rococó , o en la antigua Grecia cuando las figuras de Tanagra eran una industria importante, o en el arte del este de Asia y precolombino . Los pequeños accesorios esculpidos para muebles y otros objetos se remontan a la antigüedad, como en los marfiles de Nimrud , los marfiles de Begram y los hallazgos de la tumba de Tutankamón .
La escultura de retratos comenzó en Egipto , donde la Paleta de Narmer muestra a un gobernante del siglo XXXII a. C., y en Mesopotamia , donde tenemos 27 estatuas supervivientes de Gudea , que gobernó Lagash entre 2144 y 2124 a. C. En la antigua Grecia y Roma, la erección de una estatua de retrato en un lugar público era casi la mayor muestra de honor y la ambición de la élite, que también podía ser representada en una moneda. [5]
En otras culturas, como Egipto y Oriente Próximo, las estatuas públicas eran casi exclusivamente propiedad de los gobernantes, y las demás personas ricas solo se representaban en sus tumbas. Los gobernantes suelen ser las únicas personas a las que se retrata en las culturas precolombinas, comenzando por las cabezas colosales olmecas de hace unos 3000 años. La escultura de retratos de Asia oriental era completamente religiosa, y se conmemoraba con estatuas a los principales clérigos, especialmente a los fundadores de monasterios, pero no a los gobernantes ni a los antepasados. La tradición mediterránea revivió, inicialmente solo para efigies y monedas de tumbas, en la Edad Media, pero se expandió enormemente en el Renacimiento, que inventó nuevas formas, como la medalla de retrato personal .
Los animales son, junto con la figura humana, el tema más antiguo de la escultura y siempre han sido populares, a veces como monstruos realistas, pero a menudo imaginarios; en China, los animales y los monstruos son casi los únicos temas tradicionales para la escultura en piedra fuera de las tumbas y los templos. El reino de las plantas es importante solo en la joyería y los relieves decorativos, pero estos forman casi la totalidad de la gran escultura del arte bizantino y el arte islámico , y son muy importantes en la mayoría de las tradiciones euroasiáticas, donde motivos como la palmeta y la voluta de vid han pasado de este a oeste durante más de dos milenios.
Una forma de escultura que se encuentra en muchas culturas prehistóricas de todo el mundo son versiones especialmente agrandadas de herramientas, armas o vasijas comunes creadas con materiales preciosos poco prácticos, ya sea para algún tipo de uso ceremonial o exhibición o como ofrendas. El jade u otros tipos de piedra verde se usaban en China, el México olmeca y la Europa neolítica , y en la Mesopotamia temprana se producían grandes formas de cerámica en piedra. El bronce se usaba en Europa y China para grandes hachas y espadas, como el puñal de Oxborough .
Los materiales utilizados en la escultura son diversos y han ido cambiando a lo largo de la historia. Los materiales clásicos, con una durabilidad sobresaliente, son el metal, especialmente el bronce , la piedra y la cerámica, siendo la madera, el hueso y la cornamenta opciones menos duraderas pero más económicas. Los materiales preciosos como el oro , la plata , el jade y el marfil se utilizan a menudo para pequeñas obras de lujo, y a veces en obras de mayor tamaño, como en las estatuas criselefantinas . Para la escultura de consumo más amplio se utilizaron materiales más comunes y menos costosos, incluidas las maderas duras (como el roble , el boj y el tilo ); la terracota y otras cerámicas , la cera (un material muy común para los modelos de fundición y para recibir las impresiones de sellos cilíndricos y gemas grabadas) y los metales fundidos como el peltre y el zinc (spelter). Pero se ha utilizado una gran cantidad de otros materiales como parte de las esculturas, tanto en obras etnográficas y antiguas como en las modernas.
Las esculturas suelen estar pintadas , pero suelen perder su pintura con el paso del tiempo o con la ayuda de restauradores. Para realizar esculturas se han utilizado muchas técnicas de pintura diferentes, entre ellas el temple , la pintura al óleo , el dorado , la pintura para casas, el aerosol, el esmalte y el chorro de arena. [2] [6]
Muchos escultores buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Una de las esculturas más famosas de Pablo Picasso incluía piezas de bicicleta . Alexander Calder y otros modernistas hicieron un uso espectacular del acero pintado . Desde la década de 1960, también se han utilizado acrílicos y otros plásticos. Andy Goldsworthy hace sus esculturas inusualmente efímeras a partir de materiales casi completamente naturales en entornos naturales. Algunas esculturas, como la escultura de hielo , la escultura de arena y la escultura de gas , tienen una vida deliberadamente corta. Los escultores recientes han utilizado vidrieras , herramientas, piezas de máquinas, hardware y envases de consumo para dar forma a sus obras. Los escultores a veces utilizan objetos encontrados , y las rocas de los eruditos chinos han sido apreciadas durante muchos siglos.
La escultura en piedra es una actividad antigua en la que se moldean piezas de piedra natural en bruto mediante la extracción controlada de piedra . Debido a la permanencia del material, se pueden encontrar pruebas de que incluso las sociedades más antiguas se dedicaron a alguna forma de trabajo en piedra, aunque no todas las áreas del mundo tienen tanta abundancia de buena piedra para tallar como Egipto, Grecia, India y la mayor parte de Europa. Los petroglifos (también llamados grabados rupestres) son quizás la forma más antigua: imágenes creadas al eliminar parte de una superficie de roca que permanece in situ , mediante incisión, picoteo, tallado y abrasión. La escultura monumental cubre obras de gran tamaño y la escultura arquitectónica , que se adhiere a los edificios. El tallado en piedra dura es el tallado con fines artísticos de piedras semipreciosas como el jade , el ágata , el ónix , el cristal de roca , la sarda o la cornalina , y un término general para un objeto hecho de esta manera. El alabastro o yeso mineral es un mineral blando que es fácil de tallar para obras más pequeñas y aún relativamente duradero. Las gemas grabadas son pequeñas gemas talladas, incluidos los camafeos , originalmente utilizados como anillos de sello .
La copia de una estatua original en piedra, que era muy importante para las estatuas griegas antiguas, que casi todas se conocen a partir de copias, se lograba tradicionalmente mediante el " señalado ", junto con métodos más manuales. El señalizado implicaba colocar una cuadrícula de cuadrados de cuerda en un marco de madera que rodeaba el original y luego medir la posición en la cuadrícula y la distancia entre la cuadrícula y la estatua de una serie de puntos individuales, y luego usar esta información para tallar en el bloque del que se hace la copia. [8]
El bronce y las aleaciones de cobre relacionadas son los metales más antiguos y aún los más populares para las esculturas de metal fundido ; a una escultura de bronce fundido a menudo se la llama simplemente "bronce". Las aleaciones de bronce comunes tienen la propiedad inusual y deseable de expandirse ligeramente justo antes de fraguar, llenando así los detalles más finos de un molde. Su resistencia y falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando se crean figuras en acción, especialmente cuando se compara con varios materiales cerámicos o de piedra (ver esculturas de mármol para varios ejemplos). El oro es el metal más blando y precioso, y muy importante en joyería ; al igual que la plata, es lo suficientemente blando como para trabajarlo con martillos y otras herramientas, así como para fundirlo; el repujado y el cincelado se encuentran entre las técnicas utilizadas en la orfebrería y la platería .
La fundición es un grupo de procesos de fabricación mediante los cuales un material líquido (bronce, cobre, vidrio, aluminio, hierro) se vierte (normalmente) en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. Luego, la fundición sólida se expulsa o se rompe para completar el proceso, [9] aunque puede seguir una etapa final de "trabajo en frío" en la fundición terminada. La fundición se puede utilizar para formar metales líquidos calientes o varios materiales que se endurecen en frío después de mezclar los componentes (como epoxis , hormigón , yeso y arcilla ). La fundición se utiliza con mayor frecuencia para hacer formas complejas que de otro modo serían difíciles o poco económicas de hacer con otros métodos. La fundición más antigua que sobrevive es una rana mesopotámica de cobre del 3200 a. C. [10] Las técnicas específicas incluyen la fundición a la cera perdida , la fundición en molde de yeso y la fundición en arena .
La soldadura es un proceso en el que se fusionan diferentes piezas de metal para crear diferentes formas y diseños. Hay muchas formas diferentes de soldadura, como la soldadura oxi-combustible , la soldadura con electrodo , la soldadura MIG y la soldadura TIG . El oxi-combustible es probablemente el método de soldadura más común cuando se trata de crear esculturas de acero porque es el más fácil de usar para dar forma al acero, así como para hacer uniones limpias y menos visibles del acero. La clave de la soldadura oxi-combustible es calentar cada pieza de metal que se va a unir de manera uniforme hasta que todas estén rojas y tengan brillo. Una vez que ese brillo esté en cada pieza, ese brillo pronto se convertirá en un "baño" donde el metal se licúa y el soldador debe hacer que los baños se unan, fusionando el metal. Una vez enfriado, el lugar donde se unieron los baños ahora es una pieza continua de metal. También se usa mucho en la creación de esculturas oxi-combustible la forja. La forja es el proceso de calentar el metal hasta un punto determinado para ablandarlo lo suficiente como para darle diferentes formas. Un ejemplo muy común es calentar el extremo de una varilla de acero y golpear la punta al rojo vivo con un martillo mientras se está sobre un yunque para formar una punta. Entre los golpes del martillo, el forjador hace girar la varilla y forma gradualmente una punta afilada a partir del extremo romo de una varilla de acero.
El vidrio se puede utilizar para la escultura mediante una amplia gama de técnicas de trabajo, aunque su uso para obras de gran tamaño es un desarrollo reciente. Se puede tallar, aunque con considerable dificultad; la copa romana de Licurgo es casi única. [11] Hay varias formas de moldear el vidrio : el vaciado en caliente se puede hacer vertiendo vidrio fundido en moldes que se han creado presionando formas en arena, grafito tallado o moldes detallados de yeso/sílice. El vaciado en horno de vidrio implica calentar trozos de vidrio en un horno hasta que se vuelven líquidos y fluyen hacia un molde que espera debajo de él en el horno. El vidrio caliente también se puede soplar y/o esculpir en caliente con herramientas manuales, ya sea como una masa sólida o como parte de un objeto soplado. Las técnicas más recientes implican cincelar y unir vidrio plano con silicatos poliméricos y luz ultravioleta. [12]
La cerámica es uno de los materiales más antiguos para la escultura, así como la arcilla es el medio en el que se modelan originalmente muchas esculturas fundidas en metal para su fundición. Los escultores suelen construir pequeñas obras preliminares llamadas maquetas de materiales efímeros como yeso de París , cera, arcilla sin cocer o plastilina . [13] Muchas culturas han producido cerámica que combina una función como recipiente con una forma escultórica, y las pequeñas figuras a menudo han sido tan populares como lo son en la cultura occidental moderna. Los sellos y moldes fueron utilizados por la mayoría de las civilizaciones antiguas, desde la antigua Roma y Mesopotamia hasta China. [14]
La talla de madera ha sido una práctica muy extendida, pero sobrevive mucho menos que los otros materiales principales, ya que es vulnerable a la descomposición, los daños de los insectos y el fuego. Por lo tanto, constituye un elemento oculto importante en la historia del arte de muchas culturas. [3] La escultura de madera al aire libre no dura mucho en la mayor parte del mundo, por lo que tenemos poca idea de cómo se desarrolló la tradición del tótem . Muchas de las esculturas más importantes de China y Japón en particular son de madera, y la gran mayoría de la escultura africana y la de Oceanía y otras regiones.
La madera es ligera, por lo que es adecuada para máscaras y otras esculturas que se deben llevar en el hombro, y puede soportar detalles muy finos. También es mucho más fácil de trabajar que la piedra. Muy a menudo se la ha pintado después de tallarla, pero la pintura se desgasta menos que la madera y a menudo falta en las piezas que sobreviven. La madera pintada a menudo se describe técnicamente como "madera y policromía ". Por lo general, se aplica una capa de yeso o yeso a la madera y luego se aplica la pintura.
Las obras tridimensionales que incorporan materiales no convencionales como tela, piel, plástico, caucho y nailon, que pueden ser rellenados, cosidos, colgados, cubiertos o tejidos, se conocen como esculturas blandas . Entre los creadores más conocidos de esculturas blandas se incluyen Claes Oldenburg , Yayoi Kusama , Eva Hesse , Sarah Lucas y Magdalena Abakanowicz . [15]
En todo el mundo, los escultores han sido generalmente comerciantes cuyo trabajo no está firmado; en algunas tradiciones, por ejemplo China, donde la escultura no compartía el prestigio de la pintura literaria , esto ha afectado al estatus de la escultura en sí. [16] Incluso en la antigua Grecia , donde escultores como Fidias se hicieron famosos, parecen haber conservado el mismo estatus social que otros artesanos, y tal vez no recompensas financieras mucho mayores, aunque algunos firmaron sus obras. [17] En la Edad Media, artistas como Gislebertus del siglo XII a veces firmaban su trabajo y eran buscados por diferentes ciudades, especialmente a partir del Trecento en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio y Nicola Pisano y su hijo Giovanni . Los orfebres y joyeros, que trataban materiales preciosos y a menudo hacían las veces de banqueros, pertenecían a gremios poderosos y tenían un estatus considerable, a menudo ocupando cargos cívicos. Muchos escultores también practicaban otras artes; Andrea del Verrocchio también pintó, y Giovanni Pisano , Miguel Ángel y Jacopo Sansovino fueron arquitectos . Algunos escultores tenían grandes talleres. Incluso en el Renacimiento, Leonardo da Vinci y otros percibieron que la naturaleza física de la obra perjudicaba el estatus de la escultura en las artes, aunque la reputación de Miguel Ángel tal vez acabó con esta idea tan arraigada.
A partir del Alto Renacimiento, artistas como Miguel Ángel, Leone Leoni y Giambologna pudieron enriquecerse, ennoblecerse y entrar en el círculo de los príncipes, tras un período de acalorados debates sobre el estatus relativo de la escultura y la pintura. [18] Gran parte de la escultura decorativa de los edificios siguió siendo un oficio, pero los escultores que producían piezas individuales eran reconocidos al mismo nivel que los pintores. A partir del siglo XVIII o antes, la escultura también atraía a los estudiantes de clase media, aunque lo hacía con más lentitud que la pintura. Las escultoras tardaron más en aparecer que las pintoras, y fueron menos destacadas hasta el siglo XX.
El aniconismo se originó con el judaísmo , que no aceptó la escultura figurativa hasta el siglo XIX, [19] antes de expandirse al cristianismo , que inicialmente aceptó esculturas de gran tamaño. En el cristianismo y el budismo, la escultura llegó a ser muy significativa. La ortodoxia oriental cristiana nunca ha aceptado la escultura monumental, y el islam ha rechazado sistemáticamente casi toda la escultura figurativa, a excepción de figuras muy pequeñas en relieves y algunas figuras de animales que cumplen una función útil, como los famosos leones que sostienen una fuente en la Alhambra . Muchas formas de protestantismo tampoco aprueban la escultura religiosa. Ha habido mucha iconoclasia de la escultura por motivos religiosos, desde los primeros cristianos y el Beeldenstorm de la Reforma protestante hasta la destrucción de los Budas de Bamiyán en 2001 por los talibanes .
Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que se localizó en Europa y el sudoeste de Asia y estuvo activa a principios del Paleolítico superior . Además de producir algunas de las primeras obras de arte rupestre conocidas , los habitantes de esta cultura desarrollaron herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricaron colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales. [20] [21]
El Löwenmensch de 30 cm de alto hallado en la zona de Hohlenstein Stadel en Alemania es una figura antropomorfa de león-hombre tallada en marfil de mamut lanudo . Se ha datado en alrededor de 35-40.000 años AP, lo que lo convierte, junto con la Venus de Hohle Fels , en los ejemplos de escultura más antiguos conocidos sin discusión. [22]
Gran parte del arte prehistórico que sobrevive son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas de Venus femeninas como la Venus de Willendorf (24-26.000 AP) encontrada en Europa central. [23] El reno nadador de hace unos 13.000 años es una de las mejores de una serie de tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior , aunque son superadas en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. [24] Dos de las esculturas prehistóricas más grandes se pueden encontrar en las cuevas de Tuc d'Audobert en Francia, donde hace unos 12-17.000 años un escultor magistral utilizó una herramienta de piedra similar a una espátula y los dedos para modelar un par de bisontes grandes en arcilla contra una roca caliza. [25]
Con el comienzo del Mesolítico en Europa la escultura figurativa se redujo considerablemente, [26] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad de Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad de Bronce . [27]
Del antiguo Oriente Próximo , el Hombre de Urfa de piedra de tamaño superior al natural de la actual Turquía data de alrededor del 9000 a. C., y las Estatuas de 'Ain Ghazal de alrededor del 7200 y 6500 a. C. Proceden de la actual Jordania , están hechas de yeso de cal y cañas y tienen aproximadamente la mitad del tamaño natural; hay 15 estatuas, algunas con dos cabezas una al lado de la otra, y 15 bustos. Se han encontrado pequeñas figuras de arcilla de personas y animales en muchos yacimientos de Oriente Próximo del Neolítico precerámico , y representan el comienzo de una tradición más o menos continua en la región.
El período protoliterario en Mesopotamia , dominado por Uruk , vio la producción de obras sofisticadas como el vaso Warka y los sellos cilíndricos . La leona de Guennol es una pequeña figura de piedra caliza excepcional de Elam de alrededor de 3000-2800 a. C., mitad humana y mitad leona. [28] Un poco más tarde hay una serie de figuras de sacerdotes y adoradores de ojos grandes, principalmente en alabastro y de hasta un pie de altura, que asistían a imágenes de culto del templo de la deidad, pero muy pocas de estas han sobrevivido. [29] Las esculturas del período sumerio y acadio generalmente tenían ojos grandes y fijos, y largas barbas en los hombres. También se han encontrado muchas obras maestras en el Cementerio Real de Ur (c. 2650 a. C.), incluidas las dos figuras de un carnero en un matorral , el toro de cobre y la cabeza de un toro en una de las liras de Ur . [30]
De los muchos períodos posteriores antes del ascenso del Imperio neoasirio en el siglo X a. C., el arte mesopotámico sobrevive en varias formas: sellos cilíndricos , figuras relativamente pequeñas en bulto redondo y relieves de varios tamaños, incluidas placas baratas de cerámica moldeada para el hogar, algunas religiosas y otras aparentemente no. [31] El relieve de Burney es una placa de terracota inusualmente elaborada y relativamente grande (20 x 15 pulgadas, 50 x 37 cm) de una diosa alada desnuda con pies de ave rapaz y búhos y leones acompañantes. Procede del siglo XVIII o XIX a. C. y también puede estar moldeado. [32] También se encuentran estelas de piedra , ofrendas votivas o probablemente conmemorativas de victorias y que muestran fiestas en templos que, a diferencia de los más oficiales, carecen de inscripciones que las expliquen; [33] La Estela fragmentaria de los Buitres es un ejemplo temprano del tipo inscrito, [34] y el Obelisco Negro Asirio de Salmanasar III es un ejemplo tardío, grande y sólido. [35]
La conquista de toda Mesopotamia y gran parte del territorio circundante por los asirios creó un estado más grande y más rico que el que la región había conocido antes, y un arte muy grandioso en palacios y lugares públicos, sin duda en parte destinado a igualar el esplendor del arte del vecino imperio egipcio. A diferencia de los estados anteriores, los asirios podían usar piedra fácilmente tallada del norte de Irak, y lo hicieron en gran cantidad. Los asirios desarrollaron un estilo de esquemas extremadamente grandes de bajorrelieves narrativos muy finamente detallados en piedra para palacios, con escenas de guerra o caza; el Museo Británico tiene una colección excepcional, que incluye la Cacería del León de Asurbanipal y los relieves de Laquis que muestran una campaña. Produjeron muy poca escultura en bulto redondo, excepto figuras colosales de guardianes del lamassu con cabeza humana , que están esculpidas en alto relieve en dos lados de un bloque rectangular, con las cabezas efectivamente en bulto redondo (y también cinco piernas, de modo que ambas vistas parecen completas). Incluso antes de dominar la región, habían continuado la tradición del sello cilíndrico con diseños a menudo excepcionalmente enérgicos y refinados. [36]
La escultura monumental del antiguo Egipto es mundialmente famosa, pero existen obras pequeñas, refinadas y delicadas en un número mucho mayor. Los egipcios usaban la técnica distintiva del relieve hundido , que se adapta bien a la luz solar muy brillante. Las figuras principales en relieves se adhieren a la misma convención de figura que en la pintura, con las piernas separadas (cuando no están sentados) y la cabeza mostrada de lado, pero el torso de frente, y un conjunto estándar de proporciones que componen la figura, usando 18 "puños" para ir desde el suelo hasta la línea del cabello en la frente. [37] Esto aparece ya en la Paleta de Narmer de la Dinastía I. Sin embargo, allí como en otros lugares la convención no se usa para figuras menores que se muestran realizando alguna actividad, como los cautivos y los cadáveres. [38] Otras convenciones hacen que las estatuas de hombres sean más oscuras que las de mujeres. Las estatuas de retratos muy convencionalizadas aparecen desde la dinastía II, antes del 2780 a. C., [39] y con la excepción del arte del período de Amarna de Ahkenaten , [40] y algunos otros períodos como la dinastía XII, los rasgos idealizados de los gobernantes, al igual que otras convenciones artísticas egipcias, cambiaron poco hasta después de la conquista griega. [41]
Los faraones egipcios siempre fueron considerados deidades, pero otras deidades son mucho menos comunes en grandes estatuas, excepto cuando representan al faraón como otra deidad; sin embargo, las otras deidades se muestran con frecuencia en pinturas y relieves. La famosa fila de cuatro estatuas colosales fuera del templo principal de Abu Simbel muestra cada una a Ramsés II , un esquema típico, aunque aquí excepcionalmente grande. [42] Las pequeñas figuras de deidades, o sus personificaciones animales, son muy comunes y se encuentran en materiales populares como la cerámica. La mayoría de las esculturas más grandes sobreviven de los templos o tumbas egipcias ; hacia la dinastía IV (2680-2565 a. C.) a más tardar, la idea de la estatua Ka estaba firmemente establecida. Estas se colocaban en tumbas como un lugar de descanso para la porción ka del alma , por lo que tenemos un buen número de estatuas menos convencionalizadas de administradores adinerados y sus esposas, muchas de ellas en madera, ya que Egipto es uno de los pocos lugares del mundo donde el clima permite que la madera sobreviva durante milenios. Las llamadas cabezas de reserva , cabezas lisas y sin pelo, son especialmente naturalistas. Las tumbas más antiguas también contenían pequeños modelos de esclavos, animales, edificios y objetos como barcos necesarios para que el difunto continuara su estilo de vida en el más allá, y más tarde figuras de Ushabti . [43]
El primer estilo distintivo de la escultura griega antigua se desarrolló en el período de las Cícladas, en la Edad del Bronce Temprano (tercer milenio a. C.), donde las figuras de mármol, generalmente femeninas y pequeñas, se representan en un estilo geométrico elegantemente simplificado. La más típica es una pose de pie con los brazos cruzados al frente, pero otras figuras se muestran en poses diferentes, incluida una figura complicada de un arpista sentado en una silla. [44]
Las culturas minoica y micénica posteriores desarrollaron aún más la escultura, bajo la influencia de Siria y otros lugares, pero es en el período Arcaico posterior , alrededor del 650 a. C., cuando se desarrollaron los kouros . Se trata de grandes estatuas de jóvenes desnudos que se encuentran en templos y tumbas, siendo la kore el equivalente femenino vestido, con el pelo elaborado; ambos tienen la " sonrisa arcaica ". Parecen haber cumplido varias funciones, quizás a veces representando deidades y a veces a la persona enterrada en una tumba, como en el caso de los Kroisos Kouros . Están claramente influenciados por los estilos egipcio y sirio, pero los artistas griegos estaban mucho más dispuestos a experimentar con el estilo.
Durante el siglo VI la escultura griega se desarrolló rápidamente, volviéndose más naturalista y con poses de figuras mucho más activas y variadas en escenas narrativas, aunque todavía dentro de convenciones idealizadas. Se añadieron frontones esculpidos a los templos , incluido el Partenón de Atenas, donde los restos del frontón de alrededor de 520 que usaba figuras en bulto redondo se usaron afortunadamente como relleno para nuevos edificios después del saqueo persa en 480 a. C., y se recuperaron a partir de la década de 1880 en estado fresco y sin intemperie. Otros restos significativos de escultura arquitectónica provienen de Paestum en Italia, Corfú , Delfos y el Templo de Afea en Egina (gran parte ahora en Múnich ). [45] La mayoría de las esculturas griegas originalmente incluían al menos algo de color; el Museo Ny Carlsberg Glyptotek en Copenhague, Dinamarca, ha realizado una amplia investigación y recreación de los colores originales. [46] [47]
Hay menos restos originales de la primera fase del período clásico, a menudo llamado estilo severo ; las estatuas exentas ahora se hacían principalmente en bronce, que siempre tuvo valor como chatarra. El estilo severo duró desde alrededor de 500 en relieves, y poco después 480 en estatuas, hasta aproximadamente 450. Las poses relativamente rígidas de las figuras se relajaron, y las posiciones de giro asimétricas y las vistas oblicuas se volvieron comunes y buscadas deliberadamente. Esto se combinó con una mejor comprensión de la anatomía y la estructura armoniosa de las figuras esculpidas, y la búsqueda de la representación naturalista como objetivo, que no había estado presente antes. Las excavaciones en el Templo de Zeus, Olimpia desde 1829 han revelado el grupo más grande de restos, de aproximadamente 460, de los cuales muchos están en el Louvre . [48]
El período del "Alto Clásico" duró sólo unas décadas, desde aproximadamente 450 hasta 400, pero ha tenido una influencia trascendental en el arte y conserva un prestigio especial, a pesar de un número muy restringido de supervivencias originales. Las obras más conocidas son los mármoles del Partenón , tradicionalmente (desde Plutarco ) ejecutados por un equipo dirigido por el escultor griego antiguo más famoso Fidias , activo desde aproximadamente 465-425, que fue en su propia época más famoso por su colosal estatua criselefantina de Zeus en Olimpia (c. 432), una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo , su Atenea Partenos (438), la imagen de culto del Partenón , y Atenea Prómaco , una colosal figura de bronce que se encontraba junto al Partenón; todas estas se han perdido, pero se conocen a partir de muchas representaciones. También se le atribuye la creación de algunas estatuas de bronce de tamaño natural conocidas sólo a partir de copias posteriores cuya identificación es controvertida, incluido el Hermes de Ludovisi . [49]
El estilo clásico alto continuó desarrollando el realismo y la sofisticación en la figura humana, y mejoró la representación de los drapeados (ropa), utilizándolos para aumentar el impacto de las poses activas. Las expresiones faciales solían ser muy contenidas, incluso en las escenas de combate. La composición de grupos de figuras en relieves y frontones combinaba complejidad y armonía de una manera que tuvo una influencia permanente en el arte occidental. El relieve podía ser muy alto, de hecho, como en la ilustración del Partenón que se muestra a continuación, donde la mayor parte de la pierna del guerrero está completamente separada del fondo, al igual que las partes faltantes; un relieve tan alto hacía que las esculturas fueran más propensas a sufrir daños. [50] El estilo clásico tardío desarrolló la estatua femenina desnuda exenta, supuestamente una innovación de Praxíteles , y desarrolló poses cada vez más complejas y sutiles que eran interesantes cuando se veían desde varios ángulos, así como rostros más expresivos; ambas tendencias se llevarían mucho más lejos en el período helenístico. [51]
El período helenístico se data convencionalmente a partir de la muerte de Alejandro Magno en 323 a. C. y termina con la conquista final de las tierras griegas por parte de Roma en 146 a. C. o con la derrota final del último estado sucesor restante del imperio de Alejandro después de la batalla de Actium en 31 a. C., que también marca el final de la Roma republicana . [52] Por lo tanto, es mucho más largo que los períodos anteriores e incluye al menos dos fases principales: un estilo "pergaminos" de experimentación, exuberancia y algo de sentimentalismo y vulgaridad, y en el siglo II a. C. un retorno clasicista a una simplicidad y elegancia más austeras; más allá de tales generalizaciones, la datación suele ser muy incierta, especialmente cuando solo se conocen copias posteriores, como suele ser el caso. El estilo inicial de Pérgamo no estaba especialmente asociado con Pérgamo , de donde toma su nombre, pero los reyes muy ricos de ese estado fueron de los primeros en coleccionar y también copiar esculturas clásicas, y también encargaron muchas obras nuevas, incluido el famoso Altar de Pérgamo , cuya escultura se encuentra ahora en su mayor parte en Berlín y que ejemplifica el nuevo estilo, al igual que el Mausoleo de Halicarnaso (otra de las Siete Maravillas), el famoso Laocoonte y sus hijos en los Museos Vaticanos , un ejemplo tardío, y el original de bronce de El galo moribundo (ilustrado en la parte superior), que sabemos que era parte de un grupo realmente encargado para Pérgamo en aproximadamente 228 a. C., del cual el Galio de Ludovisi también era una copia. El grupo llamado Toro Farnesio , posiblemente un original de mármol del siglo II, es aún más grande y más complejo, [53]
La escultura helenística amplió enormemente la gama de temas representados, en parte como resultado de una mayor prosperidad general y de la aparición de una clase muy rica que tenía grandes casas decoradas con esculturas, aunque sabemos que algunos ejemplos de temas que parecen más adecuados para el hogar, como niños con animales, de hecho se colocaron en templos u otros lugares públicos. Para un mercado de decoración del hogar mucho más popular estaban las figurillas de Tanagra y las de otros centros donde se producían pequeñas figuras de cerámica a escala industrial, algunas religiosas pero otras que mostraban animales y damas elegantemente vestidas. Los escultores se volvieron más hábiles técnicamente en la representación de expresiones faciales que transmitían una amplia variedad de emociones y el retrato de individuos, además de representar diferentes edades y razas. Los relieves del Mausoleo son bastante atípicos en ese sentido; la mayoría de las obras eran exentas, y las composiciones grupales con varias figuras que se podían ver en bulto redondo, como el grupo de Laocoonte y el de Pérgamo celebrando la victoria sobre los galos, se hicieron populares, habiendo sido poco comunes antes. El Fauno de Barberini , que muestra a un sátiro tendido dormido, presumiblemente después de beber, es un ejemplo de la relajación moral de la época y la disposición a crear esculturas grandes y costosas de temas que no llegan a ser heroicos. [54]
Después de las conquistas de Alejandro, la cultura helenística fue dominante en las cortes de la mayor parte del Cercano Oriente y parte de Asia Central , y fue adoptada cada vez más por las élites europeas, especialmente en Italia, donde las colonias griegas inicialmente controlaron la mayor parte del sur. El arte helenístico y los artistas se difundieron muy ampliamente y fueron especialmente influyentes en la República romana en expansión y cuando se encontró con el budismo en las extensiones más orientales del área helenística. El enorme llamado Sarcófago de Alejandro encontrado en Sidón en el Líbano moderno, probablemente fue hecho allí a principios del período por artistas griegos expatriados para un gobernador persa helenizado. [55] La riqueza del período llevó a un gran aumento de la producción de formas de lujo de pequeña escultura, incluyendo gemas grabadas y camafeos, joyas y oro y platería.
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El arte romano primitivo estuvo influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos , a su vez muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies funerarias de tamaño casi natural en terracota , que normalmente yacían sobre la tapa de un sarcófago apoyadas sobre un codo en la pose de un comensal de ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico excepto el lejano oriente parto , la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del que los elementos específicamente romanos son difíciles de separar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias del período romano. [56] En el siglo II a. C., "la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma" eran griegos, [57] a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores siguieron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres se registran muy raramente. Se importaron a Roma grandes cantidades de estatuas griegas, ya fuera como botín o como resultado de la extorsión o el comercio, y los templos a menudo se decoraban con obras griegas reutilizadas. [58]
En los monumentos funerarios, que a menudo presentaban bustos de retratos de los romanos de clase media próspera, se puede ver un estilo italiano nativo, y se podría decir que el retrato es el punto fuerte de la escultura romana. No hay restos de la tradición de las máscaras de los antepasados que se usaban en las procesiones en los funerales de las grandes familias y que se exhibían en los hogares, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como la Tumba de los Escipiones o los mausoleos posteriores fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucio Junio Bruto tiene fechas muy variadas, pero se considera una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido del bronce. [59] De manera similar, se ven cabezas severas y enérgicas en las monedas de la República Tardía, y en el período imperial, las monedas, así como los bustos enviados por todo el Imperio para ser colocados en las basílicas de las ciudades provinciales, fueron la principal forma visual de propaganda imperial; Incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón , aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdido. [60]
Los romanos no intentaron competir con las obras griegas de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con relieves narrativos continuos que las rodeaban, de las que las que conmemoran a Trajano (113 d. C.) y Marco Aurelio (hacia 193 d. C.) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis ("Altar de la Paz", 13 a. C.) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada. Entre otros ejemplos importantes se encuentran los relieves reutilizados anteriormente en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161), [61] Los relieves de Campana eran versiones de cerámica más baratas de los relieves de mármol y el gusto por el relieve se extendió desde el período imperial al sarcófago. Se siguió patrocinando todo tipo de esculturas pequeñas de lujo, y su calidad podía ser extremadamente alta, como en la copa de plata de Warren , la copa de cristal de Lycurgus y grandes camafeos como el de Gemma Augustea , el camafeo de Gonzaga y el " Gran camafeo de Francia ". [62] Para un sector mucho más amplio de la población, se produjeron decoraciones en relieve moldeado de vasijas de cerámica y pequeñas figurillas en gran cantidad y, a menudo, de considerable calidad. [63]
Tras atravesar una fase "barroca" a finales del siglo II, [64] en el siglo III el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, esculturas de tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes mostraban ahora figuras rechonchas y de ojos grandes en un estilo frontal severo, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El contraste se ilustra de manera famosa en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones del nuevo estilo con redondeles del estilo grecorromano completo anterior tomados de otros lugares, y los Cuatro Tetrarcas ( c. 305 ) de la nueva capital de Constantinopla , ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas "proporciones rechonchas, movimientos angulares, un ordenamiento de las partes a través de la simetría y la repetición y una representación de los rasgos y los pliegues de los drapeados a través de incisiones en lugar de modelado... El sello distintivo del estilo dondequiera que aparezca consiste en una dureza enfática, pesadez y angularidad; en resumen, un rechazo casi completo de la tradición clásica". [65]
Esta revolución estilística precedió poco después al período en el que el cristianismo fue adoptado por el Estado romano y por la gran mayoría del pueblo, lo que llevó al fin de la escultura religiosa de gran tamaño, y las estatuas de gran tamaño ahora solo se utilizaban para los emperadores. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando relieves para sarcófagos, como en el Sarcófago de Junius Bassus , y los cristianos continuaron con la escultura muy pequeña, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular . [66]
Los primeros cristianos se oponían a la escultura religiosa monumental, aunque continuaban las tradiciones romanas en bustos de retratos y relieves de sarcófagos , así como objetos más pequeños como el díptico consular. Dichos objetos, a menudo en materiales valiosos, también fueron las principales tradiciones escultóricas (hasta donde se sabe) de las civilizaciones bárbaras del período de la Migración , como se ve en los objetos encontrados en el tesoro funerario del siglo VI en Sutton Hoo , y la joyería del arte escita y las producciones híbridas de estilo cristiano y animal del arte insular . Siguiendo la tradición bizantina continua, el arte carolingio revivió la talla de marfil, a menudo en paneles para las encuadernaciones del tesoro de grandes manuscritos iluminados , así como cabezas de báculo y otros pequeños accesorios.
El arte bizantino , aunque produjo magníficos relieves de marfil y tallas decorativas arquitectónicas, nunca volvió a la escultura monumental, o incluso a mucha escultura pequeña en bulto redondo. [67] Sin embargo, en Occidente, durante los períodos carolingio y otoniano , hubo los comienzos de una producción de estatuas monumentales, en cortes e iglesias importantes. Esto se extendió gradualmente; a fines del siglo X y XI hay registros de varias esculturas aparentemente de tamaño natural en iglesias anglosajonas , probablemente de metal precioso alrededor de un marco de madera, como la Virgen dorada de Essen . No ha sobrevivido ningún ejemplo anglosajón, [68] y las supervivencias de grandes esculturas no arquitectónicas de antes del año 1000 son excepcionalmente raras. La mejor es la Cruz de Gero , de 965-970, que es un crucifijo , que evidentemente era el tipo de escultura más común; Carlomagno había instalado uno en la Capilla Palatina de Aquisgrán alrededor del año 800. Estas continuaron creciendo en popularidad, especialmente en Alemania e Italia. Las piedras rúnicas del mundo nórdico , las piedras pictas de Escocia y posiblemente los altos relieves de cruces de la Gran Bretaña cristiana, fueron tradiciones escultóricas del norte que sirvieron de puente entre el período de la cristianización.
A partir del año 1000 d. C., aproximadamente, se produjo un renacimiento de la producción artística en toda Europa, impulsado por el crecimiento económico general de la producción y el comercio, y el nuevo estilo del arte románico fue el primer estilo medieval que se utilizó en toda Europa occidental. Las nuevas catedrales e iglesias de peregrinos se decoraron cada vez más con relieves arquitectónicos de piedra, y se desarrollaron nuevos focos para la escultura, como el tímpano sobre las puertas de las iglesias en el siglo XII, y el capitel habitado con figuras y escenas a menudo narrativas. Entre las iglesias abadiales destacadas con esculturas se incluyen en Francia Vézelay y Moissac y en España Silos . [69]
El arte románico se caracterizó por un estilo muy vigoroso tanto en escultura como en pintura. Los capiteles de las columnas nunca fueron más emocionantes que en este período, cuando a menudo se tallaban con escenas completas con varias figuras. [70] El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana justo al comienzo del período, al igual que las estatuas exentas de la Virgen entronizada, pero el alto relieve fue sobre todo el modo escultórico de la época. Las composiciones generalmente tenían poca profundidad y necesitaban ser flexibles para encajar en las formas de los capiteles y los tímpanos de las iglesias; la tensión entre un marco hermético, del que a veces se escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las figuras todavía variaban a menudo de tamaño en relación con su importancia; el retrato apenas existía.
Los objetos de materiales preciosos como el marfil y el metal tenían un estatus muy alto en la época, mucho más que la escultura monumental (conocemos los nombres de más creadores de estos que de pintores, iluminadores o arquitectos-albañiles). La metalistería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para guardar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún . El candelabro de bronce de Gloucester y la pila bautismal de latón de 1108-1117 ahora en Lieja son magníficos ejemplos, muy diferentes en estilo, de fundición de metal, el primero muy intrincado y enérgico, basándose en la pintura manuscrita, mientras que la pila bautismal muestra el estilo mosano en su forma más clásica y majestuosa. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios en la Catedral de Hildesheim , las Puertas de Gniezno y las puertas de la Basílica de San Zeno en Verona son otras supervivencias sustanciales. El aguamanil , un recipiente para lavarse con agua, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI y a menudo adoptaba formas zoomorfas fantásticas ; los ejemplos que sobreviven son en su mayoría de latón. Muchas impresiones en cera de sellos impresionantes sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas en general no tienen un gran interés estético. [71]
La Cruz de los Claustros es un crucifijo de marfil de un tamaño inusualmente grande , con una talla compleja que incluye muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el Maestro Hugo , que también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente coloreada. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de marfiles pequeños, de los que quedan muchas piezas o fragmentos de báculos , placas, cruces pectorales y objetos similares.
El período gótico se define esencialmente por la arquitectura gótica y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura ni en su inicio ni en su fin. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, siguieron teniendo grandes tímpanos, pero también filas de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor. Las estatuas del Portal Occidental (Real) de la Catedral de Chartres ( c. 1145 ) muestran un alargamiento columnar elegante pero exagerado, pero las del portal del transepto sur , de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un desapego creciente de la pared detrás, y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal occidental de la Catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi de bulto redondo, como se volvió habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. [72]
En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama Proto-Renacimiento , con una inconfundible influencia de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, incluido un manejo comprensivo de la desnudez, en paneles de relieve en el púlpito de la catedral de Siena (1265-68), el púlpito en el Baptisterio de Pisa (1260), la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. [73] Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. [74] La escultura gótica tardía continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos en madera de gran tamaño con tallas cada vez más virtuosas y un gran número de figuras expresivas agitadas; la mayoría de los ejemplos sobrevivientes están en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del renacimiento italiano. [75]
Las efigies de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y se desarrollaron grandes tumbas de varios niveles, con las Tumbas de Scaligero en Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV, había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles a gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían permitirse retablos de piedra. [76] Las pequeñas tallas, para un mercado principalmente laico y a menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales , figuras individuales, especialmente de la Virgen , estuches de espejo, peines y elaborados ataúdes con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. [77] Los muy ricos coleccionaban trabajos en metal extravagantemente elaborados, con joyas y esmaltados, tanto seculares como religiosos, como el Relicario de la Espina Sagrada del Duque de Berry , hasta que se quedaron sin dinero, cuando fueron fundidos nuevamente para obtener efectivo. [78]
La escultura renacentista propiamente dicha suele tener su origen en el famoso concurso para las puertas del Baptisterio de Florencia en 1403, del que sobreviven los modelos de prueba presentados por el ganador, Lorenzo Ghiberti , y Filippo Brunelleschi . Las puertas de Ghiberti todavía están en su lugar, pero sin duda fueron eclipsadas por su segundo par para la otra entrada, las llamadas Puertas del Paraíso , que le llevaron de 1425 a 1452, y son composiciones clasicistas deslumbrantemente seguras con variadas profundidades de relieve que permiten amplios fondos. [79] Los años intermedios habían visto al primer asistente de Ghiberti, Donatello, desarrollar estatuas seminales que incluyen sus David en mármol (1408-09) y bronce (década de 1440), y su estatua ecuestre de Gattamelata , así como relieves. [80] Una figura destacada en el período posterior fue Andrea del Verrocchio , mejor conocido por su estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni en Venecia; [81] Su alumno Leonardo da Vinci diseñó una escultura equina en 1482, El caballo, para Milán , pero sólo logró hacer un modelo de arcilla de 24 pies (7,3 m) que fue destruido por arqueros franceses en 1499, y sus otros ambiciosos planes escultóricos nunca se completaron. [82]
El período estuvo marcado por un gran aumento del mecenazgo de la escultura por parte del estado para el arte público y de los ricos para sus hogares; especialmente en Italia, la escultura pública sigue siendo un elemento crucial en la apariencia de los centros históricos de las ciudades. La escultura de iglesia se trasladó principalmente al interior, al mismo tiempo que los monumentos públicos exteriores se hicieron comunes. La escultura de retratos, generalmente en bustos, se hizo popular en Italia alrededor de 1450, con el napolitano Francesco Laurana especializándose en mujeres jóvenes en poses meditativas, mientras que Antonio Rossellino y otros representaban con más frecuencia hombres de negocios de rostro huesudo, pero también niños pequeños. [83] La medalla de retrato inventada por Pisanello también representaba a menudo a mujeres; las plaquetas en relieve fueron otra nueva forma pequeña de escultura en metal fundido.
Miguel Ángel fue un escultor activo desde aproximadamente 1500 hasta 1520, y sus grandes obras maestras, entre ellas su David , La Piedad , Moisés y piezas para la Tumba del Papa Julio II y la Capilla de los Médici , no pudieron ser ignoradas por los escultores posteriores. Su icónico David (1504) tiene una pose de contrapposto , prestada de la escultura clásica. Se diferencia de las representaciones anteriores del tema en que David es representado antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En lugar de mostrarse victorioso, como lo habían hecho Donatello y Verocchio, David parece tenso y listo para la batalla. [84]
Al igual que en la pintura, la escultura manierista italiana temprana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que superara los logros del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha por lograrlo se desarrolló en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, junto al David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero fue poco más popular de lo que es ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero al introducir aparentemente paneles en relieve en el pedestal de las estatuas por primera vez. Como otras obras suyas y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que hubiera hecho Miguel Ángel. [85] El Perseo de bronce de Cellini con la cabeza de Medusa es sin duda una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, pero de hecho es amanerado en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. [86] En sus orígenes fue orfebre, y su famoso Salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su máxima expresión. [87] Como muestran estos ejemplos, el período amplió la gama de temas seculares para obras de gran tamaño más allá de los retratos, y se favorecieron especialmente las figuras mitológicas, que anteriormente se habían encontrado principalmente en obras pequeñas.
Las pequeñas figuras de bronce para los gabinetes de los coleccionistas , a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originalmente flamenco pero afincado en Florencia, sobresalió en la última parte del siglo, creando también esculturas de tamaño natural, de las cuales dos se unieron a la colección en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos. [88]
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En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia y se produjo un movimiento dinámico y energético de las formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista que se alejaba del relieve hacia una escultura creada en bulto redondo y diseñada para colocarse en el medio de un gran espacio; las fuentes elaboradas como la Fontana dei Quattro Fiumi de Bernini (Roma, 1651) o las de los jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, con Gian Lorenzo Bernini como la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). [89] Gran parte de la escultura barroca agregó elementos extraescultóricos, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua, o fusionó escultura y arquitectura para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se consideraban parte de la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y, posteriormente, la romana, más que la de los períodos más "clásicos" tal como se los ve hoy. [90]
La Reforma protestante supuso un paro casi total de la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente de bustos y monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. [91] En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo romano como en la Baja Edad Media. Las estatuas de gobernantes y de la nobleza se hicieron cada vez más populares. En el siglo XVIII, gran parte de la escultura continuó en líneas barrocas (la Fontana de Trevi no se completó hasta 1762). El estilo rococó se adaptaba mejor a obras más pequeñas y podría decirse que encontró su forma escultórica ideal en la porcelana europea temprana y en los esquemas decorativos interiores en madera o yeso, como los de los interiores domésticos franceses y las iglesias de peregrinación austríacas y bávaras . [92]
El estilo neoclásico , que llegó a finales del siglo XVIII, dio gran importancia a la escultura. Jean-Antoine Houdon ejemplifica la penetrante escultura de retratos que podía producir el estilo, y los desnudos de Antonio Canova el aspecto idealista del movimiento. El período neoclásico fue una de las grandes épocas de la escultura pública, aunque sus prototipos "clásicos" eran más bien copias romanas de esculturas helenísticas. En escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova , el inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen . El estilo neoclásico europeo también se afianzó en los Estados Unidos, donde alcanzó su apogeo algo más tarde y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers .
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El arte grecobudista es la manifestación artística del grecobudismo , un sincretismo cultural entre la cultura griega clásica y el budismo , que se desarrolló durante un período de cerca de 1000 años en Asia Central, entre las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV a. C. y las conquistas islámicas del siglo VII d. C. El arte grecobudista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones de Buda en forma humana, que han ayudado a definir el canon artístico (y particularmente, escultórico) para el arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. Aunque la datación es incierta, parece que los estilos fuertemente helenísticos persistieron en Oriente durante varios siglos después de que hubieran declinado en el Mediterráneo, hasta el siglo V d. C. Algunos aspectos del arte griego fueron adoptados mientras que otros no se extendieron más allá del área grecobudista; en particular la figura de pie, a menudo con una pose relajada y una pierna flexionada, y los cupidos voladores o victorias, que se hicieron populares en toda Asia como apsaras . La decoración de follaje griego también fue influyente, apareciendo versiones indias del capitel corintio . [93]
Los orígenes del arte grecobudista se encuentran en el reino helenístico grecobactriano (250-130 a. C.), ubicado en el actual Afganistán , desde donde la cultura helenística irradió al subcontinente indio con el establecimiento del pequeño reino indogriego (180-10 a. C.). Bajo los indogriegos y luego los kushán , la interacción de la cultura griega y budista floreció en el área de Gandhara , en el norte de Pakistán actual, antes de extenderse más hacia la India, influyendo en el arte de Mathura y luego en el arte hindú del imperio Gupta , que se extendería al resto del sudeste asiático. La influencia del arte grecobudista también se extendió hacia el norte hacia Asia central , afectando fuertemente al arte de la cuenca del Tarim y las cuevas de Dunhuang , y finalmente a la figura esculpida en China, Corea y Japón. [94]
Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Zhou Occidental provienen de un período de más de mil años desde c. 1500 a. C. , y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino . Están fundidos con una decoración zoomorfa y con patrones complejos , pero evitan la figura humana, a diferencia de las enormes figuras descubiertas recientemente en Sanxingdui . [95] El espectacular Ejército de Terracota se ensambló para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de una China unificada desde 221 a 210 a. C., como una gran versión imperial de las figuras colocadas durante mucho tiempo en las tumbas para permitir que el difunto disfrutara del mismo estilo de vida en el más allá que cuando estaba vivo, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy tempranos. Figuras más pequeñas en cerámica o madera se colocaron en tumbas durante muchos siglos después, alcanzando un pico de calidad en las figuras de las tumbas de la dinastía Tang . [96] La tradición de las figuras de cerámica inusualmente grandes persistió en China, desde las figuras de las tumbas sancai de Tang hasta las estatuas budistas posteriores, como el conjunto de luohans de cerámica vidriada de Yixian de tamaño casi natural y las figuras posteriores para templos y tumbas. Estas vinieron a reemplazar a sus equivalentes anteriores en madera.
Las religiones chinas nativas no suelen utilizar imágenes de culto de deidades, ni siquiera representarlas, y la escultura religiosa de gran tamaño es casi en su totalidad budista, datando principalmente del siglo IV al XIV, e inicialmente utilizando modelos grecobudistas que llegaron a través de la Ruta de la Seda . El budismo también es el contexto de toda la escultura de retratos de gran tamaño; en total contraste con algunas otras áreas, en la China medieval incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de acceso bordeadas de animales reales y mitológicos en una escala que coincide con Egipto, y versiones más pequeñas decoran templos y palacios. [97]
Se produjeron pequeñas figuras y grupos budistas con una calidad muy alta en una variedad de medios, [98] al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metalistería y jade . [99] En los períodos anteriores, se cortaron grandes cantidades de esculturas de la roca viva en complejos de cuevas de peregrinación y como relieves rupestres exteriores . En su mayoría, originalmente estaban pintadas. En notable contraste con los pintores literatos , los escultores de todo tipo eran considerados artesanos y se registran muy pocos nombres. [100] A partir de la dinastía Ming , se produjeron estatuillas de figuras religiosas y seculares en porcelana china y otros medios, que se convirtieron en un importante producto de exportación.
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Towards the end of the long Neolithic Jōmon period, some pottery vessels were "flame-rimmed" with extravagant extensions to the rim that can only be called sculptural,[103] and very stylized pottery dogū figures were produced, many with the characteristic "snow-goggle" eyes. During the Kofun period of the 3rd to 6th century CE, haniwa terracotta figures of humans and animals in a simplistic style were erected outside important tombs. The arrival of Buddhism in the 6th century brought with it sophisticated traditions in sculpture, Chinese styles mediated via Korea. The 7th-century Hōryū-ji and its contents have survived more intact than any East Asian Buddhist temple of its date, with works including a Shaka Trinity of 623 in bronze, showing the historical Buddha flanked by two bodhisattvas and also the Guardian Kings of the Four Directions.[104]
Jōchō is said to be one of the greatest Buddhist sculptors not only in Heian period but also in the history of Buddhist statues in Japan. Jōchō redefined the body shape of Buddha statues by perfecting the technique of "yosegi zukuri" (寄木造り) which is a combination of several woods. The peaceful expression and graceful figure of the Buddha statue that he made completed a Japanese style of sculpture of Buddha statues called "Jōchō yō" (Jōchō style, 定朝様) and determined the style of Japanese Buddhist statues of the later period. His achievement dramatically raised the social status of busshi (Buddhist sculptor) in Japan.[105]
In the Kamakura period, the Minamoto clan established the Kamakura shogunate and the samurai class virtually ruled Japan for the first time. Jocho's successors, sculptors of the Kei school of Buddhist statues, created realistic and dynamic statues to suit the tastes of samurai, and Japanese Buddhist sculpture reached its peak. Unkei, Kaikei, and Tankei were famous, and they made many new Buddha statues at many temples such as Kofuku-ji, where many Buddha statues had been lost in wars and fires.[106]
Almost all subsequent significant large sculpture in Japan was Buddhist, with some Shinto equivalents, and after Buddhism declined in Japan in the 15th century, monumental sculpture became largely architectural decoration and less significant.[107] However sculptural work in the decorative arts was developed to a remarkable level of technical achievement and refinement in small objects such as inro and netsuke in many materials, and metal tosogu or Japanese sword mountings. In the 19th century there were export industries of small bronze sculptures of extreme virtuosity, ivory and porcelain figurines, and other types of small sculpture, increasingly emphasizing technical accomplishment.
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The first known sculpture in the Indian subcontinent is from the Indus Valley civilization (3300–1700 BCE), found in sites at Mohenjo-daro and Harappa in modern-day Pakistan. These include the famous small bronze female dancer and the so-called Priest-king. However, such figures in bronze and stone are rare and greatly outnumbered by pottery figurines and stone seals, often of animals or deities very finely depicted. After the collapse of the Indus Valley civilization there is little record of sculpture until the Buddhist era, apart from a hoard of copper figures of (somewhat controversially) c. 1500 BCE from Daimabad.[108] Thus the great tradition of Indian monumental sculpture in stone appears to begin, relative to other cultures, and the development of Indian civilization, relatively late, with the reign of Asoka from 270 to 232 BCE, and the Pillars of Ashoka he erected around India, carrying his edicts and topped by famous sculptures of animals, mostly lions, of which six survive.[109] Large amounts of figurative sculpture, mostly in relief, survive from Early Buddhist pilgrimage stupas, above all Sanchi; these probably developed out of a tradition using wood that also embraced Hinduism.[110]
The pink sandstone Hindu, Jain and Buddhist sculptures of Mathura from the 1st to 3rd centuries CE reflected both native Indian traditions and the Western influences received through the Greco-Buddhist art of Gandhara, and effectively established the basis for subsequent Indian religious sculpture.[110] The style was developed and diffused through most of India under the Gupta Empire (c. 320–550) which remains a "classical" period for Indian sculpture, covering the earlier Ellora Caves,[111] though the Elephanta Caves are probably slightly later.[112] Later large-scale sculpture remains almost exclusively religious, and generally rather conservative, often reverting to simple frontal standing poses for deities, though the attendant spirits such as apsaras and yakshi often have sensuously curving poses. Carving is often highly detailed, with an intricate backing behind the main figure in high relief. The celebrated bronzes of the Chola dynasty (c. 850–1250) from south India, many designed to be carried in processions, include the iconic form of Shiva as Nataraja,[113] with the massive granite carvings of Mahabalipuram dating from the previous Pallava dynasty.[114]
The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.[115] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.
In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.
Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.
Islam is famously aniconic, so the vast majority of sculpture is arabesque decoration in relief or openwork, based on vegetable motifs, but tending to geometrical abstract forms. In the very early Mshatta Facade (740s), now mostly in Berlin, there are animals within the dense arabesques in high relief, and figures of animals and men in mostly low relief are found in conjunction with decoration on many later pieces in various materials, including metalwork, ivory and ceramics.[116]
Figures of animals in the round were often acceptable for works used in private contexts if the object was clearly practical, so medieval Islamic art contains many metal animals that are aquamaniles, incense burners or supporters for fountains, as in the stone lions supporting the famous one in the Alhambra, culminating in the largest medieval Islamic animal figure known, the Pisa Griffin. In the same way, luxury hardstone carvings such as dagger hilts and cups may be formed as animals, especially in Mughal art. The degree of acceptability of such relaxations of strict Islamic rules varies between periods and regions, with Islamic Spain, Persia and India often leading relaxation, and is typically highest in courtly contexts.[117]
Historically, with the exception of some monumental Egyptian sculpture, most African sculpture was created in wood and other organic materials that have not survived from earlier than a few centuries ago; older pottery figures are found from a number of areas. Masks are important elements in the art of many peoples, along with human figures, often highly stylized. There is a vast variety of styles, often varying within the same context of origin depending on the use of the object, but wide regional trends are apparent; sculpture is most common among "groups of settled cultivators in the areas drained by the Niger and Congo rivers" in West Africa.[118] Direct images of deities are relatively infrequent, but masks in particular are or were often made for religious ceremonies; today many are made for tourists as "airport art".[119] African masks were an influence on European Modernist art, which was inspired by their lack of concern for naturalistic depiction.
The Nubian Kingdom of Kush in modern Sudan was in close and often hostile contact with Egypt, and produced monumental sculpture mostly derivative of styles to the north. In West Africa, the earliest known sculptures are from the Nok culture which thrived between 500 BCE and 500 CE in modern Nigeria, with clay figures typically with elongated bodies and angular shapes. Later West African cultures developed bronze casting for reliefs to decorate palaces like the famous Benin Bronzes, and very fine naturalistic royal heads from around the Yoruba town of Ife in terracotta and metal from the 12th–14th centuries. Akan goldweights are a form of small metal sculptures produced over the period 1400–1900, some apparently representing proverbs and so with a narrative element rare in African sculpture, and royal regalia included impressive gold sculptured elements.[120]
Many West African figures are used in religious rituals and are often coated with materials placed on them for ceremonial offerings. The Mande-speaking peoples of the same region make pieces of wood with broad, flat surfaces and arms and legs are shaped like cylinders. In Central Africa, however, the main distinguishing characteristics include heart-shaped faces that are curved inward and display patterns of circles and dots.
Populations in the African Great Lakes are not known for their sculpture.[118] However, one style from the region is pole sculptures, carved in human shapes and decorated with geometric forms, while the tops are carved with figures of animals, people, and various objects. These poles are, then, placed next to graves and are associated with death and the ancestral world. The culture known from Great Zimbabwe left more impressive buildings than sculpture but the eight soapstone Zimbabwe Birds appear to have had a special significance and were mounted on monoliths. Modern Zimbabwean sculptors in soapstone have achieved considerable international success. Southern Africa's oldest known clay figures date from 400 to 600 CE and have cylindrical heads with a mixture of human and animal features.
The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.[121] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.[122] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.[123] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.[124]
In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).[125][126] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.[125] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.[127][128]
Sculpture in present-day Latin America developed in two separate and distinct areas, Mesoamerica in the north and Peru in the south. In both areas, sculpture was initially of stone, and later of terracotta and metal as the civilizations in these areas became more technologically proficient.[129] The Mesoamerican region produced more monumental sculpture, from the massive block-like works of the Olmec and Toltec cultures, to the superb low reliefs that characterize the Mayan and Aztec cultures. In the Andean region, sculptures were typically small, but often show superb skill.
In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.[130]
The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.[131] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.
The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.
Modern classicism contrasted in many ways with the classical sculpture of the 19th century which was characterized by commitments to naturalism (Antoine-Louis Barye)—the melodramatic (François Rude) sentimentality (Jean-Baptiste Carpeaux)—or a kind of stately grandiosity (Lord Leighton). Several different directions in the classical tradition were taken as the century turned, but the study of the live model and the post-Renaissance tradition was still fundamental to them.Auguste Rodin was the most renowned European sculptor of the early 20th century.[132][133] He is often considered a sculptural Impressionist, as are his students including Camille Claudel, and Hugo Rheinhold, attempting to model of a fleeting moment of ordinary life. Modern classicism showed a lesser interest in naturalism and a greater interest in formal stylization. Greater attention was paid to the rhythms of volumes and spaces—as well as greater attention to the contrasting qualities of surface (open, closed, planar, broken etc.) while less attention was paid to story-telling and convincing details of anatomy or costume. Greater attention was given to psychological effect than to physical realism, and influences from earlier styles worldwide were used.
Early masters of modern classicism included: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. As the century progressed, modern classicism was adopted as the national style of the two great European totalitarian empires: Nazi Germany and Soviet Russia, who co-opted the work of earlier artists such as Kolbe and Wilhelm Lehmbruck in Germany[134] and Matveyev in Russia. Over the 70 years of the USSR, new generations of sculptors were trained and chosen within their system, and a distinct style, socialist realism, developed, that returned to the 19th century's emphasis on melodrama and naturalism.
Classical training was rooted out of art education in Western Europe (and the Americas) by 1970 and the classical variants of the 20th century were marginalized in the history of modernism. But classicism continued as the foundation of art education in the Soviet academies until 1990, providing a foundation for expressive figurative art throughout eastern Europe and parts of the Middle East. By 2000, the European classical tradition retains a wide appeal to the public but awaits an educational tradition to revive its contemporary development.
Some of the modern classical became either more decorative/art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) or more abstractly stylized or more expressive (and Gothic) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini)—or turned more to the Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) or stayed the same (Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernist sculpture movements include Cubism, Geometric abstraction, De Stijl, Suprematism, Constructivism, Dadaism, Surrealism, Futurism, Formalism, Abstract expressionism, Pop-Art, Minimalism, Land art, and Installation art among others.
In the beginning of the 20th century, Pablo Picasso revolutionized the art of sculpture when he began creating his constructions fashioned by combining disparate objects and materials into one constructed piece of sculpture; the sculptural equivalent of the collage in two-dimensional art. The advent of Surrealism led to things occasionally being described as "sculpture" that would not have been so previously, such as "involuntary sculpture" in several senses, including coulage. In later years Picasso became a prolific potter, leading, with interest in historic pottery from around the world, to a revival of ceramic art, with figures such as George E. Ohr and subsequently Peter Voulkos, Kenneth Price, and Robert Arneson. Marcel Duchamp originated the use of the "found object" (French: objet trouvé) or readymade with pieces such as Fountain (1917).
Similarly, the work of Constantin Brâncuși at the beginning of the century paved the way for later abstract sculpture. In revolt against the naturalism of Rodin and his late-19th-century contemporaries, Brâncuși distilled subjects down to their essences as illustrated by the elegantly refined forms of his Bird in Space series (1924).[135]
Brâncuși's impact, with his vocabulary of reduction and abstraction, is seen throughout the 1930s and 1940s, and exemplified by artists such as Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[136] and by the 1940s abstract sculpture was impacted and expanded by Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, and Frederick Kiesler who were pioneers of Kinetic art.
Modernist sculptors largely missed out on the huge boom in public art resulting from the demand for war memorials for the two World Wars, but from the 1950s the public and commissioning bodies became more comfortable with Modernist sculpture and large public commissions both abstract and figurative became common. Picasso was commissioned to make a maquette for a huge 50-foot (15 m)-high public sculpture, the so-called Chicago Picasso (1967). His design was ambiguous and somewhat controversial, and what the figure represents is not clear; it could be a bird, a horse, a woman or a totally abstract shape.
During the late 1950s and the 1960s abstract sculptors began experimenting with a wide array of new materials and different approaches to creating their work. Surrealist imagery, anthropomorphic abstraction, new materials and combinations of new energy sources and varied surfaces and objects became characteristic of much new modernist sculpture. Collaborative projects with landscape designers, architects, and landscape architects expanded the outdoor site and contextual integration. Artists such as Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, Philip Pavia and Louise Nevelson came to characterize the look of modern sculpture.
By the 1960s Abstract expressionism, Geometric abstraction and Minimalism, which reduces sculpture to its most essential and fundamental features, predominated. Some works of the period are: the Cubi works of David Smith, and the welded steel works of Sir Anthony Caro, as well as welded sculpture by a large variety of sculptors, the large-scale work of John Chamberlain, and environmental installation scale works by Mark di Suvero. Other Minimalists include Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, and John Safer who added motion and monumentality to the theme of purity of line.[137]
During the 1960s and 1970s figurative sculpture by modernist artists in stylized forms was made by artists such as Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham in a classic articulated style, and Fernando Botero bringing his painting's 'oversized figures' into monumental sculptures.
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Site specific and environmental art works are represented by artists: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,[139] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,[140] George Rickey and Christo and Jeanne-Claude led contemporary abstract sculpture in new directions. Artists created environmental sculpture on expansive sites in the 'land art in the American West' group of projects. These land art or 'earth art' environmental scale sculpture works exemplified by artists such as Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman and Dennis Oppenheim among others were pioneers of Postminimalist sculpture.
Also during the 1960s and 1970s artists as diverse as Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, and John DeAndrea explored abstraction, imagery and figuration through video art, environment, light sculpture, and installation art in new ways.
Conceptual art is art in which the concept(s) or idea(s) involved in the work take precedence over traditional aesthetic and material concerns. Works include One and Three Chairs, 1965, is by Joseph Kosuth, and An Oak Tree by Michael Craig-Martin, and those of Joseph Beuys, James Turrell and Jacek Tylicki.
Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).[141]
Sculptures are sensitive to environmental conditions such as temperature, humidity and exposure to light and ultraviolet light. Acid rain can also cause damage to certain building materials and historical monuments. This results when sulfuric acid in the rain chemically reacts with the calcium compounds in the stones (limestone, sandstone, marble and granite) to create gypsum, which then flakes off. Severe air pollution also causes damage to historical monuments.
At any time many contemporary sculptures have usually been on display in public places; theft was not a problem as pieces were instantly recognisable. In the early 21st century the value of metal rose to such an extent that theft of massive bronze sculpture for the value of the metal became a problem; sculpture worth millions being stolen and melted down for the relatively low value of the metal, a tiny fraction of the value of the artwork.[142]
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![Ciervo de oro con cabeza de águila y diez cabezas más en la cornamenta. Objeto inspirado en el arte de la montaña Altai siberiana, posiblemente Pazyryk, desenterrado en el yacimiento de Nalinggaotu, condado de Shenmu, cerca de Xi'an, China.[101] Posiblemente del "pueblo huno que vivía en la pradera del norte de China". Datado entre el siglo IV y III a. C.,[101] o del período de la dinastía Han.[102] Museo de Historia de Shaanxi.[102]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/Gold_monster.jpg/1280px-Gold_monster.jpg)
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![One of the seven life-size saints carved into the wall of the Church of Bet Golgotha, Lalibela, 15th century (traditionally believed to have been made during the reign of Gebre Mesqel Lalibela)[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/85/Bet_Golgotha.jpg/1280px-Bet_Golgotha.jpg)
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