Sir Jacob Epstein KBE (10 de noviembre de 1880 – 21 de agosto de 1959) fue un escultor británico-estadounidense que contribuyó a la creación de la escultura moderna. Nació en Estados Unidos y se trasladó a Europa en 1902, convirtiéndose en ciudadano británico en 1910.
Al principio de su carrera, en 1912, The Pall Mall Gazette describió a Epstein como "un escultor en rebelión, que está en conflicto mortal con las ideas de la escultura actual". [1] En su rebelión contra el arte ornamentado y bonito, realizó formas audaces, a menudo duras y masivas en bronce o piedra. Su escultura se distingue por su vigoroso realismo tosco . Vanguardistas en concepto y estilo, sus obras a menudo escandalizaban al público. Esto no solo fue resultado de su contenido sexual, a menudo explícito, sino también porque abandonaron las convenciones de la escultura griega clásica favorecidas por los críticos y escultores académicos europeos, para experimentar en cambio con la estética de tradiciones artísticas tan diversas como las de la India, China, la antigua Grecia, África occidental y las islas del Pacífico. [2] [3] Sus esculturas más grandes fueron las más expresivas y experimentales, pero también las más vulnerables.
Estos factores pueden haber centrado una atención desproporcionada en ciertos aspectos de la larga y productiva carrera de Epstein, a lo largo de la cual despertó hostilidad, especialmente al desafiar los tabúes en torno a la representación de la sexualidad. A menudo produjo obras controvertidas que desafiaban las ideas sobre qué era un tema apropiado para las obras de arte públicas. Epstein solía esculpir las imágenes de amigos, conocidos casuales e incluso personas que veía en la calle. Trabajó incluso el día de su muerte. También pintó; muchas de sus acuarelas y gouaches eran del bosque de Epping , donde vivió durante un tiempo. Estos a menudo se exhibieron en las Galerías Leicester de Londres.
Las esculturas de retratos en bronce fueron uno de los productos básicos de Epstein, y quizás el más conocido. Estas esculturas se ejecutaban a menudo con superficies de texturas ásperas, manipulando expresivamente pequeños planos de superficie y detalles faciales.
Epstein era judío, [4] [5] [6] [7] y las críticas negativas de su obra a veces adquirían un tono antisemita , aunque no atribuía la "crítica desfavorable promedio" de su obra al antisemitismo. [8]
Después de la muerte de Epstein, Henry Moore escribió un homenaje en The Sunday Times que incluía un reconocimiento del papel central de Epstein en el desarrollo de la escultura moderna en Gran Bretaña. "Aceptó las críticas, los insultos, se enfrentó a los aullidos de burla con los que los artistas desde Rembrandt han aprendido a familiarizarse. Y en lo que respecta a la escultura en este siglo, él los recibió primero... Hemos perdido a un gran escultor y a un gran hombre". [9] : 274
Epstein nació en el número 102 de Hester Street , en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. Sus padres eran Max Epstein, antes Jarogenski o Jarudzinski, y Mary Epstein, de soltera Solomon, ambos judíos ortodoxos cuyas familias habían emigrado de Augustów, en Polonia. [10] [11] La familia era de clase media, propietaria de varios negocios y viviendas, y Jacob era el tercero de sus ocho hijos supervivientes. [10] [9] : 1
De niño, Epstein sufrió pleuresía y abandonó la escuela a los trece años. Entre 1893 y 1898 asistió a clases en la Art Students League de Nueva York . [10] En 1898 organizó una exposición en el Instituto Hebreo para un grupo de artistas judíos locales y en 1899 optó por quedarse en Hester Street cuando su familia se mudó a Madison Avenue , manteniéndose trabajando como inspector de viviendas y, brevemente, como instructor de educación física. [12] También comenzó a vender sus dibujos y proporcionó ilustraciones para dos artículos del periodista Hutchins Hapgood . [12] Epstein pasó el invierno de 1899 trabajando como cortador de hielo con su amigo Bernard Gussrow en Greenwood Lake en Nueva Jersey. [10]
En 1900, el edificio de viviendas de Hester Street en el que Epstein vivía se incendió y, además de perder todos sus bocetos y dibujos, se quedó sin hogar. [13] Con la ayuda del movimiento de asentamiento local, consiguió un trabajo como peón de campo en Southboro, Massachusetts . [13] Al regresar a Manhattan en junio de 1901, trabajó en una fundición de bronce mientras tomaba clases para asistentes de escultor en la Art Students League de Nueva York. [10] El primer encargo importante de Epstein fue ilustrar el libro de Hutchins Hapgood de 1902 The Spirit of the Ghetto . Epstein utilizó el dinero del encargo para dejar la ciudad de Nueva York con destino a París en septiembre de 1902. [10]
En su segundo día completo en París, durante octubre de 1902, Epstein vio la procesión fúnebre de Émile Zola y fue testigo de algunos de los abusos antisemitas dirigidos al cortejo que pasaba. [9] : 22 [13] Epstein estudió en la École des Beaux-Arts desde octubre de 1902 hasta marzo de 1903 y luego, de abril de 1903 a 1904, en la Académie Julian , donde fue profesor de Jean-Paul Laurens . [10] [12] Compartió un estudio en Montparnasse con Bernard Gussrow y durante 1904 y 1905 parece haber estudiado de forma independiente en varios museos de París. [10] Visitaba regularmente el Louvre para ver su colección de esculturas no europeas, estudiaba arte indio y del Lejano Oriente en el Musée Guimet y obras de arte de China en el Musée Cernuschi . [12]
Epstein visitó a Rodin en su estudio y conoció a Margaret Dunlop, conocida como Peggy, (1873-1947), quien lo animó a visitar Londres, lo que hizo en 1904. [10] Allí pasó algún tiempo viendo esculturas de las culturas africana y polinesia en el Museo Británico , todas las cuales tendrían una profunda influencia en su trabajo futuro. [10]
Después de destruir el contenido de su estudio de París, Epstein se mudó a Londres en 1905 con Dunlop, con quien se casó en noviembre de 1906. [12] La pareja vivió en Stanhope Street cerca de Regent's Park antes de mudarse a los Stamford Street Studios en Fulham . [10] Con una referencia de Rodin, Epstein obtuvo acceso a varias figuras de la sociedad, en particular George Bernard Shaw y Robbie Ross y a un círculo de artistas asociados con el New English Art Club , NEAC, incluidos Muirhead Bone y Augustus John . [10] [12] Tuvo un modelo de cera exhibido en una gran exposición de arte judío en la Whitechapel Art Gallery durante 1906 y una pintura al óleo incluida en la muestra del NEAC de diciembre de 1906. [9] : 45 En 1907, Epstein trasladó su estudio a 72 Cheyne Walk , donde comenzó a trabajar en su primer encargo público importante, una serie de estatuas para el nuevo edificio de la Asociación Médica Británica en Londres. [12]
Entre 1907 y 1908, Epstein creó dieciocho esculturas de gran tamaño para la fachada del segundo piso del nuevo edificio de Charles Holden para la Asociación Médica Británica, BMA, en The Strand (ahora Zimbabwe House ) en el centro de Londres. Epstein creó modelos de cada figura en su estudio y luego los fundió en yeso. Los modelos de yeso se llevaron al Strand, donde fueron copiados en piedra por una firma de talladores arquitectónicos comerciales, John Drymond de Westminster Bridge Road. Luego, Epstein realizó pequeños ajustes y cambios a las figuras de piedra. Este proceso de usar modelos, moldes y talladores comerciales era la norma para la escultura arquitectónica en ese momento y fue uno que Epstein pronto llegó a rechazar. [13] [14]
Aunque las seis figuras que representan aspectos de la medicina y la ciencia atrajeron poca atención, las doce estatuas que representan diferentes etapas de la vida fueron muy criticadas, en particular por la Asociación Nacional de Vigilancia , cuyas oficinas estaban frente al edificio. [9] : 49 [13] Su opinión de que las figuras, en particular la de la Maternidad en avanzado estado de gestación y los desnudos masculinos, eran sexualmente explícitas e insultantes para las sensibilidades eduardianas fue retomada por varios periódicos. [15] En junio de 1908, el London Evening Standard describió las esculturas como "estatuas que ningún padre cuidadoso desearía que su hija, o ningún joven discriminador que su prometida viera". [9] : 49 Se llamó a un oficial de policía para que subiera al andamio para inspeccionar las estatuas, al igual que el obispo de Stepney, Cosmo Gordon Lang , quien las aprobó. [9] : 50 Varias otras figuras públicas y artistas defendieron las obras y, en una reunión de su consejo de gobierno en julio de 1908, la BMA acordó mantenerlas en su lugar. [9] : 51
En términos histórico-artísticos, las esculturas de Strand representaron el primer intento exhaustivo de Epstein de romper con la iconografía europea tradicional en favor de elementos derivados de la escultura clásica de la India . Las figuras femeninas en particular incorporaron la postura y los gestos de las manos del arte budista , jainista e hindú del subcontinente. [16] [17] [18]
Mientras trabajaba en las estatuas de Strand, Augustus John le pidió a Epstein que creara un retrato de su hijo de dos años, Romilly. Este Romilly John de bronce de 1907 se convirtió en el primero de una serie de retratos de este tipo del niño. [10] En 1909, Epstein talló una versión en piedra que conservó durante el resto de su vida. [19] La controversia de 1908 sobre las estatuas de Strand dejó a Epstein deprimido y falto de dinero. [9] : 53 Durante el resto de 1908 trabajó en retratos y piezas pequeñas, en particular bustos de Euphemia Lamb y su primer busto de Mary McEvoy . [13] [20]
A finales de 1908, sin ninguna discusión previa ni advertencia previa, Robbie Ross anunció que Epstein era el escultor elegido para una nueva tumba de Oscar Wilde en el cementerio Père Lachaise , París. [9] : 54 Después de un período dedicado al estudio de los escritos de Wilde, Epstein diseñó un monumento con una gran estatua de Narciso . Después de varios meses, cambió de opinión y destruyó ese monumento, casi completo, a favor de un nuevo diseño tallado directamente en piedra. [9] : 56 [13] La decisión de tallar directamente en piedra , entonces un nuevo y radical cambio para los escultores contemporáneos, puede reflejar la influencia del entonces amigo y colaborador de Epstein, Eric Gill . [16] A lo largo de la segunda mitad de 1910, Epstein y Gill se reunieron casi a diario, pero finalmente se pelearon. A principios de ese año habían mantenido largas discusiones con otros artistas, incluidos Augustus John y Ambrose McEvoy , sobre la formación de una hermandad religiosa. [9] : 61 También planearon la construcción en Sussex Downs de un colosal monumento al arte, al que Gill se refirió "como una especie de Stonehenge del siglo XX". [9] : 59 [21] [1] Durante el tiempo que trabajaron juntos, tanto Epstein como Gill produjeron obras significativas sobre temas similares, en particular Sun God de Epstein y Cocky Kid de Gill y ambos tallaron cabezas de retrato de Romilly John. [13] [21] La tercera cabeza de Romilly John de Epstein, titulada Rom , fue tallada en un bloque rectangular de piedra caliza, que conservó, completo con marcas de cincel, como base para la cabeza del niño, de modo que pareciera como si la figura hubiera emergido de la roca. [14] Tanto Rom como otra talla llamada Sun Goddess muestran la influencia del arte oriental y egipcio en Epstein y hasta qué punto se estaba alejando de las tradiciones de escultura más clásicas y aceptadas. [1] [19]
Epstein pasó nueve meses en el estudio de Gill en Ditchling tallando, a partir de un bloque de piedra de Hopton Wood , el nuevo diseño para la tumba de Wilde y para el cual Gill diseñó la inscripción. Este diseño estaba claramente influenciado por las enormes esculturas asirias que Epstein conocía del Museo Británico y presentaba, en sus palabras, "una figura enorme y alada... la concepción del poeta como mensajero" con figuras más pequeñas que representaban la fama, el orgullo intelectual y el lujo. [9] : 63–64 [13] En junio de 1912, Epstein hizo que la tumba terminada se exhibiera en su estudio de Londres para que el público la viera. La obra recibió críticas positivas y fue muy elogiada en la prensa británica, incluso por publicaciones que habían criticado las estatuas de Strand. [9] : 67 [22]
Tras una presentación de Augustus John en 1910, John Quinn , un rico coleccionista estadounidense y mecenas de los modernistas, visitó el estudio de Epstein para ver la tumba de Wilde y rápidamente se convirtió en el principal mecenas del artista y coleccionista de su obra. [9] : 65 [23] Después de su muerte en 1924, varias de las Epstein de Quinn fueron adquiridas por colecciones públicas en los Estados Unidos. [13]
En septiembre de 1912, tras una prolongada disputa con las autoridades aduaneras francesas sobre el arancel de importación a pagar, la tumba de Wilde fue instalada en el cementerio de Père Lachaise. Las autoridades de París consideraron que el monumento era ofensivo debido a los testículos de la criatura voladora y lo cubrieron con una lona. Exigieron que Epstein quitara las partes ofensivas o las cubriera. Él se negó y en varias ocasiones visitó el cementerio y, con la ayuda de amigos como Nina Hamnett y Brancusi , quitó la lona solo para que las autoridades del cementerio la reemplazaran más tarde. Este enfrentamiento, con Epstein viajando entre Londres y París con frecuencia, continuó hasta agosto de 1914, cuando Robbie Ross, en contra de los deseos de Epstein, hizo que se hiciera una placa con forma de mariposa a modo de hoja de parra para cubrir los testículos de la criatura. Epstein se negó a asistir a la inauguración oficial, que fue realizada por Aleister Crowley . [9] : 71–73 [3] Posteriormente, Crowley le presentó a Epstein la hoja de parra de la tumba una noche en el Café Royal de Londres. [13]
Durante su estancia en París defendiendo la tumba de Wilde, así como la de Brancusi, Epstein conoció y se hizo amigo de Modigliani y Picasso , cada uno de los cuales influyó en su obra futura. [13] [24] En mayo y junio de 1912, Epstein estuvo entre los artistas contratados para producir obras de arte para un nuevo club nocturno de Londres, The Cave of the Golden Calf , que le puso en contacto con varios artistas más jóvenes, en particular Wyndham Lewis y el poeta TE Hulme . [13] Esto llevó a Epstein a asociarse con el efímero movimiento vorticista y a contribuir con dos ilustraciones a la primera edición de la revista vorticista Blast . [9] : 89
A principios de 1913, después de vivir en habitaciones alquiladas en Montparnasse durante tres meses, los Epstein se mudaron a un bungalow apartado en el pueblo de Pett Level en East Sussex. [9] : 80–81 Utilizando el cobertizo del jardín como estudio, durante los siguientes tres años Epstein produjo una serie de obras notables. [13]
En Pett Level, Epstein se dio cuenta del mineral verde oscuro serpentinita , al que llamó flenita, y lo utilizó para esculturas, incluidas Flenite Women y Flenite Relief, que mostraba a un bebé emergiendo del útero. [9] : 82 Esculpió dos figuras de mujeres embarazadas, una de las cuales fue finalmente adquirida por la Tate . Cursed Be the Day instead of I was Born era la figura de yeso de un niño, pintado de rojo, aparentemente llorando o gritando. [9] : 82 Creó tres esculturas de mármol de parejas de palomas apareándose, las dos primeras de las cuales se mostraron en exposiciones colectivas durante 1913 y en su exposición individual en la Twenty-One Gallery en diciembre de 1913. [9] : 83–85 [24] Las reseñas de todas estas obras, tanto en la prensa popular como en las revistas de arte, fueron casi universalmente hostiles e insultantes para Epstein. [9] : 83
En Londres, Epstein alquiló una habitación encima de una librería en Devonshire Street y utilizó un garaje en las caballerizas adyacentes para comenzar a trabajar en Rock Drill , que era demasiado grande para el cobertizo de Pett Level. [9] : 83 En el verano de 1914 estaba cerca de completar el trabajo, pero no podía permitirse el lujo de fundirlo en acero y, en su lugar, hizo la figura superior en yeso. [9] : 92 [15]
El inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914 vio el cierre de varias galerías de arte de Londres y dejó a Epstein en dificultades financieras, incapaz de vender ninguna obra y con una gran cantidad de piezas inacabadas. [9] : 92 En marzo de 1915, en una exposición del London Group en la Goupil Gallery , Epstein exhibió varias obras, incluidas las piezas Flenite y Doves además, por primera y única vez en público, Rock Drill . [9] : 94 Al hacer de un taladro industrial real, inalterado, una parte integral de la escultura, Epstein debe haber esperado críticas. [14] El cuerpo amenazante montado en el taladro parecía estar ensamblado a partir de piezas de máquina, incluida una cabeza en un eje con la única característica orgánica del feto dentro de la caja torácica abierta de la criatura. [14] La respuesta del crítico fue casi universalmente hostil y abusiva. PG Konody describió a Rock Drill como "indeciblemente repugnante" y Augustus John persuadió a John Quinn de no comprarlo. [9] : 95 Incluso el crítico de apoyo de The Guardian concluyó que la "incongruencia" de la obra era "demasiado difícil de captar para la mente". [14] En mayo de 1916, Epstein, aparentemente mortificado por la continua matanza de la guerra, tomó la decisión de romper la escultura. Quitó el taladro por completo y redujo la figura superior a un torso sin piernas y con un solo brazo, que había fundido en bronce de cañón. [14] Cuando se mostró en el London Group en el verano de 1916, el torso parecía más una víctima que la figura amenazante de la escultura original. [14] En este punto, Epstein comenzó a concentrarse menos en la escultura de vanguardia y a adoptar formas de trabajo más figurativas. [14]
Más tarde, en 1915, Epstein mostró una serie de bustos de retratos, incluidos los de Iris Beerbohm-Tree y Lilian Shelley , en una exposición de la National Portrait Society, todos los cuales recibieron críticas positivas y se vendieron bien. [9] : 97 Posteriormente produjo un notable busto de retrato del almirante Lord Fisher . [9] : 99 Durante 1916, los Epstein dejaron Pett Level y se mudaron a Guildford Street en el área de Bloomsbury en el centro de Londres. [12]
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Como Epstein se había convertido en súbdito británico naturalizado en diciembre de 1910, era elegible para el reclutamiento en las fuerzas armadas británicas. [9] : 62 Después del cabildeo de Margaret Epstein, John Quinn y otros, se le concedió una exención de tres meses del reclutamiento, lo que le permitió a Epstein prepararse para una importante exposición individual en las Galerías Leicester en febrero y marzo de 1917. [9] : 100–103 La exposición atrajo a grandes multitudes y fue un éxito crítico y comercial. [12] Se concedió otra exención de tres meses del reclutamiento, pero después de una campaña de prensa con objeciones de, entre otros, GK Chesterton y el escultor Adrian Jones , además de una pregunta en la Cámara de los Comunes , la concesión fue retirada. [9] : 106–107 En septiembre de 1917, Epstein era soldado raso del 38.º Batallón de los Fusilieros Reales , conocido como la Legión Judía , estacionado en el cuartel de Crownhill, Plymouth . [12]
Se hicieron varios intentos para que Epstein fuera creado como artista de guerra oficial. Su liberación del servicio activo y su adscripción al recién formado Museo Imperial de la Guerra fue aprobada por el mariscal de campo Haig en diciembre de 1917, pero rápidamente se retiró después de que el escultor George Frampton planteara objeciones. [25] La salida programada de su regimiento a Oriente Medio precipitó un colapso en Epstein. Después de que lo encontraran vagando por Dartmoor y pasara un período en el hospital, fue dado de baja del ejército en julio de 1918 sin haber salido de Inglaterra. [9] : 109–113 [13] Después de que terminó la guerra, Muirhead Bone compró, para el Museo Imperial de la Guerra, tres bustos de retratos de sujetos militares de Epstein, incluidos The Tin Hat y Sergeant DF Hunter, VC . [13] [26]
Epstein pasó la mayor parte de 1919 haciendo esculturas de retratos, pero también volvió a trabajar en un gran bronce, El Cristo resucitado , que había abandonado cuando lo llamaron a filas. Cuando se exhibió en las Galerías de Leicester en febrero de 1920, la figura de siete pies de un Cristo demacrado y acusador provocó un torrente de insultos hacia Epstein, algunos de los cuales eran de naturaleza racista. [9] : 117–121 La controversia atrajo a más de mil personas por día a través de los torniquetes de las Galerías de Leicester para la exhibición. [13] El Cristo resucitado fue comprado por el explorador Apsley Cherry-Garrard y finalmente adquirido por las Galerías Nacionales de Escocia . [27]
En 1922, Epstein consiguió un encargo de la Royal Society for the Protection of Birds , RSPB, para un monumento en Hyde Park, Londres, al autor y naturalista WH Hudson . A principios de 1923, había producido un modelo de Hudson junto a un árbol, mirando un pájaro. [9] : 132 La RSPB aprobó el diseño, pero las autoridades del parque se opusieron y solicitaron un nuevo diseño. [9] : 134 El nuevo diseño de Epstein se centró en el personaje, Rima , de la novela de Hudson Green Mansions y, después de presentar numerosos tratamientos de la figura, se aprobó un diseño final en febrero de 1924. [9] : 136 Cuando el primer ministro Stanley Baldwin inauguró el monumento el 19 de mayo de 1925, hubo jadeos de horror al ver la figura con el pecho desnudo que Epstein había creado. [9] : 137 Arthur Conan Doyle organizó una petición para que se eliminara el monumento. [28] El Daily Mail publicó el titular "Saquen este horror del parque", mientras que el Morning Post describió a Rima como "horrible, antinatural, anti-inglesa" y se hizo una pregunta en la Cámara de los Comunes sobre "este espécimen de arte bolchevique". [9] : 137–138 Los abusos dirigidos a Rima y Epstein duraron años. [29] El monumento fue vandalizado con pintura en noviembre de 1925 y, en diferentes momentos, durante la década de 1930 fue profanado con esvásticas y lemas fascistas. [9] : 139–140 [30]
En enero de 1924, las Galerías Leicester celebraron su tercera exposición de las obras de Epstein. La exposición atrajo pocas ventas, pero provocó una reseña crítica y perjudicial en el New Statesman por Roger Fry y un artículo anónimo y abiertamente racista en The New Age . [9] : 141–143 A través de Muirhead Bone, Epstein recibió el encargo del gobierno de Polonia de crear un busto de Joseph Conrad . Epstein, escribió Conrad, "ha producido una maravillosa obra de arte de una dignidad algo monumental y, sin embargo, todo el mundo está de acuerdo en que el parecido es sorprendente". [31] El gobierno polaco se negó a aceptar la obra, completada unos meses antes de que Conrad muriera, y finalmente, en 1960, fue adquirida por la National Portrait Gallery de Londres. [9] : 143–144 [32]
En 1927 Epstein aceptó realizar una exposición en Nueva York en la Galería Ferargil en West 47th Street y pasó la mayor parte de ese año preparando cincuenta obras para la muestra. [9] : 153 La exposición fue un éxito, con varias piezas vendidas, incluidas dos compradas por colecciones públicas. [9] : 160 Durante sus cuatro meses en Estados Unidos, Epstein hizo tres bustos de retrato, el más notable de los cuales es el del cantante Paul Robeson . [9] : 162
A principios de 1928, la familia Epstein se mudó al número 18 de Hyde Park Gate , una casa de cinco pisos con un salón de baile que se convirtió en el estudio de Epstein y le permitió comenzar a reunir sus obras no vendidas e inacabadas de varios cobertizos y garajes de todo Londres. También conservó Deerhurst, una cabaña y estudio en Loughton en Epping Forest . [9] : 166
Un encargo de Charles Holden para dos esculturas para el nuevo edificio de la sede del London Electric Railway generó más controversia en 1929. Las esculturas de Epstein, Día y Noche, sobre las entradas del 55 de Broadway, fueron criticadas por indecentes, feas y primitivas, aunque algunos críticos, en particular RH Wilenski , las consideraron un logro importante. [9] : 173 [13] A partir de octubre de 1928, Epstein talló las dos figuras in situ mientras se construían los pisos superiores del edificio sobre él. Consciente del potencial de controversia, no fue identificado, al menos en público, como el escultor hasta mayo de 1929, cuando se completó Noche ante una tormenta de críticas. Durante algún tiempo se produjo un debate sobre las demandas de retirar las estatuas. Para apaciguar a la junta ferroviaria, Holden persuadió a Epstein para que modificara el pene de la más pequeña de las dos figuras representadas en Día . [9] : 172 En octubre de 1929, unos días antes de que se profanara el monumento a Hudson, se intentó vandalizar Night . [30] La controversia afectó la capacidad de Epstein de conseguir encargos para grandes obras públicas, que en gran medida se estancaron durante veinte años. [9] : 173
Sin recibir encargos de grandes monumentos públicos durante la década de 1930, Epstein trabajó en una serie de grandes esculturas sobre temas religiosos de significado personal para él, mientras apoyaba a su familia con encargos de bustos y vendiendo pinturas de flores y paisajes.
En 1929, Epstein talló Génesis , una enorme figura de mármol de tres toneladas de una mujer embarazada con un vientre hinchado y un rostro basado en una máscara africana. [33] Cuando se mostró como parte de la exposición de Epstein de febrero de 1930 en las Galerías Leicester, la respuesta a Génesis fue cruel, no solo de la prensa popular sino de revistas más serias. Epstein se opuso especialmente a una crítica insultante del artista Paul Nash . [9] : 175–177 Después de una pausa de casi veinte años, Epstein volvió a la escultura Sun God y comenzó, en 1932, a tallar un nuevo relieve en la parte trasera del bloque, una figura masculina encorvada con dos formas infantiles a lo largo de su cuerpo, titulada Primeval Gods . [9] : 182 [21]
Epstein pasó el verano de 1933 en su cabaña de Epping Forest y, en el espacio de dos meses, pintó más de cien paisajes y composiciones florales. Estos fueron exhibidos en la Galería Tooth esa Navidad y esta exhibición navideña de sus pinturas se convirtió en un evento anual popular. [9] : 188 Durante septiembre de 1933, de camino a Estados Unidos, Albert Einstein pasó algunas semanas en Roughton Heath , Norfolk, y aceptó posar para Epstein durante siete días. [9] : 189 Epstein recordó su encuentro con Einstein como: "Su mirada contenía una mezcla de lo humano, lo humorístico y lo profundo. Esta fue una combinación que me encantó. Se parecía al viejo Rembrandt". [34] [35]
A lo largo de 1934, Epstein luchó con la talla de un enorme bloque de mármol que resultó ser tan duro que rompía regularmente sus herramientas hasta que mandó fabricar un nuevo conjunto de instrumentos para el trabajo. He aquí al hombre (Ecce Homo) representaba a un Cristo rechoncho con una cabeza enorme que, en palabras de Epstein, era "un símbolo del hombre, atado, coronado de espinas y enfrentándose con una mirada implacable y abrumadora de piedad y presciencia a nuestro mundo infeliz". Exhibida por primera vez, inacabada, en las Galerías de Leicester en marzo de 1935, Ecce Homo provocó una tormenta de críticas que incluían acusaciones de blasfemia. Algunos periódicos consideraron la obra tan grotesca que se negaron a publicar fotografías de ella. Anthony Blunt escribió una crítica positiva para The Spectator , afirmando que la escala de la obra era más adecuada para una gran iglesia que para una galería de arte. Epstein nunca vendió la obra y permaneció en su estudio durante toda su vida. En 1958, el rector de la abadía de Selby, en Yorkshire, se puso en contacto con él y le preguntó si Epstein dejaría el Ecce Homo a la abadía en su testamento. Aceptó, pero los miembros de la iglesia local presentaron una petición que persuadió a las autoridades eclesiásticas para que desestimaran la decisión del rector y rechazaran el obsequio. No fue hasta 1969 que el Ecce Homo , donado por la viuda de Epstein, Kathleen Garman , fue finalmente instalado en las ruinas de la catedral de Coventry . [9] : 192–194 [36]
En 1926, la Asociación Médica Británica había desocupado su sede de Strand y el edificio fue vendido al gobierno de Nueva Zelanda que, en 1928, encargó un estudio estructural de las estatuas de Epstein de 1908. Este estudio encontró amplios signos de erosión, desgaste y otros daños entre ellas. [37] No se tomaron más medidas en ese momento, pero en 1935 el edificio fue vendido al gobierno de Rodesia del Sur y los nuevos propietarios pronto anunciaron su intención de retirar las estatuas de Epstein del edificio. Se lanzó nuevamente una vigorosa campaña para preservar las figuras. Los líderes de nueve de las principales organizaciones de arte de Gran Bretaña, pero notablemente no la Royal Academy, firmaron una carta apoyando la preservación de las estatuas. [37] [29] [3] Esa campaña fue un éxito hasta 1937 cuando, mientras se retiraban del edificio algunos banderines, erigidos para la coronación de Jorge VI , un trozo de una figura se desprendió y cayó al pavimento de abajo. El Consejo del Condado de Londres ordenó a los propietarios que hicieran que el edificio fuera seguro. [37] Los propietarios declararon que todas las características salientes de las estatuas no eran seguras y debían ser retiradas. [3] Los intentos de encontrar una solución alternativa, como retirar y volver a tallar elementos de las estatuas, se vieron obstaculizados cuando Epstein insultó al Alto Comisionado de Rodesia del Sur en una entrevista de prensa. [37] Las partes cortadas incluían las cabezas y las manos de las dieciocho figuras, los pies de la mayoría de ellas y otros elementos definitorios clave, como el feto de la estatua de Matter y la figura de un bebé recién nacido de Infancy . [38] Varias de estas piezas fueron finalmente adquiridas por la Galería Nacional de Canadá y una de las cabezas se encontró más tarde en una escuela de Bulawayo . [38] [39]
En la segunda mitad de la década de 1930, junto con su trabajo escultórico, Epstein se hizo cargo de otros proyectos en diferentes medios. Con el artista Bernard Meninsky , diseñó y pintó el telón del escenario para el ballet David en el Duke of York's Theatre en el centro de Londres. El telón, ahora perdido, se consideró un gran éxito. [9] : 203 Considerablemente menos apreciadas fueron las ilustraciones de Epstein para una edición de Les Fleurs du mal de Baudelaire . Encargado de producir veinte dibujos, Epstein creó sesenta ilustraciones que consideró entre sus mejores trabajos en cualquier medio, pero cuando se exhibieron en la Tooth's Gallery en diciembre de 1936, se encontraron con una desaprobación casi universal. [9] : 206–208
Durante 1936, Epstein comenzó a tallar un gran bloque de alabastro en su estudio de Hyde Park Gate. Inspirado por la Misa en si menor de Bach , talló Consummatum Est , una figura horizontal de Cristo crucificado con las heridas de los estigmas en sus manos y pies visibles. [9] : 204–206 [40] Epstein comenzó, en 1938, a esculpir Adam , una figura de siete pies de alto tallada en un bloque de alabastro de tres toneladas. [9] : 213 Los directores de las Leicester Galleries se mostraron reacios a incluir la figura gigante desnuda con sus genitales y músculos de gran tamaño en la exposición de Epstein de junio de 1939, pero temían que retirara todo su trabajo de la galería si no lo aceptaban. Adam fue de gran importancia personal para Epstein, quien, durante la primera mitad de 1939, trabajó día y noche en la figura. Junto con la indignación habitual que acogió gran parte del trabajo de Epstein, el grupo fascista de Oswald Mosley amenazó con atacarlo. [9] : 216–218
Una fotografía del Adán inacabado formó el frontispicio de la primera edición de la autobiografía de Epstein Let There Be Sculpture , que se publicó en 1940. [41] Cuarenta páginas, una quinta parte del libro, se dedicaron al relato de Epstein de la controversia de las esculturas de Strand. [37]
Durante la Segunda Guerra Mundial , Epstein recibió el encargo de realizar seis encargos para el Comité Asesor de Artistas de Guerra . Después de completar los bustos de bronce del almirante de la flota Sir Andrew Cunningham , el general Sir Alan Cunningham , el mariscal del aire Sir Charles Portal y Ernest Bevin , Epstein aceptó un encargo para crear bustos de John Anderson y Winston Churchill . Completó el busto de Winston Churchill a principios de 1947. [42] Para entonces, Churchill vivía en Hyde Park Gate al otro lado de la calle de Epstein y los dos se hicieron amigos. Epstein hizo numerosos moldes del busto de Churchill y fue una de sus obras más populares. [9] : 231
A lo largo de la guerra, Epstein continuó pintando flores y escenas del bosque de Epping y realizó exposiciones navideñas de esas obras con gran éxito comercial. [9] : 227 También trabajó en dos grandes proyectos privados, Jacob y el ángel y Lucifer . [13] Exhibida por primera vez en febrero de 1942, Jacob y el ángel , basada en una historia bíblica, representa dos figuras, una alada, encerradas en un abrazo talladas en un bloque de alabastro de cuatro toneladas, surcado de vetas de color rosa y marrón. [9] : 223 [43]
Epstein imaginó al ángel caído Lucifer como una figura alta, alada y andrógina con genitales masculinos y rostro femenino, el de la modelo de Cachemira Sunita Devi , todo fundido en bronce patinado en oro. La parte frontal de las Galerías de Leicester tuvo que ser removida para poder colocar la estatua en su interior para su primera exhibición pública en octubre de 1945. A pesar de las críticas positivas, Lucifer permaneció sin vender hasta 1946, cuando AW Lawrence , el hermano de TE Lawrence , y el Seven Pillars of Wisdom Trust la compraron con la intención de donarla al Museo Fitzwilliam en Cambridge. El Fitzwilliam rechazó la donación, al igual que el Museo Victoria and Albert y la Tate, pero varios otros museos mostraron interés y Epstein se alegró cuando la estatua entró en la colección del Museo y Galería de Arte de Birmingham , donde permanece. [9] : 232–233 [44]
Jacob and the Angel fue comprado por un hombre de negocios, Charles Stafford, que ya poseía el Adam de Epstein, que había estado exhibiendo en ferias y fiestas locales por su valor de impacto. [9] : 218 [45] En Blackpool, instaló Jacob and the Angel en una vieja cabina de canciones en el paseo marítimo detrás de un cartel de "Solo adultos". [45] Finalmente, Stafford vendió Jacob and the Angel y Adam , además de Consummatum Est , que también era de su propiedad, a Louis Tussaud . Tussaud devolvió las obras a Blackpool donde, junto con Genesis , se exhibieron en la sección de curiosidades anatómicas de sus figuras de cera. [45] Las obras se exhibieron junto a marionetas danzantes, partes del cuerpo enfermas y bebés gemelos unidos en frascos. Colocar su trabajo en el contexto de la curiosidad monstruosa fue una fuente constante de angustia para Epstein. [40] [46]
Después de la Segunda Guerra Mundial, hubo un cambio notable en las actitudes hacia Epstein y, acercándose a los setenta años, estaba a punto de disfrutar de un período sostenido de reconocimiento y uno de los períodos más activos de su vida artística. A principios de 1950, recibió su primer encargo en veinte años para un monumento público, la estatua Youth Advancing , para el Festival of Britain de 1951. [9] : 245 La talla de Lázaro de Epstein de 1947 fue comprada por New College, Oxford e instalada en la capilla allí en enero de 1952. [9] : 240
En 1947, el arquitecto Louis Osman fue contratado por las monjas del Convento del Santo Niño para reconstruir sus edificios dañados por las bombas en Cavendish Square en el centro de Londres. El diseño de Osman incluía un puente que unía dos partes del complejo y que soportaría una gran escultura. Las monjas estaban ansiosas por tener una escultura de la Virgen con el Niño y planeaban contratar a un escultor católico para la obra. Osman estaba decidido a tener una obra de Epstein y, sin consultar a las monjas, le pidió que produjera una maqueta . Cuando el convento rechazó el diseño de Epstein por cuestiones de costo, él y Osman, con la ayuda de Kenneth Clark y el Arts Council , acordaron cubrir el costo ellos mismos. El convento aceptó el diseño de Epstein con la condición de que escuchara cualquier sugerencia que hicieran. Después de que Epstein aceptara sus preocupaciones sobre el rostro de la Virgen y cambiara la cabeza de una basada en Kathleen Garman a una inspirada en su amiga Marcella Bazrtti, el convento comenzó a trabajar duro para recaudar fondos para que la escultura fuera fundida en plomo. [9] : 246–248 Inaugurada el 14 de mayo de 1953 por Rab Butler , el Ministro de Hacienda , la Virgen con el Niño de Cavendish Square recibió elogios casi universales. [9] : 254
Mientras trabajaba en Madonna and Child durante 1951 y 1952, Epstein emprendió otros proyectos importantes. En agosto de 1951 viajó a los Estados Unidos para ver el sitio en Fairmount Park , Filadelfia, donde el Museo de Arte de Filadelfia le había encargado la creación de un gran grupo escultórico, Social Consciousness ; [9] : 248 fue uno de los 250 escultores que expusieron en la 3.ª Exposición Internacional de Escultura celebrada allí en el verano de 1949. En Londres, la Tate organizó una gran exposición retrospectiva de su obra en septiembre de 1952 con cincuenta y nueve esculturas y veinte dibujos. [9] : 249
El éxito de Madonna and Child en 1953 condujo a una reevaluación dramática del trabajo de Epstein en general y a más encargos públicos. [13] Ese año recibió encargos de la Catedral de Llandaff en Cardiff y, del Gobierno británico, un encargo para una estatua del mariscal de campo Jan Smuts para ser colocada en Parliament Square . [12] Tal fue la escala y la cantidad de trabajo que Epstein asumió, que se le dio el uso de un estudio extra grande en el Royal College of Art . [9] : 254 Allí trabajó en los tres grandes grupos de figuras que comprenden Social Consciousness durante 1953, la figura de Liverpool Resurgent y partes del gigante Cristo en Majestad para la Catedral de Llandaff. La catedral había encargado originalmente que la figura se hiciera en yeso dorado pero, después de que Epstein se ofreciera a pagar para que se fundiera en metal, las autoridades de la iglesia acordaron cubrir el costo de una fundición de aluminio. [47] No fue hasta abril de 1957, que Cristo en Majestad , fue presentado, suspendido sobre la nave de la catedral sobre un arco de hormigón diseñado por George Pace . [13]
Epstein fue nombrado Caballero Comendador de la Orden del Imperio Británico en los Honores de Año Nuevo de 1954. [48] Epstein sospechaba firmemente que Winston Churchill lo había nominado para el honor. [ 9] : 256 En 1955, recibió una solicitud de Basil Spence , el arquitecto que estaba construyendo la nueva Catedral de Coventry , para producir una pequeña maqueta para una escultura gigante de la Victoria de San Miguel sobre el Diablo ; también recibió un encargo del Congreso de Sindicatos , TUC, para un monumento de guerra para su nuevo edificio de la sede. Al año siguiente, la Abadía de Westminster encargó un monumento a William Blake para Poet's Corner . [13] Tan pronto como terminó la maqueta para la Catedral de Coventry, Epstein comenzó a hacer la cabeza y las alas de la figura de tamaño real sin esperar a que las autoridades de la catedral aprobaran el proyecto. Cuando aparecieron informes de la obra en la prensa, Spence le dejó en claro a Epstein que la catedral no tenía obligación de aceptarla. Epstein dijo que lo haría para su propio beneficio. Cuando el obispo y los funcionarios de la catedral visitaron el estudio de Epstein para ver la obra, quedaron muy impresionados y aprobaron rápidamente el contrato para la obra. [9] : 265–266 En una carta de 1956 a un amigo, Epstein escribió que estaba "inundado de solicitudes de trabajo en edificios, grandes obras que no sé si alguna vez podré lograr. Estuve tanto tiempo sin ningún encargo que no tengo ganas de rechazar nada que se me presente, pero me temo que todo está llegando demasiado tarde". [13]
En 1958, Epstein estaba demasiado enfermo para asistir a la inauguración del monumento de guerra que había tallado en el centro de la sede del TUC en Londres, ya que estaba hospitalizado con pleuresía y trombosis. [12] Si bien los líderes del TUC no ocultaron su odio por la talla, varios parlamentarios laboristas quedaron muy impresionados y el crítico Terence Mulally la elogió como "un monumento trágico a gran escala". [9] : 269 Después de pasar un tiempo convaleciente en Italia y Francia, Epstein reanudó su trabajo, creando una escultura de retrato de la princesa Margarita y comenzando a trabajar en la gran escultura del Bowater House Group . [13] Las obras finales de Epstein incluyeron un retrato póstumo de David Lloyd George para las Cámaras del Parlamento y el Bowater House Group, que completó el día de su muerte en agosto de 1959. [12]
A pesar de estar casado y seguir viviendo con Margaret Dunlop, Epstein tuvo varias relaciones con otras mujeres que le dieron sus cinco hijos: Peggy Jean (1918-2010), Theodore Garman , conocido como Theo, (1924-1954), Kitty Garman (1926-2011), Esther (1929-1954) y Jackie (1934-2009). [49] En 1921, Epstein comenzó la más larga de estas relaciones, con Kathleen Garman , una de las hermanas Garman , madre de sus tres hijos del medio, que continuó hasta su muerte. [50] Margaret toleró las infidelidades de Epstein, permitió que sus modelos y amantes vivieran en la casa familiar y crió a la primera hija de Epstein, Peggy Jean, que era hija de Meum Lindsell, una de las amantes anteriores de Epstein, y a su última, Jackie, cuya madre era la pintora Isabel Nicholas . [51] Evidentemente, la tolerancia de Margaret no se extendió a la relación de Epstein con Kathleen Garman, ya que en 1922 Margaret disparó e hirió a Kathleen en el hombro. [9] : 128
Margaret Epstein murió en 1947 y se casó con Kathleen Garman en 1955. Su hija mayor, también llamada Kathleen pero conocida como "Kitty", se casó con el pintor Lucian Freud en 1948 y fue la madre de sus hijas Annie y Annabel. Ella es el tema de la pintura de Freud Retrato de Kitty . En 1953 se divorciaron. Ella se casó por segunda vez en 1955, con el economista Wynne Godley . [52] Tienen una hija. [52]
Epstein murió en agosto de 1959 en su casa de Hyde Park Gate y fue enterrado en el cementerio de Putney Vale el 24 de agosto de 1959 con un servicio dirigido por el Dr. Hewlett Johnson , decano de Canterbury. Se celebró un servicio conmemorativo el 10 de noviembre de 1959 en la catedral de San Pablo con un molde de yeso de Cristo en Majestad colgado en la catedral para el evento. [9] : 274–275
En 1961, durante el Festival de Edimburgo, se celebró una exposición conmemorativa de 170 esculturas de Epstein. La exposición incluía las cuatro obras que habían estado en Blackpool en las exposiciones de Louis Tussaud. Después de la muerte de Epstein, las cuatro obras, Jacob and the Angel , Adam , Consummatum Est y Genesis , fueron compradas por un grupo dirigido por Lord Harewood y Jack Lyons . Adam se encuentra ahora en el vestíbulo de entrada de Harewood House , Consummatum Est está en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno y Genesis está en The Whitworth en Manchester. [33] [40] [46] [9] : 276 Desde 1996, Jacob and the Angel ha formado parte de la colección Tate junto con varias otras obras de Epstein, entre ellas Sun God / Primeval Gods , una versión de Doves y Torso in Metal . [45]
En 1961, Kathleen Garman donó doscientos moldes de yeso de Epstein al Museo de Israel en Jerusalén. [53] Con la exalumna de Epstein, Sally Ryan , Garman creó la Colección Garman Ryan , una colección de obras de Epstein y otros artistas que donó, en 1973, a la gente de Walsall , exhibida en The New Art Gallery Walsall . [9] : 277 [54] Ryan también donó la Virgen con el Niño en bronce sentado de 1927 de Epstein , que había comprado en la década de 1930, a la Iglesia Riverside , en la ciudad de Nueva York en 1960. [55]
En 1912, Epstein había comenzado a coleccionar obras de arte de África occidental, Egipto antiguo, América precolombina, Oceanía y otras partes no occidentales, y había comprado piezas de arte fang , incluida una figura relicario, en París ese año. [13] En 1931, poseía más de 200 piezas de arte etnográfico y, finalmente, construyó una de las colecciones privadas más grandes de este tipo que existen con más de mil objetos. [12] [29] Después de su muerte, cuando la colección se dividió y se vendió en una subasta, el Museo Británico compró varias piezas importantes. [56]
El arte de Epstein se puede encontrar en todo el mundo. Muy original para su época, influyó sustancialmente en la generación más joven de escultores como Henry Moore [57] [58] y Barbara Hepworth . [59] Según la biografía de June Rose , a principios de la década de 1920 Moore visitó a Epstein en su estudio y se hizo amigo del escultor mayor. Epstein, Moore y Hepworth expresaron una profunda fascinación por el arte no occidental en el Museo Británico.
Para obtener una lista más completa, consulte Lista de esculturas de Jacob Epstein .
El espectáculo al que se refería era una estatua de Cristo de 11 pies y 7 toneladas apoyada contra la pared en las elegantes Leicester Galleries de Londres, la última obra de un corpulento escultor judío nacido en Estados Unidos, Jacob Epstein.
En su análisis del escultor judío nacido en Estados Unidos Jacob Epstein, Hutchins Hapgood escribe:
Entre las más llamativas se encuentra una imagen del escultor anglo-judío Jacob Epstein, soldado raso del 38.º batallón, modelando una figura humana con arena.
con el escultor judío-estadounidense Jacob Epstein.
A continuación se presenta una descripción general de los textos clave relacionados con Epstein:
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