Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 de julio de 1898 - 31 de agosto de 1986) fue un artista inglés. Es mejor conocido por sus esculturas monumentales de bronce semiabstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Moore también produjo muchos dibujos, incluida una serie que representa a londinenses refugiándose del Blitz durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otras obras gráficas sobre papel.
Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, que suelen representar a una madre y su hijo o figuras reclinadas. Las obras de Moore suelen sugerir el cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas generalmente están perforadas o contienen espacios huecos. Muchos intérpretes comparan la forma ondulante de sus figuras reclinadas con el paisaje y las colinas de su lugar de nacimiento en Yorkshire .
Moore se hizo muy conocido por sus esculturas de mármol tallado y esculturas abstractas de bronce fundido de mayor escala, y contribuyó decisivamente a la introducción de una forma particular de modernismo en el Reino Unido. Su capacidad en su vida posterior para cumplir encargos a gran escala lo hizo excepcionalmente rico. A pesar de esto, vivió frugalmente; la mayor parte del dinero que ganó se destinó a la Fundación Henry Moore , que continúa apoyando la educación y la promoción de las artes.
Moore nació en Castleford , West Riding de Yorkshire , Inglaterra, de Mary (de soltera Baker) y Raymond Spencer Moore. Su padre era de ascendencia irlandesa y se convirtió en ayudante de boxes (responsable de la seguridad) y luego en subdirector de la mina de carbón Wheldale en Castleford. Fue un autodidacta interesado en la música y la literatura. Decidido a que sus hijos no trabajaran en las minas, vio la educación formal como el camino hacia su avance. [1] Henry era el séptimo de ocho hijos en una familia que a menudo luchaba contra la pobreza. Asistió a escuelas infantiles y primarias en Castleford, donde comenzó a modelar en arcilla y tallar en madera . Profesó haber decidido convertirse en escultor cuando tenía once años después de enterarse de los logros de Miguel Ángel en una lectura de la escuela dominical. [2]
En su segundo intento fue aceptado en la escuela secundaria de Castleford , a la que habían asistido varios de sus hermanos, donde su director pronto notó su talento e interés por la escultura medieval . [3] Su profesora de arte, Alice Gostick, amplió sus conocimientos sobre el arte y, con su apoyo, decidió hacer del arte su carrera; Primero, presentándose a exámenes para obtener una beca para la escuela de arte local. [4] Las primeras tallas registradas de Moore (una placa para la Sociedad Scott en la escuela secundaria de Castleford y un cuadro de honor que conmemora a los niños que fueron a luchar en la Primera Guerra Mundial desde la escuela) se ejecutaron en esta época. [5]
A pesar de su promesa inicial, los padres de Moore se habían opuesto a que se formara como escultor, una vocación que consideraban un trabajo manual con pocas perspectivas profesionales. Después de una breve introducción como estudiante de profesor, Moore se convirtió en profesor en la escuela a la que había asistido. [4] Al cumplir dieciocho años, Moore se ofreció como voluntario para el servicio militar en la Primera Guerra Mundial . Era el hombre más joven del regimiento de fusileros del servicio civil del Príncipe de Gales y resultó herido en 1917 en un ataque con gas , el 30 de noviembre en Bourlon Wood, [6] durante la batalla de Cambrai . [7] Después de recuperarse en el hospital, pasó el resto de la guerra como instructor de entrenamiento físico y solo regresó a Francia cuando se firmó el Armisticio . Recordó más tarde: "Para mí, la guerra transcurrió en una neblina romántica de intentar ser un héroe". [8] Esta actitud cambió cuando reflexionó sobre el carácter destructivo de la guerra y en 1940 escribió, en una carta a su amigo Arthur Sale, que "un año o dos después [de la guerra] la visión de un uniforme caqui comenzó a significar todo". en la vida eso estaba mal, era un desperdicio y estaba en contra de la vida ... Y todavía tengo ese sentimiento". [9]
Después de la guerra, Moore recibió una beca de ex militar para continuar su educación y en 1919 se convirtió en estudiante en la Escuela de Arte de Leeds (ahora Universidad de Artes de Leeds ), que instaló un estudio de escultura especialmente para él. En la universidad conoció a Barbara Hepworth , una compañera de estudios que también se convertiría en una reconocida escultora británica, y comenzó una amistad y una suave rivalidad profesional que duró muchos años. En Leeds, Moore también tuvo acceso a las obras modernistas de la colección de Sir Michael Sadler , el rector de la universidad , que tuvieron un efecto pronunciado en su desarrollo. [10] En 1921, Moore ganó una beca para estudiar en el Royal College of Art de Londres, junto con Hepworth y otros contemporáneos de Yorkshire. [11] Mientras estuvo en Londres, Moore amplió sus conocimientos sobre el arte y la escultura primitivos , estudiando las colecciones etnográficas del Museo Británico . [12]
Las esculturas de los estudiantes de Moore y Hepworth siguieron el estilo victoriano romántico estándar e incluyeron formas naturales, paisajes y modelos figurativos de animales. Más tarde, Moore se sintió incómodo con los ideales de origen clásico; su posterior familiaridad con el primitivismo y la influencia de escultores como Constantin Brâncuși , Jacob Epstein , Henri Gaudier-Brzeska y Frank Dobson lo llevaron al método de tallado directo , en el que las imperfecciones del material y las marcas dejadas por las herramientas pasaban a formar parte del acabado. escultura. Habiendo adoptado esta técnica, Moore entró en conflicto con los tutores académicos que no apreciaban un enfoque tan moderno. Durante un ejercicio propuesto por Derwent Wood (profesor de escultura en el Royal College), se le pidió a Moore que reprodujera un relieve en mármol de La Virgen y el Niño de Domenico Rosselli [13] modelando primero el relieve en yeso y luego reproduciéndolo en mármol utilizando la ayuda mecánica conocida como " máquina apuntadora ", técnica denominada "puntiaguda". En cambio, talló el relieve directamente, incluso marcando la superficie para simular las marcas de pinchazos que habría dejado la máquina señaladora. [14]
En 1924, Moore ganó una beca de viaje de seis meses que pasó en el norte de Italia estudiando las grandes obras de Miguel Ángel , Giotto di Bondone , Giovanni Pisano y varios otros viejos maestros . Durante este período también visitó París, aprovechó las clases de dibujo cronometradas en la Académie Colarossi y vio, en el Trocadero , un molde de yeso de una forma escultórica tolteca - maya , el Chac Mool , que había visto previamente en el libro. ilustraciones. La figura reclinada iba a tener un profundo efecto en la obra de Moore, convirtiéndose en el motivo principal de su escultura. [15]
A su regreso a Londres, Moore asumió un puesto docente de siete años en el Royal College of Art. Se le exigía que trabajara dos días a la semana, lo que le permitía dedicar tiempo a su propio trabajo. Su primer encargo público, West Wind (1928-29), fue uno de los ocho relieves de los "cuatro vientos" en lo alto de las paredes de la sede del metro de Londres en 55 Broadway . [16] Los otros 'vientos' fueron tallados por escultores contemporáneos, incluido Eric Gill , con las piezas a nivel del suelo proporcionadas por Epstein . 1928 vio la primera exposición individual de Moore, celebrada en la Warren Gallery de Londres. [17] El 19 de julio de 1929, Moore se casó con Irina Radetsky, una estudiante de pintura en el Royal College. [18] Irina nació en Kiev en 1907. Su padre fue asesinado en la Revolución Rusa y su madre fue evacuada a París, donde se casó con un oficial del ejército británico. Irina fue llevada clandestinamente a París un año después y fue a la escuela allí hasta los 16 años, tras lo cual la enviaron a vivir con los parientes de su padrastro en Buckinghamshire . [19]
Irina encontró seguridad en su matrimonio con Moore y pronto posó para él. Poco después de casarse, la pareja se mudó a un estudio en Hampstead en 11a Parkhill Road NW3, uniéndose a una pequeña colonia de artistas de vanguardia que estaban echando raíces allí. Poco después, Hepworth y su segundo marido, Ben Nicholson, se mudaron a un estudio a la vuelta de la esquina de Moore, mientras que Naum Gabo , Roland Penrose , Cecil Stephenson y el crítico de arte Herbert Read también vivían en la zona (Read se refería a la zona como "un nido"). de artistas amables"). [20] La zona también fue un punto de parada para muchos artistas, arquitectos y diseñadores refugiados de Europa continental en camino a América. [21]
En 1932, después de seis años de enseñanza en el Royal College, Moore asumió el cargo de Jefe del Departamento de Escultura de la Escuela de Arte de Chelsea . [22] Artísticamente, Moore, Hepworth y otros miembros de The Seven and Five Society desarrollarían un trabajo cada vez más abstracto, [23] influido en parte por sus frecuentes viajes a París y su contacto con destacados artistas progresistas, en particular Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Arp y Alberto Giacometti . Moore coqueteó con el surrealismo , uniéndose al movimiento de arte moderno " Unidad Uno " de Paul Nash , en 1933. En 1934, Moore visitó España; visitó la cueva de Altamira (a la que calificó como la "Real Academia de Pintura Rupestre"), Madrid, Toledo y Pamplona. [24]
En 1936, Moore se unió a un grupo de artistas surrealistas fundado por Roland Penrose , y ese mismo año fue tesorero honorario del comité organizador de la Exposición Surrealista Internacional de Londres . [25] En 1937, Roland Penrose compró un resumen 'Madre e hijo' en piedra de Moore que exhibió en el jardín delantero de su casa en Hampstead. La obra resultó controvertida entre otros residentes y la prensa local realizó una campaña contra la pieza durante los dos años siguientes. En ese momento, Moore pasó gradualmente de la talla directa a la fundición en bronce, modelando maquetas preliminares en arcilla o yeso en lugar de hacer dibujos preparatorios. [ cita necesaria ]
En 1938, Moore conoció a Kenneth Clark por primera vez. [26] A partir de ese momento, Clark se convirtió en un improbable pero influyente defensor del trabajo de Moore, [27] y a través de su posición como miembro del Arts Council de Gran Bretaña consiguió exposiciones y encargos para el artista. [28]
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Al estallar la Segunda Guerra Mundial, la Escuela de Arte de Chelsea fue evacuada a Northampton y Moore renunció a su puesto docente. Durante la guerra, Moore produjo impactantes dibujos de londinenses durmiendo en el metro de Londres mientras se refugiaban del Blitz . [29] Kenneth Clark , presidente del Comité Asesor de Artistas de Guerra (WAAC), había intentado previamente reclutar a Moore como artista de guerra asalariado a tiempo completo y ahora acordó comprar algunos de los dibujos del refugio y emitió contratos para más ejemplos. Los planos de las viviendas adquiridas por WAAC se completaron entre el otoño de 1940 y la primavera de 1941 y se consideran uno de los mejores productos del plan WAAC. [30] En agosto de 1941, WAAC encargó a Moore que dibujara a los mineros que trabajaban bajo tierra en Wheldale Colliery en Yorkshire, donde su padre había trabajado a principios de siglo. Moore dibujó a las personas en los refugios esperando pasivamente que todo estuviera claro mientras los mineros trabajaban agresivamente en las caras del carbón. [31] Se ha sugerido que los dibujos de Moore del metro y las minas de carbón durante la guerra se inspiraron, en parte, en las ilustraciones de Gustave Doré para la 'Divina Comedia' de Dante. [32] Los dibujos de Moore ayudaron a impulsar su reputación internacional, particularmente en Estados Unidos, donde se incluyeron ejemplos en la exposición WAAC Britain at War que recorrió América del Norte durante la guerra. [30]
Después de que su casa en Hampstead fuera alcanzada por metralla de bomba en septiembre de 1940, Moore e Irina se mudaron de Londres para vivir en una granja llamada Hoglands en la aldea de Perry Green cerca de Much Hadham , Hertfordshire . [33] Este se convertiría en el hogar y taller de Moore por el resto de su vida. A pesar de adquirir una riqueza significativa más adelante en su vida, Moore nunca sintió la necesidad de mudarse a un local más grande y, aparte de la adición de una serie de dependencias y estudios, la casa cambió poco a lo largo de los años. En 1943 recibió el encargo de la Iglesia de San Mateo, Northampton , para tallar una Virgen con el Niño; esta escultura fue la primera de una importante serie de esculturas de grupos familiares. [34]
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Después de la guerra y tras varios abortos espontáneos anteriores, Irina dio a luz a su hija, Mary Moore, en marzo de 1946. [35] La niña recibió el nombre de la madre de Moore, que había muerto dos años antes. Tanto la pérdida de su madre como la llegada de un bebé centraron la mente de Moore en la familia, que expresó en su trabajo produciendo muchas composiciones de "madre e hijo", aunque las figuras reclinadas y internas y externas también siguieron siendo populares. Ese mismo año, Moore hizo su primera visita a Estados Unidos cuando se inauguró una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [36]
Antes de la guerra, el educador Henry Morris se había acercado a Moore , quien intentaba reformar la educación con su concepto de Village College . Morris había contratado a Walter Gropius como arquitecto para su segunda universidad en Impington , cerca de Cambridge , y quería que Moore diseñara una importante escultura pública para el lugar. El consejo del condado, sin embargo, no pudo permitirse el diseño completo de Gropius y redujo el proyecto cuando Gropius emigró a Estados Unidos. Al carecer de fondos, Morris tuvo que cancelar la escultura de Moore, que no había pasado de la etapa de maqueta. [37] Moore pudo reutilizar el diseño en 1950 para un encargo similar fuera de una escuela secundaria para la nueva ciudad de Stevenage . Esta vez, el proyecto se completó y Family Group se convirtió en el primer bronce público a gran escala de Moore. [38]
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes. Expuso Figura reclinada: Festival en el Festival de Gran Bretaña en 1951, [39] y en 1958 produjo una gran figura reclinada de mármol para el edificio de la UNESCO en París. [40] Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente y comenzó a emplear un número cada vez mayor de asistentes para trabajar con él en Much Hadham, incluidos Anthony Caro [41] Roland Piché [42] y Richard Wentworth. . [43]
En el campus de la Universidad de Chicago , en diciembre de 1967, 25 años exactamente [44] después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se dio a conocer la Energía Nuclear de Moore en el lugar de Se encuentra lo que fue el campo de fútbol de la universidad, en la cancha de raquetas bajo la cual se habían desarrollado los experimentos. [45] A menudo se piensa que esta pieza de 12 pies de alto en medio de una gran plaza abierta representa una nube en forma de hongo coronada por un enorme cráneo humano, pero la interpretación de Moore fue muy diferente. Una vez le dijo a un amigo que esperaba que los espectadores "lo rodearan, miraran a través de los espacios abiertos y tuvieran la sensación de estar en una catedral". [46] En Chicago, Illinois , Moore también conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente Man Enters the Cosmos (1980), que fue encargado para reconocer el programa de exploración espacial . [47]
Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar; Se llevaron a cabo varias retrospectivas importantes en todo el mundo, en particular una exposición muy destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . Tras el documental pionero 'Henry Moore', producido por John Read en 1951, apareció en numerosas películas. En 1964, por ejemplo, Moore apareció en el documental "5 British Sculptors (Work and Talk)" del cineasta estadounidense Warren Forma . A finales de la década de 1970, se realizaban unas 40 exposiciones al año en las que se presentaba su obra. El número de comisiones siguió aumentando; completó Knife Edge Two Piece en 1962 para College Green, cerca de las Casas del Parlamento en Londres. Según Moore, "Cuando me ofrecieron el sitio cerca de la Cámara de los Lores ... me gustó tanto el lugar que no me molesté en ir a ver un sitio alternativo en Hyde Park ; una escultura solitaria puede perderse en un "Un gran parque. El sitio de la Cámara de los Lores es bastante diferente. Está al lado de un sendero por donde camina la gente y tiene algunos asientos donde pueden sentarse y contemplarlo". [48]
A medida que su riqueza crecía, Moore empezó a preocuparse por su legado. Con la ayuda de su hija Mary, creó Henry Moore Trust en 1972, con miras a proteger su patrimonio de los derechos de sucesión . En 1977, pagaba cerca de un millón de libras al año en impuestos sobre la renta ; Para mitigar su carga fiscal, estableció la Fundación Henry Moore como una organización benéfica registrada con Irina y Mary como fideicomisarias. La Fundación se estableció para fomentar la apreciación pública de las artes visuales y especialmente de las obras de Moore. Ahora administra su casa y finca en Perry Green , con una galería, un parque de esculturas y estudios. [49]
En 1979, Henry Moore se hizo inesperadamente conocido en Alemania cuando su escultura Grandes dos formas se instaló en el patio de la Cancillería alemana en Bonn, que era la capital de Alemania Occidental antes de la reunificación alemana en octubre de 1990. [50]
Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su casa de Perry Green. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de la iglesia de Santo Tomás. [51]
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La forma característica de Moore es una figura reclinada. La exploración de esta forma por parte de Moore, bajo la influencia de la figura tolteca-maya que había visto en el Louvre, lo llevaría a una abstracción cada vez mayor a medida que dirigía sus pensamientos hacia la experimentación con los elementos del diseño. Las primeras figuras reclinadas de Moore tratan principalmente de la masa, mientras que las posteriores contrastan los elementos sólidos de la escultura con el espacio, no sólo alrededor de ellos sino generalmente a través de ellos, mientras perforaba las formas con aberturas. [ cita necesaria ]
Las figuras anteriores están perforadas de manera convencional, en la que los miembros doblados se separan del cuerpo y se unen a él. Las figuras posteriores, más abstractas, a menudo están atravesadas por espacios que atraviesan directamente el cuerpo, por lo que Moore explora y alterna formas cóncavas y convexas. Estos piercings más extremos se desarrollaron en paralelo con las esculturas de Barbara Hepworth . [52] Hepworth se perforó por primera vez un torso después de leer mal una reseña de uno de los primeros programas de Henry Moore. [ cita necesaria ] La figura reclinada de yeso: Festival (1951) en la Tate , es característica de las esculturas posteriores de Moore: una figura femenina abstracta intercalada con vacíos. Como ocurre con gran parte del trabajo de posguerra, hay varios moldes de bronce de esta escultura. [ cita necesaria ] Cuando la sobrina de Moore preguntó por qué sus esculturas tenían títulos tan simples, él respondió:
Todo arte debe tener un cierto misterio y debe plantear exigencias al espectador. Darle un título demasiado explícito a una escultura o a un dibujo le quita parte de ese misterio de manera que el espectador pasa al siguiente objeto, sin esforzarse en reflexionar sobre el significado de lo que acaba de ver. Todo el mundo piensa que se ve, pero en realidad no es así, ¿sabes? [53]
Los primeros trabajos de Moore se centran en el tallado directo , en el que la forma de la escultura evoluciona a medida que el artista corta repetidamente el bloque. En la década de 1930, la transición de Moore al modernismo fue paralela a la de Barbara Hepworth; Los dos intercambiaron nuevas ideas entre ellos y con varios otros artistas que entonces vivían en Hampstead. Moore hizo muchos bocetos y dibujos preparatorios para cada escultura. La mayoría de estos cuadernos de bocetos han sobrevivido y brindan información sobre el desarrollo de Moore. Le dio gran importancia al dibujo; en la vejez, cuando tuvo artritis, siguió dibujando. [54]
Después de la Segunda Guerra Mundial, los bronces de Moore adquirieron una escala mayor, que era especialmente adecuada para encargos de arte público. Por motivos prácticos, abandonó en gran medida el tallado directo y contrató a varios asistentes para que le ayudaran a producir las formas más grandes basadas en maquetas. A finales de la década de 1940, produjo esculturas cada vez más mediante modelado, trabajando la forma en arcilla o yeso antes de fundir la obra final en bronce utilizando la técnica de la cera perdida . Estas maquetas a menudo comenzaron como pequeñas formas modeladas por las manos de Moore, un proceso que le da a su trabajo una sensación orgánica. Son del cuerpo. En su casa de Much Hadham, Moore reunió una colección de objetos naturales; calaveras, madera flotante, guijarros, rocas y conchas, que utilizaría como inspiración para formas orgánicas. Para sus obras más grandes, generalmente producía un modelo funcional a media escala antes de ampliarlo para el moldeado y fundición final en una fundición de bronce . Moore a menudo refinaba la forma final del yeso y agregaba marcas en la superficie antes del moldeo. [ cita necesaria ]
Moore produjo al menos tres ejemplos importantes de escultura arquitectónica durante su carrera. En 1928, a pesar de sus propias "reservas extremas", aceptó su primer encargo público para West Wind para el edificio del metro de Londres en 55 Broadway en Londres, uniéndose a la compañía de Jacob Epstein y Eric Gill . [55] En 1953, completó una pantalla de cuatro partes tallada en piedra de Portland para el edificio Time-Life en New Bond Street, Londres, [56] y en 1955 Moore se dedicó a su primer y único trabajo en ladrillo tallado, Wall Relief. en el Bouwcentrum de Róterdam. El relieve de ladrillo fue esculpido con 16.000 ladrillos por dos albañiles holandeses bajo la supervisión de Moore. [57]
Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial , el Holocausto y la era de la bomba atómica inculcaron en la escultura de mediados de la década de 1940 la sensación de que el arte debería volver a sus orígenes preculturales y prerracionales. En la literatura de la época, escritores como Jean-Paul Sartre defendían una filosofía reduccionista similar. [58] En un discurso introductorio en la ciudad de Nueva York para una exposición de uno de los mejores escultores modernistas , Alberto Giacometti , Sartre habló de "El principio y el fin de la historia". [59] La sensación de Moore de que Inglaterra emergía invicta del asedio lo llevó a centrarse en piezas caracterizadas por la resistencia y la continuidad. [58]
La mayoría de los escultores que surgieron durante el apogeo de la fama de Moore y después de su muerte se encontraron a su sombra. A finales de la década de 1940, Moore era una celebridad mundial; era la voz de la escultura británica y del modernismo británico en general. La siguiente generación fue comparada constantemente con él y reaccionó desafiando su legado, sus credenciales de "sistema" y su posición. En la Bienal de Venecia de 1952 , ocho nuevos escultores británicos produjeron sus obras Geometry of Fear como un contraste directo con los ideales detrás de la idea de Moore de Resistencia, Continuidad ; [60] su gran figura de bronce de doble pie se encontraba fuera del pabellón británico y contrastaba fuertemente con las obras más toscas y angulares del interior. [61]
Sin embargo, Moore tuvo una influencia directa en varias generaciones de escultores de reputación tanto británica como internacional. Entre los artistas que han reconocido la importancia de Moore en su trabajo se encuentran Sir Anthony Caro , [62] Phillip King [63] e Isaac Witkin , [64] los tres fueron asistentes de Moore. Otros artistas cuyo trabajo fue influenciado por él incluyen a Helaine Blumenfeld , Drago Marin Cherina , Lynn Chadwick , Eduardo Paolozzi , Bernard Meadows , Reg Butler , William Turnbull , Robert Adams , Kenneth Armitage y Geoffrey Clarke. [sesenta y cinco]
La Fundación Henry Moore ayuda a preservar su legado apoyando a escultores y creando exposiciones, su objetivo es desarrollar el aprecio por las artes visuales. La Fundación fue fundada por Henry y su familia en 1977 en Inglaterra y sigue funcionando. [66]
En diciembre de 2005, la figura reclinada de dos toneladas (1969-1970), asegurada por 3 millones de libras esterlinas, fue levantada con una grúa desde los terrenos de la Fundación Henry Moore hasta un camión y no ha sido recuperada. [67] Dos hombres fueron condenados a un año de cárcel en 2012 por robar una escultura llamada Reloj de sol (1965) y el pedestal de bronce de otra obra, también del patrimonio de la fundación. [68] En octubre de 2013, Standing Figure (1950), una de las cuatro piezas de Moore en Glenkiln Sculpture Park , con un valor estimado de £ 3 millones, fue robada. [69] [70]
En 2012, el ayuntamiento del distrito londinense de Tower Hamlets anunció sus planes de vender otra versión de Draped Seated Woman 1957–58 , una escultura de bronce de 1,6 toneladas. [71] Moore, un conocido socialista, había vendido la escultura por una fracción de su valor de mercado al antiguo Consejo del Condado de Londres en el entendido de que se exhibiría en un espacio público y podría enriquecer las vidas de quienes viven en una zona socialmente desfavorecida. Apodado Old Flo , se instaló en la finca municipal de Stifford en 1962, pero fue destrozado y trasladado al Yorkshire Sculpture Park en 1997. Más tarde, el Ayuntamiento de Tower Hamlets había considerado trasladar Draped Seated Woman a un terreno privado en Canary Wharf , pero en su lugar optó por "explorar opciones". "para una venta. [72] En respuesta al anuncio se publicó una carta abierta en The Guardian , firmada por Mary Moore, la hija del artista, por Sir Nicholas Serota , director de la Tate Gallery , por el cineasta Danny Boyle y por artistas como Jeremy Deller . La carta decía que la venta "va en contra del espíritu de la venta original de la obra por parte de Henry Moore". [73]
Hoy en día, la Fundación Henry Moore gestiona la antigua casa del artista en Perry Green en Hertfordshire como destino para visitantes, con 70 acres (28 ha) de terreno para esculturas, así como su casa y estudios restaurados. También gestiona el Instituto Henry Moore en Leeds, que organiza exposiciones y actividades de investigación en escultura internacional. Algunos percibieron que el interés popular por la obra de Moore había disminuido durante un tiempo en el Reino Unido, pero ha sido revivido en los últimos tiempos gracias a exposiciones en Kew Gardens en 2007, Tate Britain en 2010 y Hatfield House en 2011. La fundación que fundó continúa desempeñar un papel esencial en la promoción del arte contemporáneo en el Reino Unido y en el extranjero a través de su programa de becas y exposiciones. [74]
La colección más grande del mundo de la obra de Moore está abierta al público y se encuentra en la casa y los terrenos de la finca de 70 acres que fue el hogar de Moore durante 40 años en Perry Green en Hertfordshire. El sitio y la colección ahora son propiedad de la Fundación Henry Moore . [75]
En diciembre de 2005, unos ladrones entraron en un patio de la Fundación Henry Moore y robaron un molde de la Figura reclinada de Moore 1969-1970 (LH 608), una escultura de bronce de 3,6 m (12 pies) de largo y 2,1 toneladas. Imágenes de circuito cerrado de televisión mostraron que utilizaron una grúa para bajar la pieza a un camión de plataforma robado. La Fundación ofreció una recompensa sustancial por información que condujera a su recuperación. En mayo de 2009, después de una investigación exhaustiva, los funcionarios británicos dijeron que creían que la obra, alguna vez valorada en £ 3 millones, probablemente se vendió como chatarra , por unas £ 5,000. [76] [77] En julio de 2012, el reloj de sol de bronce de 1965 de 22 pulgadas (56 cm) , valorado en £ 500 000, fue robado de la Fundación Moore. [78] Más tarde ese año, tras la publicación de los detalles del robo en el programa de televisión BBC Crimewatch , la obra fue recuperada y los ladrones fueron condenados a doce meses de custodia. [79]
Moore presentó 36 esculturas, así como dibujos, maquetas y otras obras en la Tate Gallery en 1978. [80]
El Centro de Escultura Henry Moore en la Galería de Arte de Ontario , Toronto, abrió sus puertas en 1974. Comprende la colección pública más grande del mundo de la obra de Moore, la mayor parte donada por él entre 1971 y 1974. Three Way Piece No. 2 de Moore (El arquero ) también ha estado en exhibición en Nathan Phillips Square en el Ayuntamiento de Toronto desde 1966. [81]
Las obras de Moore se encuentran en colecciones de instituciones de 25 estados y el Distrito de Columbia. [82]
Hay once grandes obras escultóricas en bronce de Moore en los terrenos del Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City, Missouri . [83] [84] También hay un gran bronce, la "Mujer sentada" de 1957, dentro del museo. [85] Ésta es la colección más grande de bronces monumentales de Moore en los Estados Unidos. [86] El museo también contiene alrededor de 43 esculturas más pequeñas de Moore que normalmente no se exhiben. Las existencias del museo también incluyen algunas obras en papel y cuatro grandes piezas tejidas, tituladas "Figuras sentadas: ideas para terracota" (1981-1982), que son tapices de 7 a 8 pies de largo realizados por tejedores británicos basados en dibujos de Moore. [87] Se produjeron veintiocho tapices más durante la vida de Moore. [88]
En 1948, Moore ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia . [89] Rechazó el título de caballero en 1951 porque sintió que la concesión conduciría a una percepción de él como una figura del establishment y que "tal título podría tender a separarme de otros artistas cuyo trabajo tiene objetivos similares a los míos". . [65] Sin embargo, fue nombrado Miembro de la Orden de los Compañeros de Honor en 1955 y [90] Miembro de la Orden del Mérito en 1963, [ 91] y recibió el Premio Erasmus en 1968. [92] También fue miembro tanto de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias como de la Sociedad Filosófica Estadounidense . [93] [94]
Fue administrador tanto de la National Gallery como de la Tate Gallery . [95] Su propuesta de que un ala de este último se dedicara a sus esculturas despertó hostilidad entre algunos artistas. En 1975, se convirtió en el primer presidente de la Turner Society, [96] que había sido fundada para hacer campaña a favor de un museo separado en el que todo el Turner Bequest [97] pudiera reunirse, un objetivo frustrado por la National Gallery y la Tate Gallery. [ cita necesaria ]
Donado a la City de Londres por Moore y la Sociedad de Arte Contemporáneo en 1967, Knife Edge Two Piece 1962–65 se exhibe en Abingdon Street Gardens , frente a las Casas del Parlamento , donde su aparición habitual en el fondo de las noticias televisadas desde Westminster hace que Es la pieza más destacada de Moore en Gran Bretaña. La propiedad de Knife Edge Two Piece 1962–65 estuvo en disputa hasta su adquisición en 2011 por parte de la Colección de Arte Parlamentaria. [98]
Al final de su carrera, Moore era el artista vivo de mayor éxito en las subastas del mundo. En 1982, cuatro años antes de su muerte, Sotheby's de Nueva York vendió una figura reclinada de 1,8 m (6 pies) (1945) por 1,2 millones de dólares al coleccionista Wendell Cherry. Aunque en 1990 se estableció un primer récord de 4,1 millones de dólares, el mercado de Moore se desplomó durante la recesión que siguió. En 2012, su bronce de dos metros y medio, Figura reclinada: Festival (1951) se vendió por un récord de £ 19,1 millones en Christie's , lo que lo convirtió en el segundo artista británico más caro del siglo XX después de Francis Bacon . [99]
