La escultura gótica fue un estilo escultórico que floreció en Europa durante la Edad Media , aproximadamente desde mediados del siglo XII hasta el siglo XVI, [Nota 1] evolucionando desde la escultura románica y disolviéndose en la escultura renacentista y el manierismo . [1] [2]
Cuando en el Renacimiento se volvieron a apreciar los valores clásicos , la escultura de los siglos anteriores fue vista informe y tosca y se le dio el nombre de gótica, ya que se creía que provenía de la cultura de los godos , pueblo considerado bárbaro y supuestamente responsable de la desaparición del Imperio Romano . [1] [2]
Pero los pueblos de la época gótica nunca se dieron ese nombre ni se consideraron bárbaros. Por el contrario, en su surgimiento el arte gótico fue visto como innovador y fue denominado opus modernum ("obra moderna"), siendo la escultura una de sus expresiones más importantes y sofisticadas. Sin embargo, la apreciación negativa se prolongó hasta mediados del siglo XIX cuando apareció un movimiento revivalista , llamado neogótico , que recuperó sus valores. En la actualidad se sabe que el arte gótico no tiene nada que ver con los godos, pero la denominación permaneció, consagrada por el uso. [1] [2]
La escultura gótica nació muy ligada a la arquitectura —a raíz de la decoración de las grandes catedrales y otros edificios religiosos—, pero con el tiempo fue independizándose y empezó a trabajarse como arte autónomo. Se inició en París , Francia , y tuvo su primera expresión importante en la reforma de la Basílica de Saint-Denis entre 1137 y 1144. Su primera fase desarrolló un estilo austero, elegante, de proporciones alargadas y de aspecto general hierático, deseando transmitir una impresión de espiritualidad, bastante alejada de la anatomía real de un cuerpo. [3] [1]
A partir del siglo XIII el estilo empezó a evolucionar hacia un mayor naturalismo y realismo, con la progresiva absorción de influencias clásicas y una mayor observación de la naturaleza. Los cambios en la doctrina religiosa, que condujeron a un acercamiento de Dios hacia el hombre y a un ablandamiento de su carácter antes inaccesible e inflexible, también contribuyeron a influir en la evolución de las formas y temas preferidos. En el siglo XIV, el estilo gótico se había extendido mucho más allá de las fronteras de Francia, se formaron importantes escuelas regionales y en el siglo XV dominaba la mayor parte de Europa, luego comenzó un declive que siguió diferentes patrones en diferentes regiones. La escultura gótica en sus últimas etapas siguió siendo muy utilizada en la decoración arquitectónica, pero para entonces los escultores ya habían experimentado con los más diversos materiales y explorado los más variados usos de relieves y estatuas, formando una colección de extraordinaria riqueza y variedad. [3] [1]
La historia de la escultura gótica todavía tiene muchas incertidumbres y zonas grises, y su estudio está lejos de ser completo. En distintos momentos de la historia hubo destrucción masiva de monumentos y obras de arte medievales (por ejemplo, en la cuestión iconoclasta durante la Reforma y durante la Revolución Francesa ), por lo que la determinación de la cronología, genealogía y distribución geográfica del estilo presenta muchos vacíos imposibles de llenar. A esto se suma el hecho de que cuando finalmente se revalorizó el estilo gótico en la segunda mitad del siglo XIX, se realizaron muchas restauraciones inadecuadas en los monumentos supervivientes por falta de un conocimiento más profundo. Incluso frente a tantas dificultades, el legado de la escultura gótica sigue siendo vasto y perdura en edificios, colecciones, museos, libros de texto de amplia circulación y otras formas. [4]
El estilo gótico fue en gran medida resultado de la definición de un nuevo vocabulario visual para la representación de imágenes, acompañando el debate que se estaba produciendo sobre ciertos conceptos de la religión cristiana. Uno de los puntos más importantes de este debate fue sobre la validez de la representación de imágenes sagradas, un problema que se remontaba al origen mismo del cristianismo y aún no estaba suficientemente aclarado. El cristianismo primitivo albergaba una aversión a la representación de imágenes sagradas, reserva heredada del judaísmo , que prohibía la creación de imágenes para el culto por temor a la idolatría . [5] [6] Un mandato explícito contra la representación de imágenes sagradas fue emitido en los Diez Mandamientos , donde el tercero establece:
"No te harás ninguna imagen tallada".
Por otro lado, la antigua tradición pagana clásica , que aportó elementos esenciales para la formulación de la nueva fe, era plenamente partidaria de la representación de los dioses, y ambas corrientes se mantuvieron en constante fricción a lo largo de la Edad Media. [5] [6]
Una de las primeras declaraciones cristianas consistentes a favor de la representación de imágenes sagradas provino del Papa Gregorio I , quien en cartas al obispo de Marsella escritas alrededor del año 600 sentó las bases de la controversia que siguió. En ellos, el Papa decía que las imágenes, como otras cosas materiales, no debían ser veneradas, pero tampoco destruidas porque la representación de escenas de la historia sagrada y de personajes bíblicos eran útiles para la enseñanza de la doctrina a las masas analfabetas, que " podían leer en ellos lo que no podían leer en los libros ", y su contemplación podía llevar al devoto a la contemplación de Dios . [5] [6]
Gregorio I había recurrido para ello a la opinión de Basilio el Grande , que había afirmado siglos antes que " el honor dado a la imagen asciende a su prototipo ". La afirmación gregoriana, procedente de un Papa considerado sabio, elevado más tarde al rango de Doctor de la Iglesia , como Basilio—junto con la aportación de Juan Damasceno , fueron argumentos poderosos en la cuestión iconoclasta que agitó a los cristianos desde el principio y arrasó con fuerza en el Imperio Bizantino . [5] [6]
Aunque la cuestión quedó zanjada oficialmente en el año 787 en el Segundo Concilio de Nicea , que legalizó la veneración de imágenes, el debate continuó, y a lo largo de los siglos siguientes, varios otros prelados escribieron textos defendiendo el arte sacro , y tanto los textos de la Iglesia primitiva como y desde la antigüedad se siguió citando a los filósofos como autoridades. [5] [6]
Especialmente ligados al auge del gótico estuvieron los textos del Pseudo-Dionisio Areopagita , autor que había bebido de la fuente platónica a través de Plotino y que fue muy estimado en Francia a partir de los siglos IX-X, siendo una influencia en Suger , creador de la primera iglesia gótica que se erigió. Para entonces, el problema iconoclasta había sido finalmente superado por una serie de otras contribuciones teóricas, y el arte sacro se había consolidado definitivamente, aunque todavía se escuchaban protestas aquí y allá, y se había convertido no sólo en biblia pauperum ("libros para los incultos") "), sino que también se ofrecieron como versiones autorizadas, supervisadas por la jerarquía eclesiástica constituida, para la rectificación de tradiciones orales que tergiversaban o embellecían indebidamente la historia sagrada. [sesenta y cinco]
La prueba de este éxito está en la gran proliferación de representaciones sacras que se produjo durante la fase final del románico , entre los siglos XI y XII, estableciendo un conjunto de motivos temáticos y formas adecuadas para transmitir la doctrina religiosa. [7]
En cuanto a la escultura, la principal iconografía románica quedó en la decoración de los tímpanos de las entradas principales de iglesias y catedrales, concebidos como una introducción visual y una preparación espiritual al culto que se iba a desarrollar en su interior, que coincide con la aparición de la primeros ejemplos góticos en el siglo XII. [7]
De hecho, los programas iconográficos románicos naturalmente ejercieron una gran influencia en el gótico, siendo este último una evolución natural del primero. Por tanto, la distinción estilística entre la escultura románica y la del gótico temprano a menudo se vuelve sutil. Las innovaciones más obvias del gótico temprano fueron la aplicación de esculturas a las arquivoltas y columnas laterales de los portales y una tendencia creciente hacia una organización de escenas menos compacta, más abierta y racional, y un alargamiento en las proporciones de las figuras, acompañando a la mayor verticalismo de los edificios. [8]
,_basilique_Saint-Denis,_portail_de_droite,_t%C3%AAte_de_proph%C3%A8te,_vers_1137-1140,_mus%C3%A9e_de_Cluny_Cl._23415.jpg/1280px-Saint-Denis_(93),_basilique_Saint-Denis,_portail_de_droite,_t%C3%AAte_de_proph%C3%A8te,_vers_1137-1140,_mus%C3%A9e_de_Cluny_Cl._23415.jpg)
En términos generales, la distribución de las imágenes, derivadas del patrimonio románico consolidado, se produjo según el siguiente esquema: [9]
Lejos de ser elecciones arbitrarias, las imágenes de la iconografía de la fachada gótica fueron cuidadosamente seleccionadas para formar un programa didáctico coherente para el observador, ilustrando la evolución de la fe desde su fundación por los patriarcas hebreos hasta el advenimiento de Cristo encarnado con su doctrina de la redención. , y presentando finalmente su corolario teleológico en la condena apocalíptica de los malvados y la apoteosis de los buenos en el Reino de Dios . [9]
Al mismo tiempo, también comenzó a cambiar la aproximación a los motivos presentes en la tradición iconográfica románica. Hasta entonces, la escena más común en los portales de las iglesias era la del Juicio Final , con énfasis en los tormentos que aguardaban a los infieles en el Infierno . [10] [2]
Desde mediados del siglo XI, París se había convertido en el mayor centro teológico y cultural de Europa, con la presencia de grandes filósofos y pedagogos como Pedro Abelardo y Hugo de San Víctor , y la acción de varias escuelas, que se fusionarían para formar hacia 1170 la Universidad de París . En este ambiente académico más liberal, relativamente independiente de la Iglesia, ganó terreno una filosofía humanista y se estructuró la doctrina del Purgatorio , ofreciendo una vía de escape del Infierno a través de una etapa purificadora previa a la ascensión al Cielo . [10] [2]
Al mismo tiempo, María, madre de Jesús, así como otros santos, comenzaron a ser consideradas como las grandes defensoras de la humanidad ante la justicia de Cristo. En el proceso, la vieja tendencia de la fe cristiana a corregir al pecador mediante el miedo y la amenaza de la condenación eterna fue atenuada por visiones que enfatizaban la misericordia más que la ira divina y que tomaban más en cuenta la falibilidad inherente de la naturaleza humana. [10] [2]
Así, las escenas del Juicio Final continuaron siendo un motivo frecuente, pero ahora fueron concebidas para enfatizar el orden, la esperanza y la justicia, mostrando los caminos de salvación a través del arrepentimiento y la compasiva intercesión de los santos. La verticalidad muy pronunciada de las catedrales góticas y su abundancia de grandes ventanales que permitían una gran penetración de la luz en el interior (en contraste con las formas "cuadradas" mucho más pesadas y los entornos oscuros de la arquitectura románica) se han interpretado como un rasgo formal que reflejaba este nuevo y optimista impulso espiritual. [10] [2]
El gótico temprano siguió siendo esencialmente un fenómeno francés, concentrado en la región de París , y el primer monumento importante que incluyó escultura fue la Basílica de Saint-Denis , cuyo abad , Suger, hizo remodelar un edificio románico preexistente entre los años 1137 y 1144 y adornarlo. con grandes riquezas. La especial importancia de Saint-Denis residía en que allí había sido consagrado Carlomagno , y era la tumba de Carlos Martel , Carlos el Calvo y otros fundadores del reino. Se trató, por tanto, de un monumento a la dinastía carolingia que al mismo tiempo se convirtió en un símbolo de la consolidación de la monarquía francesa , proceso en el que Suger tuvo un papel destacado en su calidad de asesor del rey y regente de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Cruzada . [11] [12]
Además, la Basílica era el relicario monumental de San Dionisio de París , mártir y apóstol de Francia, patrón de París y protector del reino, y Suger quiso convertirla en el centro más importante de peregrinación francesa. Por tanto, estaba revestido de significados espirituales y políticos. [11] [12]
Para Suger, quien había sido influenciado por los escritos de Pseudo-Dionisio, la ornamentación de la iglesia con objetos de oro y piedras preciosas, vidrieras, pinturas y esculturas era una valiosa herramienta educativa, siendo una forma de presentar visualmente la doctrina a la gente. y hacerlo más fácilmente comprensible. La clara organización de la escena del tímpano difería de las disposiciones compactas de los decorados románicos, y sus estatuas columnares fueron igualmente una innovación. [11] [12]
Las novedades propuestas por Suger para la arquitectura y decoración de las fachadas, sustentadas en el gran prestigio de París como centro cultural, artístico y universitario, inmediatamente comenzaron a irradiar, apareciendo a continuación en la catedral de Chartres , iniciada en 1145, cuya portada oeste constituye Conjunto escultórico en buen estado de conservación más importante de la primera fase del gótico. Sus esculturas de columnas tienen un diseño muy alargado y funcionan como un eco del énfasis vertical del edificio, y sus formas aún evidencian la herencia románica en el tratamiento lineal de los trajes y en sus actitudes rígidas. Los rostros, sin embargo, muestran un tratamiento muy naturalista que contrasta con la esquematización románica. [11] [8]
Tanto las esculturas de Saint-Denis como las de otras fachadas de Chartres fueron en gran medida destruidas, mutiladas, sustituidas o mal restauradas en épocas posteriores, lo que impidió una comprensión exhaustiva de sus programas iconográficos, pero la catedral de Laon , que ha sobrevivido sin grandes daños. , ofrece una visión completa del gótico temprano. Otros buenos ejemplos, posteriores en el tiempo, son las catedrales de Bourges , Le Mans y Angers , con distintos grados de conservación. [11] La producción escultórica durante el período gótico fue tan amplia y variada (sólo en Chartres la fachada cuenta con más de dos mil piezas) que su estudio detallado está fuera de discusión aquí, y sólo es posible rastrear sus principales etapas evolutivas. líneas y sus características más genéricas. [9]
Hacia 1200, su lengua primitiva ya estaba siendo modificada por el progresivo interés por el naturalismo , dando lugar a la segunda etapa de su evolución, denominada gótico alto. [13]
En esta transición fueron importantes los artistas del valle del Mosa , en particular Nicolás de Verdún y Renier de Huy , los primeros grandes maestros que dejaron su huella en la historia de la escultura gótica, dedicándose a trabajos en orfebrería y bronce . [12] En las catedrales de Reims , Amiens y Notre-Dame de París , el estilo gótico ya está libre de la influencia románica, y sus estatuas son de un naturalismo muy avanzado. [11]
Las estatuas ya son independientes de las columnas y, posiblemente por primera vez en la Edad Media, se utiliza el contrapposto para dotar de mayor gracia y movimiento a las imágenes, complementado con actitudes más dinámicas en los miembros y un tratamiento de los volúmenes anatómicos que en muchos Los casos ya no quedan ocultos por la ropa. Sin embargo, el contrapposto gótico se diferencia del clásico en que parece más una imposición externa que el resultado de una correcta comprensión de la anatomía, y es más ornamental que orgánico. [11]
Si bien el humanismo enseñado en las escuelas de filosofía redefinió los principios fundamentales de la fe, también hizo posible la absorción de elementos de la antigüedad clásica en el arte, aflojó la estricta ética que había guiado el pensamiento moral en siglos anteriores y dirigió la atmósfera cultural hacia una mayor secularización . favoreciendo el desplazamiento del interés de lo sobrenatural a lo mundano y humano. [3] También rescató el valor de la belleza pura de las formas que se había perdido desde la antigüedad, considerando, como hacía Tomás de Aquino , que la Belleza estaba íntimamente asociada a la Virtud y derivaba de la coordinación de las partes de un objeto entre sí en correctas proporciones y desde la plena expresión de su naturaleza esencial. [14]
Si a lo largo del siglo XIII la tendencia general de la escultura, en términos técnicos, fue liberarse de la arquitectura y ganar autonomía, todavía mantuvo una íntima relación con su contexto, de modo que los conjuntos tendieron a preservar un notable sentido de unidad y armonía. En cuanto a la forma, avanzó hacia un estudio más detallado de la naturaleza, buscando reproducir los efectos de luces y sombras, las texturas de los tejidos, los sutiles matices de la expresión, la frescura de la juventud y las marcas de la vejez. Parecía que todos los objetos se convertían en vehículos de belleza y dignos de representación. [15]
Según Hauser :
"[...] la gran transición del espíritu europeo [se cumplió aquí], del Reino de Dios a la Naturaleza, de las cosas eternas al entorno inmediato, de los tremendos misterios escatológicos a los secretos más inofensivos del mundo creado. (...) La vida orgánica, que después del fin de la antigüedad había perdido todo valor y significado, vuelve a ser honrada, y las cosas individuales de la realidad sensible son en adelante consideradas como objetos de un arte que ya no requiere justificaciones sobrenaturales. No hay mejor ilustración de este desarrollo que las palabras de Santo Tomás de Aquino: "Dios se regocija en todas las cosas, en cada una según su esencia". Son el epítome de la justificación teológica del naturalismo. Todas las cosas, por pequeñas y efímeras que sean, tienen una relación inmediata con Dios; todo expresa a su manera la naturaleza divina y así adquiere valor y significado también para el arte. [15]
En este proceso de valorización de lo natural, el cuerpo humano resultó especialmente beneficiado, ya que hasta entonces era visto más como "una masa de podredumbre, polvo y cenizas", como decía Pedro Damián en el siglo XI. Esta aversión al cuerpo había sido una nota omnipresente en la cultura religiosa anterior, y la representación del hombre se caracterizaba por una estilización que minimizaba su carnalidad. Pero ahora se abandonó definitivamente el esquematismo simbólico del románico y del gótico temprano para alcanzar en poco tiempo un naturalismo no visto desde el arte grecorromano . La figura del propio Cristo, antes representado principalmente como Juez, Rey y Dios, fue humanizada, y la adoración de su humanidad pasó a considerarse el primer paso para conocer el verdadero amor divino. El logro del naturalismo fue uno de los más fundamentales de todo el período gótico, e hizo posibles siglos más tarde los avances aún más notables del Renacimiento con respecto a la mimesis artística. y la dignificación del hombre en su belleza ideal. [16] [17] Como dijo Ladner,
[...] a finales del siglo XI, la espiritualización había alcanzado un clímax más allá del cual era imposible avanzar; y por tanto la primera mitad del siglo XII supuso un punto de inflexión en la historia de la imagen del hombre en el arte cristiano, así como en el desarrollo de la doctrina de la semejanza entre la imagen del hombre y la de Dios. [18]
Pero sería engañoso suponer que en aquella época el naturalismo representaba una liberación de los dictados de la Iglesia y una abolición radical del interés por el espíritu, y la escultura, como las demás artes, manifestaba un dualismo constante, buscando una fórmula de compromiso entre ambas. extremos. [19] [15]
Si bien la atención a la naturaleza obligó a un enorme avance en la técnica escultórica, permitiéndole imitar formas naturales con gran semejanza, hubo una tendencia a fragmentar la obra en su conjunto, recibiendo más atención las partes que el todo, y un sentido de unidad. sólo se lograría nuevamente al final de esta fase. [19] [15]
En primer lugar, el dato fundamental de este cambio de enfoque fue que parte del conservadurismo cultural se disolvió y se desarrolló un interés genuino por todo lo nuevo. Los cronistas de la época expresaron su entusiasmo ante el surgimiento de un nuevo orden de valores que permitiría construir una sociedad más equilibrada, donde el bienestar material se convirtiera en una meta válida aunque se suponía que preparaba para la salvación del espíritu. . Y dado que se reforzó la idea de que la humanidad había sido renovada en Cristo, las personas ya no tenían que vivir tan oprimidas por el peso de la mortalidad y el pecado , y podían expresar su belleza, vitalidad y alegría sin culpa. [20] [21]
En segundo lugar, se rompió el viejo unilateralismo espiritual , que rechazaba la imitación de la realidad en el arte y buscaba en él sólo la confirmación de la doctrina religiosa, dando paso a una visión que exigía la validación de los principios abstractos a través de la experiencia sensible, con la fe entrando en diálogo. con razón . [9] [15]
Con esto cambió la antigua concepción del arte. Si bien continuó el deseo de crear figuras que pudieran ilustrar adecuadamente los principios espirituales, el empirismo de la época exigía que las imágenes también fueran formalmente correctas según la naturaleza. Estas tendencias naturalistas no se manifestaron todas a la vez y en todos los lugares, y hay que considerar, por supuesto, la permanencia de tradiciones locales profundamente arraigadas que dieron a la producción una nota diferente, a veces más arcaica o exótica. Además, la presencia de algún maestro importante con una personalidad artística más definida pudo haber inclinado el estilo hacia tal o cual aspecto, aunque la principal escultura gótica, al menos hasta la siguiente fase, fue esencialmente anónima y colectiva. [9] [15]
Sin embargo, hay que decir unas palabras sobre la representación (especialmente en la decoración de las iglesias) de animales reales o fantásticos, ya que ocupaban un lugar importante en el pensamiento medieval. [22]
Junto a la decoración puramente ornamental de motivos vegetales, son frecuentes las imágenes del cordero y los peces, sustitutos de Cristo, la paloma que representaba al Espíritu Santo , los animales asociados a los evangelistas —águila , toro y león— , así como los de bestias míticas como el grifo , el dragón y el basilisco , todos transmitiendo significados simbólicos asociados con alguna lección moral. [22]
La forma de gárgola se utilizaba a menudo en la arquitectura de las catedrales como desagüe de agua. Según algunas tradiciones, tenía el poder de ahuyentar a los malos espíritus, pero su interpretación aún es incierta. Además, la representación de animales fantásticos ofrecía un campo libre de la censura eclesiástica , y en él los escultores podían entregarse a su fantasía y humor elaborando una gran variedad de formas extravagantes de gran efecto plástico. [23]
Hacia 1250, la escultura arquitectónica ya mostraba signos de decadencia, siendo reemplazada por ornamentaciones abstractas o florales, ganando importancia las estatuas independientes, los relicarios y, especialmente, los monumentos funerarios y las tumbas de la élite. Dos rasgos innovadores de este género particular fueron la creación de pequeñas figuras instaladas en nichos , generalmente en actitud de duelo, y el otro fue el énfasis en las efigies , buscando una aproximación a la fisonomía real de los muertos. [8]
Antes de finales del siglo XIII, el estilo gótico ya se había extendido por Alemania , España , Inglaterra , Italia y Escandinavia , allanando el camino para la siguiente fase: el gótico internacional. [8]
El gótico internacional comprende el período comprendido entre mediados del siglo XIV y mediados del siglo XV, con su auge alrededor del año 1400. Fue entonces cuando el estilo se convirtió en la lengua franca del arte europeo, con una gran circulación de artistas e intercambios entre escuelas regionales. Pero cuando hablamos de internacionalización, eso no significa que el estilo se haya vuelto homogéneo. Por el contrario, el surgimiento de grandes centros urbanos en varios países, todos con tradiciones propias, creó un panorama de gran diversidad, y la existencia de mecenas adinerados en muchos lugares permitió cultivar un amplio abanico de nuevas posibilidades artísticas. [24]
La escultura de este período ya no es monumental, salvo casos esporádicos, y se concentra en piezas portátiles, retablos y altares . [25] [26]
El siglo XIII, como hemos visto, se caracterizó por el surgimiento de una retórica naturalista derivada de la apreciación de las apariencias superficiales de los objetos del mundo, aunque su fundamento era metafísico . Si la escultura gótica internacional llevó adelante esta tendencia por un lado, por el otro le dio un nuevo enfoque, que sirvió a la atmósfera distintiva de la devotio moderna , un movimiento de revivalismo religioso que comenzó entre las órdenes mendicantes y pronto se extendió entre los laicos . [25] [26]
Esta "devoción moderna" era más introspectiva e íntima, pero fácilmente podía desembocar en estallidos colectivos de fervor místico . No es de extrañar, frente a esta fe más emotiva, la multiplicación de obras de temática dramática como las escenas de la Pasión de Jesús y la Piedad —que tuvieron un atractivo afectivo más inmediato y un carácter confesional y penitencial que tuvo no explorados hasta entonces, y que estaban vinculados a la popularización de las doctrinas sobre las indulgencias y el Purgatorio, y a la comprensión de la Salvación como un problema esencialmente individual y subjetivo, en contraste con las ideas sobre una escatología colectiva que habían predominado antes. [25] [26]
La nueva iconografía que se formó, donde las imágenes de muerte y sufrimiento se volvieron comunes, fue también espejo de una situación social inestable y llena de paradojas, cuando las guerras eran frecuentes, la vida cotidiana de las personas estaba marcada por la violencia gratuita, el hambre era una constante. En la sombra, las frecuentes revueltas populares contra los impuestos abusivos fueron rigurosamente reprimidas y las epidemias diezmaron a la población. [Nota 2] La misma multitud que seguía una procesión con lágrimas de dolor en los ojos podía reunirse en la plaza del pueblo y disfrutar de una ejecución pública sin falta de crueldad. [27]
Pero otros factores contribuyeron a darle diversidad al Gótico Internacional, período que marcó, como decía Huizinga , "el principio del fin del mundo medieval". [24]
La clase media estaba creciendo y organizándose, y comenzó a gestionar grandes sectores de los asuntos públicos. El sistema feudal estaba en decadencia y fue reemplazado gradualmente por un modelo económico protocapitalista dominado por los valores de la burguesía , que de hecho se convirtió en la vanguardia cultural de la época y asumió un papel destacado en el mecenazgo de las artes. [19]
Además, el individualismo que caracterizó esta nueva economía, junto con el nacimiento de una nueva cultura urbana –que se alejó de los valores tradicionales formulando otros más dinámicos, favoreciendo un gran tránsito entre clases sociales– se reflejaron en las artes de una manera que privilegió el realismo. aspectos, intereses profanos y preferencias privadas, donde la proliferación de retratos es ejemplar en este sentido, entrando muchas veces en caracterizaciones psicológicas inéditas. [19]
Al mismo tiempo, la persistencia de una cultura cortesana sofisticada, representada en las cortes de la Casa de Valois de Francia, que se encontraban entre los más grandes mecenas de la época y que estaba inspirada en las tradiciones de la caballería y los ideales del amor cortés , dio Gran parte de la producción de esta fase tuvo un marcado carácter ornamental, enfatizando lo decorativo de los trajes, la riqueza de las texturas y la elegancia de los gestos, aunque el predominio de este código también cristalizó el arte consumido en las cortes en fórmulas convencionalizadas. [27] [24]
En este sentido, resulta ilustrativa la creación de la tipología de la Virgen Bella, una de las más estimadas del Gótico Internacional. Su función y origen exactos son materia de debate, pero parece haber derivado en la órbita de la cultura tanto cortesana como popular, encarnando un ideal atemporal de belleza y fusionando la gracia erudita de las cortes con la piedad sentimental del pueblo. [28]
Otro aspecto de las prácticas artístico-religiosas que cabe mencionar se refiere a la resurrección de fórmulas de épocas anteriores. Como ya se ha dicho, en la gran oleada devocional acaecida durante el gótico internacional, se intensificó enormemente la producción de relicarios y estatuaria de culto, y muchas de las imágenes sagradas producidas entonces eran derivaciones o copias directas de un célebre prototipo cuya veneración era antigua. Esto hacía evidente su relación con la imagen original y confería a la nueva un carácter arcaico y, lo que es más importante, una sacralidad más auténtica, más aún cuando se reforzaba con alguna sugerente leyenda popular , como las que corría en su momento diciendo que ciertas estatuas e iconos famosos se habían multiplicado milagrosamente y obrado maravillas también a través de sus copias. Incluso si las copias no estuvieran vinculadas a ningún folclore específico, se esperaba que disfrutaran de los mismos privilegios y poderes que el original. Este historicismo se hizo aún más marcado en la transición al gótico tardío. [28]
El gótico tardío es la fase final del estilo, pero no fue una fase de decadencia. Al contrario, fue entonces cuando el gótico produjo algunas de sus obras más imponentes, ricas y complejas. [29]
La fase está aproximadamente delimitada entre mediados del siglo XV y mediados del XVI y representa el corolario de lo que se había logrado en la fase anterior con respecto al naturalismo y el internacionalismo. Pero existen diferencias significativas en la sociedad europea de esa época que pueden ayudar a explicar la transformación artística. [29]
En la economía, la apertura de nuevas rutas comerciales en vista de la Era de la Exploración desplazó el eje del comercio internacional hacia las naciones de Europa Occidental. Portugal y España se alzaban como potencias navales, acompañadas de Francia, Inglaterra y Países Bajos . El oro y otras riquezas de las colonias americanas , africanas y asiáticas fluyeron hacia ellos en cantidades sin precedentes, sosteniendo su ascendiente político y haciendo posible un verdadero aumento de la promoción de las artes. [29]
En política, las invasiones de Italia por parte de Francia, Alemania y España provocaron un cambio radical en el equilibrio de poder en el continente, culminando con el saqueo de Roma en 1527 , que provocó que muchos artistas e intelectuales italianos huyeran a otros lugares. Este fenómeno significó la difusión a gran escala de la tradición clásica - renacentista italiana ya que, en Italia, el período gótico había sido superado desde hacía mucho tiempo, coronando la intensa circulación de obras de arte y textos clásicos italianos que ya se venía produciendo desde hacía algún tiempo. [29]
Asimismo, la imprenta de tipos móviles , recién inventada por Gutenberg , permitió difundir de manera mucho más eficiente, amplia y rápida la cultura en general y los textos humanistas en particular entre todos los países. Así, diversos elementos estéticos italianos se hicieron presentes en el arte de la mayoría de los lugares donde el estilo gótico se mantuvo fuerte, dando lugar a una multiplicidad de corrientes eclécticas que a menudo se describen ya como parte del manierismo internacional . [29]
Otra tendencia evidente de la época fue el desarrollo del gusto por lo complejo y ultrasofisticado, que se hace patente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas que sustituyeron a los antiguos portales de la fachada como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo. La estructura misma de los retablos, que enmarcaban las escenas en elaboradas estructuras arquitectónicas, a menudo se parecía a la fachada de una iglesia. [30]
Al igual que los portales, estas grandes estructuras tenían un programa iconográfico claramente organizado, ilustrando las jerarquías divinas que se reflejaban en la Tierra en la forma de la Iglesia establecida, con el Vicario de Cristo como líder, más su cuerpo de ministros y su rebaño de fiel. Este tipo de retablos solían ser ofrecidos por la comunidad y por tanto tenían un significado, además de doctrinal y social, ya que servían como símbolos de identidad de dicha comunidad. Cuanto más ricos y complejos eran, más prestigio aportaban al pueblo o a la congregación. [30]
La mayoría de los retablos tenían paneles laterales abatibles y en las grandes fiestas se abrían las solapas y se dejaba libre para la visualización el gran conjunto. El efecto teatral de la inauguración de la obra adquirió un carácter de epifanía sagrada y al mismo tiempo de celebración colectiva profana, ya que a menudo se representaban figuras del pueblo y de la jerarquía civil junto a Cristo, los ángeles y los santos. [30]
El período gótico cerró su ciclo con una nota sombría: la crisis iconoclasta desencadenada por la Reforma . [4]
Los reformadores, además de poner fin a la unidad del cristianismo –que hasta entonces había sido uno de los elementos más fuertes de cohesión cultural en Europa– propusieron nuevos conceptos religiosos que afectaron a los modos de representación, inclinándose de hecho hacia la condena sumaria de la representación sagrada y desencadenando varios episodios de destrucción masiva de imágenes sagradas que despojaron a innumerables templos convertidos al protestantismo de tesoros artísticos de valor incalculable. Un testigo que escribió en Gante , en 1566, dijo que los incendios que allí consumieron las imágenes se podían ver a más de 15 km de distancia. [4]
Los países católicos no tuvieron este problema, ya que el Concilio de Trento reafirmó la importancia del arte sacro , pero no pudieron evadir el debate internacional que se formó en torno al papel de las imágenes de culto, logrando llegar a un compromiso entre su función devocional y sustitutiva de la imagen divina y su carácter de obra de arte por derecho propio. Aunque Lutero intentó mantener una posición conciliadora, admitiendo la posibilidad de preservar ciertas imágenes como testimonios de la historia santa, otros líderes reformados se mostraron intransigentes. [30]
Esta destrucción a gran escala del arte religioso es uno de los factores que hacen especialmente difícil el estudio de este período; pero por otro lado, propició la formulación de una nueva teoría estética que fue uno de los fundamentos del concepto moderno de arte . [30]
Según Belting :
"Lutero, que simplemente defendió el fundamento de la religión en la vida, fue ciertamente más un testigo que la causa de lo que se ha llamado 'el nacimiento de la era moderna a partir del espíritu de la religión'. La religión, por muy combativa que se reafirmara, ya no era la misma. Luchó por el espacio que había ocupado hasta entonces, pero finalmente se le dio el lugar segregado en la sociedad al que ahora estamos acostumbrados. excluida de él, pero dejó de ser un fenómeno religioso en sí mismo. Dentro del ámbito del arte, las imágenes simbolizaban las nuevas exigencias secularizadas de la cultura y la experiencia estética. En este sentido, se descartó un concepto unificado de la imagen. quedó enmascarado por la etiqueta de "arte" que generalmente se le aplica hoy en día". [30]
El estilo gótico de los dos primeros períodos fue una expresión artística esencialmente francesa. Desde mediados del siglo XIV, siguiendo la tendencia europea general, la escultura monumental decayó pero florecieron las esculturas más pequeñas. Asimismo, la tendencia hacia el naturalismo fue la nota predominante. [31]
Dentro del tema proliferaron estatuas devocionales, mostrando líneas de gran delicadeza y gracia y un carácter ornamental. Las tumbas seguían siendo más o menos similares a las del siglo XIII, excepto que ahora mostraban retratos más precisos de los muertos, en particular los de Carlos V de Francia y sus dos sucesores inmediatos, realizados por André Beauneveu . Carlos V fue incluso uno de los mayores mecenas de su época, haciendo de París uno de los centros escultóricos más importantes y atrayendo a artistas flamencos como Jean de Liége —apoyado en ello por su hermano Juan, duque de Berry , cuya corte se instaló alternativamente en Poitiers y Bourges , recurriendo a los escultores Jean de Cambrai y el citado Beauneveu, entre otros. [31]
Bajo Felipe II , el ducado de Borgoña —que en su época incluía Flandes— tomó un lugar destacado como centro cultural, contando con varios escultores flamencos notables como Claus Sluter y Jean de Marville . Tras la muerte del duque el prestigio de la escuela borgoñona empezó a decaer, pero a finales del siglo XV conviene recordar a Antoine le Moiturier , tradicionalmente considerado como el autor de la famosa Tumba de Philippe Pot . [31]
En el mismo período, los franco-flamencos fueron responsables de un cierto resurgimiento de la decoración arquitectónica, tendencia que continuó hasta el siglo XVI y dejó importantes testimonios en la catedral de Ruan y la catedral de Amiens , incluidas piezas de fachada y relieves en los interiores. También en el siglo XV surgió en el Valle del Loira un prolífico movimiento conocido como Détente , rescatando el viejo idealismo del siglo XIII atemperado con algunos elementos del Renacimiento italiano que empezaba a darse a conocer. Sus temas eran de tipo popular, por lo que tuvo gran éxito entre las clases bajas , pero también cultivó lo sagrado, especialmente las vírgenes y grupos del Santo Sepulcro. [31]
A finales del siglo XV, el movimiento influyó en toda la producción escultórica en Francia, y entre sus exponentes se encontraban Michel Colombe y Jacques Bachot . [31]
En Alemania, el estilo gótico apareció alrededor de 1220 y fue recibido a través de escultores formados en Francia, y aunque la escultura se emplea bastante en fachadas, en general son menos ricas que sus modelos franceses, pero la influencia francesa siempre se mantuvo fuerte. Por otro lado, pronto se destacó más el naturalismo, posiblemente debido a la permanencia de elementos más clásicos en su tradición, conservados por el Renacimiento carolingio del siglo VIII y por los contactos con el Imperio bizantino . [11]
Los manuscritos iluminados conservados desde la antigüedad tardía en monasterios y colecciones eclesiásticas también pueden haber influido en la presentación de modelos clasicistas a los escultores. Había estatuas en la Catedral de Bamberg del siglo XIII que ya pueden considerarse verdaderos retratos —como el famoso Jinete de Bamberg— y lo mismo ocurrió en la Catedral de Naumburg , con varias figuras muy vivaces. Asimismo, a partir de finales de siglo, se observa una tendencia más clara hacia la intensificación dramática y la humanización de los temas sagrados, como se puede comprobar en la proliferación de escenas como la Danza de la Muerte , Nuestra Señora de los Dolores y Cristo como Varón de Penas. Allí también se formula una tipología de la Piedad , destinada a la devoción privada. Los mejores ejemplos monumentales alemanes se encuentran en las catedrales de Estrasburgo (franco-alemana), Freiberg , Bamberg , Magdeburgo y Naumburgo . [11] [13] [8]
A lo largo del Gótico Internacional, cualquier diferencia regional se disolvió y el estilo tendió a homogeneizarse, pero el nivel general de calidad sufrió una nivelación media. También se aprecia una estandarización en la caracterización de los personajes, con estereotipos convencionales que ya no tienen la individualidad de la fase anterior. En esta fase, el gótico alemán sólo se diferencia del francés en la elección de rasgos étnicos locales en el diseño de personajes. [32]
Sin embargo, esta misma elección, que al principio fue sólo circunstancial, superficial, dio origen más tarde a un arte con características nacionales inconfundibles. Pero a diferencia de Francia, que empezaba a abandonar la escultura monumental, este género siguió practicándose ampliamente y son muchas las iglesias en diversas ciudades que cuentan con buenos ejemplos: Xanten , Colonia , Erfurt , Worms , Ulm , Augsburgo , Vurtzburg y Núremberg . Pero de todos los géneros, los más importantes en esta fase fueron las pequeñas piezas de devoción privada, especialmente las vírgenes y las tumbas, cuyas efigies aún muestran rasgos bastante individuales. [32]
En el gótico tardío, las influencias manierista clásica italiana y flamenca se hicieron más prominentes, pero las tendencias típicamente germánicas se impusieron poderosamente, formulando un realismo a menudo brutal y dramático que se basa no en una descripción anatómica exacta sino en el movimiento extravagante de los cuerpos, de los cuerpos. acumulación de personajes muchas veces comprimidos en un espacio minúsculo, de enrevesados pliegues de prendas que adquieren valor por sí mismas sin tener en cuenta los volúmenes corporales subyacentes, y de la sobreabundante decoración accesoria, que por momentos llega a ser exhaustiva en su detalle. La escuela suaba en particular fue celebrada por lograr una intensidad patética en sus piezas devocionales. [32]
Sin embargo, el carácter general de esta producción, a pesar de su evidente virtuosismo, es burgués, pues los tipos humanos son populares, sin idealismo, y el gusto por lo exagerado, lo pintoresco y lo expresivo acerca a veces las obras a la caricatura . Pero en muchos casos, el abandono de lo emocional logró resultados verdaderamente grandilocuentes, y los grandes retablos que se crearon en esta fase final son obras de gran impacto visual y exquisita artesanía. [32]
Entre los muchos maestros que se hicieron famosos en este período y trabajaron en varias regiones alemanas, podemos destacar a Tilman Riemenschneider , Michael Pacher , Bernt Notke , Veit Stoss y Adam Kraft . [32]
La escuela gótica alemana fue, después de la francesa, la más importante para la difusión del estilo al resto de Europa. Muchos de sus artistas viajaron extensamente por todo el continente, dejando obras en Polonia , República Checa , Inglaterra , Suecia , Dinamarca y otros lugares. [32]
En Inglaterra, el estilo gótico surgió un poco más tarde que en Francia, pero el concepto de "gran portal" nunca arraigó allí como norma, y sólo aparece en contadas ocasiones —como en la catedral de Rochester— , aunque incluso allí es más simplificado. Más bien, la escultura gótica inglesa se concentró en otras áreas del edificio, como se ejemplifica en la Catedral de Wells , donde aparece en nichos en la fachada y en partes del interior, como en el coro y las salas capitulares , y su calidad se compara con los modelos franceses. . [8] [12]
Entre los siglos XIV y XV, la estatuaria de fachada desapareció casi por completo y, en su lugar, se prefirió la decoración abstracta o con motivos vegetales. Varios artistas alemanes y flamencos ya trabajaban allí, y el interés se desplazó hacia otras tipologías como las tumbas, de las que destaca la tumba de Eduardo II , y varias otras en la Abadía de Westminster . También se nota en las etapas finales una reintegración de la escultura con la arquitectura, nuevamente en los interiores, capillas y paneles del coro, donde las estatuas están enmarcadas por una rica ornamentación de formas arquitectónicas. La capilla de Enrique VII en Westminster es el ejemplo más importante de este género. [8] [33]
Sin embargo, los logros más originales de la escultura gótica inglesa son las tumbas. Algunas de las más antiguas no muestran a los muertos en reposo sino como héroes caídos en batalla, en posiciones contorsionadas exhalando su último aliento. Otros, de la transición entre el gótico internacional y el gótico tardío, los muestran como cadáveres comidos por gusanos, con repugnantes refinamientos de realismo, recordando lo efímero de las cosas mundanas. Parece seguro que también se produjeron muchas estatuas devocionales en toda Inglaterra, con características bastante singulares y gran riqueza plástica, pero la destrucción masiva que tuvo lugar cuando Enrique VIII rompió con Roma y fundó la Iglesia de Inglaterra dificulta el estudio de su cronología y evolución. Sin embargo, algunas piezas supervivientes exportadas a Escandinavia sugieren que la influencia francesa siempre fue fuerte. [8] [12] [33]
En el caso de Escandinavia, el estilo gótico impregnó el país a partir del siglo XIII en varios frentes –Francia, Inglaterra y Alemania– y la escultura allí producida mostró gran variedad y vitalidad en diversas escuelas regionales. Hay hermosas obras en marfil de elefante y morsa , y la madera fue el material donde quedaron las piezas más interesantes, como los monumentales crucifijos encontrados en Gotland y otras ciudades. En cualquier caso, se construyeron varias catedrales con importante decoración estatuaria, como las de Uppsala , Skara y Trondheim . Entre los siglos XIV y XV se intensificó el comercio con los miembros de la Liga Hanseática , y en esta etapa la escultura escandinava estaba dominada por la influencia de la escuela de Lubeque. [8] [34]
Parece que en las primeras etapas del período gótico la escultura en los Países Bajos tenía poca importancia , y la que hubiera debe haber sido de derivación francesa y renana . [35]
La Reforma causó daños enormes allí y durante la Primera Guerra Mundial también desaparecieron muchos monumentos, por lo que se sabe poco. Sin embargo, lo cierto es que en el siglo XIV se había establecido una escuela importante en Tournai , y el impacto de los maestros flamencos se dejó sentir en la escultura de Inglaterra, Francia y Alemania, lo que hizo que este período fuera algo menos oscuro. [35]
La escuela de Tournai dejó su mejor representación en las tumbas, con una estética austera y naturalista. En el siglo XV, el flamenco finalmente se convirtió en una influencia importante en todo el arte europeo, con artistas como Claus Sluter , Jean de Liège , Jacques de Baerze y muchos otros, que extendieron su arte a otras regiones. Este gran grupo de creadores trabajó un poco en piedra pero dejó sus obras más importantes en el género del retablo de madera policromada, y con una figuración tendiente a lo dramático y lo dinámico. [35]
En España , la transición del románico al gótico se manifestó en el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela , que resulta especialmente interesante porque aún conserva vestigios de su policromía . A lo largo de la evolución temprana del gótico español, la influencia francesa siguió siendo predominante y, aunque en general menos rica que en Francia, adquirió un rasgo muy original, visible en la asimilación de influencias moriscas , en una tendencia recurrente al arcaísmo y en el gusto. para una exuberante ornamentación floral. [9] [32]
Ejemplos significativos de un estilo plenamente gótico se encuentran en la Catedral de León y la Catedral de Burgos , que se encontraban en las rutas de peregrinación de la época y estaban decoradas con importante estatuaria. A lo largo del siglo XIII, el resto de regiones españolas permanecieron más o menos ajenas al estilo gótico, y se siguieron construyendo iglesias al estilo románico. Mientras tanto, la importación de pequeñas piezas góticas francesas para la devoción privada fue grande, y varios artistas franceses trabajaron en este género en muchos lugares. [9] [32] [8]
Finalmente, en el siglo XIV, el estilo francés triunfó en la mayoría de regiones, a excepción de Galicia y Extremadura , y los principales centros de escultura monumental pasaron a ser Navarra , Cataluña y Aragón . Buenos ejemplos de esta fase son la Catedral de Barcelona y la Catedral-Basílica de Nuestra Señora del Pilar , y al mismo tiempo, la escultura empezó a aplicarse en otros espacios diversos, como tumbas, salas capitulares y coros. [9] [32] [8]
A partir del siglo XV, la influencia francesa dio paso a la influencia flamenca y alemana, que predominaría hasta la infusión del clasicismo renacentista durante el reinado de Carlos V en el siglo XVI. En esta etapa, el interés por la decoración monumental decayó, como en el resto de Europa, y se desplazó hacia las obras portátiles y los retablos. Los últimos grandes ejemplos de estatuaria de fachada de estilo gótico puro se encuentran en la Catedral de Oviedo , la Catedral de Sevilla y partes de la aún incompleta Catedral de Toledo . [32]
Para la transición al siglo XVI, los elementos clásicos italianos ya estaban generalizados, dando origen a una escuela manierista ecléctica llamada plateresca , que desarrolló un estilo de decoración de fachadas con estatuas enmarcadas por una enorme complejidad de motivos geométricos y vegetales. El mismo plateresco se aplica a los retablos , cuya sofisticación y riqueza superan a los del norte de Europa de la misma fase pero cuyo aspecto es claramente distintivo. Uno de los retablos más destacados fue Gil de Siloé , y un gran representante de la estatuaria independiente fue Juan de Juni . [32]
Portugal tuvo su ciclo comenzando hacia el año 1250, pero la escultura nunca fue especialmente favorecida. Sus principales ejemplos son algunas tumbas de la nobleza, destacando las sofisticadas tumbas de Pedro I e Inês de Castro en el Monasterio de Alcobaça . Los mayores centros de producción fueron Coimbra , Lisboa , Santarém y Évora . [32] [36]
Entre finales del siglo XV y principios del XVI floreció el estilo manuelino , una derivación manierista del gótico que incorporaba elementos clásicos. Su principal monumento es el Monasterio de los Jerónimos de Lisboa, con un portal diseñado por João de Castilho , ricamente decorado con estatuas y ornamentos diversos. [36] [32]
El desarrollo del gótico italiano es posiblemente el más atípico de todos. La tradición clásica siempre se había mantenido relativamente viva allí, a través de las numerosas ruinas con relieves, sarcófagos y lápidas que se habían conservado del antiguo Imperio Romano , y sus principios son visibles desde el inicio de la tradición gótica. También explicaron su manifestación más breve. [8] [12]
En Italia la tradición de los grandes portales no se desarrolló significativamente, existiendo un mayor número de obras en nichos, tumbas y monumentos funerarios, púlpitos y relieves. El estilo apareció por primera vez en la región central, a principios del siglo XIII, con obra de Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano , quienes dejaron obras de gran calidad en Pisa y Siena que posiblemente se inspiraron en las figuras de los sarcófagos romanos que existían. en el Camposanto de Pisa . Su tratamiento de la figura humana es bastante clasicista, pero el vestuario está confeccionado más según el patrón francés y el énfasis está en el dramatismo de las escenas. [8] [12]
El estilo de ambos tuvo gran influencia en las siguientes generaciones, especialmente en Arnolfo di Cambio , Andrea Orcagna , Bonino da Campione , Tino di Camaino , Lorenzo Maitani y Giovanni di Balduccio , quienes lo llevaron a otras zonas como Milán y Nápoles e introdujeron interpretaciones individualizadas. Otro maestro importante fue Andrea Pisano , autor de famosos relieves para el Baptisterio de San Juan Bautista de Florencia . [12]
A principios del siglo XIV ya predominaban los elementos clásicos y comenzaba el ciclo renacentista, pero aún se pueden detectar influencias góticas en las esculturas de Lorenzo Ghiberti y Donatello , y también en varios artistas menores activos en las periferias entre los siglos XIV y XV. . [8] [12]
_01.JPG/1280px-Monument_to_Bernab%C3%B2_Visconti_(Milan)_01.JPG)
Durante el gótico ninguna de las diversas técnicas escultóricas experimentó innovaciones esenciales, aunque en muchas de ellas se produjo un gran y progresivo refinamiento, pero la concentración del trabajo en piedra y madera es una característica de este período ya que grandes piezas en bronce — por su costo y dificultad técnica—se volvió prohibitivo. [37]
La técnica de fundición indirecta a la cera perdida , que da lugar a esculturas huecas, que abarata enormemente la producción y permite crear obras de gran tamaño, no se redescubrió hasta mediados del siglo XV. [37] Así, los aspectos prácticos más importantes de la misma en la historia de la escultura gótica son su carácter colectivo y el papel de los gremios y talleres de producción. [15]
Cuando surgió el estilo gótico en el siglo XII, el principal género escultórico era la fachada, que dependía estrechamente de la arquitectura. Para la construcción de una gran catedral —que podría tardar siglos en completarse y muchas nunca se construyeron— se formó una especie de empresa, el opus, con una jerarquía organizada bajo la dirección general de la Iglesia y un ejército de artesanos bajo el mando de un magister operis , el maestro de obras (que se encargaba de gestionar el suministro de materiales y el equipo) y de un magister lapidum ( que equivalía a la función de arquitecto jefe y sus actividades se pueden comparar con las del productor y director de una película ). Los trabajadores y artesanos no tenían ningún papel importante ni decisivo, su subordinación a los maestros era prácticamente absoluta, y estos a su vez, trabajaban directamente bajo la dirección eclesiástica. [15] [38]
Aunque se conocen los nombres de varios arquitectos góticos, la personalidad artística independiente y el ascenso del artesano al nivel de artista tal como ahora concebimos el término no se produjo hasta el siglo XIV, cuando la urbanización estaba lo suficientemente avanzada como para atraer a los mejores creadores para establecer Talleres privados en las principales ciudades. [38] [15]
Así, hasta mediados del siglo XIV, básicamente toda la escultura gótica era anónima y producto de muchas manos. Pero incluso cuando estos talleres privados comenzaron a multiplicarse, la regla era que el maestro empleaba una serie de ayudantes que colaboraban en la ejecución de las piezas –sistema que reproducía las grandes empresas de las catedrales aunque en menor escala– y si bien ahora La personalidad creativa del maestro era más clara y podía controlar mejor los resultados, el producto final seguía siendo mayoritariamente colectivo. [38] [15]
Por otra parte, la existencia de un número creciente de artistas autónomos requirió su organización en asociaciones de clases, los gremios , que ejercían un poder considerable en la distribución de los contratos, en los métodos de enseñanza de los aprendices y, a veces, incluso en la definición de parámetros estéticos. . Aunque las prescripciones gremiales solían tener mucha menos influencia en este último tema y el maestro individual conservaba una considerable libertad de elección y acción, dado que las obras siempre se hacían por encargo (no había producción espontánea), el gusto de los mecenas era decisivo. [38] [15]
Con la intensa revalorización del clasicismo durante el Renacimiento, la escultura gótica cayó en el olvido y así permaneció hasta mediados del siglo XVIII, cuando surgió un nuevo interés por los temas medievales en general. [39]
Los eruditos ingleses, alemanes y franceses desempeñaron un papel importante en este redescubrimiento, como Walpole , Goethe y Chateaubriand , [39] pero este interés, aún restringido a las élites intelectuales, no impidió que perecieran innumerables otras reliquias y monumentos del arte gótico. en la Revolución Francesa , vandalizados por el pueblo que había sido alentado a hacerlo por decretos del gobierno revolucionario, como el emitido por la Comuna de París que ordenaba la remoción y decapitación de todas las estatuas de reyes de la fachada de la Catedral de Notre Dame, como un símbolo de la monarquía depuesta. [40] [41]
Los primeros estudios del gótico se centraron en la arquitectura, prestando poca atención a la escultura, que entonces era considerada simplemente un accesorio ornamental de los edificios y tenía que competir con el inmenso prestigio que gozaba la escultura clásica grecorromana. En 1822, Lepsius fue el primero en hacer un estudio detallado de las esculturas de la catedral de Naumburg, pero él mismo, predispuesto por el clasicismo, analizó comparativamente la producción gótica, en detrimento de ésta. [39]
Sin embargo, Lepsius llamó la atención sobre el tema y lo valoró como un importante recurso histórico y cultural. Posteriormente comenzaron a aparecer más estudios, con menciones más frecuentes a la escultura pero todavía dentro de análisis generales de la historia medieval. La historiografía comenzó a consolidarse como una ciencia moderna, haciendo uso de una metodología basada en la documentación y enfoques más objetivos, y un hito en este proceso fue el influyente estudio Handbuch der Kunstgeschichte (1842), de Franz Kluger, donde por primera vez se Se dedicaron secciones a la escultura, aunque reconoció que aún quedaba mucho camino por recorrer. [39]
Otra contribución importante la hizo Carl Schnaase en su Geschichte der bildenden Künste (1842-1864), con cinco volúmenes dedicados a la Edad Media y preocupados por estudiar los monumentos dentro de un contexto social, intelectual e histórico. La mayor importancia de este estudio fue cuestionar la tendencia general a analizar la producción artística medieval a partir de criterios utilizados para juzgar el arte clásico . [39]
Al mismo tiempo, el desarrollo de la arqueología cristiana llegó a definir el gótico como el estilo del cristianismo por excelencia, y desde mediados del siglo XIX aparecieron varias revistas especializadas con artículos que trataban de obras individuales o grupos de escultura gótica, pero típicamente tendían a divorciar las obras de su contexto y abordar más aspectos iconográficos e interpretaciones teológicas, sin una visión sintética. [39]
Para entonces, el interés por la Edad Media en general y el gótico en particular había crecido tanto que se formó una auténtica ola revivalista neogótica , que repercutió principalmente en la arquitectura, la literatura y la pintura. [42]
Algunos estudios sugieren que durante el período neogótico, que duró hasta mediados del siglo XX y se extendió por Occidente, se erigieron más edificios "góticos" que durante todo el período en el que floreció el estilo original. Mientras tanto, el neogótico demostró ser ecléctico, incorporando elementos de las escuelas neoclásica y romántica y de varias fases distintas del gótico histórico en una sola obra, y así, más que una resurrección arqueológica, adquirió la fuerza de un estilo nuevo y autónomo. . Este interés también ha contribuido a la formación de colecciones de arte gótico y al inicio de numerosos proyectos de restauración de monumentos antiguos, aunque no siempre respetando la estricta autenticidad histórica. [42]
Un tratamiento más completo y científico de la escultura gótica no llegó hasta finales del siglo XIX, con Geschichte der Plastik von den ältesten Zeiten bis auf die Gegenwart (1863-1871) de Wilhelm Lübcke . En él, Lübcke primero construyó una visión "total" de la historia de la escultura desde las antiguas civilizaciones del Cercano Oriente hasta los tiempos modernos, además de muchas ilustraciones, y reconoció que la escultura medieval estaba siendo indebidamente descuidada. Al mismo tiempo, las obras de Wilhelm Boden , Franz von Reber y especialmente Wilhelm Vöge finalmente establecieron la escultura gótica como un campo de estudio definido, mientras que Giovanni Morelli , Émile Mâle , Louis Courajod y otros se dedicaron a cuestiones de regionalismos, iconografía, períodos específicos. , genealogía e interpretación del estilo. [42]
El nuevo uso de la fotografía como medio de documentación científica también supuso una ayuda fundamental para los estudiosos y dio a conocer los monumentos góticos al público en general. Otro factor que contribuyó a una reevaluación de la escultura gótica fue el hecho de que desde finales del siglo XVIII se disolvieron varias órdenes religiosas en varios países y se desmantelaron o renovaron muchos edificios medievales, cuyas estatuas decorativas acabaron en colecciones de museos. Con ello, desligadas de su función, podían ser apreciadas como " obras de arte ", independientemente del culto y su aspecto místico . [43] [44]
En el siglo XX se hicieron contribuciones importantes, y a menudo controvertidas, sobre varios aspectos del estilo:
Pero a pesar de los importantes avances realizados recientemente en los estudios medievales y de la considerable bibliografía ya publicada sobre la arquitectura catedralicia, la escultura gótica como entidad independiente sigue siendo un tema relativamente no abordado por los investigadores modernos. [43] [44] [24] [39]
.jpg/1280px-Mise_au_tombeau_du_Christ,_Solesmes_(moulage).jpg)
_Christus_vor_Pilatus.jpg/1280px-Weckmann_(Werkstatt)_Christus_vor_Pilatus.jpg)
