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La escultura renacentista se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la antigüedad clásica . Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de aquella época pretérita la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, quienes, además de superar el estilo figurativo del gótico , impulsaron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el campo de la pintura. [1] El renacimiento de la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo de godos», [2] y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno que se desarrolló casi exclusivamente en la escultura renacentista italiana . El arte renacentista logró interpretar la Naturaleza y plasmarla con libertad y conocimiento en multitud de obras maestras. [3]
La escultura renacentista tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología , con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Al igual que en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio minucioso de la anatomía humana . En Italia coexistieron por igual los temas profanos y religiosos; no así en otros países como España y Alemania, donde prevalecieron los temas religiosos. [4]
El cuerpo humano representaba la Belleza absoluta , cuya correspondencia matemática entre las partes estaba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello hasta Miguel Ángel . Fue en esta época cuando la escultura se liberó prácticamente del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y los personajes se mostraron con expresiones dramáticas que llevaron a la sensación de gran terribilità en los sentimientos expresados en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David . [5]
Un papel fundamental lo jugó la figura del Mecenas , representado por la iglesia y los nobles que, con su mecenazgo, obtenían prestigio social y propaganda política, y abarcaban todas las temáticas: religiosas, mitológicas, vida cotidiana, retratos de personajes, etc. [6]
Con el Renacimiento reaparecieron las glípticas grecorromanas , que habían quedado casi completamente olvidadas durante la Edad Media en la talla fina en piedra (salvo algunos ejemplos del arte bizantino), y a partir del siglo XVI se tallaron preciosos camafeos de gusto clásico, tan perfectos que a veces podían confundirse con los antiguos. Sin embargo, el uso de las tallas finas en piedra, tan favorecidas por las civilizaciones griega y romana, apenas fue recuperado. Estos pequeños relieves sirvieron de modelo, una vez ampliados, para la decoración por parte de los escultores en grandes medallones para palacios de Italia y Francia. [7]
La escultura renacentista hizo uso de todo tipo de materiales, principalmente mármol , bronce y madera. Las reproducciones de estatuillas en bronce fueron muy difundidas en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En Florencia, Antonio Pollaiuolo ( Hércules y Anteo ) y Andrea del Verrocchio ( Niño alado con pez ) fueron los iniciadores, por encargo de los Médici . Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado de una altura de 23 cm [8] . El escultor mantuano Pier Jacopo Alari Bonacolsi , llamado Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de mármoles antiguos. [9]
La madera fue utilizada en países como Alemania y España , donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución de imaginería religiosa, retablos y altares. [10]
Se empleó la terracota como material más económico, en color natural y policromada, como la utilizada por Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen de la Anunciación de la iglesia de los Siervos de Lucca . El artista italiano Pietro Torrigiano realizó en España varias esculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Sevilla . [11] A Luca della Robbia , que siguió el estilo de Donatello, se le atribuye la invención de la arcilla esmaltada, que utilizó en el tabernáculo de Santa Maria Novella de Florencia en combinación con mármol para dar color a la obra, y posteriormente en tondos y madonas ; su taller, seguido por el de su sobrino Andrea della Robbia , produjo gran cantidad de obras en terracota esmaltada que se extendieron por toda Europa. [12] Esta ha llegado a diferentes partes del mundo al ser una manifestación de sentimientos e historia.
La técnica de la talla del mármol se recuperó en época renacentista con la perfección que había tenido durante la época clásica. A partir del Renacimiento se utilizó el taladro de mano o trépano para remover la piedra hasta una determinada profundidad. Esta herramienta se empleaba tanto si la escultura se hacía en talla directa, como en ocasiones había hecho Miguel Ángel , como si se utilizaba la pasada de puntas a partir de un modelo realizado en yeso, como solían hacer artistas como Giambologna , cuyos puntos marcados se pueden ver en muchas de sus esculturas. Donatello utilizó el método griego de trabajar el bloque en bulto redondo, pero Miguel Ángel lo talló de un solo lado. [13] Así lo describió Benvenuto Cellini :
El mejor método jamás empleado por Miguel Ángel ; después de haber dibujado la perspectiva principal sobre el bloque, comenzó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y así, paso a paso, sacar a la luz la figura completa. [14]
— Benvenuto Cellini , sobre Miguel Ángel, escultor.
Para las obras en bronce, la obra debía ser previamente realizada en arcilla o cera para su posterior fundición ; luego se cincelaba para eliminar posibles defectos de fundición, se pulía la superficie con abrasivos y se añadían pátinas al gusto del escultor. [13]
La talla en madera, utilizada principalmente en el norte de Europa y España, podía realizarse también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un pequeño boceto como guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol. [13]
El Renacimiento adoptó los elementos básicos que habían sido descritos por Vitruvio , quien sostenía:
... que la proporción de la forma humana debía servir de paradigma para las proporciones de las creaciones del hombre. Puesto que la naturaleza ha diseñado el cuerpo humano de tal manera que sus miembros estén adecuadamente proporcionados a la figura en su conjunto, parece que los antiguos tenían buenas razones para su regla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.
— Vitruvio (siglo I), en D'Architectura
La composición de la figura humana se basaba en la búsqueda de la perfección en la anatomía , sobre la que muchos artistas de este periodo adquirían verdaderos conocimientos mediante la práctica de disecciones para su estudio. [15] La primera escultura exenta renacentista que mostraba la armonía del desnudo fue el David de Donatello durante el Quattrocento , en el que se podía apreciar la influencia del estilo de Praxíteles con un ligero contrapposto para conseguir el equilibrio en la composición. Durante los años siguientes el conocimiento de la anatomía humana fue adquiriendo una gran perfección, hasta llegar a un pleno contrapposto . Las expresiones de los rostros dejaron de ser hieráticas y ausentes para mostrar sentimientos interiores; la llamada terribilità renacentista ( el David de Miguel Ángel , hacia 1504). En los grupos escultóricos de carácter religioso se mostró la combinación del naturalismo con una intensa expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones mostradas por los personajes con sus rostros deformados por gestos de desesperación y dolor, visibles en los Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y Niccolò dell'Arca . [16] La escultura evolucionó en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina (Miguel Ángel) o el Rapto de las Sabinas (Giambologna). [17]
En los relieves, la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva se utilizaron para componer los fondos de las representaciones, como en las famosas Puertas del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica del stiacciato para el altar de San Antonio de Padua de Donatello. Se compusieron estructuras arquitectónicas como telón de fondo, tal como había hecho Giotto en sus pinturas protorrenacentistas. Algunas laudas de bronce italianas fueron transportadas a España, como la de la catedral de Badajoz de Lorenzo Suárez de Figueroa. [18]
La escultura flamenca junto con la de los países germánicos se desarrolló con un realismo que se apreciaba en todos los detalles ornamentales, donde el trabajo escultórico se presentaba casi como un trabajo de orfebrería que se aplicaba en los grandes altares realizados en madera. También en España, la influencia gótico-flamenca junto con la italiana se vio reflejada en relieves, como el de una de las puertas de la catedral de Barcelona realizado por el escultor flamenco Michael Lochner y por Bartolomé Ordóñez a la italiana en el trascoro de la misma catedral. Los relieves alrededor de los sarcófagos solían representar escenas de la vida de los difuntos: su vida, milagros y martirio si eran religiosos, o la representación de batallas y hazañas militares si eran figuras de la nobleza. Los monumentos funerarios fueron desarrollando distintas fases de composición, desde la estructura tradicional de la losa funeraria o la estatua del solitario yacente en su sarcófago empleada en época medieval, hasta los sepulcros adosados enmarcados por elementos arquitectónicos a la manera de un arco de triunfo , y con un resultado similar a un retablo, donde en la calle central se encontraba la urna habitualmente con la figura del yacente sobre ella y figuras alegóricas en las calles laterales. Finalmente, se realizaron con la representación del difunto en actitud orante, típica de España y Francia. [19]
Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco , que representó un cambio en la forma de decorar los edificios con elementos escultóricos al estilo principalmente italiano, no sólo en la piedra de las fachadas sino también en madera y yeso en los interiores de los edificios, a base de relieves historiados y ornamentos vegetales propios del Renacimiento temprano (llamados "in candelieri") con grandes escudos heráldicos y putti a su alrededor. [20]
Los retratos de busto continuaron utilizándose en el Quattrocento con la nueva concepción humanística que impuso la representación con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad del retratado. Según Alberti , el artista debía «caracterizar pero también establecer relaciones armoniosas». Se realizaron en bronce, terracota policromada y mármol ( Donatello , Verrocchio , Francesco Laurana ). [21]
La estatua ecuestre de bronce, de tamaño natural, ya había sido tratada por escultores romanos como el Marco Aurelio , entonces situado en San Juan de Letrán ; también los caballos de bronce de San Marcos en Venecia sirvieron de modelo para el Renacimiento italiano, y pueden considerarse inspiradores para la Gattamelata de Donatello y el Colleoni de Verrocchio . Los estudios de Leonardo da Vinci llevaron a un cambio en la representación del caballo, que fue colocado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo; la idea fue probablemente tomada de relieves de sarcófagos antiguos. [22]
La historiografía divide este período entre los siglos XV y XVI , en dos etapas que toman el nombre de Quattrocento y Cinquecento .
Mientras en el resto de Europa aún prevalecía el arte gótico , en Italia se inicia en el siglo XV el Quattrocento o primer Renacimiento. Fue el momento en el que triunfaron el Hombre y la Naturaleza. La escultura se adelantó a la arquitectura y a la pintura, desarrollándose vertiginosamente. Sus antecedentes tuvieron lugar en el sur de Italia, en la corte de Federico II , bajo cuya protección nació una escuela artística que ya traía luces anticipadas de lo que sería el Renacimiento del siglo XV. Fue la región de la Toscana durante el anterior periodo del Trecento la que heredó esta nueva forma de hacer escultura en la figura de Nicola Pisano , al que siguieron su hijo Giovanni Pisano , y posteriormente Andrea Pisano (primeras puertas de bronce del Baptisterio de Florencia ) y Nino Pisano .
Nicola Pisanus (firmaba sus obras con este apelativo), cuyo nombre era Nicola de Apulia, llegó desde esta región del sur de Italia para instalarse en Pisa (Toscana). En Pisa (como en la mayoría de regiones de Europa) todavía se mantenía el arte románico y comenzaba a emplearse el arte gótico. Nicola Pisano recibió el encargo de tallar el púlpito del baptisterio de la catedral de esta ciudad . Lo hizo siguiendo las nuevas tendencias aprendidas en Apulia, enfatizando especialmente la forma clásica del Hércules desnudo. Esta obra, el púlpito, se considera precursora del Renacimiento italiano. [23]
Tras estos antecedentes, será la ciudad de Florencia (ciudad próspera en esta época, con la poderosa familia Médicis, mecenas y promotores del arte), la que tomará la delantera en la figura de su mejor representante: Lorenzo Ghiberti . A partir de este momento, no se detectarán más rastros ni lastres medievales. Durante siglo y medio, la escultura florentina dominará los retratos de busto, los retratos ecuestres, los relieves y en las esculturas de bulto redondo. El material empleado por excelencia en este periodo fue el mármol seguido del bronce .
Ghiberti , Donatello y Jacopo della Quercia como los mejores, seguidos por la familia della Robbia, Verrocchio , Antonio Pollaiuolo y Agostino di Duccio , formaron el grupo de grandes escultores de la escuela florentina del Quattrocento. Esta etapa del Quattrocento se inició con el trabajo escultórico de los relieves de las puertas del Baptisterio de Florencia a cargo de Lorenzo Ghiberti, un joven escultor de unos veinte años. El Baptisterio ya contaba con dos puertas talladas por Andrea Pisano en 1330, y en 1401 se convocó un concurso para las dos restantes. El concurso lo ganó Ghiberti (en competencia con Brunelleschi ), completando la primera de las dos puertas en 1424; su obra fue admirada y muy valorada, por lo que la ciudad le encargó la segunda puerta. Invirtió unos veinte años en tallar cada una; fue prácticamente el trabajo de su vida. Esta segunda puerta realizada por Ghiberti y cuarta del baptisterio es conocida como la Puerta del Paraíso , llamada así por Miguel Ángel y considerada uno de los hitos del Quattrocento.
El segundo gran escultor de este periodo fue Donatello , diez años más joven que Ghiberti. Fue mucho más polifacético en su obra, concentrándose principalmente en la figura humana. Donatello es considerado en la Historia del Arte como el precursor de Miguel Ángel y es, en verdad, un artista independiente, fogoso y realista. Su principal interés fue la figura humana en diferentes épocas, abarcando todo tipo de tipos, gestos variados y expresando en su obra los estados espirituales más heterogéneos. Por otro lado, Donatello es considerado un gran experto en temas infantiles, especialmente en la expresión de la alegría de los niños (tribunas de las catedrales de Florencia y Prato ). En la escultura de bulto redondo Donatello difundió el retrato renacentista del busto cortado horizontalmente a lo largo del pecho y no sobre pedestal (como era habitual en la escultura romana). Ejemplos: Busto de Antonio de Narni que lleva un gran camafeo alrededor del cuello; busto de terracota de San Lorenzo, representado como un joven diácono, en la Sacristía Vieja de San Lorenzo en Florencia. Esta manera de presentar los bustos de retrato fue adoptada por los escultores renacentistas y se mantuvo casi hasta el período barroco. En el siglo XVI el busto fue alargado hasta cortarlo a la altura de la cintura. También dentro de la escultura de bulto redondo, Donatello fue el precursor de la figura a caballo (en bronce) en homenaje a un gran personaje y colocada en el centro de una plaza pública. La primera estatua ecuestre de Donatello fue la conocida como Gattamelata ( condottiero Erasmo de Narni ). [24] [25] [26]
Jacopo della Quercia (fallecido en 1438) es el tercer gran escultor de esta escuela florentina y el único del grupo que no nació en Florencia sino en Siena . Pertenece a la generación de Ghiberti. Su estilo es grandilocuente y masivo, en contraste con el estilo detallista de Ghiberti. Su obra maestra fue el portal central de San Petronio en Bolonia, iniciado en 1425. Se trata de una serie de relieves que representan el Génesis y la infancia de Jesús, con bustos de profetas y la imagen de la Virgen de San Petronio. En sus relieves domina la monumentalidad y el tratamiento de los desnudos hercúleos, anticipándose al estilo de Miguel Ángel. Jacopo della Quercia es el autor de la Fuente de Gaia en Siena, de las tumbas de Ilaria del Caretto en Luca y de Galeazzo Bentivoglio en Bolonia.
El grupo de la familia Robbia está encabezado por Luca della Robbia (fallecido en 1482), que se dedicó casi por completo al tratamiento de la infancia y la juventud de la figura femenina. Luca creó una escuela en la que introdujo la técnica de la arcilla vidriada, que apareció en los temas más diversos, desde el pequeño relieve hasta el retablo con copiosas figuras. Trabajó también el mármol y el bronce. Andrea della Robbia , sobrino de Luca, fue el más dotado de sus seguidores. [27] Es el autor de los tondos (medallones circulares) de niños esculpidos en el Spedale degli Innocenti de Florencia. El último del grupo fue Giovanni della Robbia , que no sólo fue escultor, sino también decorador y, en ocasiones, alfarero. [28]
Andrea del Verrocchio (1435-1488) estuvo muy influido por las obras de Donatello hasta el punto de repetir algunos de sus temas, como el David de Florencia o la estatua ecuestre del condotiero Colleone en Venecia (ambas en bronce). Verrocchio se caracteriza por su profundo estudio anatómico. Antonio Pollaiuolo también fue un buen representante florentino de la interpretación de la energía corpórea y del movimiento violento. Su obra maestra en este estilo es Hércules y Anteo, conservada en el Museo del Bargello . Agostino di Duccio (1418-1481) también fue seguidor de Donatello, imitando su famoso estilo de relieve schiacciato , [29] especialmente en la decoración de la fachada del oratorio de San Bernardino en Perugia y en el templo malatestiano de Rímini.
Otro gran escultor que trabajó en Módena fue Guido Mazzoni (fallecido en 1518), cuya obra estuvo realizada sobre todo en terracota pintada, una técnica muy demandada por entonces. Una de sus composiciones más famosas fue la Lamentación sobre Cristo muerto para la iglesia de San Giovanni in Modena, que a su vez debió influir en la obra del mismo título realizada por Juan de Juni en 1463, tras un viaje a las ciudades de Bolonia , Módena y Florencia .
El Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferenciadas en cada una de las dos mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera mitad y el manierismo en la segunda. Fue el triunfo de las experiencias del Quattrocento. Una de sus principales características es el gusto por la grandiosidad monumental, teniendo siempre presente el descubrimiento del clásico Laocoonte y sus hijos , descubierto en 1506. Mientras que los artistas del Quattrocento crearon una escuela en Florencia, los artistas del Cinquecento crearon sus obras y desarrollaron su arte principalmente en la ciudad de Roma, que se convirtió en el centro artístico del nuevo siglo. Florencia siguió siendo una importante ciudad renacentista, y en la capital toscana se siguieron realizando obras maestras del arte durante este periodo, como el David, los sepulcros de las Capillas de los Médici, el Perseo de Cellini, etc. El artista representativo de este periodo es Miguel Ángel, personaje de gran fuerza y personalidad.
Miguel Ángel Buonarroti, discípulo también de la escuela florentina, resume en su persona casi todo el arte escultórico de su tiempo en Italia (1475-1564). En los primeros treinta años de su vida conservó en su cincel algunas de las tradiciones del siglo XV, produciendo obras moderadas y bellas pero vigorosas. A esta primera época debemos sus muy apreciadas esculturas de la Virgen de Brujas y la Piedad con algunos Baco y Cupidos y el David de Florencia. Pero a partir del año en que los papas comenzaron a encargarle la construcción de grandiosos monumentos, creó un estilo gigantesco, muy vigoroso, lleno de pasión, independiente y llamado terribilità únicamente suyo. De este género son las esculturas de las tumbas de los Medici en su capilla de Florencia (de Giuliano y su hermano Lorenzo, cuya estatua sedente es conocida con el nombre de Il Pensieroso por su actitud pensativa) y las estatuas que el artista preparó para la tumba del papa Julio II , especialmente el famoso Moisés que encontró en la basílica de San Pietro in Vincoli .
Sansovino (su nombre propio es Andrea Contucci ) fue un artista educado entre los artistas florentinos que se manifiesta en sus esculturas, un amante de la forma externa, de la anatomía y del clasicismo , especialmente en las estatuas que decoran los mausoleos del cardenal Ascanio Sforza y del obispo Basso Rovere en la iglesia de Santa Maria del Popolo , así como otros en Florencia y Venecia. Su discípulo Jacobo Sansovino trabajó principalmente en Venecia, siendo el gran divulgador de la obra de Miguel Ángel. Una de sus mejores obras escultóricas es el Baco. [30]
Benvenuto Cellini fue, además de escultor, un gran orfebre . Su monumental obra en bronce de Perseo con la cabeza de Medusa fue un símbolo del triunfo de la familia Médici sobre la República florentina. Es el autor del Cristo de mármol del monasterio de El Escorial .
Bandinelli y Ammanati fueron dos escultores contemporáneos de Cellini que esculpieron las monumentales estatuas de Hércules y Caco y Neptuno para la Piazza della Signoria de Florencia. Los dos Leoni, Leone y Pompeyo (padre e hijo) fueron grandes fundidores de bronce y trabajaron principalmente en España, durante el reinado de Felipe II .
El término Manierismo hace referencia a un estilo con características propias dentro del Renacimiento, en el siglo XVI, especialmente a partir de 1520. La característica que mejor lo define es la búsqueda constante de lo no convencional junto con la destrucción de un equilibrio lógico mediante la aplicación de líneas o posturas deformantes, algo que a primera vista puede resultar desconcertante para el espectador. Es el rechazo del equilibrio mediante la adopción de posturas forzadas.
En el manierismo, la escultura rechazó el clasicismo buscando formas curvilíneas y dinámicas, las llamadas serpentinata o composiciones de curvas y contracurvas en las que los cuerpos se giraban sobre sí mismos, en espacios estrechos y a veces con escorzos muy pronunciados .
En Italia, la escultura manierista está representada por Giambologna ("Juan de Bolonia"), por ejemplo el Rapto de las Sabinas , Benvenuto Cellini y Miguel Ángel, uno de cuyos mejores ejemplos es el Deposición donde Cristo se muestra en postura serpentinata . [31]
Este estilo se extendió por toda Europa gracias a la extensa colección de grabados , y especialmente en el campo de la escultura en la profusión de pequeños bronces procedentes de Italia. Así se desarrolló en las cortes europeas de Francisco I en Fontainebleau con Francesco Primaticcio , quien se encargó de traer copias de antigüedades desde Roma. [32] También se desarrolló en la corte de Rodolfo II en Praga , y de Felipe II en El Escorial , donde la corrección académica caracterizó el estilo del manierismo empleado por la familia Leoni. [33] Influido por Miguel Ángel, Gaspar Becerra impuso su estilo manierista en el retablo de la catedral de Astorga , y es en Valladolid , donde se encontraba Juan de Juni , además de Becerra, donde más escultura de este tipo clásico-heroico se realizó. [34]
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El interés político de los reyes de Francia por asentar sus dominios en tierras italianas tuvo consecuencias culturales, pues fueron varios los artistas italianos que a partir de la segunda mitad del siglo XV se instalaron en la corte francesa, siendo Francisco I el principal mecenas de estos artistas, entre ellos Leonardo da Vinci . Hacia 1460, el escultor Francesco Laurana , a quien se considera el introductor del Renacimiento en Francia, se instaló en Provenza y trabajó principalmente en la zona sur del país. Una de sus esculturas más conocidas es la tumba de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans. [35]
Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de este periodo es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura del yacente es tratada con gran realismo . El difunto es representado como un cadáver o incluso como un esqueleto; en la época de la transición, como es el caso de Juana de Borbón en el Louvre . De este tipo son dos obras de Ligier Richier con policromía en negro, blanco y gris: el Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado tiende un corazón hacia el cielo; y el cuerpo yacente demacrado de Felipa de Güeldres en la Iglesia de los Cordeliers en Nancy . Esta alegoría de la resurrección de los muertos llega por vía de la "terribilità" italiana y del desvelamiento del interior del cuerpo, aunque no presente una anatomía perfecta a los ojos de la ciencia. [36]
Por la influencia de la obra italiana destaca Michel Colombe , escultor de la reina Ana de Bretaña a principios del siglo XVI, que encargó la tumba de sus padres, el duque Francisco II y Margarita de Foix en la catedral de Nantes . En las figuras yacentes del sepulcro todavía son visibles rasgos góticos, pero no así en los elementos decorativos y en cuatro figuras de tamaño natural de las Virtudes colocadas en las esquinas del monumento funerario.
Su sobrino Guillaume Regnault, también escultor, le sucedió como escultor de la reina. Sus obras maestras son las estatuas yacentes del consejero real Louis Porcher y su esposa, que hoy se encuentran en el Museo del Louvre. [37]
También a principios del siglo XVI, Jean Goujon (llamado el Fidias francés ) inició su obra en Ruan , y en 1544 marchó a París para ser nombrado escultor real en 1547, donde realizó numerosos encargos como las alegorías de Las cuatro estaciones , las Ninfas , unas Cariátides para la tribuna de los Músicos y realizó los signos del Zodíaco para el antiguo ayuntamiento de París . Durante estos mismos años Germain Pilon realizó numerosos monumentos funerarios con gran influencia de Miguel Ángel , entre los que destaca el Cristo Resucitado con figuras de los guardianes , un grupo para la capilla de Enrique II conservado en el Museo del Louvre , cuyas figuras se inspiran en composiciones pictóricas como el José de Arimatea de Rosso Fiorentino . El Cristo muerto se parece a los grabados de Parmigianino , pues las figuras buscan las diagonales y los escorzos son espectaculares, con los pliegues de las ropas apretados y muy finos, recordando los relieves de la Antigüedad clásica . Su discípulo Bartholomew Prieur, que trabajó al servicio de Enrique IV de Francia , fue un fiel seguidor. Pierre Puget , llamado el « Bernini francés », era ya un escultor del Renacimiento tardío; su obra Milón de Crotona fue sobresaliente. [38]
Las ideas y formas escultóricas del Renacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos que llegaron a trabajar en la corte española durante el siglo XV , y continuaron difundiéndose con la obra de artistas de diversas nacionalidades y de algunos españoles que habían aprendido en Italia desde los últimos años de ese siglo. Sin embargo, el nuevo estilo no se estableció firmemente hasta la ascensión al trono del rey Carlos I de España a principios del siglo XVI. [39]
Ya en 1339 el arte de los pisanos había llegado a Cataluña con el sepulcro de Santa Eulalia en la catedral de Barcelona , esculpido por Lupo di Francesco , aparte de algunas otras influencias descritas anteriormente. Casi un siglo después se esculpieron algunos relieves en el trascoro de la catedral de Valencia por el florentino Giuliano, discípulo de Ghiberti , junto con otros de mano española. Pero estos ensayos e intentos quedaron aislados hasta la llegada de otros maestros de la escuela florentina a finales del siglo XV y principios del siguiente.
La escultura renacentista se hizo presente a través de tres canales diferentes: escultores italianos enviados por Mecenas y que realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de talleres italianos; primera generación de artistas españoles. En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli , Pietro Torrigiano y Jacopo Torni , también llamado el Indaco. [40]
Entre las obras encargadas a Italia, sirven como ejemplo el San Juan del taller de Miguel Ángel para la ciudad de Úbeda y algunos relieves del taller de los Della Robbia.
En cuanto a los escultores españoles, la primera generación estuvo formada por Vasco de la Zarza (la sillería del coro de la catedral de Ávila ), Felipe Bigarny (el retablo mayor de la catedral de Toledo ), Bartolomé Ordóñez (la sillería del coro de la catedral de Barcelona ) y Diego de Siloé (el sepulcro de don Alonso Fonseca en Santa Úrsula de Salamanca). [41]
Alonso Berruguete y Juan de Juni , de origen francés y con taller en Valladolid , autor de los retablos mayores de las iglesias de Santiago y La Antigua, así como de otras muchas obras halladas en Segovia , Ciudad Rodrigo y otras localidades de Castilla, destacaron en el segundo tercio del siglo XVI y se prolongaron hasta 1577. Surgieron también otros grandes maestros del Renacimiento español que, siguiendo los cánones italianos, supieron dar a sus obras un carácter puramente español, creando escuela en las distintas regiones del país.
El tercer tercio llegó con un gusto clasicista . Los dos escultores italianos Leoni ( Leone y Pompeyo, padre e hijo) trabajaron en la corte del emperador Carlos, fundiendo en bronce las estatuas de Carlos I, Felipe II y otros miembros de la familia real.
Dentro del Renacimiento se trata de una variedad puramente española, que se corresponde con el estilo manuelino portugués . También se le denomina gótico isabelino o estilo de los Reyes Católicos , por haberse iniciado con el reinado de estos monarcas, aunque se extiende hasta la época de Felipe II. El término plateresco suele emplearse para la arquitectura, pero al tratarse de un arte puramente decorativo y de ornamentación escultórica, puede incluirse aquí en este pequeño apartado.
Se caracteriza por mantener ciertos componentes góticos y mudéjares dentro del estilo renacentista. Las portadas están esculpidas como si fueran retablos, y junto a la almohadillación típica renacentista, hay columnas con grutescos y repletas de decoración y ventanales de tradición gótica. Proliferan los tondos o medallones y escudos colocados en las claves de las bóvedas y en las enjutas de los arcos. Se trata de un género eminentemente decorativo. Alcanzó su mayor exuberancia en Andalucía. Un buen ejemplo es la fachada del Ayuntamiento de Sevilla de Diego de Riaño . [42]
La prosperidad de las ciudades germánicas se consolidó con la extensión del periodo gótico, produciéndose en las primeras décadas del siglo XVI la introducción de la escultura renacentista con influencia de la escuela italiana florentina. La mayor parte de esta escultura se realizó en madera, debido a la gran riqueza forestal de sus regiones y con una magnífica policromía y dorado. A los escultores alemanes les resultó difícil abandonar los trajes góticos y que sus personajes adquirieran el espíritu clásico, como se puede comprobar claramente en las obras de Veit Stoss , en el retablo de la Virgen de Santa María de Cracovia , en los relieves de la catedral de Bamberg o en la Anunciación del Rosario de la iglesia de San Lorenzo de Núremberg . También en el mismo estilo son las esculturas de Tilman Riemenschneider , obras extraordinarias como el Altar de la Anunciación de la iglesia de Creglingen. [43]
Como "mundo escultórico" se conoce al carácter que adoptó la escultura en los países germánicos durante la segunda mitad del siglo XV, lo que se puede apreciar en los grandes polípticos de altares de algunas iglesias y catedrales alemanas. Se trata a menudo de altares de dos o incluso cuatro hojas totalmente esculpidas, con chapiteles y altos pináculos que albergan, en su parte central, la "caja", con una escena religiosa. Vasari , gran conocedor del estilo alemán, dijo al respecto:
(...) paciencia y gran sutileza... los escultores operan continuamente de tal manera que reducen las cosas a tal sutileza que dejan al mundo asombrado.
Michel Erhart de Ulm alcanzó un gran dominio estilístico. Su obra más importante es el altar del monasterio benedictino de Blaubeurer ( Baden-Württemberg ) donde se pueden ver en el recuadro cinco grandes esculturas policromadas. En los territorios periféricos germánicos, en el Tirol del Sur , trabajó el escultor Michael Pacher ; entre sus obras destaca el altar mayor de San Wolfgang, de once metros de altura y donde la pintura se combina magistralmente con la escultura. [44]
La escultura alemana tuvo una vida efímera en el Renacimiento. Peter Vischer destacó como escultor junto a otros miembros de su familia, inspirándose más directamente en el Quattrocento italiano, como se puede comprobar en la tumba de San Sebaldo (1507-1519) en Núremberg , así como su participación en el mausoleo del emperador Maximiliano en Innsbruck , que debía agrupar cuarenta estatuas de tamaño mayor que el natural y cien estatuillas más pequeñas con cuarenta bustos de emperadores. Solo se completó un tercio de esta obra, y las esculturas se fundieron en bronce . En esta obra también intervino Alberto Durero , para el que diseñó la Cabeza del rey Arturo y realizó la escultura de cuerpo entero de Vischer, con la decoración y la armadura de estilo medieval, pero con el claro contrapposto de un héroe de la Antigüedad. [45]
En los Países Bajos , las actividades artísticas se habían desarrollado y consolidado plenamente durante el periodo gótico hasta alcanzar niveles muy elevados, lo que hace comprensible que se mostraran reacios a admitir otros criterios. Así, la aceptación del nuevo estilo llegado de Italia fue tardía y las decoraciones góticas se mantuvieron durante mucho tiempo. En la realización de retablos, sillería del coro y mobiliario religioso, incluida la escultura, se utilizó la talla de madera, en la que se elaboraron elementos renacentistas al estilo de los realizados en la parte lombarda de Italia.
En 1507 Margarita de Austria se convirtió en gobernadora de los Países Bajos en nombre de su sobrino Carlos I , creando una corte humanista en Malinas . Margarita fue una gran coleccionista de arte y tomó a su servicio todo tipo de artistas, entre ellos el escultor Conrad Meit , nacido en Worms , que trabajó en el arte del retrato y de pequeñas estatuillas de madera de boj o bronce. Margarita le encargó que hiciera las figuras de su marido Filiberto el Hermoso , la de su madre María de Borgoña , y la suya propia para la iglesia de Brou de Bourg-en-Bresse . [46]
El belga Herman Glosencamps realizó las esculturas decorativas de la chimenea del Ayuntamiento de Brujas . En Utrech existen varias estatuas del escultor Uries y Kéyser, en las que se aprecia el naturalismo renacentista en los detalles anatómicos y en los pliegues de los paramentos, con plena aceptación del nuevo estilo en la segunda mitad del siglo XVI.
Jacques du Broeuq , maestro de Juan de Bolonia , fue nombrado arquitecto y escultor de corte por María de Austria , hija de Carlos I de España , para quien realizó numerosas obras, entre ellas un conjunto de esculturas en alabastro para el coro de Sainte-Waudru de Mons. Sus relieves se aproximan a los escultores italianos contemporáneos, y se aprecian rasgos clasicistas en los pliegues de sus ropajes, al estilo de la estatuaria antigua. En los relieves de mayor tamaño como el de la Resurrección, las figuras se muestran con siluetas alargadas, casi redondeadas y muy pronunciadas.
La obra del escultor y arquitecto Cornelius Floris de Vriendt se manifestó con gran semejanza con el estilo italiano en la fachada del ayuntamiento de Amberes , en las tumbas de los reyes de Dinamarca y de los duques de Prusia en Königsberg , y en la decoración del coro de la catedral de Nuestra Señora de Tournai , realizada con una gran semejanza con el estilo de Andrea Sansovino . [47]
La escultura inglesa del siglo XVI deriva de la escultura italiana, siendo de este último país los artistas más notables que trabajaron en Inglaterra . Los monarcas, con el fin de incentivar la vida artística, ejercieron un papel muy importante en el desarrollo de este movimiento artístico. Entre los primeros y principales escultores italianos estuvo Pietro Torrigiano , a quien debemos la tumba de Enrique VII e Isabel de York . Está realizada en mármol y bronce dorado, con las figuras yacentes de los monarcas y en cada esquina del sepulcro ángeles sosteniendo escudos de armas; se encuentra en una capilla de la Abadía de Westminster en Londres . En 1511 esculpió la tumba de Margarita Beaufort , madre de Enrique VII. De 1516 data la tumba del archivista real, John Young, a quien también representó en un busto conservado en la National Portrait Gallery de Londres.
También fue encargado por Enrique VIII para su propia tumba y la de su esposa Catalina de Aragón en 1518. A pesar del viaje del escultor a Italia para contratar ayudantes, se desconocen los motivos por los que no concluyó la obra y abandonó la corte inglesa para instalarse en España en 1525. Esta tumba fue finalmente realizada entre 1524 y 1528 por el escultor italiano Benedetto da Rovezzano .
Con la implantación de la Reforma protestante, la escultura religiosa fue suprimida en Inglaterra, así como el contacto con todo aquello que pudiese venir de Italia por ser identificada como una vía de influencia papal. Sólo en los soberbios panteones y en las estatuas conmemorativas de personajes tuvo desde entonces algo de vida en las artes plásticas, como la realizada por el inglés Richard Parker para la tumba del conde de Rutland (1543) en Bottesford . [48]
La influencia italiana fue sustituida por la francesa y por la llegada de artistas flamencos, entre ellos Gerard Johnson (también llamado Garret Jansen), quien realizó la tumba del conde de Southampton en Titchfield y el monumento funerario en honor a William Shakespeare en Stratford . [49]
A finales del siglo XV, Andrea Sansovino fue a trabajar para el rey Juan II de Portugal ; parece haber existido la sensación de que los italianos, con su monopolio casi exclusivo sobre el arte antiguo, también poseían el don de lo que era correcto en el arte. [50]
En torno a la corte de Juan III se creó un foco de humanismo sobre el modelo de las cortes italianas . El Renacimiento se impuso en las ciudades de Coímbra , Tomar y Évora con tanta fuerza que en esta región del Alentejo fue muy difícil la posterior implantación del Barroco . La escultura portuguesa también fue italianizante en su primer Renacimiento, siendo sus principales obras tres bellos relieves del claustro de la iglesia de Santa Cruz de Coímbra , tallados por artistas portugueses:
El artista Nicolas Chanterenne, procedente de Francia, realizó en 1515 los sepulcros reales para esta iglesia de Coímbra. En 1517 le encargaron el pórtico central del Monasterio de los Jerónimos de Belém y las figuras orantes del rey Manuel y de la reina María ; entre las muchas obras de este escultor se encuentra el retablo de alabastro del Palacio de Pena para la ciudad de Sintra . Chanterenne practicó también el arte del retrato con bustos de gran realismo. [51]
En Coímbra estuvieron también otros dos escultores franceses: Juan de Ruan y Felipe Duarte u Orarte, que procedía de Toledo y al que se encargó la realización del grupo de La Cena , que se terminó en 1534 con un realismo extraordinario en actitudes agitadas e impetuosas. El grupo se conserva actualmente en el Museo de la ciudad de Coímbra. Rouén trabajó en un retablo para la capilla del Sacramento de la catedral de esta ciudad; también es destacable el púlpito que realizó para el monasterio de Santa Cruz. Este artista montó un importante taller, donde se esculpieron gran número de obras. A mediados de este siglo la influencia española se pudo apreciar en varias obras del monasterio de Belém, como en un Crucificado de madera cuyo estilo es similar al del círculo de Diego de Siloé. [52]
En general, la escultura renacentista hispanoamericana se logró, gracias en gran parte, a las órdenes religiosas y a su labor docente junto con la disponibilidad de modelos de obras traídas de España, de donde en muchas ocasiones se copió la iconografía de las imágenes, especialmente la iconografía de las mismas.
En Ecuador , fueron precisamente los misioneros franciscanos de origen flamenco Pedro Gosseal y Jodoco Ricke quienes fundaron la primera escuela en el convento de San Francisco de Quito , enseñando conocimientos en el arte de la arquitectura y la talla, tanto en piedra como en madera, así como la religión y las letras. Los artistas locales lograron buenas interpretaciones mezcladas con motivos de su tradición con el ingenio de los rostros de las imágenes así como la policromía con colores más primarios y mucho más llamativos, donde se puede apreciar en los retablos que se construyeron durante el siglo XV en México , así como en la decoración empleada en las pilas bautismales y en las cruces de los patios conventuales. [53]
Un escultor relevante es el guatemalteco Quirio Cataño, autor, entre otras imágenes, del Cristo Negro de Esquipulas en 1594. [54]
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